Informacion, Datos y Noticias Hip Hop

MiL0 · 22-01-2011 , 20:52:44

Un profesor hispano educa a alumnos con desventajas con un programa de hip-hop

Anthony Pineda, maestro de la escuela especial Beacon en San José, California, desarrolla un método de enseñanza para estudiantes con discapacidades basado en la producción de canciones a ritmo de hip-hop.
"El hip-hop tiene el potencial de cambiar la mente de la juventud en cualquier dirección", dijo a Efe Pineda.

"Si los muchachos escuchan hip-hop destructivo entonces su mente se va a destruir, pero si escuchan hip-hop con mensajes constructivos comienzan a pensar y a liberarse de los traumas en sus vidas", agregó.

Nacido el 24 de julio de 1979 en Stockton, California, Pineda desde 2008 es consejero de intervención de la escuela Beacon, especializada en educación terapéutica para estudiantes de tercer grado hasta secundaria con autismo, perturbaciones emocionales u otro tipo de discapacidades que les impiden insertarse en una escuela regular.

"El programa hip-hop a los estudiantes especiales les ayuda a sobreponerse a sus propios temores, les da esperanza y les provee una voz para que con la poesía y la música nos enseñen a nosotros los educadores sobre sus vidas y sobre lo que saben", explicó Pineda.
Pineda se graduó de una triple licenciatura en sicología, sociología y estudios afroamericanos de la Universidad de California en Davis en 2007 y este año terminará la maestría en "Estudios de la Conciencia y Transformación".

"La idea de educar con música nació después de haber estudiado en la universidad cómo afecta a nuestro comportamiento el hip-hop y junto a mi colega Daniel Rusell pensamos en una manera de cómo usar el hip-hop para que los estudiantes se sientan más entusiasmados para venir a la escuela", recordó Pineda.

"En 2008 presentamos a la dirección una propuesta del programa hip-hop para enseñarles a los estudiantes poesía, música y sobre como analizar las letras de las canciones, porque el mensaje influye más de lo que alcanzamos a entender", explicó.

La escuela especial Beacon tiene alrededor de 65 alumnos de los cuales el 35 por ciento son hispanos.
Auxiliado con un estudio de grabación portátil que lo instala en uno de los salones de clase, los estudiantes graban sus canciones que la mayoría son poesías rimadas con contenido social.
"Cuando los estudiantes escuchan canciones en la radio la mayoría de mensajes que escuchan es sexo, fiestas, drogas, y nada sobre como estudiar duro para tener éxito en la universidad o sobre cómo luchar contra las injusticias sociales", subrayó Pineda.

"Por eso les traemos a los artistas de hip-hop para platicar con ellos y el resultado es que hasta la fecha ya grabamos 3 discos con canciones de los mismos estudiantes, que luego ellos mismos se los venden a sus familiares o amigos", indicó Pineda.

El maestro especificó que todos sus estudiantes son clasificados como de "bajo riesgo" entre los cuales hay un segmento con funciones cerebrales limitadas, además de los que han sido víctimas de abusos emocionales, han pertenecido a pandillas, han consumido drogas o viven en casas de acogida.
"La educación en Estados Unidos está herida, a los jóvenes no les gusta la escuela, no están motivados, particularmente con los latinos lo que dicen es que sus familias no les importa la universidad", señaló Pineda.

"Este programa les permite a los estudiantes hacer algo diferente en su educación. Creo que esto les permite a ellos volar con lo que aprenden y si pudiéramos replicar este programa en todas las escuelas a los estudiantes les estaríamos dando una voz y poder, porque el conocimiento es poder", finalizó.

MiL0 · 22-01-2011 , 20:54:08

Hip hop peruano remece la Comunidad Andina

Canción de Clan Urbano se alzó ganadora en su género, en concurso ´Premio a la Mejor Canción 2010´, a nivel Latinoamérica.

Tras semanas de ardua competencia, se revelaron los ganadores del concurso “Premio a la Mejor Canción 2010” organizado por la Secretaría General de la Comunidad Andina de Naciones (CAN). En un género de creciente demanda, el hip hop, ganaron los peruanos de la agrupación “Clan Urbano” con el tema “La Fiesta”. El triunfo peruano fue total, pues en la terna general, la Mejor Canción fue “Cielo sin luz”, de nuestra compatriota Anna Carina Copelo.

Este concurso a nivel de todos los países de la CAN, con apoyo de la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID), tuvo como vía la emisora Internet RadioCAN. La competencia, organizada por el primer aniversario de la radio, contó en esta su primera versión con más de cincuenta canciones y artistas de Bolivia, Colombia, Ecuador y Perú, en diez categorías.

"Es un privilegio haber logrado esta distinción para nuestro país. Nuestro tema, “La Fiesta”, fue seleccionado por la rotación en la emisora de la CAN, gracias a los votos de miles de jóvenes vía Internet”, señaló Rafomagia, líder del grupo que ya firmó contrato para ser representados por el conocido sello Peermusic. “Clan Urbano” compitió contra los colombianos reggaetoneros Golpe a Golpe, Fainal y J. Balvin además del boliviano Chris Syler y el grupo ecuatoriano Yeska Malafacha.

Como se recuerda, el grupo ganó la última edición del Festival Claro con la canción “Esta es mi casa”. La banda, que en abril cumplirá quince años, realizó un especial en radio WDR Funkhaus Europa. Su música rota en circuitos del Viejo Continente a través de grupos seguidores de hip hop por Internet, como el caso de esta emisora de la CAN que le dio un impulso mayor a su internacionalización.
Subterraneos felicita a Clan urbano liderado por nuestro gran amigo Rafomagia

MiL0 · 22-01-2011 , 20:55:55

Reyes del hip hop en YouTube

En Colombia, los grupos de hip hop desconocidos han encontrado en la web una gran herramienta para lanzarse a la fama. Todo Copas, una agrupación del centro de Bogotá, ya tiene más de un millón de vistas en YouTube.

Más de un millón de vistas. Para ser exactos, 1’313.520, ese es el número de veces que han reproducido en YouTube el video Todo Copas, de la agrupación bogotana de hip hop que tiene el mismo nombre. Lo irónico es que ninguno de ellos haya conseguido contrato, que a diferencia de los raperos gringos no porten brillantes cadenas ni anden en carros costosos. Son sólo tres muchachos del barrio, del centro de Bogotá, chicos que en el buen sentido de la palabra conocen la calle porque como explica Smith, “calle no es ser ladrón, es parchar por ahí, observar lo que pasa a tu alrededor y meterlo en las canciones”.

