Cineclub de Denunciando

Cita:

Clark Gable, "el Rey de Hollywood" Javier Leal Clark Gable, el "Rey de Hollywood", era un hombre de carisma, misterio y presencia indomable, tanto en la pantalla como fuera de ella. En 1957, Gable asistió al estreno de El Espíritu de St. Louis con su quinta esposa, Kay Williams. En ese momento, Gable ya estaba entrado en sus cincuenta, después de haber consolidado su estatus como una de las mayores estrellas de Hollywood a través de papeles icónicos como Rhett Butler en Lo que el viento se llevó (1939) y Peter Warne en It Happened One Night (1934), lo que le valió un Oscar al Mejor Actor. La aparición de la pareja en el estreno fue una rara salida pública para Gable, quien, como admitió su esposa Kay, no era particularmente aficionado a los eventos sociales a pesar de su naturaleza amistosa. En entrevistas sobre esa época, Kay compartió anécdotas sobre su matrimonio con el famoso Gable. Ella confesó que aunque su marido era de naturaleza afable y encantadora, él no era alguien que disfrutara de los focos o el constante circuito de fiestas que venía con ser una estrella de Hollywood. En 1957, Gable ya había "pasado esa fase" y había decidido que no era para él. Sin embargo, Kay, una socialité a la que le encantaba una buena fiesta y un poco de cotilleo, se las arreglaba para convencerlo para que asistiera a eventos aquí y allá, como el estreno de The Spirit of St. Louis. Sin embargo, incluso en estas reuniones, Gable prefirió permanecer en privado y a menudo se mantuvo alejado de los chismes que dominaban las conversaciones de Hollywood. Los comentarios de Kay sobre la reticencia de Gable a los cotilleos revelaron un aspecto fascinante de su personalidad. Hollywood durante la década de 1950 estuvo plagado de historias, rumores y escándalo. La industria, basada en el glamour y el atractivo, prosperó con la especulación sobre sus estrellas. Gable, que había pasado más de tres décadas en el centro de atención en ese momento, había trabajado con algunas de las actrices más famosas de la época: Joan Crawford, Jean Harlow, y su gran amor, Carole Lombard. Sin embargo, a pesar de su rica historia de relaciones románticas y profesionales, mantenía los labios apretados cuando se trataba de hablar de su pasado, especialmente del de sus protagonistas. Según Kay, cada vez que ella intentaba burlarse de él para que compartiera detalles sobre sus experiencias con estas mujeres famosas, Gable mostraba su sonrisa característica, la que había capturado los corazones de millones, y respondía con un educado y sin compromiso "Es una buena chica. Una buena chica. ” Esta moderación y conducta caballerosa fueron característicos de Gable, quien, a pesar de su robusta y a veces pícara persona en la pantalla, era profundamente respetuoso con la gente con la que trabajaba. Los chismes de Hollywood en ese momento a menudo se centraban en escándalos, y la resistencia de Gable a participar en esta cultura lo distingue de muchos de sus compañeros. En una industria que prosperó con la intriga, Gable mantuvo una distancia digna, mostrando respeto por sus antiguas co-estrellas y colegas al negarse a entretener una conversación chismosa. La reticencia de Gable sobre sus relaciones pasadas fue particularmente interesante teniendo en cuenta la naturaleza de alto perfil de algunos de esos romances. Su aventura amorosa y matrimonio con Carole Lombard fue cosa de la leyenda de Hollywood. Los dos estaban profundamente enamorados, y su relación fue una de las más celebradas en la industria. Cuando Lombard murió trágicamente en un accidente de avión en 1942 mientras regresaba de una gira de bonos de guerra, Gable quedó devastado. Su muerte marcó un punto de inflexión en su vida, y poco después se alistó en las Fuerzas Aéreas del Ejército de los Estados Unidos, una decisión que muchos creían fue alimentada por su dolor. La pérdida de Lombard pesó mucho sobre él, y mientras Gable se casó dos veces después de su muerte, incluyendo a Kay, su relación con Lombard siguió siendo uno de los aspectos más definitorios de su vida personal. Para cuando Gable conoció a Kay Williams, ya había experimentado varios matrimonios y relaciones, cada uno marcado por las presiones de la fama de Hollywood. Kay, una ex modelo y actriz, se convirtió en la quinta esposa de Gable en 1955, y su relación, aunque no sin sus desafíos, pareció darle una sensación de estabilidad en sus últimos años. Kay, con su vivaz personalidad y amor por socializar, fue un marcado contraste con la naturaleza más silenciosa e introvertida de Gable. Sin embargo, a pesar de sus diferencias, los dos compartían un fuerte vínculo. El hecho de que Kay pudiera persuadir a Gable a asistir a eventos sociales habla de su influencia en su vida. Aunque prefería la tranquilidad de su rancho en Encino, California, donde podía escapar de las demandas del estrellato, Gable estaba dispuesto a comprometerse por el bien del disfrute de su esposa. De las anécdotas de Kay se desprende que ella lo adoraba, incluso lamentando juguetonamente su falta de voluntad para complacerla con chismes sobre su glamuroso pasado. En el estreno de The Spirit of St. Louis, Gable y Kay representaron a una pareja de Hollywood que había logrado equilibrar los rigores de la fama con un sentido de normalidad. Aunque Gable había pasado por varios matrimonios y experimentado las intensas presiones de Hollywood, a finales de los 50, parecía haber encontrado un poco de paz. Su carrera, aunque todavía estaba activa, estaba terminando en el sentido de que ya no era el apuesto y joven protagonista. En cambio, había pasado a papeles más maduros que le permitieron llevar el peso de sus años de experiencia a la pantalla. Su reticencia a participar en la escena social de Hollywood también podría haber surgido de su deseo de evitar las inevitables comparaciones con su yo anterior. En 1957, Gable ya no era el mismo hombre que había protagonizado Lo que el viento se llevó. La edad y la experiencia le habían cambiado, tanto física como emocionalmente. El Hollywood que conoció en los años 1930 y 1940 también estaba experimentando cambios significativos. El sistema de estudios, que había dominado la industria durante décadas, estaba empezando a derrumbarse, y la televisión estaba emergiendo como una nueva y poderosa fuerza en el entretenimiento. Para Gable, que había llegado a la fama bajo el ojo vigilante del sistema de estudios, esta nueva era probablemente se sintió muy diferente a la del Hollywood de su carrera temprana. Sin embargo, Gable continuó trabajando, apareciendo en películas como Teacher’s Pet (195 y It Started in Nápoles (1960), esta última con la estrella italiana Sophia Loren. Pero incluso a medida que envejecía y la industria a su alrededor cambiaba, el estatus de Gable como leyenda de Hollywood permaneció intacta. Su base de fans, tanto en los Estados Unidos como en el extranjero, continuó reverenciándolo como el epítome del clásico protagonista estadounidense: fuerte, encantador e inquebrantablemente masculino.

