Cineclub de Denunciando

Pedro Almodóvar triunfa con el León de Oro del festival de Venecia por ‘La habitación de al lado’

Cita:

El jurado presidido por Isabelle Huppert encumbra el primer largo en inglés del cineasta español, otorga el Gran Premio del Jurado a ‘Vermiglio’, de Maura Delpero, y reconoce las interpretaciones de Nicole Kidman y Vincent Lindon Pedro Almodóvar, con el León de Oro por 'La habitación de al lado' en Venecia. Foto: Joel C Ryan (Joel C Ryan/Invision/AP) Tommaso Koch 07 SEPT 2024 - 13:26ACTUALIZADO:07 sept 2024 - 15:20 COT Pedro Almodóvar está acostumbrado a romper tabúes. Lleva haciéndolo toda su carrera. Pero hoy sábado, de un solo golpe, ha derribado dos barreras más. Nunca se había atrevido a rodar una película en inglés hasta La habitación de al lado. Y hacía más de medio siglo que un director español no recibía el León de Oro del festival de Venecia, algo que jamás había logrado un largo español. El primer, y único cineasta hasta ahora, había sido Luis Buñuel en 1967, con una obra francesa, Belle de Jour. El autor nacido en Calzada de Calatrava acaba de sumar nuevos hitos a su infinito currículo: ha ganado, y en otro idioma, el concurso de cine más antiguo del mundo. Nunca, además, había obtenido el premio “de oro” de uno de los certámenes de la primera división del séptimo arte: tampoco tenía Palma, Oso ni Concha. Su primer examen de inglés, a los 74 años, ha aprobado con matrícula de honor ante el jurado. No “por unanimidad”, pero al final hubo “acuerdo”, como declaró la presidenta, Isabelle Huppert. “Yo necesitaba premios en el año 80, 81... Ahí me habrían salvado la vida. Luego tuve que salvármela yo solo. No soñaba con el León de Oro, pero una vez que lo tienes te vuelves adicto. A partir de ahora no podría vivir sin él”, admitió Almodóvar más tarde, en una rueda de prensa. Desde el escenario, el cineasta dio las gracias a su “familia” en inglés, antes de pedir permiso para leer en su idioma, ya que “el espíritu de la película es español”. Ante todo, dedicó el premio a las dos actrices protagonistas, Julianne Moore y Tilda Swinton: “Les pertenece. Es una película acerca de dos mujeres. Como director uno de los privilegios es que somos el primer testigo cuando ocurre un milagro ante la cámara. Y ellas lo convocaron muchos días”. Y agregó: “El filme habla de una mujer que agoniza en un mundo agonizante. Y de la persona que decide compartir con ella sus últimos días. Acompañar un enfermo terminal, saber estar al lado, es una de las grandes cualidades que poseemos. Despedirse de este mundo limpia y dignamente es un derecho fundamental, no es político sino humano. Sé que atenta contra cualquier credo que tiene a dios como una única fuente de vida. Les pediría a los practicantes que respeten y no intervengan en decisiones individuales. El ser humano debe ser libre para vivir, y morir cuando la vida sea insufrible”. En la rueda de prensa, un rato después, recordó que su carrera ha ido de la mano con los avances sociales de España: “Han sido 44 años muy fértiles en mi vida tanto artística como personal y como ciudadano español”. Y confesó que su visión procura ser “optimista por salud mental”, aunque el mundo se lo pone complicado: “Si la ultraderecha y el neoliberalismo feroz van juntos es lo peor que puede ocurrirnos. Y en este momento van de la mano. En un mundo tan apocalíptico hay momentos para que, incluso si no