Como ellos hay otros grupos bogotanos que cada día ganan más seguidores por sus videos en YouTube o sus cuentas en Facebook y Twitter. Fondo Blanco Crack Family, otro grupo capitalino, tiene casi 300 mil vistas en tan sólo uno de sus videos. ¿Pero cómo es posible que sus líricas y ritmos trasciendan la calle y se conviertan en un fenómeno de las redes sociales? No hay una respuesta fácil ni única, pero puede estar relacionado con que ellos son como se muestran en los videos e imprimen una gran porción de realidad a todo lo que hacen.

“Hay gente que dice ser calle, pero no ha vivido realmente lo que es estar ahí, camellando, a veces sin familia”, explica Ángel, otro de los raperos del grupo, “nosotros no tenemos que pretender nada y eso es lo que mostramos en los videos”. Por eso en sus producciones caseras, hechas de forma empírica, se muestra todo lo bueno y malo que viene con ser calle. “En el video de Todo Copas había chicos de todo tipo y no los censuramos”, comenta el rapero. Sus videos y canciones han despertado controversia en el mundo del hip hop, ya que muestran crudas imágenes de jóvenes fumando marihuana o crack. “Es una cuestión de ser reales y así es la calle”, dice Ángel.

Todo Copas está en el pico de un fenómeno que se viene desarrollando en la ciudad. Los jóvenes raperos con aspiraciones de fama musical, sin ayuda de disqueras ni mánagers y por supuesto sin recursos, han encontrado que la red es una herramienta para realizar sus proyectos. Por ejemplo, un solo video de Cejas Negraz (líder del grupo Fondo Blanco Crack Family) rapeando en el Septimazo, con poca iluminación y un sonido rústico, ya tiene más de 700 mil vistas. Además, cuando se escribe en el buscador de YouTube “hip hop bogotano”, aparecen grupos como Zebra, que sin ningún reconocimiento en el mainstream de la industria musical colombiana, tiene un promedio de 200 mil vistas por video.

Estas piezas audiovisuales no son grandes producciones. Son obra de amigos interesados en eso de grabar y editar. A veces, cuando tienen dinero, alquilan una cámara HD para hacer las tomas, pero definitivamente los impedimentos técnicos no son un obstáculo. Si es necesario, filman con el celular. Ángel explica que las personas en la calle les preguntan qué están haciendo, “que si es para una novela”, cuenta el rapero. Por eso los videos tienen tanto del “gueto”, porque incluyen a los habitantes de la calle, las prostitutas y los transeúntes.

Aunque el fenómeno es muy fuerte en la capital, hay otros ejemplos como el de Todo Copas en otras ciudades del país. Tal es el caso del Judío, un rapero caleño que también ha logrado que sus videos (donde a veces aparece sólo frente a la cámara) tengan entre 50 mil y 300 mil vistas. También está el caso de Alcolirykoz, una agrupación de Medellín que sonó mucho por Twitter y aunque el número de reproducciones de sus videos no es tan alto, ellos continúan subiendo material a la web.

El mercado del hip hop colombiano es casi inexistente en comparación con el estadounidense, uno de los más grandes de ese país. Tan sólo en 2003, ese género era la de mayor crecimiento en el país norteamericano con ventas que llegaban a US$1,84 mil millones de los US$14,3 mil millones totales que ingresaban al mercado musical. Y eso teniendo en cuenta que desde ese año, el hip hop ha continuado creciendo. En Estados Unidos, los canales MTV, VH1 o BET (canal exclusivo de ese tipo de música) se pelean por las primicias musicales de Kanye West, Jay Z o Eminem.

Acá nadie se pelea por poner la música de Ángel, Smith y Alveiro, ni por sacar su videos en ningún canal. “Nosotros no estamos en nómina, toca trabajar con lo que tenemos”. Por eso desde que fundaron la banda, en 2007, han elaborado videos para cargarlos en internet. Además usan Facebook como una importante herramienta de difusión. Actualmente tienen 4.353 amigos en esta red social, e incrementan cada día.

“La música fue lo que me sacó de eso”, dice tímidamente Ángel. Hace unos años ni siquiera soñaba con ser músico o estar en un grupo, él se dedicaba a actividades un tanto más ilegales. Ahora eso quedó atrás. Ellos trabajan en el barrio del lado, el que llaman El Bronx, enseñando la cultura del hip hop a los hijos de expendedores, ladrones, recicladores y habitantes de la calle. Además apoyan su música con lo que ganan en dos pequeños estands de ropa hip hopera situados en el Centro Comercial Plaza España. Ahí Smith raya con un aerógrafo buzos, zapatos y todo lo que sus clientes le lleven.

Así seguirá la vida de calle de estos tres chicos, los freestyleros, los que andan en cicla por el centro (“su hogar”) y los que no pueden dejar de hacer música. Aunque aspiran a ser reconocidos por su música en la red, los conciertos y en las ciudades, no buscan que sus buenas acciones los lancen a la fama. Es simplemente algo más que tienen que hacer para seguir, como su nombre lo dice, “todo bien, todo copas”.

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MiL0 · 22-01-2011 , 20:57:30

BreakDance una actividad de alto riesgo? Como evitar los problemas de salud

Según un estudio realizado con 144 breakers profesionales, se descubrió la alta accidentalidad de la práctica, que no había sido documentada anteriormente.

Los investigadores alemanes identificaron las siguientes partes del cuerpo como las mas afectadas:

Columna
Rodillas
Muñecas
Hombros
Tobillos

Una de las lesiones mas frecuentes es el deslizamiento de uno de los discos de la columna vertebral y las contusiones.

No es de sorprenderse que en una actividad "extrema" , igual que el skate, se produzcan lesiones. Sin embargo los investigadores advirtieron que gran parte de estas lesiones pudieron haber sido evitadas de haberse tomado las medidas de precaucion adecuadas.

Uno de los principales problemas es que quienes se lesionan no esperan lo suficiente para volver a bailar.

Los practicantes de disciplinas como el breakdance deben asumirlo de la misma forma que lo hacen los atletas, Quienes se toman todo el tiempo necesario para que sus lesionen sanen pues al forzar al cuerpo mas alla de sus limites pueden generar lesiones permanentes.

Métodos de entrenamiento mas seguros
Al ser conscientes de los peligros potenciales, los bboys deben tomar las precauciones en sus entrenamientos y presentaciones. Desde el calentamiento apropiado hasta el uso de protectores mientras se perfecciona un movimiento.