Fuente: No solo cine y solo clásico

Tengo un poco olvidado este espacio. Prometo retomarlo este año con más energía. Por lo pronto les dejo esta historia:

Luciana Barroso era una joven camarera argentina. Tenía veinte años, era madre soltera y había sido abandonada por el padre de su única hija. En Estados Unidos, luchaba por llegar a fin de mes.

Un día, mientras trabajaba detrás del mostrador, un joven le preguntó si podía “unirse” a ella y “esconderse” allí. Luego le explicó que era actor y que en el restaurante había periodistas y gente que lo había reconocido.

Estaba molesto y un poco abrumado por la atención, ya que aún era bastante nuevo en el mundo de la fama. Luciana no tenía idea de quién era, pero le dijo:

“¡Puedes esconderte aquí, pero al menos tienes que ser útil!”

Así que él la ayudó a preparar cócteles, atender a los clientes y lavar y secar platos.

Luciana y el apuesto desconocido siguieron charlando. Al final de la noche, cuando terminó su turno, ella le preguntó cómo se llamaba.

“Matt Damon”, respondió el joven.

Están casados desde hace dieciocho años y tienen cuatro hijas; él también adoptó a la mayor.

Primer beso en el cine

En abril de 1896, el primer beso en la pantalla grande generó un gran revuelo. “The Kiss”, la obra protagonizada por May Irwin y John C. Rice, el momento y el film en su totalidad duraba apenas 18 segundos, pero fue suficiente para causar controversia en su momento.

Ese primer beso de la historia del cine se consideró tan obsceno que la iglesia, la policía, los periódicos y el público quisieron censurarlo a toda costa.

