Ficomic '09

BATMAN LLEGA A BARCELONA


La protagonista del sábado por la mañana, sin duda, ha sido la charla sobre el cómic Batman en Barcelona: El caballero del dragón, en el que David Macho ha moderado las intervenciones de los cuatro autores de la obra: el guionista Mark Waid, el dibujante Diego Olmos, la colorista Marta Martínez y el portadista Jim Lee.


Han querido empezar explicando la génesis de la obra, y como cada uno de ellos entró a formar parte del proyecto. Mark Waid confiesa que la idea del libro fue de David Macho, y que él aceptó enseguida porque le gusta la ciudad. Su única condición fue que en el proyecto estuviesen involucrados dibujantes de calidad. Macho también sugirió que el enemigo fuese Killer Croc, y su vinculación con la leyenda de Sant Jordi. Aquello no daba suficientes elementos a Wadi para poder atar una historia completa, hasta que investigo las costumbres de Sant Jordi y se le ocurrió el ángulo romántico de la historia. Su intención no era crear un cómic que pudiese pasar en cualquier lugar, i que en el fondo solo se viese la Sagrada Familia, sino que las sensaciones barcelonesas formasen parte de la historia.

A Diego Olmos le ofrecieron hacer el álbum porque es oriundo de Barcelona, y ya había trabajado con anterioridad con el personaje. Para él, ha sido un trabajo agradable, sin estrés, ya que ha podido trabajar al mismo ritmo que los álbumes europeos, lejos de la vorágine habitual de entregas mensuales del cómic americano. Quiso realizar una obra con un gran nivel de detalle, casi siempre ayudado por las investigaciones realizadas por Waid, que estudiaba a través de internet todos los detalles urbanos que podían ayudarlo a hacer verosímil la historia. A pesar de todo, esto les supuso algunos problemas para hacer creíbles algunas escenas, como el tiroteo de los mossos d’esquadra que aparece en el cómic.

En el momento de enfrentarse a la creación gráfica del libro, Olmos buscó mucha información fotográfica y visitó de nuevo todas las localizaciones que aparecen en la obra (el Hospital de Sant Pau, la Casa Batlló, entre otras), i no intentó hacer una representación realista de estos edificios sino reflejar las sensaciones que a él le transmiten aquellos lugares, como se puede ver en las viñetas dedicadas a la Sagrada Familia, llenas de contrapicados.
La parte que más disfrutó fue la protagonizada por Bruce Wayne, a pesar de que resultaba más difícil de dibujar: los personajes simplemente hablando requerían más fondos, más detalles. Para Olmos, dibujar una pelea es mucho más fácil, ya que permite realizar una imagen espectacular con gran sencillez.

Jim Lee se encargó de la portada por su fuerte presencia mediática, pero también porque una de sus aficiones es dibujar personajes conocidos en lugares que ha visitado; últimamente ya ha realizado una ilustración de Lobezno ante la Torre Eiffel y de Batman en el Parque Luxemburgo de París. Lo más complicado fue dibujar la Sagrada Familia.
Los autores se mostraban de acuerdo en que este cómic no tendrá la misma acogida en los Estados Unidos que la que ha gozado aquí, ya que está escrito para el público europeo, y no se espera que la gente de la América profunda se interesen mucho por él. Además, Mark Waid ha señalado las diferencias principales que existen entre el trabajo de los dibujantes europeos, mucho más centrados en la narrativa, y los americanos, que buscan siempre dibujar imágenes icónicas, pin-ups, i llenan los cómics de dibujos de gran tamaño. Lo mejor, quizás, sea que el cómic ha llamado la atención por sus dibujantes españoles, y les augura muchos proyectos.

Ante esto, los autores españoles han reflexionado sobre la escasez de éxito que tiene el cómic de creación propia, contrastada con el éxito que puede tener un cómic de estas características. Diego Olmos cree que uno de los motivos es que estamos acostumbrados a ligar la imaginería del cine y los cómics de acción con el mundo americano, sus nombres, sus tópicos, y que sentimos rechazo cuando los vemos reflejados en lugares más cercanos. Marta Martínez, además, cree que se trata de un exceso de autocrítica y de una idealización de todo lo que se hace en América, que nos impide ver las grandes obras que se hacen aquí, y que libros como este Batman en Barcelona: El caballero del dragón ayudan a abrir un poco los ojos.

LA NUEVA ANIMACIÓN SUBVERSIVA


Una charla con tres de los animadores más importantes del momento se ha convertido en una de las conferencias más divertidas de este Salón del Cómic, gracias a las anécdotas que los invitados han intercambiado con el público, y al propio carácter humorístico del género que trataba: la animación subversiva, un tipo de animación siempre muy ligado al humor.