somos felices, podamos hacer felices a los demás y podamos vivir con alivio lo que la vida en sí misma nos depara. Cada uno de nosotros tratamos de mejorar nuestro entorno. Todo eso va a influir muy positivamente en que este apocalipsis sea menor o nos dé un plazo mayor de tiempo”. La película arranca con el reencuentro entre dos amigas. Ingrid (Julianne Moore) está firmando copias de su último libro de no ficción, De muertes repentinas. En la presentación, descubre que Martha (Tilda Swinton), a la que quiso mucho, pero perdió de vista hace tiempo, está en el hospital. Al visitarla, la excorresponsal de guerra para The New York Times le cuenta que afronta el epílogo de su vida. Y que está lista para ello. Ingrid decide quedarse a su lado. Y el filme cuenta entonces la importancia, en los peores momentos, de tener alguien cerca que te apoye, abrace o tan solo escuche callada. A la vez, el largo habla de eutanasia, de la libertad y dignidad de marcharse como uno quiere, de las guerras y las cicatrices que siempre se acumulan por el camino. Pese a tan delicado tema, el largo ofrece contención y emociones intensas, pero nunca excesivas. Tanto brilla y late su corazón, que las secuencias que se apartan de las dos protagonistas y su vínculo suponen lo más decepcionante y fallido de la película. Problemas, menores en todo caso. Y más después del León de Oro. “Grande entre los grandes”, lo definió el presidente del Gobierno, Pedro Sánchez, en la red social X. La habitación de al lado llegará a las salas españolas el 18 de octubre. Tilda Swinton, Pedro Almodóvar y Julianne Moore, antes de la proyección de gala de 'La habitación de al lado' en Venecia. Daniele Venturelli (WireImage) Almodóvar tenía el León de Oro de Honor. Ahora también el que otorga la competición. De nuevo, igual que Buñuel. El galardón, además, alarga la lista de cineastas españoles reconocidos en la Mostra: también Bigas Luna y Alex de la Iglesia —mejor dirección respectivamente en 1992 por Jamón, jamón, y en 2010 por Balada triste de trompeta—, o Alejandro Amenábar, Gran Premio del Jurado en 2004 por Mar adentro. El protagonista de aquel filme, Javier Bardem, también triunfó como mejor actor masculino, ese mismo año. Y ya había obtenido otra Copa Volpi en 2000, por Antes que anochezca. Penélope Cruz logró el mismo hito, en la categoría femenina, en 2021, por Madres paralelas, precisamente de Almodóvar. Almodóvar en la presentación de la película: "Mi película es la respuesta a los discursos del odio" Así, cada vez que los largos del cineasta visitan el concurso de la Mostra se llevan un galardón. Mejor guion en 1988, por Mujeres al borde de un ataque de nervios. La Copa Volpi de Cruz. Hasta Entre tinieblas, presentada en 1983 en la sección no competitiva Mezzogiorno / Mezzanotte, le dio más de un reconocimiento. Lo considera todavía hoy su “bautizo internacional”. Y, a la vez, el cine descubrió entre extasiado y escandalizado que aquel muchacho venido de Castilla-La Mancha tenía talento, y el valor de retratar monjas heroinómanas o que se autolesionaban. Hubo quien pidió retirar el filme de la programación, como recordó hoy mismo Almodóvar. “Allí nací como director de cine”, dijo él cuando recibió, de nuevo en el Lido, en 2019, el León de Oro de Honor. Fue también en Venecia donde el creador estrenó su primer trabajo en inglés, el mediometraje La voz humana, en 2020, con Swinton. Así