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Ingrid Bergman y Roberto Rossellini: el romance adúltero y la boda que enfurecieron al mundo Ella estaba casada y tenía una hija. Él estaba casado, tenía una hija y mantenía una relación con Anna Magnani. Pero después de que la actriz sueca le mandara una carta la vida de ambos cambió para siempre. Por Raquel Piñeiro 18 de mayo de 2019 Ingrid Bergman y Roberto Rossellini en 1957. © Getty Images Estaban metidos en tal embrollo que su boda tuvo que ser por poderes, a través de abogados y a miles de kilómetros de distancia de donde se encontraban. El romance entre la actriz Ingrid Bergman y el director Roberto Rossellini marca un antes y un después en la historia de los escándalos del siglo XX. Eran solo dos personas casadas que se habían enamorado y embarcado en una relación adúltera, nada que no se hubiese visto antes y más en la siempre agitada industria del cine, pero algo en ellos provocó que el resorte de la indignación internacional se encendiera con una virulencia pocas veces vista. Hubo condenas del Vaticano, quejas en el Senado de Estados Unidos, insultos de todo tipo y un interés de prensa y público ávido y destructivo. También hubo gloria, volcanes en erupción, platos de espaguetis volando por los aires, té y simpatía. “Querido señor Rossellini: He visto sus dos filmes, Roma, ciudad abierta y Paisà, que me han gustado mucho. Si necesita una actriz sueca, que habla el inglés perfectamente, que no ha olvidado el alemán, a quien apenas se entiende en francés y que del italiano solo sabe decir “Ti amo”, estoy dispuesta a acudir para hacer una película con usted. Ingrid Bergman”* Esta carta ya legendaria forma parte de la historia del cine. No es extraño que dos sensibilidades artísticas de la talla de Ingrid Bergman y Rossellini conectaran a través de las películas del segundo, obras capitales del neorrealismo italiano que provocaron en Ingrid un cataclismo emocional e intelectual. “El realismo la sencillez de Roma, ciudad abierta eran sobrecogedores”, recuerda ella en sus memorias. “Nadie parecía actor y nadie hablaba como tal. Había oscuridad y sombras, algunas veces no se oía, y otras resultaba imposible incluso ver. Pero así es la vida… No siempre se ve y se oye, y, no obstante, se sabe que acontece algo que está casi más allá de lo comprensible”. Ingrid salió conmovida del cine aquella noche de primavera de 1948. No lo sabía, pero su vida acaba de cambiar para siempre. Como el mundo hace 70 años era muy distinto al de ahora, a la actriz le costó dar con las señas del director, casi desconocido en Hollywood. Cuando lo consiguió, comenzó una correspondencia de rendida admiración en la que resolvieron trabajar juntos en un guion que Rossellini estaba preparando, la futura Stromboli. La presencia de una persona de la fama y talento de Ingrid facilitaba, en teoría, la financiación de otra obra de un director tan arriesgado como el italiano. Ella era la exportación sueca más exitosa desde Greta Garbo, la Ilsa de Casablanca, galardonada con un Oscar por Luz que agoniza, admirada por su naturalidad y belleza en todo el mundo. Tan popular era que hasta se produjo un repunte de vocaciones después de su papel de monja en Las campanas de Santa María, para disgusto de un montón de padres que veían a sus hijas marcharse al convento inspiradas por aquella ficción. Por su parte, Roberto sería casi desconocido en la meca del cine, pero su revolucionaria forma de plasmar la realidad le había valido una Palma de oro en Cannes y la admiración de los más selectos círculos cinematográficos. También había protagonizado sus propias crónicas de los incipientes paparazzis de su país. Casado desde hacía más de una década, mantenía una relación sabida por todos con su amante y musa, la espectacular actriz Anna Magnani. Juntos formaban una tumultuosa y popular pareja. Hasta que apareció Ingrid con su carta. Anna Magnani y Roberto Rossellini en 1948 © Getty Images La relación entre ambos era todavía epistolar, pero algo debían traslucir en lo que escribían porque al llegar al hotel Luna Convento en Amalfi junto a Anna, Roberto pidió que cualquier telegrama o carta con sello británico debería serle entregado a él con máxima discreción. Los empleados pensaron que esto no se aplicaba a su conocida pareja, así que cuando estaban en el comedor del hotel, un camarero se acercó y le dijo, a la vista de Anna: “Me encargó que si se recibía un telegrama de Inglaterra para usted, se lo diese en privado. Aquí lo tiene”. Anna ya había empezado a oír rumores sobre las conversaciones entre su amado y la famosa actriz sueca, a la que se decía que pensaba ofrecer un papel que había sido escrito para ella. “¿No te parece que ya está bien, Roberto?”, preguntó de forma amable sirviéndose más espaguetis con salsa de tomate. “Ah, sí, sí, grazie”, respondió él distraído. “Muy bien, tenlo entonces”, y le tiró la fuente de espaguetis encima. La intuitiva Magnani no se equivocaba. Cuando Ingrid llegó a Roma por primera vez para recorrer el sur del país de camino hacia Estrómboli, la isla de las Lípari en la que iba a rodarse la película –que entonces se llamaba todavía Tierra de Dios–, Roberto y ella se convirtieron en amantes: “Me enamoré de él porque era tan singular. No había conocido a nadie como él, tan libre. Daba nuevas dimensiones a la vida, límites nuevos, emociones y horizontes nuevos. Y me proporcionó una valentía desconocida”. La actriz llevaba más de diez años casada con el médico sueco Petter Lindström, su primer amor, pero hacía tiempo que no era feliz, ni en su relación ni en la jungla de Hollywood. De hecho, le había pedido el divorcio tiempo atrás, él se negó a concedérselo y, como tenían una hija pequeña, Pia, y la convivencia se resolvía sin sobresaltos, siguieron viviendo juntos bajo el mismo techo y ejerciendo a ojos del mundo como marido y mujer. Pero poco antes de conocer a Roberto, Ingrid había mantenido un romance con otra personalidad artística atormentada, el fotógrafo Robert Capa. Como aquello no tuvo mayores consecuencias, Petter se hizo el sueco (nunca mejor dicho). La historia con Roberto iba a ser completamente diferente. En él vio una salida para huir de un matrimonio y una industria en la que se sentía atrapada. “Había pasado tantos años esperando a alguien que me obligara a partir. Roberto fue ese alguien. No pensé que trastocase el mundo…”. Italia fue una revelación para Ingrid. Roberto le presentó a su círculo de amigos, personalidades como Fellini, y ejerció del mejor cicerone posible en su camino hacia Nápoles, Amalfi, Sorrento y Messina. En Amalfi la actriz resolvió que aquello era más que un affaire pasajero, que era un amor lo bastante intenso como para romper su matrimonio y dejar Estados Unidos. Escribió a Petter desde el mismo Albergo Luna Convento en el que Anna había dejado plantado a Roberto, contándole que se había enamorado y se quedaba a vivir en Italia. Su marido no lo aceptó. Le era imposible creerlo. De esa negación nacerían gran parte de los dramas que estaban a punto de ocurrir. Mientras, la feliz pareja recorría en coche las carreteras del país, aún con las huellas de la segunda guerra mundial bien visibles, en lo que es quizá uno de los paisajes más espectaculares de la tierra. Por todas partes, al paso del equipo de rodaje, les aplaudían las multitudes, encantadas con que la actriz más famosa del mundo hubiese decidido hacer una película en su país. En uno de los hoteles en los que se alojaron, Ingrid tuvo que salir de la habitación para ir al baño, que se encontraba en el exterior. Los fans la aplaudieron tanto en el camino de ida como en el de vuelta del retrete. Pronto quedó claro que aquellos dos tenían algo más que una mera asociación artística. La revista Life les fotografió cogidos de la mano y las imágenes dieron la vuelta al mundo. Para cuando llegaron a la pequeña isla de Estrómboli, a los pies de un volcán activo, su situación se parecía bastante al paisaje telúrico y mineral, casi extraterrestre que les rodeaba. El rodaje, complejo y con actores no profesionales, se llenó de prensa llegada de todas partes del mundo ansiosa por retratar a los amantes. El personaje de la refugiada que se casa sin amor buscando una salida y acaba atrapada en un mundo ajeno, tan opresivo como del que intenta huir, le sentaba como un guante a Ingrid y su estado presente, a medias entre la dicha de estar enamorada, la culpabilidad por dejar a su esposo y las dudas y el dolor por su hija Pia, de diez años de edad, que seguía en Estados Unidos. Relata en su biografía **“Estaba en el infierno. Lloré tanto que pensé que me quedaría sin lágrimas. Los periódicos tenían razón: había abandonado a mi marido y mi hija. Era una mala pécora, pero no había deseado serlo”. ** Existen unas imágenes del rodaje en las que se ve a