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Un corazón en invierno

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Año: 1992
Duración: 100 min.
País: Francia Francia
Dirección: Claude Sautet
Guion: Claude Sautet, Jacques Fieschi, Jérôme Tonnerre
Reparto: Daniel Auteuil es Stéphane, Emmanuelle Béart es Camille, André Dussollier es Maxime.

Stéphane y Maxime fabrican y reparan violines y otros instrumentos de cuerda. Un día Maxime le confiesa a su amigo que se ha enamorado de Camille, una joven y bella violinista. Los primeros encuentros entre Camille y Stéphane son fríos, pero poco a poco ella empieza a sentirse atraída por el frío e imperturbable socio de su novio.

Premios

1993: Premios BAFTA: Nominada a la mejor película en habla no inglesa
1993: Premios del Cine Europeo: Mejor actor (Daniel Auteuil)
1992: Festival de Venecia: León de plata (mejor director) y FIPRESCI
1992: Premios David di Donatello: 3 premios, incluyendo a mejor film extranjero
1992: Premios César: Mejor Director y Actor Sec. (Dussollier). 9 nominaciones
1993: Asociación de Críticos Norteamericanos (NBR): Nominada a Mejores películas extranjeras del año.

Críticas

"El mejor Sautet hace, al igual que en "Nelly y el Sr. Arnaud", con un argumento de lo menos emocionante y espectacular, una de las historias, en este caso de amor, más conmovedoras de los noventa"
Francisco Marinero: Diario El Mundo

"Tiene la intensidad y la delicadeza de un gran relato breve y revela lo superficiales que son la mayoría de películas románticas (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 4)"
Roger Ebert: Chicago Sun-Times

"Ofrece satisfacciones que van más allá del ámbito de su extraña historia"
Janet Maslin: The New York Times

"Una película engañosamente compleja y llena de inesperada belleza, riqueza y sentimiento"
Hal Hinson: The Washington Post


Reseña

Cita:

Concierto para un hombre solo: Un corazón en invierno, de Claude Sautet No es aventurado afirmar que dentro del cine europeo, es Francia el país que ofrece una filmografía más homogénea y compacta, sin que esto implique una actitud poco arriesgada o temerosa del vanguardismo y la experimentación. Nos referimos más bien a una pronunciada actitud humanista, a una mirada que apunta hacia el ser humano y sus conflictos consigo mismo y con sus semejantes, antes que al uso de la tecnología y de un formalismo estéril que cunde como plaga alrededor del planeta. Aunque los estilos, las épocas y la manera de contar las cosas difieren, en la obra de directores como Renoir, Ophuls, Demy, Truffaut, Godard, Chabrol, Rivette, Malle, Rohmer, Berri o Maurice Pialat -por mencionar unos cuantos- el protagonista es uno sólo: el hombre. Sus sentimientos, sus afectos, su existir, su alma, sus inquietudes, sus dudas y temores son expuestos de frente ante nosotros haciendo que sintamos cerca este tipo de cine que se solaza hablándonos en un lenguaje familiar, recreando situaciones que quizás ya hallamos vivido, mostrándonos encuentros y desencuentros que tuvimos alguna vez, reviviendo sensaciones que algún día experimentamos y que la mente se resiste a olvidar. Por eso una película francesa es inconfundible: su tono de intimidad nos habla al oído; sus personajes no son caricaturas, están vivos, sienten, ríen y sufren como nosotros; su historia nos envuelve y nos atrapa por que en ella nos vemos retratados a veces con sonrojo. Estas reflexiones vienen a cuento al ver un filme que no traiciona su origen ni la tradición fílmica tras él. Estamos hablando de Un corazón en invierno (Un coeur en hiver, 1992), del veterano director Claude Sautet. Sautet representa un caso particular dentro del panorama fílmico francés, pues siendo contemporáneo de los gestores de la nouvelle vague, no puede realmente inscribirse en ese movimiento del que nunca se sintió parte y que opacó las obras que realizara a mediados de la década de los sesenta. Graduado de la IDHEC en 1948, empezó a trabajar con Jacques Becker, Maurice labro y Georges Franju; su primer largometraje fue Classe tous risques (1960) aparecido -para su desventura- el mismo año de Sin aliento (À bout de souffle). Ignorado, decidió continuar como guionista de películas de Deray, Ophuls, Rappeneau, de Broca y Jacques Demy antes de volver a la dirección en 1965 con L’Arme a gauche, un filme de suspenso protagonizado por Lino Ventura y Sylva Koscina. Tras aventurarse inicialmente en el cine de suspenso, Sautet desembocó de manera gradual hacia la construcción de obras de un complejo dramatismo psicológico en las cuales se involucran en forma equívoca seres solitarios en busca de una paz que les es esquiva y en las cuales los sentimientos de cada uno están en primer plano, casi siempre en situaciones en las que se retrata un trío antes que una pareja, como ocurre en Las cosas de la vida (Les choses de la vie, 1970), Max et les ferrailleurs (1971), César et Rosalie (1972) o en Une histoire simple (1978), películas por las cuales pasaron actores imprescindibles dentro del cine contemporáneo como Yves Montand, Michel Piccoli y la recordada Romy Schneider, protagonista de varios de sus filmes. Aficionado a la música -en una época de su vida se desempeñó como crítico musical-, el director dota a sus filmes de una rítmica musicalidad y una banda sonora que es también protagónica, realizada en la mayoría de los casos por el compositor francés Philippe Sarde. Coherente con su estilo, Un corazón en invierno desarrolla de igual manera un intenso drama entre tres seres, en el que la música -ahora de Maurice Ravel- marca el tono y guía la narración. Dos de los lados del triángulo son rostros familiares, pues coincidieron de manera feliz protagonizando una película que fue exhibida comercialmente en Colombia: Manón de los manantiales (Manon des sources, 1987), de Claude Berri; nos referimos a Daniel Auteuil y a la esplendorosa Emmanuelle Beart. Incluso ya Sautet había tenido a Auteuil bajo sus ordenes en Quelques jours avec moi (1988), pero la historia que ahora nos ocupa se refiere a tres personas, tres vidas dedicadas a la música: Maxime (André Dussollier), el propietario de un taller de reparación de violines, Stéphane (Auteuil), el principal luthier, y Camille (Beart), una joven y dotada intérprete, de quien Maxime se enamora. Estamos hablando de tres artistas, pues Maxime y Stéphane han recibido una educación musical profesional, sólo que derivaron sus carreras hacia otros campos, lo mismo que sus vidas, ya que Maxime es un hombre de mundo y de gran roce social, mientras Stéphane dedica su vida a su trabajo, ajeno a todo tipo de relación afectiva. Hay gozo y honestidad “artística” en la actividad de estos dos personajes, tanto cuando Maxime negocia un violín, como cuando Stéphane logra encontrar el defecto que padecía uno de los amados instrumentos que le ha sido encomendado. La perfecta concentración de Auteuil en su papel dota a su personaje de rasgos verosímiles dentro de un “autismo social” que, desafortunadamente, parece estar volviéndose cada vez más frecuente en estos tiempos en los que el ser humano ha ido perdiendo la capacidad de sentirse parte de una comunidad, aislándose tras muros, rejas y alarmas defendiendo una intimidad que dista poco de la soledad. Es más, Sautet le pone una compañera cerca: Helene, una mujer interesante, a quien Stéphane, en su miopía, nunca ve más que como a una confidente. Sin embargo, Stéphane parece envidiar la suerte de su compañero de labores -la palabra patrón no cabe entre los dos-, pero no hace nada para cambiar las cosas. A pesar de ello, su misma manera de ser -de un perfeccionismo extremo en su labor- atrae lentamente la atención de Camille, ella misma una perfeccionista del violín, y, lentamente, se va sintiendo atraída por el esquivo artesano. Empieza a perfilarse a partir de este instante lo que podría ser una nueva relación fundada más en las cosas no dichas que en las pronunciadas, apoyada en silencios y miradas. No hay palabras de amor entre Camille y Stéphane, no hay contacto físico, no hay un gesto evidente de interés de él hacia ella, pero entendemos que hay algo ‘mágico e inusual creciendo en el ambiente, algo que ninguno parece ser capaz de dominar y la maestría de Sautet está en mostrarnos eso, el proceso de enamoramiento de una mujer basado en unos signos muy poco evidentes pero significativos para ella. No queremos anticipar más de la historia pero como esto no es Hollywood, Stéphane no traiciona el sentido que ha querido darle a su vida, así apueste a una soledad por la que voluntariamente ha optado. Hay una cosa más que hace de este filme algo especial y es, claro, la música. Emmanuelle Beart tuvo que aprender a tocar violín -aunque su interpretación es doblada por Jean-Jacques Kantarow, un virtuoso del instrumento- para poder encarnar a su personaje y la elección de las sonatas de Ravel no es de ninguna manera casual, pues el tono discreto y sentimental de sus composiciones encuentra un adecuado eco en el ritmo de la narración. Ravel fue un hombre tímido, de una personalidad callada y solitaria, entregado por completo a la música durante los últimos años de una vida no muy extensa y estamos por pensar que Claude Sautet ha moldeado a Stéphane a partir de la figura taciturna y esquiva de Maurice Ravel, como un homenaje a este maestro y a la vez haciéndoles un guiño de complicidad a los amantes del cine y la música clásica. Y si esto es así, lo ha logrado con un absoluto respeto hacia el genio de Ciboure, fallecido en 1937. Claude Sautet dirige a Emmanuelle Béart y a Daniel Auteuil en Un corazón en invierno (1992) Un insólito destino parece regir el futuro de tres personas, cuya intelectualidad se ve superada por sus sentimientos, culpables de llenar sus vidas de zozobra y dolor, pero responsables, a su vez, de hacerlos sentir vivos. Hay entre ellos alguien distinto, alguien con un corazón en otra estación, en un perpetuo invierno donde la nieve cae sin tregua sobre él y sobre aquellos a su lado. Sautet se encarga de recordarnos que, a pesar del frío invernal, el sol se empeña en salir día a día, con la terquedad del que sabe que es el amor el que guía sus pasos. Qué bueno haber tenido la oportunidad de ver este trabajo, un hermoso filme hecho con absoluta precisión y de un profundo dramatismo, logrado gracias a un pequeño grupo de actores que han sabido captar la atmósfera sutil que el director requería, para hacer algo difícil que pocos logran: una obra maestra.