Desarrollo de fuerza y flexibilidad de forma gradual antes de intentar movimientos arriesgados
Muchas lesiones graves se producen cuando un principiante que carece de la masa muscular, flexibilidad y buen estado fisico general intenta realizar un movimiento avanzado. Un practicante que se haya tomado el tiempo para desarrollar la fuerza necesaria en los grupos de musculos que va a utilizar tiene menor probabilidad de sufrir un accidente. Por esa razon es necesario que quien practica esta actividad evalue su condición fisica, fuerza, flexibilidad y si es necesario invierta el tiempo en una rutina apropiada ANTES de ejecutar los movimientos del breakdance.

Así que paciencia, que es mejor avanzar de forma lenta pero integral, que lesionarse de forma absurda

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MiL0 · 22-01-2011 , 20:58:43

Iconos en el graffiti

En función de lograr una mayor llegada a los espectadores callejeros de las obras de graffiti, los escritores han ideado, buscado y creado nuevas formas, tanto en la creación y los estilos de sus diseños, como en posibles símbolos o íconos que los identifiquen sobre el resto.

Luego del tag, en donde los graffitero buscaban resaltar sobre el resto por la reiteración y la abundancia de sus firmas, la búsqueda se centró en la creación y ejecución de pinturas de mayor calidad, que sobresalieran, no por su repetición y su constante presencia en la ciudad, sino por la complejidad del diseño.
La evolución de las formas y la estética del graffiti siempre estuvieron ceñidas a nuevas formas de letras, como en los estilos de letra pompa, estilo basura, estilo salvaje o Wild Style, entre otros. Sin embargo, con la aparición de escritores que plasmaran dibujos u obras de otra índole en las calles, las variantes fueron mayores. De allí es que muchos innovaron en variar de una firma a un ícono que los identificara.

Identidad en íconos del graffiti

Más allá de que muchos escritores ya sean reconocidos, el graffiti siempre mantiene una cuota de anonimato. Más allá de la firma, del mote propio del escritor, el carácter callejero del graffiti genera una especie de ausencia de creador, o, por lo menos, una persona no identificable.
Con el uso del ícono se mantiene aún esta característica. En muchos graffiteros, el uso de una firma que identifique al ejecutor y creador del graffiti, dio paso al uso de un ícono original. En este aspecto se busca un elemento en particular, más o menos complejo, que sea original y singular.
Los íconos pueden ser manchas, objetos cotidianos, el mismo tag o una obra previa plasmada a escala, a modo de rubrica en trabajos posteriores. En España, se pueden destacar a Suso33 (plasta de pintura), el Xupet Negré (chupete color negro), Nami (una mano), Muelle (tag deformado). Fuera de España, se destacan en el uso de íconos al francés Jon 1 y al estadounidense Seen.

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MiL0 · 22-01-2011 , 21:00:29

El graffiti y los niños

Siguiendo con el tema relacionado al graffiti en las escuelas de arte, algo que es muy importante y que leí la semana pasada en un blog es la relación que puede tener esta actividad con los niños.

Muchos pueden pensar que se les está enseñando a hacer vandalismo, pero están totalmente equivocados, se les enseña a hacer arte. Un grupo de jóvenes estuvo trabajando el año pasado en talleres de graffiti en la zona de Gaza. Por todos es conocida la situación de opresión que vive el pueblo palestino por parte de Israel, y precisamente estas actividades dirigidas a los más jóvenes tratan de ofrecer una evasión a la problemática que día a día les asfixia.

Acá algunas imágenes del taller realizado en Palestina.

En el Perú también ha habido talleres de graffiti para niños y jóvenes, pero por falta de apoyo y de motivación han desaparecido. Una de las entidades que ha apoyado a este tipo de talleres es el Gobierno Regional del Callao, que motiva a los jóvenes a hacer arte por medio del graffiti. Espero que otras entidades privadas o públicas también ayuden a incentivar este arte, que poco a poco va teniendo más adeptos.

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MiL0 · 22-01-2011 , 21:03:11

El archivo del Hip Hop

En los años setenta el Popmaster Fabel (alguna vez conocido como Jorge Pabón) pasaba los días en las calles del Harlem hispano de Nueva York “corriendo como un loquito”, al son de los cambiantes repiqueteos del barrio. Su madre lo reprendía: “Deja de moverte como un negro.” Pero Fabel no hacía caso.

La popularidad en las calles dependía de esas habilidades, aprendidas en las fiestas de las barriadas negras: un DJ hacía sonar fragmentos de percusión de varios discos de vinilo; sobre el percutir, los valientes improvisaban rimas en un micrófono, mientras otros pintaban grafiti en las paredes. Se bailaba con movimientos cortos y rebotes elásticos. Fabel practicó esos movimientos en la calle, en su casa frente al espejo, en la escuela con sus amigos, demorándose de forma imposible para tomar un lápiz del pupitre –y en cada milímetro posaba en diferentes posiciones como un maniquí.

En los años ochenta Fabel se convirtió en artista de eso que ya llamaban hip hop. Fue bailarín y coreógrafo, DJ y artista de pintura en aerosol; integró bandas musicales con nombres como The Magnificent Force o The Rocky Steady Crew; hasta ayudó a fundar un teatro Off Broadway dedicado a la nueva estética.
En los noventa hizo giras por Estados Unidos, fue el primer artista del hip hop en bailar en Cuba, ganó premios, actuó en películas. El Rock and Roll Hall of Fame lo contrató como asesor. La New School de Nueva York le pagó por enseñar a bailar a los estudiantes.

Ya en el siglo XXI curó muestras en museos, habló ante los delegados de Naciones Unidas en la “Conferencia del Hip Hop para la Paz” y acabó por convertirse en maestro e historiador de su propia vida.
El mes pasado, quince estudiantes esperaban el inicio de otra de sus conferencias. A mi lado, en la vereda, el Popmaster Fabel fumaba, nervioso. Al terminar su cigarro, exclamó: “¡Dios mío, estoy en Harvard!”