que el triunfo de La habitación de al lado cierra muchos círculos. Y, desde luego, abre una ventana de esperanzas hacia la temporada de los demás galardones. La ausencia de Nicole Kidman por la muerte de su madre La interpretación de Tilda Swinton, celebrada en la gran mayoría de críticas, bien podría haber merecido otro premio. Pero el reglamento de Venecia impide que el filme triunfador tenga aún mayor presencia en el palmarés. La Copa Volpi para la actuación femenina, en todo caso, recayó en Nicole Kidman, por Babygirl, de Halina Reijn. Recogió el premio la segunda. Y leyó un conmovedor mensaje de la primera que explicaba la ausencia: Kidman supo nada más llegar a Venecia que su madre había fallecido. Y, por supuesto, se marchó de inmediato. Poco o nada importa el premio, en un contexto así. En todo caso, la intérprete vio reconocida la valentía por meterse en uno de los papeles más atrevidos de su carrera —y eso que cuenta con Eyes Wide Shut o la serie Big Little Lies—. Encarna a una directiva que, bajo su vida aparentemente feliz, esconde un volcán de pulsiones sexuales reprimidas a punto de erupcionar. Hasta que empieza una relación de dominación con un becario recién fichado por su empresa. El filme también tiene el coraje de explorar consentimiento, abusos y pasión, para terminar reivindicando la libertad sexual femenina. Maura Delpero, con el Gran Premio del Jurado por 'Vermiglio'. ETTORE FERRARI (EFE) Una idea que comparte con Vermiglio, de Maura Delpero, que obtuvo el Gran Premio del Jurado. He aquí la sorpresa más grata del festival. Poco después de perder a su padre, la italiana soñó con él, pero de otra manera: “Era un niño de seis años, en su casa de la infancia”. A partir de ahí, construyó poco a poco una obra coral sobre un pueblo de las Dolomitas, en 1944. La Segunda Guerra Mundial se combate relativamente cerca, pero no parece afectar a la aldea. No tanto, al menos, como otros conflictos: un padre y patriarca intenta dirigir la vida de toda su familia hacia las direcciones que él y la tradición mandan. Pero sus hijas empiezan a coger caminos distintos: los que ellas desean. Todo filmado con sutileza, humanidad, gusto y equilibrio fascinantes. “Empezó y terminó con un sueño”, resumió Delpero. Agradeció a su hija de pocos meses por aguantar a su “mamá directora”. Y animó a la sociedad a facilitar la conciliación, que recae “sobre todo en las mujeres”. La obra más comentada del festival, The Brutalist, de Brady Corbet, debió conformarse con el León de Plata a la mejor dirección. Rumores y entusiasmo generado apuntaban al León de Oro. Supone igualmente un gran paso adelante en la fulgurante carrera del cineasta y actor, de 36 años. Aquí se estrenó detrás de la cámara con La infancia de un líder, mejor debut en 2015. Y en el Lido, ahora, se consagra. Suyo es el filme más monumental del certamen por duración —tres horas y media—, filmación —en 70 milímetros y celuloide— y ambición desmesurada, tanto narrativa como visual. “Por fin me he liberado de este proyecto”, dijo Corbet, que quiso enviar su pésame a Kidman. Se cuenta la historia de un genial arquitecto que huye del nazismo a EE UU, en busca de una nueva vida. Termina encontrándose con un extraño mecenas que le encarga un edificio destinado a trascender. Y con todas las pesadillas que el sueño americano oculta. El protagonista, Adrien Brody, ofreció probablemente la mejor actuación