Fuente: Publicado en la Revista Kinetoscopio no. 35 (Medellín, vol. 7, 1996) págs. 97-100
©Centro Colombo Americano de Medellín, 1996

Continuamos con nuestro ciclo de Músicos y esta vez nos trasladamos en el tiempo a la primera mitad del siglo XX, la era de las big bands y el protagonismo del swing.

Melodías de Broadway
(The Band Wagon – 1955)

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Tony Hunter es un olvidado bailarín que organiza una subasta con su sombrero de copa, el bastón y los guantes. El resultado es desolador y Tony se da cuenta del abandono al que lo ha sometido el público. Pero se encuentra a dos viejos amigos, y estos le ofrecen una comedia dirigida por un excéntrico productor teatral, Jeffrey Cordova, que va a realizar una nueva versión de Fausto. Los ensayos son un desastre y Tony se enfrenta a la protagonista femenina, Gabrielle Gerard. El estreno es un fracaso. Entonces Tony se convertirá en el nuevo productor y hará la obra a su manera, cosechando grandes éxitos por allí donde pasa la gira.

Título original: The Band Wagon
Año: 1953
Duración: 112 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Vincente Minnelli
Guion: Norman Corwin, Alan Jay Lerner. Historia: Betty Comden, Adolph Green
Reparto: Fred Astaire, Cyd Charisse, Jack Buchanan


Premios

1953: 3 nominaciones al Oscar: Historia y guión, vestuario color, banda sonora (Musical)
1953: Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a Mejor guión musical


Críticas

"Lo siento, pero la venerada 'Singin' in the Rain' no es el mejor de los legendarios musicales de la MGM"
Lou Lumenick: New York Post

"Cuanto más la miras, más perfecta parece"
Derek Malcolm: The Guardian

"Un espectáculo que apuesta respetuosamente por el reconocimiento como uno de los mejores musicales que se hayan hecho nunca"
Bosley Crowther: The New York Times

"La dirección de Minnelli pocas veces ha logrado una fusión tan perfecta de forma y contenido. Simplemente, es una obra maestra"
Austin Chronicle

"El musical para la gente a la que no le gustan los musicales"
IndieWire


Análisis:

Cita:

A nivel popular el ‘Mejor’ Musical de la historia del cine es CANTANDO BAJO LA LLUVIA, pero entre los profesionales y estudiosos del género somos muchos los que dudamos entre la cinta de Doney y Kelly y MELODÍAS DE BROADWAY 1955 (en adelante me referiré a ella por su título original BAND WAGON). Hay suficientes razones para dudar sobre la cuestión, aunque si les soy sincero, dudo mucho que se resuelva la duda algún día. En cualquier caso. lo que único seguro es la excepcionalidad de ambas películas. Les voy a comentar la edición española porque, como les he apuntado en otro artículo, sólo excluye un número musical originalmente eliminado del metraje comercial de la película. Muchas veces les he comentado que la esencia del musical, el arquetipo del musical es una historia que versa sobre la preparación de un espectáculo musical y su culminación en el estreno triunfal incluyendo por el medio una historia de amor, dificultades varias y ciertos toques de humor. Esto cambiaría radicalmente en 1949 con la irrupción de UN DIA EN NUEVA YORK. BAND WAGON es posiblemente el último musical, el último clásico, que sigue esta formula. Un bailarín en declive se traslada a Nueva York en busca de un lugar en las producciones teatrales. Así comienza la película con Astaire y el número de “Gan Central Station” un prólogo fastuoso que ya nos enuncia lo que veremos: coreografías magistrales, baile de clase y, por supuesto, color y fantasía por doquier. El esto de la historia se la pueden imaginar. Montan un primer espectáculo que fracasa estrepitosamente por lo cual se ven obligados a salir de gira reformando por completo la obra. El viaje servirá para mostrarnos los distintos números musicales encadenados por ciudades hasta llega de nuevo a Broadway donde esta vez sí lograrán el éxito soñado, anhelado, buscado y también trabajado. Les destaco el número "That's Entertainment" escrito por Arthur Schwartz y Howard Dietz e interpretado y bailado por Jack Buchanan, Nanette Fabray, Oscar Levant, Fred Astaire y Cyd Charisse (doblada por India Adams). Esta ‘simple’ canción se ha convertido con el tiempo en el himno del espectáculo, del musical, del entretenimiento; sustituyendo al "There's No Business Like Show Business" compuesto por Irving Berling para ANNIE GET YOUR GUN. Mención separada merece “Bailando en la oscuridad” ("Dancing in the Dark"). Ese Central Park, Astaire y Charise paseando, no se entienden demasiado bien, pasan por un baile, siguen adelante hasta que en un punto dado ambos comienzan como a tantearse mutuamente, suena la partitura y empieza uno de los números más simples y la vez más importantes de la historia del cine. Cyd, la gran Cyd, ha dicho muchas veces que era su canción favorita y su número favorito. No diría tanto pero siempre que veo de nuevo la secuencia me pregunto a quién no le gustaría tener su particular baile en ‘la oscuridad’. ¿Qué se puede decir de "Triplets"? De entrada todo lo contrario que hemos dicho en el párrafo anterior. Es uno de los números más complejos de la historia del cine donde los protagonistas bailan y andan con las rodillas para simular la altura propia de los recién nacidos. Es memorable. Es una maravilla. Fíjense en un detalle. Esta hecha casi en un plano único, no hay cambios de plano. Imagínense los intentos necesarios para llegar al prodigio. Terminamos nuestro repaso al musical con "The Girl Hunt", punto final de la película, secuencia fascinante, innovadora, rompiendo el esquema coreográfico y plástico del film. No les comento más, no estamos en un estudio, prefiero dejárselo para su descubrimiento. Verán como merece la pena. Por lo demás les cuento que la edición incluye desde la banda sonora en mono, una ‘transferencia’ nueva de un master restaurado con una calidad de imagen y color como nunca había visto en esta película, así como subtítulos en español, canciones incluidas. Lamentamos únicamente carecer de una opción que permita activar los subtítulos en las canciones de forma automática. La edición se completa con un documental de época (de 1974) sobre Vicente Minelli, restaurado parcialmente, un nuevo ‘Making Off’ que por una vez sí cuenta aspectos interesantes y certeros sobre la película, un corto musical de 1929 con Jack Buchanan y the Glee Quartet, una galería de trailers de Fred Astaire y finalmente un audio comentario sin subtitular a cargo de Liza Minnelli y Michael Feinstein. La felicidad nunca es completa: se ha suprimido un número musical adicional titulado “Two Faced Woman, plus dailies”. No me extiendo más. Es una delicia de película y una delicia de edición pese a Warner Home Video. Si les gusta el musical, si les atraen figuras como Fred Astaire, si entre sus gustos se encuentra el baile y la danza, BAND WAGON es una opción imprescindible.

