Ayudante De Santa
06-11-2015, 22:19:08
Ver la Versión Completa Con Imagenes : Informacion, Datos y Noticias Hip Hop
MiL0
22-01-2011, 20:52:44
Un profesor hispano educa a alumnos con desventajas con un programa de hip-hop
http://subterraneos.net/media/k2/items/cache/fa55c8bad0e242eb7986dc1135b50adb_L.jpg
Anthony Pineda, maestro de la escuela especial Beacon en San José, California, desarrolla un método de enseñanza para estudiantes con discapacidades basado en la producción de canciones a ritmo de hip-hop.
"El hip-hop tiene el potencial de cambiar la mente de la juventud en cualquier dirección", dijo a Efe Pineda.
"Si los muchachos escuchan hip-hop destructivo entonces su mente se va a destruir, pero si escuchan hip-hop con mensajes constructivos comienzan a pensar y a liberarse de los traumas en sus vidas", agregó.
Nacido el 24 de julio de 1979 en Stockton, California, Pineda desde 2008 es consejero de intervención de la escuela Beacon, especializada en educación terapéutica para estudiantes de tercer grado hasta secundaria con autismo, perturbaciones emocionales u otro tipo de discapacidades que les impiden insertarse en una escuela regular.
"El programa hip-hop a los estudiantes especiales les ayuda a sobreponerse a sus propios temores, les da esperanza y les provee una voz para que con la poesía y la música nos enseñen a nosotros los educadores sobre sus vidas y sobre lo que saben", explicó Pineda.
Pineda se graduó de una triple licenciatura en sicología, sociología y estudios afroamericanos de la Universidad de California en Davis en 2007 y este año terminará la maestría en "Estudios de la Conciencia y Transformación".
"La idea de educar con música nació después de haber estudiado en la universidad cómo afecta a nuestro comportamiento el hip-hop y junto a mi colega Daniel Rusell pensamos en una manera de cómo usar el hip-hop para que los estudiantes se sientan más entusiasmados para venir a la escuela", recordó Pineda.
"En 2008 presentamos a la dirección una propuesta del programa hip-hop para enseñarles a los estudiantes poesía, música y sobre como analizar las letras de las canciones, porque el mensaje influye más de lo que alcanzamos a entender", explicó.
La escuela especial Beacon tiene alrededor de 65 alumnos de los cuales el 35 por ciento son hispanos.
Auxiliado con un estudio de grabación portátil que lo instala en uno de los salones de clase, los estudiantes graban sus canciones que la mayoría son poesías rimadas con contenido social.
"Cuando los estudiantes escuchan canciones en la radio la mayoría de mensajes que escuchan es sexo, fiestas, drogas, y nada sobre como estudiar duro para tener éxito en la universidad o sobre cómo luchar contra las injusticias sociales", subrayó Pineda.
"Por eso les traemos a los artistas de hip-hop para platicar con ellos y el resultado es que hasta la fecha ya grabamos 3 discos con canciones de los mismos estudiantes, que luego ellos mismos se los venden a sus familiares o amigos", indicó Pineda.
El maestro especificó que todos sus estudiantes son clasificados como de "bajo riesgo" entre los cuales hay un segmento con funciones cerebrales limitadas, además de los que han sido víctimas de abusos emocionales, han pertenecido a pandillas, han consumido drogas o viven en casas de acogida.
"La educación en Estados Unidos está herida, a los jóvenes no les gusta la escuela, no están motivados, particularmente con los latinos lo que dicen es que sus familias no les importa la universidad", señaló Pineda.
"Este programa les permite a los estudiantes hacer algo diferente en su educación. Creo que esto les permite a ellos volar con lo que aprenden y si pudiéramos replicar este programa en todas las escuelas a los estudiantes les estaríamos dando una voz y poder, porque el conocimiento es poder", finalizó.
http://subterraneos.net/media/k2/items/cache/fa55c8bad0e242eb7986dc1135b50adb_L.jpg
Anthony Pineda, maestro de la escuela especial Beacon en San José, California, desarrolla un método de enseñanza para estudiantes con discapacidades basado en la producción de canciones a ritmo de hip-hop.
"El hip-hop tiene el potencial de cambiar la mente de la juventud en cualquier dirección", dijo a Efe Pineda.
"Si los muchachos escuchan hip-hop destructivo entonces su mente se va a destruir, pero si escuchan hip-hop con mensajes constructivos comienzan a pensar y a liberarse de los traumas en sus vidas", agregó.
Nacido el 24 de julio de 1979 en Stockton, California, Pineda desde 2008 es consejero de intervención de la escuela Beacon, especializada en educación terapéutica para estudiantes de tercer grado hasta secundaria con autismo, perturbaciones emocionales u otro tipo de discapacidades que les impiden insertarse en una escuela regular.
"El programa hip-hop a los estudiantes especiales les ayuda a sobreponerse a sus propios temores, les da esperanza y les provee una voz para que con la poesía y la música nos enseñen a nosotros los educadores sobre sus vidas y sobre lo que saben", explicó Pineda.
Pineda se graduó de una triple licenciatura en sicología, sociología y estudios afroamericanos de la Universidad de California en Davis en 2007 y este año terminará la maestría en "Estudios de la Conciencia y Transformación".