Ingrid en primer plano bajo la sombra de varias mujeres enlutadas que funcionan como un elemento opresivo y amenazante. Eso es justo lo que le sucedió a ella. El mundo estalló, y lo hizo de forma violenta contra su antaño estrella favorita. Ahora era una mujer perdida, una puta y un insulto a toda la buena sociedad. El por qué aquel romance galvanizó tanto a la gente tiene que ver con la popularidad anterior de Ingrid y su imagen casi intachable, limpia, de recta moral luterana, de mujer sincera y honrada (Petter se despacharía años después diciendo que en realidad era una gran bebedora y fumadora, además de promiscua y de solo importarle su carrera, no su familia). Que esa presencia casi seráfica lo dejase todo para irse a retozar con un director poco atractivo, latino y tempestuoso, parecía un insulto a América y a toda lógica. Se le sumaba el morbo añadido de que ella fuera ahora su nueva musa, después de las películas capitales rodadas con Anna Magnani. También estaba, por supuesto, la compleja situación de Pia. Roberto impedía a Ingrid volver a Estados Unidos, temeroso de que no volviera con él, y Petter se negaba a que la niña fuese a Italia. El litigio por el divorcio y la custodia se volvió cruento, lleno de acusaciones cruzadas y de falta de colaboración entre ambos. La consecuencia fue que madre e hija pasaron dos años sin verse. Y luego otros seis. Así recordaría aquellos tiempos Pia, la principal damnificada de la historia de amor: “Yo me quedé con él (con su padre Petter Lindström) y mi madre se fue. Se le ofrecía una existencia dramática, llena de gloria, con unas relaciones amorosas románticas, maravillosas. Fue magnífico para ella. Pero no lo que se derivó de ello. Yo no conocí el aspecto espléndido de la situación, es decir, me dejaron con lo que abandonó. Por ello, tengo un criterio distinto. Fui parte de lo abandonado”. La famosa fotografía de Ingrid Bergman durante el rodaje de 'Stromboli'. © Getty Images Por si eran pocos elementos de escándalo, pronto se sumó el hecho inaplazable de que tras tanta pasión adúltera, Ingrid estaba embarazada. Fue tal vez el pico de escándalo de su relación. El senador Edwin C. Johnson se refirió a ella en el Senado como “Una poderosa influencia en pro del mal”. Algunos de sus amigos salieron en su defensa: Ernest Hemingway apareció en portadas de periódicos declarando: “¿A qué viene tanta estupidez? Tendrá un hijo, de acuerdo. ¿Y qué? Las mujeres los tienen. Me enorgullezco de ella y me alegro. Ama a Roberto y Roberto la ama, y quieren un hijo. Deberíamos felicitarla en vez de condenarla”. La noche en la que Ingrid se puso de parto coincidió con el estreno de Volcano, una película de argumento similar a Stromboli creada por Anna Magnani para competir con la de su ex, dirigida por un americano. En medio del pase, la prensa comenzó a abandonar la sala al enterarse de que Ingrid estaba ingresada en una clínica para tener a su bebé. Anna se resignó, sabiendo que su película no podía competir contra aquel recién nacido en interés ante los demás. Volcano fue un fracaso de crítica y comercial. Así llegó al mundo en 1950 el niño, al que llamaron Robertino. El acoso de la prensa en el hospital era constante: hubo un fotógrafo que hizo pasar a su mujer embarazada por parturienta rellenándole más la barriga, otro que gateó por una cañería hasta el balcón de la actriz, otros intentaron sobornar a las monjas con un millón de liras y otros, resignados a no poder obtener la foto, hicieron montajes con las caras de Ingrid y Roberto y las publicaron sin más problemas. El nacimiento del bebé era una cuestión peliaguda. Legalmente, el niño podía ser reclamado por Petter por no estar resuelto el divorcio de Ingrid, algo que hubiera enloquecido a Rossellini, así que lo registraron a su nombre y a nombre de “una madre cuya identidad se revelaría posteriormente”. El divorcio entre los suecos se resolvió al final en un juzgado de México, donde también decidieron casarse… por poderes. Un productor amigo de la pareja y un abogado representaron el papel, mientras en las afueras de Roma, los auténticos Ingrid y Roberto se acercaron una pequeña iglesia cerca de la Via Appia. “Me arrodillé en ella y Roberto me cogió de la mano. Volvimos a casa, comunicamos a nuestros amigos que nos habíamos casado y bebimos champaña”. La pareja se había establecido en el Viale Bruno Buozi, en Roma, y pasaban los veranos en Santa Marinella. Después de hablar una mezcla de inglés y francés chapurreado, Ingrid logró aprender italiano. Llegaron las gemelas, Isotta-Ingrid e Isabella, y hubo momento de intensa felicidad. Pero no terminaron ahí los problemas, por supuesto. Nada podía opacar el hecho de que su hija mayor se estaba convirtiendo en adolescente con una relación con su madre solo por carta. La convivencia con Roberto tampoco era fácil. En los momentos de mayor tensión en el triángulo con Petter, el director había amenazado con suicidarse de un tiro o chocando alguno de sus coches deportivos contra un árbol. Además, era celoso, dominante (solo la dejaba trabajar con él) y en ocasiones, violento, en lo que Ingrid parecía disculpar como una característica del temperamento italiano. Así describe ella un episodio: “En su siguiente acceso de furor, cuando las cosas volaban por el aire, me abalancé sobre él, le rodeé con los brazos y empecé a suplicarle… ¡Bum! Me arrojó contra la pared con una fuerza que casi me deshizo. Era incorregible. Incluso ponerse en sus inmediaciones significaba arriesgar la integridad física”. Roberto Rossellini e Ingrid Bergman en 1956. © Getty Images Y estaba el asunto del dinero. Roberto, criado en la abundancia, estaba acostumbrado a vivir a lo grande, pero todas y cada una de las películas en las que trabajó junto a su esposa Ingrid fueron fracasos comerciales. En el 56 apareció el director Jean Renoir para ofrecerle a la actriz un papel en Elena y los hombres. Rossellini admiraba tanto a Renoir que le permitió a su esposa rodar con él, en lo que acabó con la frustrante racha laboral en la que llevaba años inmersa. Después de eso le ofrecieron protagonizar una obra de teatro en francés, Té y simpatía. Así cuenta Bergman lo que sucedió: “Té y simpatía cuenta la historia de un estudiante interno que teme ser homosexual. La homosexualidad había preocupado siempre a mi marido. Cuando le propuse internar a Robertino en un colegio suizo o británico, estalló. “¿Qué? ¡En lo internados es donde empiezan esas cosas!”. La trama le repugnaba. No le molestaba ni el desarrollo, ni el autor, sino todo en general. Le encrespaba el hecho de que yo demostrase al muchacho que no era homosexual iniciándole en el conocimiento del sexo. Aquello trastornaba a mi marido”. Rossellini intentó prohibir a su esposa que interpretase la obra, pero ella se negó, esgrimiendo que había firmado un contrato y que a ella le encantaba el texto. Roberto contratacó machacándola con que se iban a reír de ella y que iba a ser un fracaso. La noche del estreno le espetó “Prepárate, porque en el primer entreacto, la mitad de los espectadores se irá de la sala”. No sucedió así. Fue aplaudida con una ovación estruendosa. “El público había enloquecido. No había manera de interrumpirle. Puesto en pie, gritaba, aplaudía y vitoreaba. Me incliné sola en el centro de la escena y, al doblar el cuerpo, volví la cabeza para mirar a Roberto. Nuestros ojos se encontraron. Nos observamos de hito en hito. Supe entonces que nuestro matrimonio se había deshecho, aunque continuáramos viviendo juntos”. Él, por su parte, declaró: “Me separé de Ingrid Bergman porque me era imposible continuar. Nos queríamos mucho, teníamos tres hijos… ella podía volver a la industria, pero yo no me sentía cómodo en el papel del hombre cuya mujer trae el dinero a casa. Decidimos separarnos y por eso me fui a la India, lo más lejos posible de ella”. En la India Roberto inició un romance con la mujer del productor de su película, Sonali Dasgupta. Ingrid no se indignó al saberlo, sino que le propuso el divorcio con tranquilidad. Roberto exigió dos condiciones: que los niños no viajasen a Estados Unidos y que Ingrid no volviese a casarse. Ella se río ante lo absurdo de la petición, y se negó con un “así era Roberto” (al poco inició una relación con el productor teatral también sueco Lars Schmidt, con el que se casó en el 58). La custodia de los niños Rossellini también fue violenta, casi tanto como la de Pia. Hubo acusaciones de secuestro y mala fe mutuas, y al final ella le cedió la custodia a Rossellini. Los niños vivían entre Roma y París e Ingrid se desplazaba con frecuencia entre ambas ciudades para estar con sus hijos. Nunca salieron del todo uno de la vida del otro, unidos por algunos problemas de salud de Isabella (una operación de espalda que estuvo a punto de dejarla parapléjica) y el lazo mutuo que les unía.