Fuente: Revista Filomúsica

Las especulaciones sobre la muerte de Natalie Wood siguen vigentes. ¿Qué pasó aquella noche? Parece el guion de una película policíaca. Lo cierto es que murió en circunstancias que apuntan a un homicidio involuntario. Un misterio sin solución. La vida real en formato de cine.

Cita:

"Quiero que se haga justicia con mi hermana, que Robert diga la verdad" La muerte de la actriz sigue siendo uno de los grandes misterios de Hollywood. Cuando se cumplen 40 años, su hermana revisa el caso y aporta nuevas pistas. Ella misma nos lo cuenta. Por Mick Brown / Fotografía: Steve Schapiro Domingo, 05 de Diciembre 2021 | Actualizado 20/06/2023, 09:11h Natalie Wood tenía 42 años cuando murió. Había debutado en el cine a los 4 y se había convertido en una estrella tras West Side Story y Esplendor en la hierba. Pero en noviembre de 1981 se encontraba en ese lugar difícil para cualquier actriz, como dice su hermana Lana, «atrapada en la cruel transición entre ser una 'gran estrella' y que pregunten '¿quién era?'». En la última semana de noviembre, Wood y su marido, Robert Wagner, junto con el actor Christopher Walken, salieron a navegar frente a la costa de California en el yate de la pareja, Splendour. A primera hora de la mañana del 29 de noviembre, el cuerpo de la actriz fue encontrado flotando en una cala de la isla de Catalina. Han pasado cuatro décadas y la muerte de Wood ha sido una fuente de especulación permanente. Libros, documentales y cientos de artículos han girado en torno a la misma pregunta: ¿fue un accidente? ¿Se cayó o la empujaron? Estas cuestiones han atormentado a Lana Wood. La hermana de la estrella acaba de publicar un libro, Little sister, donde trata de averiguar qué ocurrió y expone nuevas pruebas que han salido a la luz. ¿Se cayó o la empujaron? Lana Wood, la hermana de la actriz, quien reclama que se aclare el caso en su libro Little Sister. Lana ahora tiene 75 años, pero su rabia por la muerte de su hermana y por el hombre a quien cree responsable no ha disminuido. Los padres de Natalie y Lana eran emigrantes rusos que se instalaron en Estados Unidos tras la revolución. Su padre, que trabajaba haciendo decorados en Hollywood, era un hombre atormentado por el exilio. Su madre, una mujer dominante que no se detenía ante nada con tal de convertir a Natalie en una estrella. Lana recuerda que, una noche, ella y su madre llevaron a Natalie al hotel Chateau Marmont. Mientras ellas esperaban en el coche, Natalie estuvo en una habitación donde la esperaba Kirk Douglas. Según Lana, su hermana volvió «despeinada y muy alterada». Años más tarde, Natalie le confesó que Douglas había abusado sexualmente de ella. Solo tenía 15 años. Cuatro años después de esa sórdida noche, Natalie se casó con Robert Wagner. Corría el año 1957, y Los Angeles Times los describió como «la pareja más fotografiada y envidiada desde Wallis Simpson y Eduardo VIII». Un lustro más tarde, sin embargo, ella y Wagner se divorciaban después de que Natalie encontrara a su marido en lo que Lana describe como «una posición muy comprometida» con su mayordomo, una acusación que Wagner siempre ha negado. Kirk Douglas abusó sexualmente de Natalie cuando tenía 15 años, según su hermana Tras la ruptura, Natalie tuvo varias aventuras, hasta que en 1969 se casó con el productor Richard Gregson, con quien tuvo una hija y del que después se divorció. En 1972, Natalie se casó por segunda vez con Wagner. «Cuando anunciaron que se volvían a casar, le dije a mi hermana: '¿Qué diablos está pasando?'. Y ella me contestó, con toda seriedad: 'A veces lo malo conocido es mejor que lo bueno por conocer'. Le dije: '¡Eso no es razón para casarse!'. Sentí que estaba cometiendo un terrible error». Lo malo conocido. Robert y Natalie con sus dos hijas. La mayor es, en realidad, hija del anterior marido de la actriz. La pequeña nació cuando Natalie y Robert se casaron por segunda vez. Ante esas nuevas nupcias con él, Natalie le dijo a su hermana: «Más vale malo conocido...». La noche de autos El día de su muerte, el mar estaba agitado. También el ambiente a bordo. Por la noche, Natalie, Wagner, Walken y el patrón del barco –Dennis Davern– habían bajado a tierra para lo que, según se informó más tarde, fue una cena con mucho alcohol y mal humor. De vuelta al barco, Natalie y Wagner discutieron, supuestamente porque ella pasaba demasiado tiempo trabajando. Según el relato de Wagner, tras la pelea, Natalie se retiró a su camarote. Cuando él fue a buscarla, ella ya había desaparecido. También el bote auxiliar. La pequeña embarcación se encontró flotando cerca del cuerpo. La llave permanecía en el contacto y los remos, atados. Evidentemente, no se había utilizado. Cuando se sacó el cuerpo del agua, Natalie llevaba un camisón de franela, calcetines de lana y un plumas rojo. El juez de Instrucción concluyó que Natalie, por la razón que fuera, había subido a cubierta y tratado de subir al bote, pero tropezó y cayó al agua. En menos de dos semanas, la investigación se cerró con la conclusión de «ahogamiento accidental». Barco a la deriva. El bote inflable que, presuntamente, habría utilizado Natalie Wood la noche que murió. Fue encontrado en la costa a unos 180 metros de su cuerpo. Lana se enteró de la muerte de su hermana por la radio. Wagner no la llamó. De hecho, no habló con él hasta el funeral. «Fue un accidente –le dijo–. Tienes que creerme, por favor, créeme». Recuerda que, cuando le presionó para que le diera una explicación, alguien la cogió del brazo y la alejó. Durante años, Lana se esforzó por pasar página. Aunque la versión oficial de lo ocurrido era, según ella, absurda. «Natalie tuvo miedo a ahogarse toda la vida y era una mala nadadora; nunca habría intentado subirse a un bote con el mar