de la Mostra. Pero la norma un filme un premio solo admite complicadas y contadas excepciones. No fue el caso. Brady Corbet, con el León de Plata a la mejor dirección por 'The Brutalist'. ETTORE FERRARI (EFE) La Copa Volpi masculina fue para Vincent Lindon, actor siempre creíble y eficaz en cualquier papel. En Jouer avec le feu, de las hermanas Delphine y Muriel Coulin, encarna a un padre viudo que hace lo que puede: trabaja hasta tarde y cría con amor a sus dos hijos. Aun así, uno de los dos empieza a escorarse hacia la extrema derecha. El progenitor huele el peligro y lo intenta todo. Pero nada funciona, el epílogo ya está escrito. Hasta un emotivo monólogo del hombre delante del juez, donde se echa una culpa que, más allá de su hijo, también corresponde al sistema. O a todos. Ainda estou aquí, de Walter Salles, también interpela al público. Y contaba con una seria aspirante a mejor actriz, Fernanda Torres. Fue premiado, sin embargo, su guion, de Murilo Hauser y Heitor Lorega. El filme reconstruye la desaparición real en 1971 a manos de la dictadura brasileña del exdiputado Rubens Paiva, los intentos baldíos de su mujer por encontrarle, y el terrible vacío que deja en la familia. Salles era amigo de los hijos de Paiva y su implicación emotiva asoma en algún momento del metraje. Pero el filme acierta al centrarse en cómo Eunice lidia con la ausencia del marido y sigue adelante pese a no poder cerrar del todo la herida. La secuencia en la que al fin obtiene el certificado de muerte, años después, pertenece a los recuerdos imborrables del certamen. Y de la historia de Brasil. Dea Kulumbegashvili con el premio especial del jurado por 'Abril'. Yara Nardi (REUTERS) Dea Kulumbegashvili tiene casi la mitad de los años de Almodóvar. Y, de momento, solo dos filmes como directora. Pero ella también gana cada vez que compite. O, más bien, con su ópera prima, Beginning, en San Sebastián en 2020, y con la segunda April, que ha logrado el premio especial del jurado en Venecia. Se confirma así el talento de una de las cineastas más prometedoras del panorama europeo. Su nuevo largo sigue a una doctora que practica abortos clandestinos en la campiña de Georgia. Y lo hace a través de planos a menudo largos y fijos, sin ninguna concesión al espectador. Al revés, le obliga a presenciar un parto malogrado o una interrupción voluntaria de embarazo. Su compromiso absoluto con el cine, su firmeza y la mezcla de imágenes aterradoras y bellísimas, siempre poderosas, conforman una receta exquisita para muchos, aunque indigesta para otros. Implacable. En la pantalla. Y, por ahora, siempre que participa en un concurso. Otra autora joven, Sarah Friedland, se llevó el premio Luigi de Laurentis a la mejor ópera prima, por Familiar Touch. El Marcello Mastroianni al actor revelación fue para Paul Kircher, por Leurs enfants apres eux. Al contrario, un veterano como Nanni Moretti ganó el galardón a la mejor restauración, para Ecce bombo (Traperos), y también a uno de los agradecimientos más originales: “En la competición había obras de Brook, De Sica, Hawks, Fritz Lang y Antonioni. Grazie, de verdad. Pero quizás hayáis exagerado”. Justo después, Alexandre O. Philippe, premiado por el mejor documental sobre el cine, Chain Reactions, dijo: “Mi madre está aquí. Y es su cumpleaños. Felicidades”. Un hijo triunfando, y dedicándole emocionado el galardón. Qué orgullo. Y menudo regalo.