Fuente; Vanity Fair

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Roberto Rossellini e Ingrid Bergman en Nápoles en 1953. © Getty Images El mundo cambió muy rápido y la anterior persona non grata obtenía en el 56 un segundo Oscar por su papel en Anastasia, recogido por su amigo Cary Grant. Ingrid se enteró por la radio, mientras se bañaba en su hotel de París donde vivía mientras representaba Té y simpatía. Lloró de felicidad ante su hijo Robertino y al poco regresó a Estados Unidos para volver a rodar. Su rehabilitación ante la industria fue total. Se convirtió en uno de los nombres respetados del cine en varios idiomas y nacionalidades, en una leyenda viva. Llegó también la rectificación del Senado, que le pidió disculpas por lo allí dicho en su contra. Declaró ella “Cuando me marché a Italia, un senador pronunció un discurso contra mí y lo concluyó asegurando que de las cenizas de Hollywood resurgiría un Hollywood mejor”… se había equivocado. En vez de “las cenizas de Hollywood habría tenido que decir “de las cenizas de Ingrid Berman”. No se dio cuenta hasta escuchar la grabación, que la hizo estallar en carcajadas y soltar: “Espero veintidós años para vengarme y me equivoco”. La venganza tampoco formó parte de la vida de Anna Magnani más allá del plato de pasta. Continuó su carrera trabajando con los mejores directores italianos e incluso ganó un Oscar el año antes de que Ingrid consiguiese su segunda estatuilla; cuando enfermó de cáncer, Roberto le envió flores pese a los años transcurridos, ella le escribió pidiéndole que fuese a verla y desde entonces volvieron a verse con regularidad. Recuerda Ingrid “Cuando lo supe, le llamé para comunicarle que me alegraba de lo que hacía. El círculo se había cerrado: tuvo cerca al hombre al que había querido por encima de todo”. Cuando Anna murió en el 73, Roberto aceptó que fuese enterrada en su panteón familiar, y ahí reposa todavía, en compañía de Roberto, que falleció en el 77. Ingrid Bergman junto a sus cuatro hijos, Isabella e Isotta, Pia y Robertino. © Getty Images Con el tiempo, Ingrid también recuperaría a Pia tras tantos años alejadas. A los veinte años y tras un matrimonio fallido, la joven, perdida y sin saber qué hacer con su vida, se fue a París a vivir con su madre y Lars. “Llegué a conocer a mamá bajo otra luz y me enamoré de ella. Pocas jóvenes tienen una madre tan extraordinaria, alegre, divertida, dispuesta a salir y actuar, ver esto o aquello, asistir al cine y el teatro, cenar fuera de casa, corretear, madrugar e ir de compras. Le sobraban energías. Asombraba”. Poco después de esto, murió la abuela de sus hermanos, Ingrid, Isabella (la futura actriz) y Robin (Robertino), así que decidió ir a Roma sin hablar una palabra de italiano y hacerse cargo de la casa con cocinera e institutriz, para conocerles y encontrarse a sí misma. “Así haría algo e importaría a alguien. Estuve tres años con ellos. Mamá me enviaba dinero, yo pagaba los sueldos y llevaba a mis hermanos al dentista, a montar a caballo y a estudiar. Fue una buenísima experiencia que, en cierto modo, necesitaba. No tenía sitio preciso en el mundo, no concebía una profesión para la que me sintiera llamada, me hallaba desorientada. Debía echar raíces, descubrir un lugar en que vivir, convencerme de que era útil, ayudar a alguien y llevar a cabo algo que no fuese gratuito”. Roberto les visitaba a la hora de comer, se ponía a hablar por teléfono sobre negocios, películas y dinero y se iba repartiendo besos a todos. Prosigue Pia: “Me agradaba Italia. Me alegraba de estar en ella. Me felicitaba de haberlos conocido, de haber conocido a Roberto con mis propios ojos, sin depender de las opiniones o ideas ajenas sobre cómo él era; me felicito de haber conocido a Sonali y a todos, porque me benefició observar y comprender cuanto ocurría, para tener una noción de cómo había sucedido lo anterior”. Y sobre lo anterior, concluye Ingrid Bergman en su biografía: “Se ha escrito sobre mi vida con Roberto que junto a él descubrí un mundo mucho mejor que el que conoce la mayor parte de la gente. Es cierto. Mi dicha a su lado fue tan intensa como los disgustos. Pero las penas componen también nuestra existencia. Nadie paladea la felicidad continuamente. El individuo en estado constante de felicidad debe de ser un latazo. Y Roberto desde luego no lo era”.