agitado». Tampoco entendía el comportamiento de Wagner. Él y Walken fueron trasladados en helicóptero a tierra y dejó que el patrón del barco identificara el cuerpo. «¡No identificar su cuerpo!». La voz de Lana se eleva con rabia. Pero, por aquel entonces, a Lana le resultaba imposible contemplar la posibilidad de que Wagner fuera responsable de la muerte de su hermana. «Pensar que alguien a quien Natalie amaba hubiera hecho algo así era devastador. No quería creerlo, así que lo acepté y mantuve la boca cerrada». Hasta que en 1992 Lana recibió la primera llamada del patrón del barco... La mala conciencia del patrón del barco Tras la muerte de Natalie, el patrón del Splendour corroboró el relato de Wagner. Durante mucho tiempo estuvo viviendo en casa del actor, y este le encontró algún que otro trabajo como intérprete. Pero parece que su conciencia empezó remorderle. «Contó que hubo una pelea, que habían tirado a Natalie al suelo. Y yo decía: '¿Qué pasó, Dennis?', y él respondió: 'No puedo decírtelo, es terrible'. Y colgaba. Pasaba el tiempo y volvía a llamar». Davern no es el testigo ideal. En estos años ha contado partes de su historia a diarios sensacionalistas, programas de televisión y en un libro publicado en 2009. Pero su versión, según Lana, es la siguiente: desde el principio, Wagner no estaba contento con que Natalie hubiera invitado a Walken al barco. Tras una «tensa» cena en tierra, Wagner estalló, rompiendo una botella y gritando a Walken: «¿Quieres follarte a mi mujer? ¿Es eso lo que quieres?». Amigos y colegas. Natalie Wood con Christopher Walken, el actor con el que estaba rodando la película de ciencia ficción Brainstorm cuando falleció. Walken estaba en el barco el día del incidente mortal. El actor se retiró a su camarote, donde pasó el resto de la noche. Natalie huyó al camarote principal. Wagner la siguió. Davern oyó gritos y golpes en la habitación. A eso de las once, la discusión se trasladó a cubierta, tan fuerte que Davern subió la radio para que los barcos cercanos no oyeran los gritos. Cuando volvió a ver a Wagner, explicó que el actor parecía «sudoroso, sonrojado, nervioso y desaliñado». Robert dijo: «Natalie ha desaparecido» y le ordenó que registrara el barco. Cuando el capitán regresó, Wagner le comentó que la embarcación auxiliar había desaparecido. Davern intentó pedir ayuda por radio, pero Wagner, sirviendo un par de copas, le ordenó que no lo hiciera, que «podía empañar su imagen». Davern tardó otras dos horas en convencer a Wagner de que pidiera ayuda. No fue hasta la una y media de la madrugada cuando se notificó al puerto local la desaparición, y hasta las tres y media no se informó a los guardacostas. El recuerdo de Wagner de la noche es diferente. En un libro contó que discutió con Walken por la carrera de Natalie. Ella, aburrida, los había dejado. La última vez que la vio, ella se estaba peinando en el baño. Wagner no informó a Lana de la muerte de su hermana. no lo vio hasta el funeral. "Fue un accidente -le dijo-. Tienes que creerme" Se reabre la investigación En 2011, tres décadas después de la muerte de Natalie, Lana se unió a una campaña para reabrir la investigación. Al año siguiente, una autopsia complementaria cambió la causa de la muerte de ahogamiento accidental a «ahogamiento y otros factores indeterminados». Lana conoció a un policía retirado, al que solo identifica como Frank, que repasó el informe original de la autopsia, deteniéndose en un dato: la vejiga de Natalie contenía 300 centímetros cúbicos de orina, mucho para una mujer de su constitución. El impacto de la caída en el agua fría debería haber hecho que su vejiga se vaciara, pero estaba llena. La causa de la muerte fue ahogamiento, pero es posible, según Frank, que estuviera inconsciente antes de caer al agua. Hermanas de película. Natalie Wood con su hermana Lana, ocho años menor, en 1956. Hijas de inmigrantes rusos, su madre las introdujo en el mundo del espectáculo desde niñas. La carrera de Natalie fue más brillante, pero Lana participó en veinte películas –fue 'chica Bond' en Diamantes para la eternidad– y cientos de series, como El fugitivo o Bonanza. En febrero de 2018, la Policía anunció que nuevas pruebas hacían reclasificar la muerte de Wood como «sospechosa». Nuevos testigos atracados cerca del Splendour afirmaban haber oído una discusión entre Wagner y Natalie. Wagner se negó a ser entrevistado para la nueva investigación. La teoría de Lana sobre lo que ocurrió está en su libro. Cree que, tras la discusión con Walken, Wagner bajó furioso al camarote de Natalie. Ella huyó a cubierta y él la siguió. La discusión continuó, culminando con Wagner dándole un golpe y derribándola. Presa del pánico, tiró a Natalie al agua. Todo lo que hizo después, escribe Lana, fue para encubrir que «en un momento de embriaguez, celos y rabia había acabado con la vida de Natalie Wood». Wagner tiene ahora 91 años. En 2020 apareció en un documental producido por Natasha Gregson Wagner (hija de Natalie con Richard Gregson, que fue criada por Wagner). En él, ambos intentaban desterrar la «tontería» de que Wagner pudiera haber sido el responsable. Lana se negó a aparecer en la cinta. «Todo el asunto es un intento de encubrimiento», dice. La versión de los hechos de Christopher Walken ha sido la misma a lo largo de los años. Al volver al barco después de la cena, él y Wagner se enzarzaron en una discusión sobre la carrera de Natalie tras la cual él se retiró a su camarote. No supo más y la Policía nunca ha dudado de él. Por su parte, Lana concluye: «Lo que quiero es que Wagner tenga el valor de contar la verdad. Me gustaría que fuera lo suficientemente fuerte como para decir: 'Esto es lo que hice y me arrepiento hasta el alma'. Me gustaría que se hiciera justicia».