Al día siguiente, acurrucado en un sofá de terciopelo, su colega Chuck D (antes Carl Ryder, o Mistachuck, o Chucky D, o Chuck Dangerous, o The Hard Rhymer, o The Rhyme Animal, o Crunk Bitchicana) protestó ante un público de estudiantes y académicos de la misma Universidad de Harvard, la que fuera fundada en el siglo XVII por los puritanos, la que precede a los propios Estados Unidos en antigüedad, la organización no gubernamental más rica después de la Iglesia católica que se ha convertido en una marca mundial de la educación y la cultura de las élites, y que acaba de abrir un “Archivo del Hip Hop” en su departamento de estudios afroamericanos:

–El hip hop era marrón (latino) y negro. Ahora dicen que no era marrón. Dicen que es “urbano”. ¿Urbano? ¿Qué quiere decir eso? Me dicen: I love hip hop, man. Y yo les pregunto: ¿Entonces amas a los negros? Y contestan: ¿Y eso qué tiene que ver?

En los años setenta, cuando se inventó, “el hip hop era un acontecimiento que duraba tres horas”, recordó Chuck D en Harvard. Era un happening: fiestas en las calles de los barrios negros y latinos del Bronx animadas por DJs que hacían girar discos de vinilo en una o dos bandejas, aislando la percusión en temas de reggae, rock, funk y disco. A un inmigrante jamaiquino, Kool Herc, se le ocurrió combinar dos discos simultáneos con un mezclador de sonido y “rasparlos” mientras sonaban. Creó así el breakbeat, la base rítmica del hip hop. Sobre ella se montó el “rapeo”, una escansión plebeya, a veces duelo verbal, a veces con doble sentido, por lo general de tema escatológico y sexual. Desde un micrófono, el DJ “rapeaba” sobre la música, y los chicos del barrio hacían fila por un turno en el micrófono.

Las raíces de estas fiestas se hundían en los doscientos años de vida del pueblo afroamericano; en los juegos verbales que habían sido parte esencial de su vida comunitaria. Como el signifying, que recurre al doble sentido para burlarse de alguien presente; o el playing the dozens, un duelo de insultos afilados que premia el ingenio. Los movimientos esenciales del baile del hip hop también provenían del lejano pasado. En una cinta filmada por Thomas Edison en 1894, dos hombres negros demuestran, una centuria adelantados y con flexibilidad extraordinaria, cómo bailar el breakdance. Igualmente antigua es la práctica de dar un salto, caer al suelo y rebotar como un resorte, lo que el hip hop llamaría, por traslación onomatopéyica, boing. Esos y otros movimientos ancestrales acabaron como alguna de las innumerables rutinas del hip hop, como el “robot” o el “maniquí”, que Fabel recrearía en Harvard dos siglos más tarde, despertando aplausos de los estudiantes.

La fiesta afroamericana se convirtió pronto en cultura de los pobres urbanos. “Lo que ocurría en el Bronx ocurría una semana más tarde en Roosevelt, Long Island, como un eco”, me contó Chuck D, nativo de Roosevelt. Eran guetos de minorías raciales que en la era posterior a la derogación teórica de la segregación se mantenían aparte y en la miseria.
“La música era un salvavidas –recordó Chuck D–. En su puesto de trabajo en el supermercado, la gente decía I gotta have my music mientras hago este trabajo de mierda.”
Pero el hip hop existía, exclusivamente, como fiesta, encuentro, happening: “en vivo”. Si alguien le hubiera dicho al que sería Chuck D, cuando era niño, que alguien iba a sacar un disco de hip hop, él hubiera respondido (dirá Chuck D en Harvard):

–No se puede meter un circo en un disco.
Pero a fines de los setenta DJs y raperos comenzaban a formar sus bandas, y los productores de discos para consumo de las comunidades negra y latina decidieron grabarlos.
Chuck D aún puede ubicar el momento exacto en que el hip hop dio ese salto de comunión colectiva a género musical. Los juegos de los DJs, que cambiaban abruptamente el ritmo en medio del baile, intimidaban a las chicas, que se negaban a bailar. Sólo quedaba cantar.

Como otros, Chuck D hizo fila para tomar el micrófono. Cuando le tocó el turno y comenzó a mover los labios, el DJ, en lugar de la música de fondo acostumbrada, hizo sonar “Rapper’s Delight”, el primer tema cantado de rap grabado, obra de The Sugarhill Gang. Era tan inaudito, que todos pensaron que era Chuck D quien cantaba y no una grabación. “La gente creía que me había cambiado la voz.”

Surgieron las primeras canciones de autor. El hip hop se asumió como género artístico, con sus reglas y medidas, lo que permitió el ingreso de artistas ajenos a sus comunidades de origen –hasta la rubia Blondie compuso algunos temas.
Producto de esta nueva autoconciencia artística, Rakim, considerado uno de los grandes poetas del género, escribió: I start to think and then I sink/ into the paper like I was ink/ When I’m writing, I’m trapped in between the lines (“Empiezo a pensar y me hundo/ en el papel como si fuera tinta/ Cuando escribo, quedo atrapado entre líneas”).

Sin embargo, aun convertido en género, el hip hop mantenía un vínculo orgánico con el mundo del que provenía, reforzado por el contexto. Eran los años de Ronald Reagan y el neoconservadurismo: las comunidades negras y latinas sufrían la pobreza, las drogas y el crimen. “Crecerás en el gueto viviendo una vida de segunda/ y tus ojos cantarán una canción llamada odio profundo”, cantaban el Grand Master Flash and the Furious Five, en 1982: “Don’t push me ‘cuz I’m close to the edge/ I’m trying not to lose my head/ Uh huh ha ha ha/ It’s like a jungle sometimes/ It makes me wonder how I keep from goin’ under” (“No me empujes porque estoy cerca del borde/ Estoy tratando de no perder la cabeza/ A veces es como una jungla/ Me hace preguntarme cómo evitar hundirme”).

Sería Public Enemy, la banda que llamaría a combatir el poder (“Fight the Power”), el gran grupo de rap político, que incorporaría fragmentos de discursos de Martin Luther King, Malcolm X, Jesse Jackson y Louis Farrakhan. Public Enemy hablaba sobre casi todo: sexo, raza, religión, filosofía, política, el mundo del espectáculo. Los críticos llamaron a su líder, Chuck D, “el mayor compositor de canciones desde Bob Dylan” y compararon sus discos con los de los Beatles.

Como género, el hip hop se extendió a un público nacional, aunque todavía minoritario. A comienzos de los ochenta, las revistas especializadas de la cultura mainstream estimaban que, como la música disco, se consumiría muy pronto.
Pero para el final de la década, dos acontecimientos proyectarían el fenómeno hacia el mercado masivo. La banda de hip hop Run DMC grabó una reedición de una canción de la banda de rock Aerosmith, ganó con ella un premio Grammy y apareció en la flamante cadena de cable MTV. La segunda fue la inclusión de un tema de Public Enemy en la película Haz lo correcto, de Spike Lee.
Tras ellos, el hip hop se convirtió en la gran presa de la industria cultural.