Fuente; Vanity Fair

En este enlace se puede ver Stromboli:

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Solo deben brillar las estrellas, pero... Hay una regla tácita en Hollywood: cuando compartes la pantalla con una estrella importante, interpretas tu parte y la dejas brillar. Pero de vez en cuando, un actor menos conocido entra en una escena y, ya sea por puro talento, presencia magnética o carisma innegable, gana la escena , a menudo para disgusto de los principales protagonistas. Uno de los ejemplos más fascinantes de este hecho ocurrió durante la realización de The Big Sleep (1946), donde una joven y relativamente desconocida Martha Vickers se encontró involuntariamente eclipsando no sólo a una, sino a dos de las mayores estrellas de la época: Humphrey Bogart y Lauren Bacall. Vickers interpretó a Carmen Sternwood, la coqueta y problemática hermana menor del personaje de Bacall, Vivian. Desde el momento en que apareció en la pantalla, emanó una seducción sin esfuerzo, una mezcla de inocencia y peligro que encarnaba perfectamente el mundo moralmente oscuro de la ficción detectivesca de Raymond Chandler. Su química con el Philip Marlowe de Bogart era eléctrica, cada línea goteaba una mezcla de bromas juguetonas y amenaza finamente velada. De hecho, la actuación de Vickers fue tan convincente que comenzó a alejar el foco de Bacall, cuyo papel como la principal femme fatale de la película estaba destinado a ser el centro de la historia. Lauren Bacall, ya una estrella en ascenso y el interés amoroso real de Bogart, estaba furiosa por la situación. No era solo que Vickers fuera buena, es que era demasiado buena. En lugar de ser un personaje menor que se desvanecia en el fondo, Vickers estaba dejando una gran impresión, su presencia perduraba en la mente tanto de la audiencia como de los cineastas. El mismo Bogart, siempre el profesional, tampoco estaba emocionado. Entendió el delicado equilibrio de la presencia en la pantalla y sabía que el magnetismo natural de Vickers estaba cambiando sutilmente la dinámica de la película. Incluso Raymond Chandler, el escritor de la novela, comentó que Vickers "hizo que robar escenas pareciera fácil. ” Esto presentaba un serio problema para Warner Bros. , especialmente desde que la carrera de Bacall todavía estaba siendo cuidadosamente moldeada por el estudio. Ya la habían posicionado como una sensual y dominante presencia en la pantalla en To Have and Have Not (1944), donde ella y el romance chisporroteante en la pantalla (y fuera de la pantalla) de Bogart había cautivado al público. El éxito de Bacall fue importante, y su papel en The Big Sleep necesitaba reforzar su poder de estrella, no disminuirlo. Así que, en un movimiento que fue estratégico y despiadado, el estudio tomó medidas drásticas. Durante la postproducción, varias de las escenas clave de Vickers fueron cortadas o recortadas para asegurar que Bacall siguiera siendo la presencia femenina dominante de la película. La edición final dejó a su personaje todavía memorable, pero ni de cerca tan poderoso como lo había sido originalmente. Esta decisión no se trataba sólo de la narrativa, sino de la política de Hollywood, el poder de las estrellas y la cuidadosa ingeniería de la carrera de una actriz principal. A pesar de las ediciones, aquellos que han visto la película, incluso en su versión teatral, todavía reconocen el impacto de Vickers. Los académicos y entusiastas del cine clásico a menudo señalan su actuación como uno de los elementos más cautivadores de The Big Sleep. En la década de 1990, cuando una versión más completa de la película fue restaurada, algunos de los momentos perdidos de Vickers fueron restablecidos, permitiendo que el público moderno viera con qué esfuerzo ella cobraba atención. Lo que hace que esta historia sea tan convincente no es sólo el drama detrás de las escenas, sino lo que revela sobre la dinámica de poder de Hollywood. No era suficiente que un actor principal fuera grande, también tenían que ser los más grandes en cualquier escena. Un artista de apoyo, sin importar el talento que tuviera, tenía que conocer su lugar. Y sin embargo, momentos como estos nos recuerdan que la verdadera presencia en la pantalla no siempre puede ser contenida por una sala de edición. Martha Vickers nunca se convirtió en un nombre habitual como Bacall, pero su breve e inolvidable giro en The Big Sleep sigue siendo uno de los mejores ejemplos de un "robador de escenas" en el clásico Hollywood. Incluso décadas después, su actuación sigue fascinando al público, demostrando que a veces, no importa cuánto el sistema de estudio intente moldear el legado de una película, el poder crudo de una gran actuación todavía puede brillar.