Fuente: ABC

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Muere la actriz Maggie Smith, Minerva McGonagall en Harry Potter, a los 89 años Septiembre 27, 2024 Por:Agencia EFE Ha fallecido la grandísima actriz británica Maggie Smith a los 89 años. Una de las mejores actrices de la historia en cualquier medio, su carrera empezó en los 50 y del teatro paso al cine y a la televisión y en su larga carrera de 70 años se incluyen títulos como La saga de Harry Potter, la serie "Downton Abbey", "Un cadáver a los postres", "Godsford park", "Hook", "Una habitación con vista", "Muerte bajo el sol", "Othelo", "Sister act", "Hotel internacional", "Muerte en el Nilo" y un larguísimo etc. Estuvo casada con el también actor Robert Stephens y era madre del actor Toby Stephens. Además de cientos de premios, ganó dos Óscar por "Los mejores años de Mrs. Brodie" y por "California Suite". Una actriz portentosa, dama del imperio británico, sería imposible condensar en unas líneas la importancia de Maggie Smith en la escena británica y fuera de ella. Una pérdida inmensa para el mundo del teatro y el cine.

Fuente: No solo cine y solo cásico (Facebook)

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Maggie Smith: 10 películas esenciales de la fallecida actriz La actriz, conocida por sus papeles de Violet Crawley en Downton Abbey o Minerva McGonagall en la saga Harry Potter, falleció a los 89 años. 27 de septiembre de 2024 - 08:38 p. m. Nacida el 28 de diciembre de 1934 en Essex (Inglaterra), Smith tuvo una dilatada carrera tanto en el teatro como frente a las cámaras, e incluso ganó dos premios Oscar. Fue nominada al galardón de la Academia en otras cuatro ocasiones y se hizo con siete premios BAFTA. Para recordar a la actriz, a continuación enumeramos algunos de los papeles más emblemáticos de su carrera. JEAN BRODIE (LOS MEJORES AÑOS DE MISS BRODIE, 1969) Enlace para verla: Solo los usarios con mas de 1000 puntos de reputacion o los usuarios con membresia Gold, pueden ver este link Que es la reputacion? - Membresias Pagas En Los mejores años de Miss Brodie, Smith dio vida a Jean Brodie, profesora de un colegio femenino. Ronald Neame dirigió la cinta, que le valió a la actriz el Oscar a mejor actriz y el BAFTA. DIANA BARRIE (CALIFORNIA SUITE, 1978) Enlace para verfla: Solo los usarios con mas de 1000 puntos de reputacion o los usuarios con membresia Gold, pueden ver este link Que es la reputacion? - Membresias Pagas Smith se llevó su segundo Oscar, en este caso a mejor actriz secundaria, por California Suite. La británica encarnó a una actriz que aspira a ganar el premio de la Academia mientras lidia con su complicado matrimonio. En este filme de Herbert Ross también aparecieron Jane Fonda y Alan Alda, entre otros. JUDITH HEARNE (LA PASIÓN SOLITARIA DE JUDITH HEARNE, 1987) Enlace para verla: Solo los usarios con mas de 1000 puntos de reputacion o los usuarios con membresia Gold, pueden ver este link Que es la reputacion? - Membresias Pagas La pasión solitaria de Judith Hearne de Jack Clayton le dio otro papel icónico a Maggie Smith. La artista deslumbró en el rol de una mujer que se siente cohibida sexualmente por su educación católica, una interpretación por la que se llevó otro BAFTA. MADRE SUPERIORA (SISTER ACT, 1992) Enlace para verla: Solo los usarios con mas de 1000 puntos de reputacion o los usuarios con membresia Gold, pueden ver este link Que es la reputacion? - Membresias Pagas Sister Act (Una monja de cuidado) es una comedia clásica de los años 90 protagonizada por Whoopi Goldberg. Smith dio vida a la madre superiora, quien inicialmente es una especie de antagonista, pero termina acercándose al personaje de Goldberg, la hermana Mary Clarence. Smith repitió este rol en 1993 en Sister Act 2: De vuelta al convento. MABEL PETTIGREW (SCREEN TWO: MEMENTO MORI, 1992) Los personajes de Maggie Smith han variado mucho de heroína a villana. Quizás un gran ejemplo de su trabajo como villana es el papel de Mabel Pettigrew en la serie Screen Two. Apareció en un episodio titulado Memento Mori y su personaje era una maestra de la manipulación con la que pudo demostrar una vez más su amplitud de registros. LADY MYRA (THE LAST SEPTEMBER, 1999) The Last September es una película dramática que cuenta con Maggie Smith interpretando a la copropietaria de una finca irlandesa. Deborah Warner dirigió la cinta, basada en una novela de Elizabeth Bowen. MINERVA MCGONAGALL (SAGA HARRY POTTER) Smith debutó como Minerva McGonagall en 2001 en Harry Potter y la piedra filosofal, un papel que siguió interpretando hasta el final de la saga en 2011. Se podría decir que, gracias a este papel, Smith se hizo conocida entre un público más joven. CONSTANCE TRENTHAM (GOSFORD PARK, 2001) Enlace para verla: Solo los usarios con mas de 1000 puntos de reputacion o los usuarios con membresia Gold, pueden ver este link Que es la reputacion? - Membresias Pagas Gosford Park es una película de misterio y asesinato al estilo Agatha Christie protagonizada por Maggie Smith como la intimidante Lady Trentham. La película fue muy elogiada por la crítica y el público, que quedaron absortos en el misterio de la trama. Clive Owen, Kelly McDonald o Kristin Scott Thomas también forman parte del reparto. VIOLET CRAWLEY (DOWNTON ABBEY, 2010-2015) Downton Abbey es una serie dramática británica que sumó 52 episodios y ha recibido numerosos premios y reconocimientos. Fue tan popular que incluso dio pie a una película en 2019. El personaje de Smith, Violet Crawley, condesa viuda de Grantham, es uno de los más populares de la serie, que llegó a su fin en 2015. MURIEL DONNELLY (EL EXÓTICO HOTEL MARIGOLD, 2011) Enlace para verla: Solo los usarios con mas de 1000 puntos de reputacion o los usuarios con membresia Gold, pueden ver este link Que es la reputacion? - Membresias Pagas El exótico Hotel Marigold se estrenó en 2011, superando todas las expectativas con su recaudación de taquilla. La película sigue la vida de los ancianos en el hotel y Maggie Smith interpreta a Muriel Donnelly, una exama de llaves que va al hotel para someterse a una operación de cadera. Su personaje experimenta un importante desarrollo a lo largo de la película y ella es fundamental para evitar que el hotel cierre. En el filme compartió planos con Judi Dench y Bill Nighy, entre otros.