MiL0 · 22-01-2011 , 21:03:46

.......Continuacion!

Naturalmente, el siguiente paso fue cruzar a la costa Oeste, donde la industria del espectáculo tiene sede. Allí, el marketing convirtió en estereotipo cultural aquello que el hip hop político había denunciado: el crimen y la violencia en las comunidades afroamericanas y latinas. Surgió así el gangsta rap.

Dos de sus representantes emblemáticos fueron Tupac Shakur y Big (también conocido como The Notorious B.I.G.). Shakur y Big se enredaron en una pelea que se expresó en sus canciones. Shakur sugirió el motivo : “You claim to be a player/ but I fucked your wife” (“Dices que eres un jugador/ pero yo me cogí a tu esposa”). En 1996, luego de otras balaceras de las que había salido con vida, Shakur fue asesinado. Big negó haber participado en el primer intento, de 1994, pero acto seguido alardeó en la canción “Who Shot Ya” (Quién te disparó): “Fuckin with b.i.g. it aint safe/ I make your skin chafe, rashes on the masses/ Bumps and bruises, blunts and landcruisers/ Big poppa smash fools, bash fools/ Niggaz mad because I know that **** rules/ Everything around me, two glock nines” (“Chingar a b.i.g no es seguro/ Te irrito la piel, erupciones en las masas/ Hinchazón y moretones, bachas y todoterrenos/ Big poppa golpea a los tontos, noquea a los tontos/ Los negros enloquecen porque sé que el dinero rige/ Todo lo que me rodea, dos Glock nueve”).

Big fue asesinado seis meses más tarde (ninguno de los crímenes fue esclarecido). Enseguida salió a la venta su último disco, donde cantaba: “No eres nadie hasta que alguien te mata.” La celebridad era ahora, a cualquier costo, la meta del nuevo hip hop, un negocio billonario y global.

Según datos de 2006, Diddy (antes Puff Daddy, o P. Diddy, o Sean John, o Puff, o Puffy) es uno de los hombres más ricos de la industria del entretenimiento: tras invertir en televisión y cadenas de ropa, acumuló 346 millones de dólares. Uno de sus competidores, 50 Cent, que invirtió en la marca de aguas Vitamin Water, reportó una ganancia de 150 millones de dólares en 2008.

Para entonces, en palabras de Henry Louis Gates, Jr., director del Instituto W.E.B. Du Bois de Estudios Africanos y Afroamericanos de Harvard, el hip hop ya era “la lengua franca de la cultura americana”. Millones de jóvenes blancos de clase media y alta escuchaban hip hop, se vestían con ropa varias tallas demasiado grande, hablaban el slang de los afroamericanos e imitaban sus movimientos.

Surgió una industria del merchandising, y el hip hop se utilizó para vender camisetas, zapatillas, sodas, coches. Las estrellas del hip hop se unían a las estrellas Hollywood, como cuando Puff Daddy se convirtió en la pareja de Jennifer Lopez. MTV llevaba el hip hop a todos los rincones del mundo, y se alimentaba de lo que esa resonancia producía, un nuevo hip hop global.

Habiendo acumulado fortuna, al hip hop sólo le faltaba el prestigio.

Marcyliena Morgan, una joven profesora de antropología lingüística de la Universidad de California, Los Ángeles, encargó en 1992 a sus alumnos un estudio de campo entre comunidades lingüísticas urbanas de su elección. “Esperaba que eligieran surfers u otros grupos con jergas identificables”, me explicó Morgan la misma tarde en que Popmaster Fabel se fumaba su cigarrillo en la vereda.

Un grupo de veinte estudiantes se rebeló: querían hip hop. Morgan resistió todo lo que pudo –no entendía el interés antropológico–, pero acabó por ceder. Y luego por convencerse. Tanto que terminó sumergiéndose en el hip hop –de “una gran riqueza lingüística”, dice ahora– y montando sobre él su propia carrera académica.

En centenares de campus universitarios de Estados Unidos, miles de estudiantes sin conexión con las comunidades afroamericana o latina pero que habían crecido con MTV, exigieron que el hip hop se incorporara a los currículos académicos y se lanzaron a pedir y tomar clases abiertas.

Las universidades, tan imbuidas de la lógica del mercado que dan a sus estudiantes un periodo de “shopping” al comienzo de cada semestre para que estos “compren” las clases de su preferencia, cedieron pronto. Jóvenes académicos “interesados en estudios culturales, afrocentrismo y/o estudios afroamericanos” descubrieron el hip hop y “se fascinaron por el ascenso de artistas del rap como Public Enemy, N.W.A., Queen Latifah y otros que hablaban sobre la agitación social de la época, especialmente en temas raciales. Este fue el momento además en que el rap entraba a la cultura del mainstream e irrumpía en las estaciones de radio y video masivas”, me explicó Jeff Chang, autor de dos libros sobre hip hop.

En 2002, apuntó Chang, un estudio arrojó que se dictaban unas trescientas clases sobre hip hop en carreras como literatura, música, historia del arte, estudios americanos, sociología y estudios étnicos de distintas universidades norteamericanas. “Basado en mis observaciones personales yo diría que ese número se ha duplicado o tal vez triplicado.”

A fines de los noventa Morgan fue contratada para enseñar en Harvard. Llevó consigo el material que había reunido con la idea de convertirlo en el Archivo del Hip Hop (Chang señaló que hay otro archivo, más completo, en la Universidad de Cornell). Por entonces, dirigía Harvard el economista Larry Summers, de un estilo intransigente que le ganó muchos enemigos, según recuerdan profesores de la universidad, y lo documentara en su momento The Crimson, el diario de los estudiantes.

Harvard había contratado a dos de los mayores intelectuales afroamericanos del momento: Henry Louis Gates, Jr., y Cornel West. Gates, especialista en literatura y un hombre de gran talento para las relaciones personales, llenaba el papel del académico a la perfección. West, pastor y filósofo, era además activista del movimiento de derechos civiles; al entrar a Harvard no abandonó su trabajo político en la comunidad afroamericana.