Fuente: No solo cine y solo clásico

La pueden ver en el siguiente enlace:

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Aquiles Vs. Héctor (Troya), uno de los mejores duelos del cine

La escena de lucha entre Aquiles (Brad Pitt) y Héctor (Eric Bana) en la película "Troy" es una de las mejores batallas en la historia del cine, y muchos críticos la han clasificado como una de las mejores peleas individuales en la historia del cine.

Brad Pitt y Eric Bana se sometieron a un entrenamiento intensivo de seis meses bajo la supervisión de entrenadores de combate con espadas. La escena fue diseñada en un estilo de "combate samurái" con un enfoque en la velocidad y precisión.

Ambos actores decidieron hacer la pelea por sí mismos sin usar dobles, y acordaron una regla poco común: si uno de ellos lastimaba al otro, no se disculparían, sino que le pagarían una compensación económica. ¡100 dólares por cada lesión leve y 200 dólares por una lesión grave! Brad Pitt nunca lastimó a Eric Bana, pero Brad recibió tres lesiones, por las cuales Bana pagó 600 dólares.

Antes de rodar la escena, Brad Pitt sufrió una lesión en el tendón de Aquiles, lo cual es irónico porque interpretaba a Aquiles. La lesión retrasó el rodaje durante varias semanas hasta que se recuperó parcialmente.

No se usó "fast motion" (movimiento rápido) ni cortes excesivos, sino que se filmó la pelea con planos largos para mostrar las habilidades de combate. Casi todos los golpes fueron reales, excepto los puñetazos muy cercanos.

El resultado fue impresionante, y el director de la película, Wolfgang Petersen, comentó: "Esta fue la pelea más realista que he filmado en toda mi carrera".

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Marcello Mastroianni y Anita Ekberg en La Dolce Vita (Federico Fellini, 1960) Para muchos críticos, ésta sigue siendo una de las mejores escenas del cine. Federico Fellini filmó "La dolce vita" en 1959 y la presentó en el Festival de Cannes, donde ganó la Palma de Oro. La escena en cuestión es sinónimo de cine (literalmente hablando) y es difícil encontrar un fotograma mas romántico que este. Nunca quedó claro si este hermoso momento del séptimo arte se filmó en enero (como aseguró Anita Eckberg) o en marzo (como siempre dijo Fellini). Pero hay algo en lo que los dos estaban de acuerdo y era en que, en ese momento que quedaría en la historia, hacía un frío increíble. Anita Eckberg iba con un vestido de noche y Marcello llevaba traje. Y, vaya uno a saber como, la actriz sueca aguantó el frío sin problemas pero Mastroianni no, lo sufría a pleno y temblaba como una hoja. Le trajeron una segunda muda de ropa para que se la pusiera debajo del traje pero eso tampoco lo ayudó. Al final, lo que lo terminó salvando fue la aparición de una noble botella de vodka que se bebió casi entera. Y esta primera imagen que enamoró a todos y vimos una y mil veces, fue rodada por un Marcello totalmente borracho (pero que, por lo menos, ya no tenía frío).

Fuente: Miriam Baños (Facebbok)

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Chaplin Stephanie Ducasse } Cuando ganó suficiente dinero, sacó a su Madre del asilo para enfermos mentales donde se encontraba, en las cercanías de Londres, para que pasara sus últimos años en una lujosa mansión en California con todos los cuidados. Cuando la visitaba, muchas veces ella ni siquiera le reconocía, otras, su Madre le metía en los zapatos trozos de pan envuelto en periódico, tal vez un eco del hambre atroz que pasó de niño. Un 16 de abril de 1889 nacía Charles Chaplin, en un carromato de Black Path Pork, un campamento gitano de Smethwick cerca de Birmingham, Inglaterra. Así, desde muy pequeño estuvo vinculado al mundo de la interpretación, sus padres fueron artistas ambulantes de music-hall y él debutó a los 5 años. Su padre alcohólico los abandonó, y poco después murió con 37 años. Su madre, Hannah, debió sacar adelante a sus hijos, pero fracasó en su profesión y la falta de dinero y la mala alimentación, hicieron mella en su salud mental. Debió ser internada, y Charlie junto a su hermano Sydney pasaron dos años en el Asilo para Pobres de Lambeth, por un grave cuadro de desnutrición. Ingresó en 1907 en la Compañía de mimos de Fred Karno, donde coincidió con Stan Laurel, actor cómico del famoso dúo El Gordo y el Flaco. Con el grupo llegó a EEUU en 1910 y en 1913 finalmente a Hollywood. Un año más tarde, en los estudios de la Keystone, durante el rodaje de la película Aventuras extraordinarias de Mabel, nació su personaje de Charlot, y con él la leyenda. El director Mack Sennett, en medio de la peli le dijo; "Vé, maquíllate y ponte un disfraz cómico”. Chaplin fue al guardarropa y eligió lo primero que encontró; una levita estrecha, pantalones holgados, zapatones, bastón y sombrero hongo. Luego le añadió un bigotito “para parecer algo mayor”. Había nacido el que acabaríamos conociendo como Charlot. El personaje apareció por primera vez en la película Carreras sofocantes, estrenada en febrero de ese mismo año. El éxito fue inmediato. En docenas de películas, este eterno vagabundo, a través de su personaje sin palabras, denunció las desigualdades sociales de su época, con dignidad, humor e ingenio, siempre con un espacio para el romance y la aventura. Fue fundador de la productora United Artists, que consiguió que el trabajo de los actores sea reconocido y mejor pago, en una época en que sus derechos eran inexistentes. Tiempos Modernos constituye un gran alegato contra el Capitalismo, y su mítico discurso final en el Gran Dictador, donde por primera vez habla, se ha convertido a través del tiempo, en un llamamiento Universal, a la Paz, la Libertad y la Tolerancia, a la altura de los de Gandhi o Martin Luther King. Por el mensaje social de sus películas, fue uno de los grandes perseguidos por la infame Caza de Brujas del senador Joseph McCarthy entre 1950 y 1956, e incluido en sus "listas negras" por ser sospechoso de comunista. Debió abandonar el país y se radicó en Suiza. Regresó 20 años después, y en 1972 le fue otorgado un Óscar Honorífico por su trayectoria, recibiendo la ovación más grande en la historia de la Academia. Partió mientras dormía, la noche de Navidad de 1977. Chaplin fue Mimo, Músico, Escritor y Poeta, pero sobre todo un Mago, que con el Lenguaje Universal de su Arte único, definió un nuevo concepto de Humanismo, el de la Solidaridad, el que hoy más necesitamos. "Recuerdo a esos Bailarines callejeros, que bailaban temblando de frío y de hambre. Yo era como ellos... Y en las noches, en esas noches mágicas, cuando me quedaba dormido, arrullado por mis cuentos de hadas, esperaba el día para volver a verlos..."