Fuente: El País de España

Cita:

Iniciado por Casanova33 Busquemos películas de Tartovsky muchachos. Cuando estaba en la U vi como unas tres del man, pero no me acuerdo y no encuentro. El CineClub de Denunciando, ha revivido. Nos vemos.

Buena idea. En la revista de cine "El antepenúltimo mohicano", se hace una introducción al cine del gran director ruso recordando la gran admiración que por él sentía otro de los grandes cineastas de todos los tiempos: Ingmar Bergman:

Cita:

"En 1997, y coincidiendo, tanto con el centenario del nacimiento del cine como con el medio siglo de existencia del Festival de Cannes, durante la edición de ese año se convocaría a los directores premiados en el certamen todavía vivos para que se encargaran de entregar la Palma de las Palmas, un galardón único destinado a conmemorar al realizador que más relevante e influyente les pareciera a todos. Mediante votación unánime, este selecto jurado escogería a Ingmar Bergman como «el mejor director de cine de todos los tiempos». Y aunque es una perogrullada matizar que «lo mejor» y «lo peor» son conceptos totalmente relativos, pues dependen de una perspectiva influenciada por innumerables factores, no resulta nada baladí, según lo dicho, que el cineasta sueco afirmara en su libro de memorias, La linterna mágica (1987), que: «Cuando el cine no es documento, es sueño. Por eso Tarkovski es el más grande de todos. Se mueve con una naturalidad absoluta en el espacio de los sueños; él no explica, y además, ¿qué iba a explicar? Es un visionario que ha conseguido poner en escena sus visiones en el más pesado, pero también en el más solícito, de todos los medios. Yo me he pasado la vida golpeando a la puerta de ese espacio donde él se mueve como pez en el agua». La admiración de alguien como Bergman hacia la obra de un realizador con una filmografía realmente exigua –dados sus problemas con las autoridades soviéticas, su perfeccionismo y su prematura muerte de cáncer a los 54 años– expresa, básicamente, lo poderosa, lo inimitable y lo singular que dicha obra es. Porque, una vez traspasa el espectador ese velo del sueño al que alude el director sueco –un velo que sugiere, que evoca, que arrebata–, ya no hay vuelta atrás. Si las películas de Tarkovski parecen tener esa cualidad inefable, simultáneamente cotidiana y alienígena, que le atribuimos a las imágenes que pueblan nuestra mente mientras dormimos, es porque tienen un lirismo extraño, abstracto y descontextualizado que, sin embargo, hunde sus raíces en una inquietante familiaridad, como esos viejos objetos que el uso y el polvo han desgastado hasta hacerlos inútiles y casi irreconocibles, pero que, para sus dueños, contienen significados ocultos y adicionales, que mezclan su configuración primigenia (objetiva) con otra más profunda y compleja (subjetiva), aunque a menudo difícil de precisar o compartir. Son imágenes que no parecen concebidas, sino halladas o reveladas, como surgidas de una sombra proyectada bocabajo sobre un fondo blanco, igual que esa espontánea cámara oscura que Kirill (Ivan Lapikov) descubre sobre la pared del monasterio en Andrei Rublev. Por todo ello, los siete largometrajes que configuran íntegramente la trayectoria de Tarkovski –junto a un documental, un mediometraje, dos cortos y un filme perdido– se cuentan entre lo más genial, único y cautivador nunca legado por el conjunto del séptimo arte. Y conviene precisar que ello no significa que esas siete cintas sean todas obras maestras indiscutibles. Pero, en todo caso, incluso en aquellas que evidencian su irregularidad, existen momentos tan excelsos que se les disculpan sus titubeos, muchos de los cuales, es menester señalarlo, no los provoca la incapacidad del autor para expresar lo que quiere, sino problemas con la censura, limitaciones presupuestarias, accidentes de rodaje (v. gr. gran parte del metraje de Stalker se tuvo que rodar de nuevo por un error de revelado), etc. Inserto en la maquinaria del régimen soviético, un creador como él, completamente ajeno a planteamientos políticos –no es que fuera anticomunista, es que esta ideología no tenía cabida en su obra–, tuvo toda su vida que luchar, en el sentido más textual del término, para sacar adelante sus proyectos. Que acabara exiliado en la Europa occidental, de alguna manera fue tan inevitable como traumático, porque, si algo prueban sus dos obras rodadas fuera de Rusia, es que su filmografía es absolutamente indisociable de la nacionalidad que lo vio nacer. De ahí que Nostalgia sea una propuesta bellísima, pero desigual, y que la magnífica Sacrificio parezca un compendio de los temas recurrentes de su carrera rebozados en la estética de Bergman, hasta el punto de que se diría codirigida por ambos autores. El Tarkovski único, inconfundible, excepcional, surge inevitablemente de los paisajes rusos, de su cultura y costumbres, de su historia, de su idiosincrasia apasionada y fatalista. La religión ortodoxa, la pintura y la escultura góticas y renacentistas, la música clásica y las grandes plumas de la novelística rusa decimonónica son el sustrato sobre el que se conforma su producción, aparte de tratarse también de las coordenadas originales de su propia persona. Hijo del eminente poeta Arseni Tarkovski –miembro del denominado «Siglo de Plata» ruso, integrado por nombres de la talla de Osip Mandelstam o Ana Ajmátova–, el divorcio de sus padres y el subsiguiente abandono de Arseni de sus hijos a muy temprana edad propiciaron que, irónicamente, fuera su madre, Maria Ivánova Vishnyakova, una humilde correctora editorial, quien resultara decisiva en el estímulo de su inclinación artística. La influencia femenina –puesto que se crio rodeado de su abuela, su progenitora y su hermana pequeña–, las privaciones en Moscú durante la guerra y los veranos en la dacha de la localidad de Iurevets marcaron su infancia, todo ello explícitamente recogido en El espejo, su obra más autobiográfica y, por eso mismo, la más críptica, ya que la proximidad de lo narrado le impuso una distancia creativa mayor (en sus propias palabras: «La participación interior en cualquier cosa hay que transformarla en formas olímpicamente serenas. Solo así, un artista puede narrar algo sobre las cosas que le conmueven.»