Muy pronto, Summers quiso domar –según profesores que siguieron el conflicto– el activismo político de West; quería, al parecer, un departamento afroamericano intelectualmente prestigioso, socialmente progresista y políticamente ascéptico. Intentó indicar a West, según denunció este, cómo conducir su trabajo académico. En 2002 West presentó su renuncia y se mudó a Princeton. Con él se fue Morgan, a quien Summers había negado tenure (contrato vitalicio que se da a los profesores confirmados), y otros miembros del departamento descontentos con la política de Harvard hacia los afroamericanos.

Sólo cuatro años pasaron hasta la revancha. En 2006 Summers sugirió en un discurso público que las mujeres eran, por razones genéticas, menos capaces que los hombres en ciencia e ingeniería. En medio de un escándalo público, debió presentar su renuncia. Su sucesora, Drew Faust, trajo de regreso a Morgan, esta vez con tenure. Con ella, al fin, el Archivo del Hip Hop entró en Harvard.

El archivo quedó bajo el paraguas del Instituto W.E.B. Du Bois, que conduce Gates. No porque fuera su lugar natural –aunque es “un lugar lógico”, me explicó aquel– sino porque es su espacio de poder y sólo bajo su ala podía cobijar a Morgan. “En Stanford, Marcyliena tenía una bonita oficina. Pero en Harvard ¡le he dado un imperio! ¿Por qué lo hice? El hip hop es el fenómeno cultural más importante de los últimos treinta años. Imagínate si en 1925 alguien hubiera creado el Archivo del Jazz. Ochenta años más tarde esa persona sería considerada un genio.”

Durante la conferencia de Chuck D, Morgan comentó que todos los académicos del hip hop coinciden en que sólo el hip hop “global, de lugares como Australia”, tiene hoy un contenido político. En Estados Unidos “hace años que no se ve algo como Public Enemy”. Chuck D puso cara de fastidio, pero no la contradijo.

Cerca del final, Chuck D festejó que por primera vez gobierne el país un afroamericano, Barack Obama. Con Obama, egresado de la Escuela de Leyes de Harvard, trabaja ahora, como principal asesor económico, Larry Summers.

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MiL0 · 22-01-2011 , 21:05:27

La cultura hip hop

Las manifestaciones de arte popular del siglo XX presentan variados estilos musicales. Algunos de ellos, como el reggae, el rap y el hip-hop, tienen sus raíces en la música afroamericana.

El hip-hop es una expresión cultural que incluye música y danza, que nace de la cultura afroamericana (no obstante, tiene un origen distinto del candombe, manifestación cultural exclusivamente uruguaya; se relaciona más con los afronorteamericanos). En nuestros días ha sobrepasado las fronteras de ser sólo una moda o un fenómeno musical momentáneo: posee una trascendencia racial, internacional e incluso, de clases sociales, además de sus códigos estéticos estrictos.

Muchas veces tienden a interpretarse como sinónimos los términos rap y hip-hop, pero, a pesar de que tienen mucho que ver, no se refieren a lo mismo. El hip-hop nació desde la música pero va más allá de esto y tiene cuatro componentes de expresión: MC (Maestro de Ceremonias o rapping), el DJ (Disc Jockey o turntablism; su traducción en español no es muy exacta y sería algo así como "pincha discos"), la danza hip-hopbreakdance y el grafitti.

Los dos primeros medios de expresión, el MC y el DJ, son los que forman la música del hip-hop, lo que se conoce como rap. Los MC son cantantes, pero con una característica especial: improvisan, creando la música a través de la rima. También aquí se incluye el Big Voz, que es la base o melodía del tema hecho con la boca a través de sonidos extraños y con ritmo.

Los DJ mezclan uno o varios temas para obtener una composición que sirva como vehículo sonoro para que los solistas rapeen. La púa del tocadiscos, en consecuencia, se convierte en un elemento fundamental de los temas rap.

El rap ha tenido grandes variaciones después de los años 80 y se ha aliado con otros géneros, como con el heavy metal y con el punk. Entre los cambios y las derivaciones que ha tenido este género, se le atribuye los inicios de reggeton. Sin embargo, los representantes más importantes del hip-hop desmienten esta versión, ya que consideran que este último no tiene nada que ver ni con su música ni con su cultura.

El breakdance es un baile que combina una serie de ejercicios aeróbicos y un estilo que toma prestada una variedad de formas, movimientos, y maniobras basadas especialmente en las artes marciales, capoeira, gimnasia y el popular funk. La lista de los movimientos es enorme y requiere de gran práctica y disciplina para llevarse a cabo, entre otras cosas porque consiste en desafiar la gravedad con acrobacias de todo tipo. Los bailarines -a los que se les llama B-Boy o B-Girl, según su sexo-, radicalizan sus signos de identidad callejera mediante formas autónomas y una actitud específica y combativa.

En este estilo de baile hay reuniones llamadas "batallas", que se refieren a un encuentro entre dos grupos de breakers, quienes se reúnen en un círculo o espacio abierto, realizando uno a uno la rutina de baile, que va adquiriendo mayor grado de complejidad a la salida de cada bailarín (esto es similar a lo que ocurre en la capoeira).

En una batalla, los grupos pueden realizar coreografías sin perder la esencia del baile, que es la acrobacia. Los ganadores suelen ser los que han realizado la mejor variedad de movimientos. Estas batallas se dan de igual manera con los MC (cantantes), siendo la creatividad la competencia contínua, así como la rapidez con la que puedan contestarse entre ellos.

Los grafittis, vistos por toda la gente en las paredes y muros de cualquier ciudad, son pinturas que expresan el sentimiento del autor a través de letras distorsionadas o dibujos. Generalmente se hacen con la técnica del aerosol (spray con pintura de colores).

Fuente:

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MiL0 · 25-01-2011 , 17:41:31

“H*A*M”, el primer sencillo de la colaboración de Kanye y Jay-Z

Aunque el lanzamiento de My Beautiful Dark Twisted Fantasy desencadenó una descomunal volada de cabezas, Kanye West quiere ir por más: el rapero tiene preparada la edición de un álbum colaborativo con Jay-Z, Watch The Throne, cuyo último postergo empujó su fecha de aparición para los primeros días de marzo.

Como si la aparente decisión de terminar con la promoción de su aclamado último disco (e ignorar sencillos de temas tan cercanos a la perfección pop como “All Of The Lights”) no fuera suficiente, el primer corte de este LP de colaboraciones, el cual se titula “H * A * M”, sinceramente no le llega ni a los talones a cualquiera de los temas que pudimos oír en él. Aunque en el trasfondo de este lanzamiento hay un gran lazo de amistad de parte de ambos artistas, Jay-Z siempre me pareció bastante genérico y las características de su producción algo completamente entorpecedor para el repertorio de Kanye. La canción juega con un sonido electrónico ordinario, asesinando la magia soul de MBDTF; mientras que West muestra un desempeño vocal deplorable. Ni hablar de las letras.