"La idea de educar con música nació después de haber estudiado en la universidad cómo afecta a nuestro comportamiento el hip-hop y junto a mi colega Daniel Rusell pensamos en una manera de cómo usar el hip-hop para que los estudiantes se sientan más entusiasmados para venir a la escuela", recordó Pineda.
"En 2008 presentamos a la dirección una propuesta del programa hip-hop para enseñarles a los estudiantes poesía, música y sobre como analizar las letras de las canciones, porque el mensaje influye más de lo que alcanzamos a entender", explicó.
La escuela especial Beacon tiene alrededor de 65 alumnos de los cuales el 35 por ciento son hispanos.
Auxiliado con un estudio de grabación portátil que lo instala en uno de los salones de clase, los estudiantes graban sus canciones que la mayoría son poesías rimadas con contenido social.
"Cuando los estudiantes escuchan canciones en la radio la mayoría de mensajes que escuchan es sexo, fiestas, drogas, y nada sobre como estudiar duro para tener éxito en la universidad o sobre cómo luchar contra las injusticias sociales", subrayó Pineda.
"Por eso les traemos a los artistas de hip-hop para platicar con ellos y el resultado es que hasta la fecha ya grabamos 3 discos con canciones de los mismos estudiantes, que luego ellos mismos se los venden a sus familiares o amigos", indicó Pineda.
El maestro especificó que todos sus estudiantes son clasificados como de "bajo riesgo" entre los cuales hay un segmento con funciones cerebrales limitadas, además de los que han sido víctimas de abusos emocionales, han pertenecido a pandillas, han consumido drogas o viven en casas de acogida.
"La educación en Estados Unidos está herida, a los jóvenes no les gusta la escuela, no están motivados, particularmente con los latinos lo que dicen es que sus familias no les importa la universidad", señaló Pineda.
"Este programa les permite a los estudiantes hacer algo diferente en su educación. Creo que esto les permite a ellos volar con lo que aprenden y si pudiéramos replicar este programa en todas las escuelas a los estudiantes les estaríamos dando una voz y poder, porque el conocimiento es poder", finalizó.
Ayudante De Santa
06-11-2015, 22:19:08
MiL0
22-01-2011, 20:54:08
Hip hop peruano remece la Comunidad Andina
http://subterraneos.net/media/k2/items/cache/01f1a05053c6242fcfa23075e5b963c1_L.jpg (http://subterraneos.net/media/k2/items/cache/01f1a05053c6242fcfa23075e5b963c1_XL.jpg)
Canción de Clan Urbano se alzó ganadora en su género, en concurso ´Premio a la Mejor Canción 2010´, a nivel Latinoamérica.
Tras semanas de ardua competencia, se revelaron los ganadores del concurso “Premio a la Mejor Canción 2010” organizado por la Secretaría General de la Comunidad Andina de Naciones (CAN). En un género de creciente demanda, el hip hop, ganaron los peruanos de la agrupación “Clan Urbano” con el tema “La Fiesta”. El triunfo peruano fue total, pues en la terna general, la Mejor Canción fue “Cielo sin luz”, de nuestra compatriota Anna Carina Copelo.
Este concurso a nivel de todos los países de la CAN, con apoyo de la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID), tuvo como vía la emisora Internet RadioCAN. La competencia, organizada por el primer aniversario de la radio, contó en esta su primera versión con más de cincuenta canciones y artistas de Bolivia, Colombia, Ecuador y Perú, en diez categorías.
"Es un privilegio haber logrado esta distinción para nuestro país. Nuestro tema, “La Fiesta”, fue seleccionado por la rotación en la emisora de la CAN, gracias a los votos de miles de jóvenes vía Internet”, señaló Rafomagia, líder del grupo que ya firmó contrato para ser representados por el conocido sello Peermusic. “Clan Urbano” compitió contra los colombianos reggaetoneros Golpe a Golpe, Fainal y J. Balvin además del boliviano Chris Syler y el grupo ecuatoriano Yeska Malafacha.
Como se recuerda, el grupo ganó la última edición del Festival Claro con la canción “Esta es mi casa”. La banda, que en abril cumplirá quince años, realizó un especial en radio WDR Funkhaus Europa. Su música rota en circuitos del Viejo Continente a través de grupos seguidores de hip hop por Internet, como el caso de esta emisora de la CAN que le dio un impulso mayor a su internacionalización.
Subterraneos felicita a Clan urbano liderado por nuestro gran amigo Rafomagia
http://subterraneos.net/media/k2/items/cache/01f1a05053c6242fcfa23075e5b963c1_L.jpg (http://subterraneos.net/media/k2/items/cache/01f1a05053c6242fcfa23075e5b963c1_XL.jpg)
Canción de Clan Urbano se alzó ganadora en su género, en concurso ´Premio a la Mejor Canción 2010´, a nivel Latinoamérica.
Tras semanas de ardua competencia, se revelaron los ganadores del concurso “Premio a la Mejor Canción 2010” organizado por la Secretaría General de la Comunidad Andina de Naciones (CAN). En un género de creciente demanda, el hip hop, ganaron los peruanos de la agrupación “Clan Urbano” con el tema “La Fiesta”. El triunfo peruano fue total, pues en la terna general, la Mejor Canción fue “Cielo sin luz”, de nuestra compatriota Anna Carina Copelo.