Fuente: El antepenúltimo mohicano

Ya que nos metimos con Tarkovski, comencemos por su ópera prima:

La infancia de Iván
Título original: Ivanovo detstvo / Ivan's Childhood /

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Año: 1962
Duración: 95 min.
País: Unión Soviética (URSS)
Dirección: Andrei Tarkovsky
Guion: Vladimir Bogomolov, Mikhail Papava
Reparto. Nikolay Burlyaev. Valentin Zubkov. Yevgeni Zharikov. Stepan Krylov. Nikolai Grinko.
Valentina Malyavina. Música: Vyacheslav Ovchinnikov
Fotografía: Vadim Yusov
Compañías: Mosfilm
Género: Drama. Bélico | II Guerra Mundial. Espionaje. Infancia. Nazismo

Sinopsis:
Segunda Guerra Mundial (1939-1945) Frente Oriental. Iván, un niño ruso de 12 años, cuyos padres murieron durante la invasión nazi, trabaja espiando a los alemanes. (FILMAFFINITY)

Premios
1962: Festival de Venecia: León de Oro

Críticas:
La única película en la historia del Festival de Venecia que, siendo una ópera prima, ganó el León de Oro. Además el director de cine retomó un rodaje ya empezado, al ser despedido a los pocos días del rodaje el anterior realizador Eduard Abalov.
FilmAffinity

El primer filme de Tarkovsky narra cómo Iván, un niño ruso de fuertes convicciones, se embarca en una complicada misión contra los nazis. Como todos las obras del director ruso, es un relato complejo y visualmente fascinante, pero uno no puede dejar de sentir ciertas reservas ante la artificiosidad de la narración, palpable tanto en el formalismo "de vanguardia" como en las pretensiones del mensaje. Escenas como la de Iván corriendo por el agua resultan, no obstante, estremecedoras.
Daniel Andreas: FilmAffinity

"Una poética y conmovedora obra maestra"
Geoff Andrew: Time Out

"Esta conmovedora y fascinante película (...) tiene una cualidad personal inusual, una concentración en el destino del individuo que rara vez se ve en películas soviéticas."
Bosley Crowther: The New York Times

"La película bélica más lírica jamás hecha (...) Lo que la hace tan diferente es que adopta el punto de vista de un niño (…) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)"
Geoffrey Macnab: The Independent

"No hay otro director que sea a la vez tan preciso y tan místico, tan despiadadamente sombrío y tan abierto a lo que ofrece la alegría (…) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)"
Tom Huddleston: Time Out

"El debut de Tarkovsky muestra las maravillas de su futuro prometedor y tiene algunos momentos sobresalientes y memorables (…) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)"
Kim Newman: Empire

Seguimos con Tarkovski: su última película:

Sacrificio
Título original: Offret / The Sacrifice /

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Sinopsis:

Mientras su familia se reúne para celebrar su cumpleaños, el periodista Alexander se siente angustiado por la desoladora falta de espiritualidad que caracteriza al mundo contemporáneo. Sus peores temores se confirman cuando, durante la fiesta, llega la noticia de un inminente conflicto nuclear: la Tercera Guerra Mundial. El final, definitivo e irreversible, está cerca. En ese momento están con él su angustiada esposa, sus dos hijos, un amigo médico y un peculiar cartero, que lo convence de que una de sus criadas es una bruja que tiene el poder de salvar al mundo mediante un último sacrificio. (FILMAFFINITY)

Premios:

1986: Cannes: Gran Premio del Jurado, Premio Jurado Ecuménico, FIPRESCI, Cont. artística (Nykvist)
1987: BAFTA: Mejor película de habla no inglesa
1986: Seminci: Espiga de Oro: Mejor película
1986: Premios Guldbagge (Suecia): Mejor película y actor (Erland Josephson)
1986: National Society of Film Critics (NSFC): Nominada a Mejor director.

Críticas:

"La obra maestra de un poeta irrepetible. (...) no le pone las cosas fáciles al espectador, que tiene que someterse a las exigencias de su particular cadencia, su colosal metraje y su rigor expresivo"
Jordi Costa: Diario El País

"'The Sacrifice' no es el tipo de película que todo el mundo querrá ver, pero aquellos con la imaginación para arriesgarse la encontrarán gratificante (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 4)"
Roger Ebert: rogerebert.com

"Es brillante y audaz, con una de las secuencias finales más extraordinarias del cine moderno (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)"
Peter Bradshaw: The Guardian

"Es un film asombrosamente bello que mantiene tu atención incluso cuando estás anonadado"
Walter Goodman: The New York Times

"Es una declaración apocalíptica adecuada (...) El primer y el penúltimo plano (...) consiguen decir más cosas que la mayoría de películas en todo su metraje"
Jonathan Rosenbaum: Chicago Reader

"Aguanta hasta el mismo final y puede que te veas conmovido como nunca te habían conmovido antes."
Andrew Sarris: Village Voice

"La mezcla de crisis de la mediana edad y terror existencial recuerda a Ingmar Bergman, pero Tarkovsky hace que sea su mundo propio."
Richard Brody: The New Yorker

Cita:

Para muchos críticos, ésta sigue siendo una de las mejores escenas del cine. Federico Fellini filmó "La dolce vita" en 1959 y la presentó en el Festival de Cannes, donde ganó la Palma de Oro. Enlace para verla: Solo los usarios con mas de 1000 puntos de reputacion o los usuarios con membresia Gold, pueden ver este link Que es la reputacion? - Membresias Pagas La escena en cuestión es sinónimo de cine (literalmente hablando) y es difícil encontrar un fotograma mas romántico que este. Nunca quedó claro si este hermoso momento del séptimo arte se filmó en enero (como aseguró Anita Eckberg) o en marzo (como siempre dijo Fellini). Pero hay algo en lo que los dos estaban de acuerdo y era en que, en ese momento que quedaría en la historia, hacía un frío increíble. Anita Eckberg iba con un vestido de noche y Marcello llevaba traje. Y, vaya uno a saber como, la actriz Sueca aguantó el frío sin problemas pero Mastroianni no, lo sufría a pleno y temblaba como una hoja. Le trajeron una segunda muda de ropa para que se ponga debajo del traje pero eso tampoco lo ayudó. Al final, lo que lo terminó salvando fue la aparición de una noble botella de vodka que se bebió casi entera. Y esta imagen que enamoró a todos y vimos una y mil veces, fue rodada por un Marcello totalmente borracho (pero que, por lo menos, ya no tenía frío).