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22-01-2011 , 20:54:08	#2
MiL0 Denunciante Platino Me Gusta Estadisticas Mensajes: 26.363 Me Gusta Recibidos: 11282 Me Gustas Dados: 7698 Ingreso: 29 may 2007 Temas Nominados a TDM Temas Nominados 1 Temas Ganadores: 0 Reputacion Poder de Credibilidad: 204 Puntos: 349019 Premios Recibidos Total De Premios: 1	Respuesta: Informacion, Datos y Noticias Hip Hop Hip hop peruano remece la Comunidad Andina Canción de Clan Urbano se alzó ganadora en su género, en concurso ´Premio a la Mejor Canción 2010´, a nivel Latinoamérica. Tras semanas de ardua competencia, se revelaron los ganadores del concurso “Premio a la Mejor Canción 2010” organizado por la Secretaría General de la Comunidad Andina de Naciones (CAN). En un género de creciente demanda, el hip hop, ganaron los peruanos de la agrupación “Clan Urbano” con el tema “La Fiesta”. El triunfo peruano fue total, pues en la terna general, la Mejor Canción fue “Cielo sin luz”, de nuestra compatriota Anna Carina Copelo. Este concurso a nivel de todos los países de la CAN, con apoyo de la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID), tuvo como vía la emisora Internet RadioCAN. La competencia, organizada por el primer aniversario de la radio, contó en esta su primera versión con más de cincuenta canciones y artistas de Bolivia, Colombia, Ecuador y Perú, en diez categorías. "Es un privilegio haber logrado esta distinción para nuestro país. Nuestro tema, “La Fiesta”, fue seleccionado por la rotación en la emisora de la CAN, gracias a los votos de miles de jóvenes vía Internet”, señaló Rafomagia, líder del grupo que ya firmó contrato para ser representados por el conocido sello Peermusic. “Clan Urbano” compitió contra los colombianos reggaetoneros Golpe a Golpe, Fainal y J. Balvin además del boliviano Chris Syler y el grupo ecuatoriano Yeska Malafacha. Como se recuerda, el grupo ganó la última edición del Festival Claro con la canción “Esta es mi casa”. La banda, que en abril cumplirá quince años, realizó un especial en radio WDR Funkhaus Europa. Su música rota en circuitos del Viejo Continente a través de grupos seguidores de hip hop por Internet, como el caso de esta emisora de la CAN que le dio un impulso mayor a su internacionalización. Subterraneos felicita a Clan urbano liderado por nuestro gran amigo Rafomagia __________________ Pentax K3 + Tamron 17-50mm f/2.8 - Pentax-f 50mm f/1.7 - Pentax DA 55-300mm - Pentax-fa 100mm Macro f/2.8 Flickr - 500px - Facebook

