Cineclub de Denunciando

Contacto en Francia

Cómo se escogió a Gene Hackman para el icónico papel que asombraría al mundo del cine y la manera como Hackman se apropió del personaje de "Popeye"

Cita:

Cuando el director William Friedkin se preparaba para elegir al actor que interpretaría al detective Jimmy "Popeye" Doyle en "CONTACTO EN FRANCIA" (1971), GENE HACKMAN no era su primera opción. Los productores inicialmente querían un nombre con mayor proyección taquillera, alguien como Jackie Gleason o incluso Steve McQueen. Friedkin había considerado a Paul Newman y James Caan. Todos lo rechazaron. El productor Philip D'Antoni, que había trabajado con Hackman en "Fragmentado" (1968), lo sugirió, pero Friedkin seguía sin estar convencido, hasta que Hackman leyó el guion en voz alta con una energía cruda y sin filtros en una audición de última hora que lo cambió todo. Gene Hackman tenía sus propias dudas. No se sentía cómodo con el papel. Le resultaba difícil identificarse con la personalidad agresiva y prejuiciosa de Jimmy Doyle. Friedkin tampoco ayudó. Durante los ensayos, el director presionó mucho a Hackman, a menudo reprendiendo su actuación y desafiándolo a profundizar más. Para prepararse, Hackman y su compañero de reparto, Roy Scheider, acompañaron a los agentes de narcóticos de la policía de Nueva York Eddie Egan y Sonny Grosso, cuya redada antidrogas de heroína en 1961 inspiró la película. Hackman pasó semanas en la parte trasera de los coches patrulla, presenciando redadas antidrogas, arrestos y vigilancia nocturna. Egan, quien era el verdadero «Popeye» Doyle, era duro, confrontativo y grosero, y Hackman encontró la experiencia agotadora. Egan a menudo se burlaba de Hackman por ser demasiado blando, diciéndole: «No conoces las calles. Nunca has vivido esto». La intensidad de los recorridos reales dejó a Hackman mental y emocionalmente agotado, pero también le ayudaron a dar forma a una interpretación cruda y auténtica. El rodaje tuvo lugar en invierno en distintas zonas de Nueva York, a menudo en condiciones impredecibles. La famosa escena de persecución, contra un tren elevado del metro en coche, se rodó sin los permisos necesarios. Hackman tuvo que conducir a toda velocidad entre el tráfico de Brooklyn mientras Friedkin filmaba desde el asiento trasero con una cámara de mano. En un momento dado, Hackman casi atropella a un peatón. Más tarde lo describió como una de las cosas más peligrosas que había hecho como actor. Fuera de cámara, la tensión entre Friedkin y Hackman se mantuvo alta durante todo el rodaje. En una ocasión, Friedkin abofeteó a Hackman antes de una toma, con la esperanza de provocar la ira adecuada. Hackman no le dirigió la palabra en todo el día. Pero la fricción dio sus frutos. Su interpretación de Doyle se sintió cruda e impredecible porque, en muchos sentidos, Hackman canalizaba su frustración, miedo e incomodidad reales con el personaje. La transformación de Hackman en Doyle fue tan completa que, al final del rodaje, incluso Eddie Egan quedó impresionado. Le dijo al actor: «Puede que no hayas logrado mi forma de caminar o de hablar, pero captaste mi actitud. Eso es lo que cuenta». Friedkin admitió más tarde que la arriesgada elección del reparto resultó un éxito rotundo, calificando la interpretación de Hackman como «un milagro de tensión y control». Los sentimientos de Hackman hacia el papel fueron contradictorios durante años. No disfrutó interpretando a Doyle, pero reconoció la importancia del personaje. Cuando le preguntaron sobre la preparación y el desgaste que le supuso, Hackman dijo en una ocasión: «Me enfadó, me cansó, me hizo cuestionarme por qué hago esto. Pero quizá por eso funcionó». Lo que comenzó como una incómoda relación entre actor y personaje se convirtió en una de las interpretaciones más icónicas del cine estadounidense, nacida no de la comodidad, sino de la confrontación y la inmersión.