Este concurso a nivel de todos los países de la CAN, con apoyo de la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID), tuvo como vía la emisora Internet RadioCAN. La competencia, organizada por el primer aniversario de la radio, contó en esta su primera versión con más de cincuenta canciones y artistas de Bolivia, Colombia, Ecuador y Perú, en diez categorías.
"Es un privilegio haber logrado esta distinción para nuestro país. Nuestro tema, “La Fiesta”, fue seleccionado por la rotación en la emisora de la CAN, gracias a los votos de miles de jóvenes vía Internet”, señaló Rafomagia, líder del grupo que ya firmó contrato para ser representados por el conocido sello Peermusic. “Clan Urbano” compitió contra los colombianos reggaetoneros Golpe a Golpe, Fainal y J. Balvin además del boliviano Chris Syler y el grupo ecuatoriano Yeska Malafacha.
Como se recuerda, el grupo ganó la última edición del Festival Claro con la canción “Esta es mi casa”. La banda, que en abril cumplirá quince años, realizó un especial en radio WDR Funkhaus Europa. Su música rota en circuitos del Viejo Continente a través de grupos seguidores de hip hop por Internet, como el caso de esta emisora de la CAN que le dio un impulso mayor a su internacionalización.
Subterraneos felicita a Clan urbano liderado por nuestro gran amigo Rafomagia
MiL0
22-01-2011, 20:55:55
Reyes del hip hop en YouTube
En Colombia, los grupos de hip hop desconocidos han encontrado en la web una gran herramienta para lanzarse a la fama. Todo Copas, una agrupación del centro de Bogotá, ya tiene más de un millón de vistas en YouTube.
http://static2.elespectador.com/files/images/201101/d8fada662e6522a05cdb8e91449b1338.jpg
Más de un millón de vistas. Para ser exactos, 1’313.520, ese es el número de veces que han reproducido en YouTube el video Todo Copas, de la agrupación bogotana de hip hop que tiene el mismo nombre. Lo irónico es que ninguno de ellos haya conseguido contrato, que a diferencia de los raperos gringos no porten brillantes cadenas ni anden en carros costosos. Son sólo tres muchachos del barrio, del centro de Bogotá, chicos que en el buen sentido de la palabra conocen la calle porque como explica Smith, “calle no es ser ladrón, es parchar por ahí, observar lo que pasa a tu alrededor y meterlo en las canciones”.
Como ellos hay otros grupos bogotanos que cada día ganan más seguidores por sus videos en YouTube o sus cuentas en Facebook y Twitter. Fondo Blanco Crack Family, otro grupo capitalino, tiene casi 300 mil vistas en tan sólo uno de sus videos. ¿Pero cómo es posible que sus líricas y ritmos trasciendan la calle y se conviertan en un fenómeno de las redes sociales? No hay una respuesta fácil ni única, pero puede estar relacionado con que ellos son como se muestran en los videos e imprimen una gran porción de realidad a todo lo que hacen.
“Hay gente que dice ser calle, pero no ha vivido realmente lo que es estar ahí, camellando, a veces sin familia”, explica Ángel, otro de los raperos del grupo, “nosotros no tenemos que pretender nada y eso es lo que mostramos en los videos”. Por eso en sus producciones caseras, hechas de forma empírica, se muestra todo lo bueno y malo que viene con ser calle. “En el video de Todo Copas había chicos de todo tipo y no los censuramos”, comenta el rapero. Sus videos y canciones han despertado controversia en el mundo del hip hop, ya que muestran crudas imágenes de jóvenes fumando marihuana o crack. “Es una cuestión de ser reales y así es la calle”, dice Ángel.
Todo Copas está en el pico de un fenómeno que se viene desarrollando en la ciudad. Los jóvenes raperos con aspiraciones de fama musical, sin ayuda de disqueras ni mánagers y por supuesto sin recursos, han encontrado que la red es una herramienta para realizar sus proyectos. Por ejemplo, un solo video de Cejas Negraz (líder del grupo Fondo Blanco Crack Family) rapeando en el Septimazo, con poca iluminación y un sonido rústico, ya tiene más de 700 mil vistas. Además, cuando se escribe en el buscador de YouTube “hip hop bogotano”, aparecen grupos como Zebra, que sin ningún reconocimiento en el mainstream de la industria musical colombiana, tiene un promedio de 200 mil vistas por video.
Estas piezas audiovisuales no son grandes producciones. Son obra de amigos interesados en eso de grabar y editar. A veces, cuando tienen dinero, alquilan una cámara HD para hacer las tomas, pero definitivamente los impedimentos técnicos no son un obstáculo. Si es necesario, filman con el celular. Ángel explica que las personas en la calle les preguntan qué están haciendo, “que si es para una novela”, cuenta el rapero. Por eso los videos tienen tanto del “gueto”, porque incluyen a los habitantes de la calle, las prostitutas y los transeúntes.
Aunque el fenómeno es muy fuerte en la capital, hay otros ejemplos como el de Todo Copas en otras ciudades del país. Tal es el caso del Judío, un rapero caleño que también ha logrado que sus videos (donde a veces aparece sólo frente a la cámara) tengan entre 50 mil y 300 mil vistas. También está el caso de Alcolirykoz, una agrupación de Medellín que sonó mucho por Twitter y aunque el número de reproducciones de sus videos no es tan alto, ellos continúan subiendo material a la web.