Los autores de Cálico Electrónico han explicado que es una mezcla de todo lo que han consumido desde pequeños, del humor español, del doblaje de las películas de Austin Powers que hace Flo, y en un 50%, el humor privado de los propios miembros del estudio. Es un humor creado en casa, que busca lo que les gusta a ellos mismos. Muchas veces, además, hacen homenajes a grandes clásicos, sin voluntad de cerrarse a nada, ya que todo lo que se ve o se lee te acaba influyendo o afectando.
La página de Cálico Electrónico, a diferencia de la de El jueves, representada por Maikel, está muy abarrotada, ya que ellos necesitan la publicidad para dar rentabilidad a su producto; esto se hace a través de marcas que se integran dentro de la producción, siempre que eso sea posible, o realizando animaciones publicitarias paralelas. El problema principal que tienen es que muchas veces los creativos publicitarios piden censurar algunos elementos de su humor, lo que crea situaciones un tanto comprometidas, ya que quieren usar Cálico como elemento publicitario para aproximarse a una franja de edad joven, pero, al mismo tiempo, pretenden eliminar los elementos que han hecho famoso el producto.
Sobre el tema de la televisión, los tres participantes de la mesa coincidían en el hecho de que es cuestión de tiempo que televisión e Internet converjan, ya que está creciendo cada vez más el sector del espectador televisivo que crea su propia programación con el ordenador. Esto, además, coincide con la dificultad que hay en un país como España, con televisiones generalistas, de producir series de animación adulta, lo que acaba propiciando la aparición, con gran éxito, de estas series alternativas.

PHILIPPE GODDIN Y EL ARTE DE HERGÉ


Ana Zendrera, directora de la colección Biblioteca Tintín, en la cual se recopilan diversos estudios sobre Tintin y su creador, Hergé, presenta el primer volumen de la trilogía El arte de Hergé como un libro nacido de la hercúlea labor que Philippe Goddin está realizando en la serie hermana Hergé: Cronologie d’une oeuvre, también sobre el famoso reportero belga, de la cual se han publicado ya seis de los ocho volúmenes que la componen.



El arte de Hergé está formada por tres volúmenes distribuidos por orden cronológico. El primero incluye los años de 1907 a 1937, el segundo de 1937 a 1949, y el tercero de 1949 a 1983. Philippe Goddin es, evidentemente, una de las pocas personas del mundo que podía llevar a buen puerto un trabajo tan meticuloso sobre la obra de Hergé, ya que se trata de uno de los estudiosos más importantes de la figura de este autor. Su trayectoria profesional ha ido siempre muy ligada al campo de la ilustración, ya que él también es dibujante, además de profesor de artes plásticas en la Escuela Normal, lo que le otorga una visión muy cercana a la que podía tener Hergé al enfrentarse a sus obras.

Jordi Tardà, quizá el coleccionista de Tintín más importante del estado, afirma que Goddin es la persona adecuada para este trabajo porque es un apasionado de Hergé, y ha realizado un trabajo laborioso de investigación sobre toda la información existente sobre el artista. El resultado es un libro que te ayuda a amar la labor de Hergé, formado por un trabajo meticuloso que no se olvida de nada.

El mismo Philippe Goddin ha destacado durante su charla que esta obra es la primera aproximación cronológica que se realiza de la obra de Hergé, y ha ofrecido unas breves pinceladas de lo que podemos encontrar en el interior del libro, desde las primeras prácticas de Hergé en el mundo de la ilustración, dentro del campo del diseño gráfico, con los diseños de tipografías, i de la publicidad. Poco a poco, Hergé abandona estos campos para dedicar más tiempo a la realización de libros.
La trilogía que formarà El arte de Hergé, además, nos permite aprender el proceso de creación de la obra, desde la inspiración a la consecución. La intención de Goddin es mostrar la génesis desde unos comienzos en que el autor no se tomaba en serio a sí mismo hasta la realización de El loto azul, donde escribe la que considera su primera obra madura, ya que trata la cultura china no desde el prejuicio sino desde la perspectiva de Chang, un chico chino con quien mantuvo una buena amistad durante toda la vida.

El libro muestra también los cambios en los métodos de dibujo y de planificación de una obra: desde los primeros libros, donde entinta directamente sobre los lápices, motivo por el que no tenemos muestras de borradores de la época, hasta pasar a dibujar en un formato grande, con un lápiz espontáneo, acabado, y una tinta realizada aparte. Esto permite que en las páginas dedicadas a los últimos libros se puedan mostrar con los dibujos a lápiz al lado de los dibujos definitivos a tinta.
Goddin también ha querido destacar que el libro no trata únicamente de Tintín, la obra más conocida de Hergé, sino también del resto de creaciones del autor belga, como Jo, Zette y Jocko o Quick y Flupe, que no han tenido una acogida internacional tan grande, quizás por el sabor localista de algunas de ellas.