Fuente: HISTORIA, ARTE, CULTURA Y MÚSICA (Facebook)

La bofetada

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En 1958, Natalie Wood pasó delante de la mesa de Frank Sinatra en Romanoff's en Beverly Hills cuando hizo un comentario fuerte y crudo dirigido a ella. Sin dudarlo un momento, ella se dio la vuelta, caminó directamente a su mesa y le dio una bofetada en la cara a plena vista de la multitud de élite del restaurante. El sonido agudo de su palma contra su mejilla cortó conversaciones y congeló los tenedores en el aire. La sonrisa de Sinatra desapareció. Natalie no dijo una palabra. Ella lo miró fijamente, luego se alejó como si nada hubiera pasado. Ese momento no llegó a los titulares en los periódicos, pero se convirtió en una historia que todo el mundo en Hollywood conocía. Romanoff no era un restaurante ordinario. Era un potente patio de recreo para actores, productores y jefes de estudio. Sinatra, para entonces, era intocable. Con un Grammy bajo su cinturón y una reputación que combinaba encanto con peligro, comandaba cada habitación en la que entró. Su palabra podría hacer o romper las carreras de la gente. Sin embargo, en un rápido gesto, Natalie Wood había trazado una línea que nadie esperaba que ella dibujara. Ella había crecido dentro del sistema de estudios. A la edad de diez años, ya había trabajado con Orson Welles y protagonizó "Miracle on 34. "Hollywood la había tratado como a una muñeca de porcelana con una cara lista para la cámara y una actitud satisfactoria. A finales de la década de 1950, Natalie había trabajado con James Dean en "Rebel Without a Cause", jugó complejos papeles emocionales, y había comenzado a hacer retroceder la forma en que la industria moldeaba a las mujeres La gente a su alrededor notó un cambio. Natalie se había vuelto más asertiva, más selectiva con sus papeles, y mucho más vocal acerca de la forma en que las mujeres eran tratadas detrás de las escenas. La bofetada no fue un arrebato. Fue la expresión física de una mujer hecha que no toleraba la falta de respeto, sin importar quién lo manifetara. Los cercanos a Sinatra esperaban una reacción violenta. Era conocido por guardar rencor y por usar su influencia para cerrar silenciosamente puertas a las personas que lo cruzaron. Pero sucedió algo inusual. Según se informa, Sinatra se inclinó hacia atrás en su asiento después del shock inicial y murmuró: "Tiene agallas. Ésa chica va a durar". Nunca sacó el tema del incidente de nuevo y nunca mostró resentimiento público hacia Natalie. De hecho, algunos dijeron que después llevó un silencioso respeto por ella. En pocos días, la historia se abrió camino por la ciudad. Fue repetido por artistas del maquillaje, susurrado sobre los atrasos, y hecho referencia casualmente durante las negociaciones del contrato. El nombre de Natalie Wood de repente tenía un peso diferente. Ella todavía era una belleza, todavía una estrella de carpa, pero ahora también era vista como alguien que no seguiría el juego con las reglas tácitas de Hollywood. En privado, algunas actrices la elogiaron. Todos habían soportado situaciones similares, muchos en silencio, preocupados de que hablar les costara sus carreras. Natalie había hecho lo que más se soñaba hacer. Se había dado la vuelta y dijo no, no con palabras, sino con una acción que dejó sin palabras a una habitación llena de hombres. Ella nunca mencionó el evento públicamente. No había cita, ni anécdota de talk show, ni entrevista de revista. Ella no necesitaba explicarlo. Ese era el estilo de Natalie. Acero tranquilo detrás de características suaves. El tipo de fuerza que no requiere atención. Sinatra, rodeado de poder y fama, había sido desafiado por alguien más joven, más pequeño y socialmente menor en el orden jerárquico de la industria. Y no lo olvidó. Tampoco nadie más que estuviera presente esa noche. Esa bofetada no era por venganza. Se trataba de recuperar el control en una industria que a menudo exigía obediencia de sus estrellas, especialmente de sus mujeres. Ella no gritó. Ella no discutió. Ella se fue con todos los ojos de la habitación mirándola, y nadie se atrevió a seguirla. Ese acto se hizo eco más tiempo que cualquier discurso que ella podría haber hecho. Fue su forma de pedir respeto y empatía en un mundo de hombres. Carlos Raggi Figueroa

Fuente; Lee, piensa y escribe / Facebook