El mercado del hip hop colombiano es casi inexistente en comparación con el estadounidense, uno de los más grandes de ese país. Tan sólo en 2003, ese género era la de mayor crecimiento en el país norteamericano con ventas que llegaban a US$1,84 mil millones de los US$14,3 mil millones totales que ingresaban al mercado musical. Y eso teniendo en cuenta que desde ese año, el hip hop ha continuado creciendo. En Estados Unidos, los canales MTV, VH1 o BET (canal exclusivo de ese tipo de música) se pelean por las primicias musicales de Kanye West, Jay Z o Eminem.
Acá nadie se pelea por poner la música de Ángel, Smith y Alveiro, ni por sacar su videos en ningún canal. “Nosotros no estamos en nómina, toca trabajar con lo que tenemos”. Por eso desde que fundaron la banda, en 2007, han elaborado videos para cargarlos en internet. Además usan Facebook como una importante herramienta de difusión. Actualmente tienen 4.353 amigos en esta red social, e incrementan cada día.
“La música fue lo que me sacó de eso”, dice tímidamente Ángel. Hace unos años ni siquiera soñaba con ser músico o estar en un grupo, él se dedicaba a actividades un tanto más ilegales. Ahora eso quedó atrás. Ellos trabajan en el barrio del lado, el que llaman El Bronx, enseñando la cultura del hip hop a los hijos de expendedores, ladrones, recicladores y habitantes de la calle. Además apoyan su música con lo que ganan en dos pequeños estands de ropa hip hopera situados en el Centro Comercial Plaza España. Ahí Smith raya con un aerógrafo buzos, zapatos y todo lo que sus clientes le lleven.
Así seguirá la vida de calle de estos tres chicos, los freestyleros, los que andan en cicla por el centro (“su hogar”) y los que no pueden dejar de hacer música. Aunque aspiran a ser reconocidos por su música en la red, los conciertos y en las ciudades, no buscan que sus buenas acciones los lancen a la fama. Es simplemente algo más que tienen que hacer para seguir, como su nombre lo dice, “todo bien, todo copas”.
Fuente: http://www.elespectador.com/impreso/vivir/articulo-244600-reyes-del-hip-hop-youtube
En Colombia, los grupos de hip hop desconocidos han encontrado en la web una gran herramienta para lanzarse a la fama. Todo Copas, una agrupación del centro de Bogotá, ya tiene más de un millón de vistas en YouTube.
http://static2.elespectador.com/files/images/201101/d8fada662e6522a05cdb8e91449b1338.jpg
Más de un millón de vistas. Para ser exactos, 1’313.520, ese es el número de veces que han reproducido en YouTube el video Todo Copas, de la agrupación bogotana de hip hop que tiene el mismo nombre. Lo irónico es que ninguno de ellos haya conseguido contrato, que a diferencia de los raperos gringos no porten brillantes cadenas ni anden en carros costosos. Son sólo tres muchachos del barrio, del centro de Bogotá, chicos que en el buen sentido de la palabra conocen la calle porque como explica Smith, “calle no es ser ladrón, es parchar por ahí, observar lo que pasa a tu alrededor y meterlo en las canciones”.
Como ellos hay otros grupos bogotanos que cada día ganan más seguidores por sus videos en YouTube o sus cuentas en Facebook y Twitter. Fondo Blanco Crack Family, otro grupo capitalino, tiene casi 300 mil vistas en tan sólo uno de sus videos. ¿Pero cómo es posible que sus líricas y ritmos trasciendan la calle y se conviertan en un fenómeno de las redes sociales? No hay una respuesta fácil ni única, pero puede estar relacionado con que ellos son como se muestran en los videos e imprimen una gran porción de realidad a todo lo que hacen.
“Hay gente que dice ser calle, pero no ha vivido realmente lo que es estar ahí, camellando, a veces sin familia”, explica Ángel, otro de los raperos del grupo, “nosotros no tenemos que pretender nada y eso es lo que mostramos en los videos”. Por eso en sus producciones caseras, hechas de forma empírica, se muestra todo lo bueno y malo que viene con ser calle. “En el video de Todo Copas había chicos de todo tipo y no los censuramos”, comenta el rapero. Sus videos y canciones han despertado controversia en el mundo del hip hop, ya que muestran crudas imágenes de jóvenes fumando marihuana o crack. “Es una cuestión de ser reales y así es la calle”, dice Ángel.
Todo Copas está en el pico de un fenómeno que se viene desarrollando en la ciudad. Los jóvenes raperos con aspiraciones de fama musical, sin ayuda de disqueras ni mánagers y por supuesto sin recursos, han encontrado que la red es una herramienta para realizar sus proyectos. Por ejemplo, un solo video de Cejas Negraz (líder del grupo Fondo Blanco Crack Family) rapeando en el Septimazo, con poca iluminación y un sonido rústico, ya tiene más de 700 mil vistas. Además, cuando se escribe en el buscador de YouTube “hip hop bogotano”, aparecen grupos como Zebra, que sin ningún reconocimiento en el mainstream de la industria musical colombiana, tiene un promedio de 200 mil vistas por video.