22-01-2011 , 21:03:11	#7
MiL0 Denunciante Platino Me Gusta Estadisticas Mensajes: 26.363 Me Gusta Recibidos: 11282 Me Gustas Dados: 7698 Ingreso: 29 may 2007 Temas Nominados a TDM Temas Nominados 1 Temas Ganadores: 0 Reputacion Poder de Credibilidad: 204 Puntos: 349019 Premios Recibidos Total De Premios: 1	Respuesta: Informacion, Datos y Noticias Hip Hop El archivo del Hip Hop En los años setenta el Popmaster Fabel (alguna vez conocido como Jorge Pabón) pasaba los días en las calles del Harlem hispano de Nueva York “corriendo como un loquito”, al son de los cambiantes repiqueteos del barrio. Su madre lo reprendía: “Deja de moverte como un negro.” Pero Fabel no hacía caso. La popularidad en las calles dependía de esas habilidades, aprendidas en las fiestas de las barriadas negras: un DJ hacía sonar fragmentos de percusión de varios discos de vinilo; sobre el percutir, los valientes improvisaban rimas en un micrófono, mientras otros pintaban grafiti en las paredes. Se bailaba con movimientos cortos y rebotes elásticos. Fabel practicó esos movimientos en la calle, en su casa frente al espejo, en la escuela con sus amigos, demorándose de forma imposible para tomar un lápiz del pupitre –y en cada milímetro posaba en diferentes posiciones como un maniquí. En los años ochenta Fabel se convirtió en artista de eso que ya llamaban hip hop. Fue bailarín y coreógrafo, DJ y artista de pintura en aerosol; integró bandas musicales con nombres como The Magnificent Force o The Rocky Steady Crew; hasta ayudó a fundar un teatro Off Broadway dedicado a la nueva estética. En los noventa hizo giras por Estados Unidos, fue el primer artista del hip hop en bailar en Cuba, ganó premios, actuó en películas. El Rock and Roll Hall of Fame lo contrató como asesor. La New School de Nueva York le pagó por enseñar a bailar a los estudiantes. Ya en el siglo XXI curó muestras en museos, habló ante los delegados de Naciones Unidas en la “Conferencia del Hip Hop para la Paz” y acabó por convertirse en maestro e historiador de su propia vida. El mes pasado, quince estudiantes esperaban el inicio de otra de sus conferencias. A mi lado, en la vereda, el Popmaster Fabel fumaba, nervioso. Al terminar su cigarro, exclamó: “¡Dios mío, estoy en Harvard!” Al día siguiente, acurrucado en un sofá de terciopelo, su colega Chuck D (antes Carl Ryder, o Mistachuck, o Chucky D, o Chuck Dangerous, o The Hard Rhymer, o The Rhyme Animal, o Crunk Bitchicana) protestó ante un público de estudiantes y académicos de la misma Universidad de Harvard, la que fuera fundada en el siglo XVII por los puritanos, la que precede a los propios Estados Unidos en antigüedad, la organización no gubernamental más rica después de la Iglesia católica que se ha convertido en una marca mundial de la educación y la cultura de las élites, y que acaba de abrir un “Archivo del Hip Hop” en su departamento de estudios afroamericanos: –El hip hop era marrón (latino) y negro. Ahora dicen que no era marrón. Dicen que es “urbano”. ¿Urbano? ¿Qué quiere decir eso? Me dicen: I love hip hop, man. Y yo les pregunto: ¿Entonces amas a los negros? Y contestan: ¿Y eso qué tiene que ver? En los años setenta, cuando se inventó, “el hip hop era un acontecimiento que duraba tres horas”, recordó Chuck D en Harvard. Era un happening: fiestas en las calles de los barrios negros y latinos del Bronx animadas por DJs que hacían girar discos de vinilo en una o dos bandejas, aislando la percusión en temas de reggae, rock, funk y disco. A un inmigrante jamaiquino, Kool Herc, se le ocurrió combinar dos discos simultáneos con un mezclador de sonido y “rasparlos” mientras sonaban. Creó así el breakbeat, la base rítmica del hip hop. Sobre ella se montó el “rapeo”, una escansión plebeya, a veces duelo verbal, a veces con doble sentido, por lo general de tema escatológico y sexual. Desde un micrófono, el DJ “rapeaba” sobre la música, y los chicos del barrio hacían fila por un turno en el micrófono. Las raíces de estas fiestas se hundían en los doscientos años de vida del pueblo afroamericano; en los juegos verbales que habían sido parte esencial de su vida comunitaria. Como el signifying, que recurre al doble sentido para burlarse de alguien presente; o el playing the dozens, un duelo de insultos afilados que premia el ingenio. Los movimientos esenciales del baile del hip hop también provenían del lejano pasado. En una cinta filmada por Thomas Edison en 1894, dos hombres negros demuestran, una centuria adelantados y con flexibilidad extraordinaria, cómo bailar el breakdance. Igualmente antigua es la práctica de dar un salto, caer al suelo y rebotar como un resorte, lo que el hip hop llamaría, por traslación onomatopéyica, boing. Esos y otros movimientos ancestrales acabaron como alguna de las innumerables rutinas del hip hop, como el “robot” o el “maniquí”, que Fabel recrearía en Harvard dos siglos más tarde, despertando aplausos de los estudiantes. La fiesta afroamericana se convirtió pronto en cultura de los pobres urbanos. “Lo que ocurría en el Bronx ocurría una semana más tarde en Roosevelt, Long Island, como un eco”, me contó Chuck D, nativo de Roosevelt. Eran guetos de minorías raciales que en la era posterior a la derogación teórica de la segregación se mantenían aparte y en la miseria. “La música era un salvavidas –recordó Chuck D–. En su puesto de trabajo en el supermercado, la gente decía I gotta have my music mientras hago este trabajo de mierda.” Pero el hip hop existía, exclusivamente, como fiesta, encuentro, happening: “en vivo”. Si alguien le hubiera dicho al que sería Chuck D, cuando era niño, que alguien iba a sacar un disco de hip hop, él hubiera respondido (dirá Chuck D en Harvard): –No se puede meter un circo en un disco. Pero a fines de los setenta DJs y raperos comenzaban a formar sus bandas, y los productores de discos para consumo de las comunidades negra y latina decidieron grabarlos. Chuck D aún puede ubicar el momento exacto en que el hip hop dio ese salto de comunión colectiva a género musical. Los juegos de los DJs, que cambiaban abruptamente el ritmo en medio del baile, intimidaban a las chicas, que se negaban a bailar. Sólo quedaba cantar. Como otros, Chuck D hizo fila para tomar el micrófono. Cuando le tocó el turno y comenzó a mover los labios, el DJ, en lugar de la música de fondo acostumbrada, hizo sonar “Rapper’s Delight”, el primer tema cantado de rap grabado, obra de The Sugarhill Gang. Era tan inaudito, que todos pensaron que era Chuck D quien cantaba y no una grabación. “La gente creía que me había cambiado la voz.” Surgieron las primeras canciones de autor. El hip hop se asumió como género artístico, con sus reglas y medidas, lo que permitió el ingreso de artistas ajenos a sus comunidades de origen –hasta la rubia Blondie compuso algunos temas. Producto de esta nueva autoconciencia artística, Rakim, considerado uno de los grandes poetas del género, escribió: I start to think and then I sink/ into the paper like I was ink/ When I’m writing, I’m trapped in between the lines (“Empiezo a pensar y me hundo/ en el papel como si fuera tinta/ Cuando escribo, quedo atrapado entre líneas”). Sin embargo, aun convertido en género, el hip hop mantenía un vínculo orgánico con el mundo del que provenía, reforzado por el contexto. Eran los años de Ronald Reagan y el neoconservadurismo: las comunidades negras y latinas sufrían la pobreza, las drogas y el crimen. “Crecerás en el gueto viviendo una vida de segunda/ y tus ojos cantarán una canción llamada odio profundo”, cantaban el Grand Master Flash and the Furious Five, en 1982: “Don’t push me ‘cuz I’m close to the edge/ I’m trying not to lose my head/ Uh huh ha ha ha/ It’s like a jungle sometimes/ It makes me wonder how I keep from goin’ under” (“No me empujes porque estoy cerca del borde/ Estoy tratando de no perder la cabeza/ A veces es como una jungla/ Me hace preguntarme cómo evitar hundirme”). Sería Public Enemy, la banda que llamaría a combatir el poder (“Fight the Power”), el gran grupo de rap político, que incorporaría fragmentos de discursos de Martin Luther King, Malcolm X, Jesse Jackson y Louis Farrakhan. Public Enemy hablaba sobre casi todo: sexo, raza, religión, filosofía, política, el mundo del espectáculo. Los críticos llamaron a su líder, Chuck D, “el mayor compositor de canciones desde Bob Dylan” y compararon sus discos con los de los Beatles. Como género, el hip hop se extendió a un público nacional, aunque todavía minoritario. A comienzos de los ochenta, las revistas especializadas de la cultura mainstream estimaban que, como la música disco, se consumiría muy pronto. Pero para el final de la década, dos acontecimientos proyectarían el fenómeno hacia el mercado masivo. La banda de hip hop Run DMC grabó una reedición de una canción de la banda de rock Aerosmith, ganó con ella un premio Grammy y apareció en la flamante cadena de cable MTV. La segunda fue la inclusión de un tema de Public Enemy en la película Haz lo correcto, de Spike Lee. Tras ellos, el hip hop se convirtió en la gran presa de la industria cultural. __________________ Pentax K3 + Tamron 17-50mm f/2.8 - Pentax-f 50mm f/1.7 - Pentax DA 55-300mm - Pentax-fa 100mm Macro f/2.8 Flickr - 500px - Facebook

25-01-2011 , 17:41:31	#10
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