Fuente: El Espectador

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El graduado El 24 de enero de 1968, el mundo fue testigo del estreno de “El Graduado,” una película que cambiaría para siempre el panorama del cine estadounidense. Dirigida por Mike Nichols, esta icónica historia de crecimiento catapultó a Dustin Hoffman a la categoría de superestrella interpretando a Benjamin Braddock, un reciente graduado universitario que se encuentra en una compleja relación amorosa con la Sra. Robinson, interpretada por Anne Bancroft. El guion de la película, escrito por Buck Henry y Calder Willingham, ofrece una mirada aguda y satírica de la desilusión de la generación de posguerra, combinando humor con los temas profundos de alienación y rebeldía. Con una duración de 106 minutos, “El Graduado” explora la crisis existencial de Benjamin mientras navega por las traicioneras aguas de la vida adulta. La trama se complica cuando se enreda con la Sra. Robinson, una mujer casada que lo seduce, sumergiéndolo en un romance secreto que complica sus sentimientos por su hija, Elaine, interpretada por Katharine Ross. Esta historia de amor triangular se desarrolla en el contexto de los años 60, un período marcado por la agitación social y el cambio de normas culturales, convirtiéndola no solo en un relato personal, sino en un reflejo de la lucha de una generación. La cinematografía del filme, realizada por Robert Surtees, captura la esencia de la época, utilizando técnicas inventivas que realzan su narrativa. El uso de primeros planos, colores contrastantes y encuadres únicos sumerge al público en el mundo de Benjamin, reflejando su confusión y anhelo. Además, la icónica banda sonora de la película, que cuenta con la música de Simon & Garfunkel, añade una capa adicional de profundidad. Canciones como “Mrs. Robinson” y “The Sound of Silence” encapsulan los sentimientos de desconexión y anhelo que prevalecen a lo largo de la película, convirtiendo la banda sonora en un personaje por derecho propio. “El Graduado” no solo recibió aclamación crítica tras su estreno, sino que también logró un éxito comercial, recaudando más de $104 millones contra un presupuesto modesto de alrededor de $3 millones. Su impacto en la cultura popular ha sido profundo, inspirando innumerables referencias en otras películas, programas de televisión e incluso comerciales. La combinación única de comedia, drama y romance resonó profundamente con el público, convirtiéndola en un clásico atemporal. En 1968, "El Graduado" se convirtió en un símbolo del cambiante paisaje estadounidense, abordando cuestiones de clase, moralidad e identidad de una manera que se sentía tanto relatable como revolucionaria. Su exploración de las complejidades del amor y los desafíos de crecer tocó una fibra sensible en los espectadores, convirtiéndola en un hito cultural que sigue resonando hoy en día. Al finalizar los créditos, los espectadores se quedan reflexionando sobre las incertidumbres de la vida y la a menudo incómoda transición hacia la adultez, un tema que sigue siendo tan relevante ahora como lo fue hace más de cincuenta años. En resumen, “El Graduado” es una obra maestra que continúa hablando a los corazones de nuevas generaciones, recordándonos las luchas universales de la juventud, el amor y la búsqueda de un lugar en el mundo. Con su ingenioso guion, actuaciones estelares y estilo visual impactante, la película ocupa un lugar destacado en el panteón del cine estadounidense, asegurando su legado por muchos años más.

Fuente: Edi Libedinsky (Facebook)

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Considerado un decálogo para construir un buen matrimonio, Paul Newman antes de casarse (29 de enero,1958) le escribió a su segunda esposa, Joanne Woodward, esta carta: "La felicidad en el matrimonio no es algo que simplemente sucede. Un buen matrimonio debe crearse. En el arte del matrimonio, las pequeñas cosas son las cosas grandes. Nunca se es demasiado viejo para tomarse de las manos. Es recordar decir "Te amo" al menos una vez al día. Es jamás ir a dormir enojados. Es no dar nada por sentado, el noviazgo no debe terminar con la luna de miel, sino que debe continuar a través de todos los años. Es tener objetivos comunes, es estar de pie juntos frente al mundo. Es formar un círculo de amor que se acumula en toda la familia. Es hacer cosas por los demás, no en la actitud de servicio o sacrificio, sino con alegría. Es decir, palabras de aprecio y demostrar gratitud de maneras bien pensadas. No está por esperar que el marido sea el hombre perfecto o que la mujer sea la esposa soñada. No es la busca de la perfección en sí. Es cultivar la flexibilidad, la paciencia, la comprensión y el sentido del humor. Es tener la capacidad de perdonar y olvidar. Se trata de una búsqueda común de lo bueno y lo bello. Se está estableciendo una relación en la que la independencia es igual, la dependencia es mutua y la obligación es recíproca. No se trata sólo de casarse con la pareja adecuada, es ser el socio adecuado. Con amor, Paul".

Fuente: HISTORIA, ARTE, CULTURA Y MÚSICA
Luis Enrique Huertas Mora (Facebook)