Estas piezas audiovisuales no son grandes producciones. Son obra de amigos interesados en eso de grabar y editar. A veces, cuando tienen dinero, alquilan una cámara HD para hacer las tomas, pero definitivamente los impedimentos técnicos no son un obstáculo. Si es necesario, filman con el celular. Ángel explica que las personas en la calle les preguntan qué están haciendo, “que si es para una novela”, cuenta el rapero. Por eso los videos tienen tanto del “gueto”, porque incluyen a los habitantes de la calle, las prostitutas y los transeúntes.
Aunque el fenómeno es muy fuerte en la capital, hay otros ejemplos como el de Todo Copas en otras ciudades del país. Tal es el caso del Judío, un rapero caleño que también ha logrado que sus videos (donde a veces aparece sólo frente a la cámara) tengan entre 50 mil y 300 mil vistas. También está el caso de Alcolirykoz, una agrupación de Medellín que sonó mucho por Twitter y aunque el número de reproducciones de sus videos no es tan alto, ellos continúan subiendo material a la web.
El mercado del hip hop colombiano es casi inexistente en comparación con el estadounidense, uno de los más grandes de ese país. Tan sólo en 2003, ese género era la de mayor crecimiento en el país norteamericano con ventas que llegaban a US$1,84 mil millones de los US$14,3 mil millones totales que ingresaban al mercado musical. Y eso teniendo en cuenta que desde ese año, el hip hop ha continuado creciendo. En Estados Unidos, los canales MTV, VH1 o BET (canal exclusivo de ese tipo de música) se pelean por las primicias musicales de Kanye West, Jay Z o Eminem.
Acá nadie se pelea por poner la música de Ángel, Smith y Alveiro, ni por sacar su videos en ningún canal. “Nosotros no estamos en nómina, toca trabajar con lo que tenemos”. Por eso desde que fundaron la banda, en 2007, han elaborado videos para cargarlos en internet. Además usan Facebook como una importante herramienta de difusión. Actualmente tienen 4.353 amigos en esta red social, e incrementan cada día.
“La música fue lo que me sacó de eso”, dice tímidamente Ángel. Hace unos años ni siquiera soñaba con ser músico o estar en un grupo, él se dedicaba a actividades un tanto más ilegales. Ahora eso quedó atrás. Ellos trabajan en el barrio del lado, el que llaman El Bronx, enseñando la cultura del hip hop a los hijos de expendedores, ladrones, recicladores y habitantes de la calle. Además apoyan su música con lo que ganan en dos pequeños estands de ropa hip hopera situados en el Centro Comercial Plaza España. Ahí Smith raya con un aerógrafo buzos, zapatos y todo lo que sus clientes le lleven.
Así seguirá la vida de calle de estos tres chicos, los freestyleros, los que andan en cicla por el centro (“su hogar”) y los que no pueden dejar de hacer música. Aunque aspiran a ser reconocidos por su música en la red, los conciertos y en las ciudades, no buscan que sus buenas acciones los lancen a la fama. Es simplemente algo más que tienen que hacer para seguir, como su nombre lo dice, “todo bien, todo copas”.
Fuente: http://www.elespectador.com/impreso/vivir/articulo-244600-reyes-del-hip-hop-youtube
MiL0
22-01-2011, 20:57:30
BreakDance una actividad de alto riesgo? Como evitar los problemas de salud
http://subterraneos.net/media/k2/items/cache/feb4274796d93ff716e9650163a77fb8_L.jpg
Según un estudio realizado con 144 breakers profesionales, se descubrió la alta accidentalidad de la práctica, que no había sido documentada anteriormente.
Los investigadores alemanes identificaron las siguientes partes del cuerpo como las mas afectadas:
Columna
Rodillas
Muñecas
Hombros
Tobillos
Una de las lesiones mas frecuentes es el deslizamiento de uno de los discos de la columna vertebral y las contusiones.
No es de sorprenderse que en una actividad "extrema" , igual que el skate, se produzcan lesiones. Sin embargo los investigadores advirtieron que gran parte de estas lesiones pudieron haber sido evitadas de haberse tomado las medidas de precaucion adecuadas.
Uno de los principales problemas es que quienes se lesionan no esperan lo suficiente para volver a bailar.
Los practicantes de disciplinas como el breakdance deben asumirlo de la misma forma que lo hacen los atletas, Quienes se toman todo el tiempo necesario para que sus lesionen sanen pues al forzar al cuerpo mas alla de sus limites pueden generar lesiones permanentes.
Métodos de entrenamiento mas seguros
Al ser conscientes de los peligros potenciales, los bboys deben tomar las precauciones en sus entrenamientos y presentaciones. Desde el calentamiento apropiado hasta el uso de protectores mientras se perfecciona un movimiento.
Desarrollo de fuerza y flexibilidad de forma gradual antes de intentar movimientos arriesgados
Muchas lesiones graves se producen cuando un principiante que carece de la masa muscular, flexibilidad y buen estado fisico general intenta realizar un movimiento avanzado. Un practicante que se haya tomado el tiempo para desarrollar la fuerza necesaria en los grupos de musculos que va a utilizar tiene menor probabilidad de sufrir un accidente. Por esa razon es necesario que quien practica esta actividad evalue su condición fisica, fuerza, flexibilidad y si es necesario invierta el tiempo en una rutina apropiada ANTES de ejecutar los movimientos del breakdance.