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Fuente: Club Cowboys de Medianoche EN LIBERTAD

Cita:

Los dioses deben estar locos En los primeros años de la década de los ochenta, cuando Hollywood dominaba las salas con superproducciones como *El Imperio Contraataca*, *El Resplandor* o *Fama*, una pequeña película africana, sin efectos especiales ni estrellas reconocidas, comenzó a abrirse paso en silencio. *Los dioses deben estar locos* no tenía presupuesto ni respaldo internacional. Tenía algo más poderoso: una historia sencilla, contada desde la mirada de alguien que nunca había visto una cámara, ni sabía qué era actuar. Su protagonista, N!Xau, no era actor. Era un granjero bosquimano que vivía en el desierto del Kalahari y que, sin saberlo, estaba a punto de convertirse en el rostro más querido del cine mundial. La película narraba cómo una botella de Coca-Cola, arrojada desde un avión, alteraba la vida de una comunidad indígena que la interpretaba como un regalo divino. Lo que para el mundo moderno era basura, para Xi —el personaje de N!Xau— era un objeto sagrado. Esa mirada inocente, sin cinismo, sin codicia, era también la de N!Xau fuera de cámara. No entendía por qué debía repetir tomas, ni por qué le daban dinero. Dormía en el suelo de su habitación de hotel, se negaba a usar la cama, y a pesar de todo lo recaudado por la cinta, tan solo le pagaron 300 dólares, los cuales dejó volar con el viento. No sabía qué hacer con los billetes. Mucho menos sabía que entraría en la historia del cine. Mientras *Los dioses deben estar locos* se mantenía en cartelera durante casi dos años, compitiendo con películas que costaban millones, N!Xau regresaba a su poblado entre rodajes para evitar el choque cultural. El equipo lo protegía, pero también lo observaba con una mezcla de fascinación y desconcierto. ¿Cómo podía alguien tan ajeno al mundo moderno transmitir tanta verdad en pantalla? La respuesta estaba en su forma de ver el mundo. Para él, todo era magia. Los aviones, las cámaras, los hoteles. Nada lo impresionaba porque no lo juzgaba. Simplemente lo aceptaba. Como Xi, su personaje, que decide devolver la botella a los dioses porque no quiere que su comunidad se destruya por un objeto que no entiende. Ese paralelismo entre ficción y realidad fue lo que convirtió a N!Xau en un fenómeno global. No actuaba. Era. Y eso bastaba. Su rostro transmitía una ternura que cautivaba al espectador. Nunca aprendió a contar más allá de veinte, pero supo negociar un contrato justo para la segunda película. Con ese dinero, construyó una casa para sus esposas e hijos, con agua corriente y electricidad. Compró un coche, pero se negó a conducirlo. Contrató a un chófer. No por capricho, sino porque no entendía por qué debía aprender algo que no necesitaba. Viajó a Francia, a China, a Hong Kong. Filmó secuelas no oficiales que lo alejaron del director original, Jamie Uys, pero nunca perdió su esencia. Cuando terminó su carrera como actor, volvió al Kalahari. Allí vivió sus últimos años en paz cultivando y criando animales. Se convirtió al cristianismo, fue bautizado, y murió solo, en medio del desierto, tras salir a buscar leña. Tenía unos 59 años. Su muerte fue silenciosa, como su vida antes de la fama. Pero su legado sigue vivo. Porque N!Xau no fue una estrella. Fue un puente. Entre dos mundos. Entre el cine y la verdad. Entre la risa y la ternura. Y aunque nunca entendió del todo qué era actuar, nos enseñó que a veces, para conmover al mundo, basta con mirar una botella como si fuera sagrada. Fue el rostro de una película que, sin pretensiones, logró lo imposible: competir con los titanes de Hollywood y recordarle al mundo que la risa, la ternura y la crítica pueden venir de los rincones más inesperados. Enlace para ver la película: Solo los usarios con mas de 1000 puntos de reputacion o los usuarios con membresia Gold, pueden ver este link Que es la reputacion? - Membresias Pagas

Fuente; Salud y bienestar (Facebook)