Fuente: BELLE EPOQUE to ART DECO. The First 40 years of 20th cent (Facebook)

No sabía de su existencia, pero me causó curiosidad el que haya sido alabada por críticos y académicos de todo el mundo y me dediqué a buscarla. Es un valioso testimonio de lo cotidiano, una visión feminista de la alienación hogareña. Interesante y les traigo esta reseña para su ilustración:

Cita:

Ni 'El padrino' ni 'Pulp Fiction': la mejor película de la historia para más de 1.500 críticos no la ha visto casi nadie La película dirigida por Chantal Akerman, ha sido seleccionada como la mejor película de todos los tiempos en la lista realizada para el British Film Institute. Por Fernando Sánchez Publicado: 05/07/2024 En un giro inesperado e histórico, la película belga ‘Jeanne Dielman, 23 quai du Commerce, 1080 Bruxelles’ (1975), dirigida por Chantal Akerman, fue coronada en el año 2022 como la mejor película de todos los tiempos por el British Film Institute gracias a la encuesta conocida como 'Sight and Sound' que se lanza una vez por década y en la que decenas de críticos contribuyen para seleccionar el orden de las mejores películas de la historia del séptimo arte. Este es un logro significativo, no solo por desbancar a clásicos como ‘Vértigo (De entre los muertos)’ (1958) de Alfred Hitchcock, que lideraba la lista anterior, o ‘Ciudadano Kane’ (1941), de Orson Welles, sino también porque es la primera vez que una película dirigida por una mujer alcanza el primer puesto en esta prestigiosa lista. 'Jeanne Dielman, 23, quai du Commerce, 1080 Bruxelles' El argumento de ‘Jeanne Dielman’ gira en torno a su protagonista, interpretada por Delphine Seyrig, una joven viuda, madre de un hijo, que equilibra las tareas del hogar con la prostitución para poder mantenerle. La película se caracteriza por su ritmo pausado y la minuciosa representación de las rutinas diarias de la protagonista, lo que ha sido visto como una forma de dar valor a las acciones cotidianas que normalmente son ignoradas en el cine. Esta representación detallada de la vida cotidiana ha impactado profundamente en los críticos, destacando el gran talento de Akerman para transformar lo mundano en arte​. 'Jeanne Dielman, 23, quai du Commerce, 1080 Bruxelles' El ascenso de ‘Jeanne Dielman’ a la cima del ranking de “Sight and Sound” también refleja un cambio más amplio en la apreciación del cine. La encuesta, confeccionada en 2022, contó con la participación de más de 1.600 críticos y académicos de todo el mundo, lo que representa una expansión internacional significativa respecto a los 846 participantes de la década anterior. Esta riqueza en la diversidad de votantes ha permitido una lista más inclusiva y representativa de las voces contemporáneas en el ámbito cinematográfico​. Además, la nueva lista muestra un aumento en la presencia de películas dirigidas por mujeres, con once títulos entre las cien mejores películas y cuatro entre las mejores veinte, lo que contrasta con la encuesta de la década anterior lanzada en 2012, donde solamente había dos películas dirigidas por mujeres en toda la lista entera. Este cambio también se debe a la creciente influencia de críticos de cine y especialistas que han promovido una visión más inclusiva y diversa del cine a través de plataformas digitales y otros medios​. 'Jeanne Dielman, 23, quai du Commerce, 1080 Bruxelles' Pese a su escaso reconocimiento más allá de la crítica especializada, ‘Jeanne Dielman’ ha sido descrita como una innovadora obra maestra del cine feminista, donde su original narrativa y su representación de la vida doméstica la han convertido en una herramienta para explorar y validar experiencias humanas diversas con un gran impacto. Akerman, que se suicidó en octubre de 2015, dejó un gran legado cinematográfico con esta obra, que sigue inspirando y desafiando las convenciones sociales. Por su parte, la actualización de la lista “Sight and Sound” puede entenderse como una señal de que el panorama cinematográfico se encuentra en constante evolución, con una mayor apertura a diferentes perspectivas y estilos narrativos.

Fuente: Fotogramas

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