Así que paciencia, que es mejor avanzar de forma lenta pero integral, que lesionarse de forma absurda
Fuente: http://www.thestarphoenix.com/news/Breakdancing+high+risk+activity+Study/1519492/story.html
http://subterraneos.net/media/k2/items/cache/feb4274796d93ff716e9650163a77fb8_L.jpg
Según un estudio realizado con 144 breakers profesionales, se descubrió la alta accidentalidad de la práctica, que no había sido documentada anteriormente.
Los investigadores alemanes identificaron las siguientes partes del cuerpo como las mas afectadas:
Columna
Rodillas
Muñecas
Hombros
Tobillos
Una de las lesiones mas frecuentes es el deslizamiento de uno de los discos de la columna vertebral y las contusiones.
No es de sorprenderse que en una actividad "extrema" , igual que el skate, se produzcan lesiones. Sin embargo los investigadores advirtieron que gran parte de estas lesiones pudieron haber sido evitadas de haberse tomado las medidas de precaucion adecuadas.
Uno de los principales problemas es que quienes se lesionan no esperan lo suficiente para volver a bailar.
Los practicantes de disciplinas como el breakdance deben asumirlo de la misma forma que lo hacen los atletas, Quienes se toman todo el tiempo necesario para que sus lesionen sanen pues al forzar al cuerpo mas alla de sus limites pueden generar lesiones permanentes.
Métodos de entrenamiento mas seguros
Al ser conscientes de los peligros potenciales, los bboys deben tomar las precauciones en sus entrenamientos y presentaciones. Desde el calentamiento apropiado hasta el uso de protectores mientras se perfecciona un movimiento.
Desarrollo de fuerza y flexibilidad de forma gradual antes de intentar movimientos arriesgados
Muchas lesiones graves se producen cuando un principiante que carece de la masa muscular, flexibilidad y buen estado fisico general intenta realizar un movimiento avanzado. Un practicante que se haya tomado el tiempo para desarrollar la fuerza necesaria en los grupos de musculos que va a utilizar tiene menor probabilidad de sufrir un accidente. Por esa razon es necesario que quien practica esta actividad evalue su condición fisica, fuerza, flexibilidad y si es necesario invierta el tiempo en una rutina apropiada ANTES de ejecutar los movimientos del breakdance.
Así que paciencia, que es mejor avanzar de forma lenta pero integral, que lesionarse de forma absurda
Fuente: http://www.thestarphoenix.com/news/Breakdancing+high+risk+activity+Study/1519492/story.html
MiL0
22-01-2011, 20:58:43
Iconos en el graffiti
http://subterraneos.net/media/k2/items/cache/af2ef6a0e2c9c528b09655df79f3b312_L.jpg
En función de lograr una mayor llegada a los espectadores callejeros de las obras de graffiti, los escritores han ideado, buscado y creado nuevas formas, tanto en la creación y los estilos de sus diseños, como en posibles símbolos o íconos que los identifiquen sobre el resto.
Luego del tag, en donde los graffitero buscaban resaltar sobre el resto por la reiteración y la abundancia de sus firmas, la búsqueda se centró en la creación y ejecución de pinturas de mayor calidad, que sobresalieran, no por su repetición y su constante presencia en la ciudad, sino por la complejidad del diseño.
La evolución de las formas y la estética del graffiti siempre estuvieron ceñidas a nuevas formas de letras, como en los estilos de letra pompa, estilo basura, estilo salvaje o Wild Style, entre otros. Sin embargo, con la aparición de escritores que plasmaran dibujos u obras de otra índole en las calles, las variantes fueron mayores. De allí es que muchos innovaron en variar de una firma a un ícono que los identificara.
Identidad en íconos del graffiti
Más allá de que muchos escritores ya sean reconocidos, el graffiti siempre mantiene una cuota de anonimato. Más allá de la firma, del mote propio del escritor, el carácter callejero del graffiti genera una especie de ausencia de creador, o, por lo menos, una persona no identificable.
Con el uso del ícono se mantiene aún esta característica. En muchos graffiteros, el uso de una firma que identifique al ejecutor y creador del graffiti, dio paso al uso de un ícono original. En este aspecto se busca un elemento en particular, más o menos complejo, que sea original y singular.
Los íconos pueden ser manchas, objetos cotidianos, el mismo tag o una obra previa plasmada a escala, a modo de rubrica en trabajos posteriores. En España, se pueden destacar a Suso33 (plasta de pintura), el Xupet Negré (chupete color negro), Nami (una mano), Muelle (tag deformado). Fuera de España, se destacan en el uso de íconos al francés Jon 1 y al estadounidense Seen.
Fuente: http://www.graffitigarage.com/graffiti-urbano/iconos-en-el-graffiti.php
http://subterraneos.net/media/k2/items/cache/af2ef6a0e2c9c528b09655df79f3b312_L.jpg
En función de lograr una mayor llegada a los espectadores callejeros de las obras de graffiti, los escritores han ideado, buscado y creado nuevas formas, tanto en la creación y los estilos de sus diseños, como en posibles símbolos o íconos que los identifiquen sobre el resto.
Luego del tag, en donde los graffitero buscaban resaltar sobre el resto por la reiteración y la abundancia de sus firmas, la búsqueda se centró en la creación y ejecución de pinturas de mayor calidad, que sobresalieran, no por su repetición y su constante presencia en la ciudad, sino por la complejidad del diseño.
La evolución de las formas y la estética del graffiti siempre estuvieron ceñidas a nuevas formas de letras, como en los estilos de letra pompa, estilo basura, estilo salvaje o Wild Style, entre otros. Sin embargo, con la aparición de escritores que plasmaran dibujos u obras de otra índole en las calles, las variantes fueron mayores. De allí es que muchos innovaron en variar de una firma a un ícono que los identificara.
Identidad en íconos del graffiti
Más allá de que muchos escritores ya sean reconocidos, el graffiti siempre mantiene una cuota de anonimato. Más allá de la firma, del mote propio del escritor, el carácter callejero del graffiti genera una especie de ausencia de creador, o, por lo menos, una persona no identificable.
Con el uso del ícono se mantiene aún esta característica. En muchos graffiteros, el uso de una firma que identifique al ejecutor y creador del graffiti, dio paso al uso de un ícono original. En este aspecto se busca un elemento en particular, más o menos complejo, que sea original y singular.
Los íconos pueden ser manchas, objetos cotidianos, el mismo tag o una obra previa plasmada a escala, a modo de rubrica en trabajos posteriores. En España, se pueden destacar a Suso33 (plasta de pintura), el Xupet Negré (chupete color negro), Nami (una mano), Muelle (tag deformado). Fuera de España, se destacan en el uso de íconos al francés Jon 1 y al estadounidense Seen.
Fuente: http://www.graffitigarage.com/graffiti-urbano/iconos-en-el-graffiti.php
MiL0
22-01-2011, 21:00:29
El graffiti y los niños
http://subterraneos.net/media/k2/items/cache/233826a67be66a810b23a263230da62e_L.jpg
Siguiendo con el tema relacionado al graffiti en las escuelas de arte, algo que es muy importante y que leí la semana pasada en un blog es la relación que puede tener esta actividad con los niños.
Muchos pueden pensar que se les está enseñando a hacer vandalismo, pero están totalmente equivocados, se les enseña a hacer arte. Un grupo de jóvenes estuvo trabajando el año pasado en talleres de graffiti en la zona de Gaza. Por todos es conocida la situación de opresión que vive el pueblo palestino por parte de Israel, y precisamente estas actividades dirigidas a los más jóvenes tratan de ofrecer una evasión a la problemática que día a día les asfixia.
Acá algunas imágenes del taller realizado en Palestina.
http://blogs.elcomercio.pe/artandgraff/workshop_palestine_3.jpg
http://blogs.elcomercio.pe/artandgraff/workshop_palestine_3_1.jpg
http://blogs.elcomercio.pe/artandgraff/workshop_palestine_4.jpg
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http://blogs.elcomercio.pe/artandgraff/workshop_palestine_6.jpg
http://blogs.elcomercio.pe/artandgraff/workshop_palestine_9.jpg
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http://blogs.elcomercio.pe/artandgraff/workshop_palestine_Kids-of-Jenin-13.jpg
http://blogs.elcomercio.pe/artandgraff/Balata-girls-school_2.jpg
http://blogs.elcomercio.pe/artandgraff/Balata-girls-school_4.jpg
http://blogs.elcomercio.pe/artandgraff/Balata-girls-school_7.jpg
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En el Perú también ha habido talleres de graffiti para niños y jóvenes, pero por falta de apoyo y de motivación han desaparecido. Una de las entidades que ha apoyado a este tipo de talleres es el Gobierno Regional del Callao, que motiva a los jóvenes a hacer arte por medio del graffiti. Espero que otras entidades privadas o públicas también ayuden a incentivar este arte, que poco a poco va teniendo más adeptos.
Fuente: http://www.12ozprophet.com/
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Siguiendo con el tema relacionado al graffiti en las escuelas de arte, algo que es muy importante y que leí la semana pasada en un blog es la relación que puede tener esta actividad con los niños.
Muchos pueden pensar que se les está enseñando a hacer vandalismo, pero están totalmente equivocados, se les enseña a hacer arte. Un grupo de jóvenes estuvo trabajando el año pasado en talleres de graffiti en la zona de Gaza. Por todos es conocida la situación de opresión que vive el pueblo palestino por parte de Israel, y precisamente estas actividades dirigidas a los más jóvenes tratan de ofrecer una evasión a la problemática que día a día les asfixia.
Acá algunas imágenes del taller realizado en Palestina.
http://blogs.elcomercio.pe/artandgraff/workshop_palestine_3.jpg
http://blogs.elcomercio.pe/artandgraff/workshop_palestine_3_1.jpg
http://blogs.elcomercio.pe/artandgraff/workshop_palestine_4.jpg
http://blogs.elcomercio.pe/artandgraff/workshop_palestine_5.jpg
http://blogs.elcomercio.pe/artandgraff/workshop_palestine_6.jpg
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http://blogs.elcomercio.pe/artandgraff/workshop_palestine_14.jpg
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http://blogs.elcomercio.pe/artandgraff/Balata-girls-school_2.jpg
http://blogs.elcomercio.pe/artandgraff/Balata-girls-school_4.jpg
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En el Perú también ha habido talleres de graffiti para niños y jóvenes, pero por falta de apoyo y de motivación han desaparecido. Una de las entidades que ha apoyado a este tipo de talleres es el Gobierno Regional del Callao, que motiva a los jóvenes a hacer arte por medio del graffiti. Espero que otras entidades privadas o públicas también ayuden a incentivar este arte, que poco a poco va teniendo más adeptos.
Fuente: http://www.12ozprophet.com/
MiL0
22-01-2011, 21:03:11
El archivo del Hip Hop
http://subterraneos.net/media/k2/items/cache/71f67488b0857639cee631943a3fc6fa_L.jpg
En los años setenta el Popmaster Fabel (alguna vez conocido como Jorge Pabón) pasaba los días en las calles del Harlem hispano de Nueva York “corriendo como un loquito”, al son de los cambiantes repiqueteos del barrio. Su madre lo reprendía: “Deja de moverte como un negro.” Pero Fabel no hacía caso.
La popularidad en las calles dependía de esas habilidades, aprendidas en las fiestas de las barriadas negras: un DJ hacía sonar fragmentos de percusión de varios discos de vinilo; sobre el percutir, los valientes improvisaban rimas en un micrófono, mientras otros pintaban grafiti en las paredes. Se bailaba con movimientos cortos y rebotes elásticos. Fabel practicó esos movimientos en la calle, en su casa frente al espejo, en la escuela con sus amigos, demorándose de forma imposible para tomar un lápiz del pupitre –y en cada milímetro posaba en diferentes posiciones como un maniquí.
En los años ochenta Fabel se convirtió en artista de eso que ya llamaban hip hop. Fue bailarín y coreógrafo, DJ y artista de pintura en aerosol; integró bandas musicales con nombres como The Magnificent Force o The Rocky Steady Crew; hasta ayudó a fundar un teatro Off Broadway dedicado a la nueva estética.
En los noventa hizo giras por Estados Unidos, fue el primer artista del hip hop en bailar en Cuba, ganó premios, actuó en películas. El Rock and Roll Hall of Fame lo contrató como asesor. La New School de Nueva York le pagó por enseñar a bailar a los estudiantes.
Ya en el siglo XXI curó muestras en museos, habló ante los delegados de Naciones Unidas en la “Conferencia del Hip Hop para la Paz” y acabó por convertirse en maestro e historiador de su propia vida.
El mes pasado, quince estudiantes esperaban el inicio de otra de sus conferencias. A mi lado, en la vereda, el Popmaster Fabel fumaba, nervioso. Al terminar su cigarro, exclamó: “¡Dios mío, estoy en Harvard!”
Al día siguiente, acurrucado en un sofá de terciopelo, su colega Chuck D (antes Carl Ryder, o Mistachuck, o Chucky D, o Chuck Dangerous, o The Hard Rhymer, o The Rhyme Animal, o Crunk Bitchicana) protestó ante un público de estudiantes y académicos de la misma Universidad de Harvard, la que fuera fundada en el siglo XVII por los puritanos, la que precede a los propios Estados Unidos en antigüedad, la organización no gubernamental más rica después de la Iglesia católica que se ha convertido en una marca mundial de la educación y la cultura de las élites, y que acaba de abrir un “Archivo del Hip Hop” en su departamento de estudios afroamericanos:
–El hip hop era marrón (latino) y negro. Ahora dicen que no era marrón. Dicen que es “urbano”. ¿Urbano? ¿Qué quiere decir eso? Me dicen: I love hip hop, man. Y yo les pregunto: ¿Entonces amas a los negros? Y contestan: ¿Y eso qué tiene que ver?
En los años setenta, cuando se inventó, “el hip hop era un acontecimiento que duraba tres horas”, recordó Chuck D en Harvard. Era un happening: fiestas en las calles de los barrios negros y latinos del Bronx animadas por DJs que hacían girar discos de vinilo en una o dos bandejas, aislando la percusión en temas de reggae, rock, funk y disco. A un inmigrante jamaiquino, Kool Herc, se le ocurrió combinar dos discos simultáneos con un mezclador de sonido y “rasparlos” mientras sonaban. Creó así el breakbeat, la base rítmica del hip hop. Sobre ella se montó el “rapeo”, una escansión plebeya, a veces duelo verbal, a veces con doble sentido, por lo general de tema escatológico y sexual. Desde un micrófono, el DJ “rapeaba” sobre la música, y los chicos del barrio hacían fila por un turno en el micrófono.
Las raíces de estas fiestas se hundían en los doscientos años de vida del pueblo afroamericano; en los juegos verbales que habían sido parte esencial de su vida comunitaria. Como el signifying, que recurre al doble sentido para burlarse de alguien presente; o el playing the dozens, un duelo de insultos afilados que premia el ingenio. Los movimientos esenciales del baile del hip hop también provenían del lejano pasado. En una cinta filmada por Thomas Edison en 1894, dos hombres negros demuestran, una centuria adelantados y con flexibilidad extraordinaria, cómo bailar el breakdance. Igualmente antigua es la práctica de dar un salto, caer al suelo y rebotar como un resorte, lo que el hip hop llamaría, por traslación onomatopéyica, boing. Esos y otros movimientos ancestrales acabaron como alguna de las innumerables rutinas del hip hop, como el “robot” o el “maniquí”, que Fabel recrearía en Harvard dos siglos más tarde, despertando aplausos de los estudiantes.
La fiesta afroamericana se convirtió pronto en cultura de los pobres urbanos. “Lo que ocurría en el Bronx ocurría una semana más tarde en Roosevelt, Long Island, como un eco”, me contó Chuck D, nativo de Roosevelt. Eran guetos de minorías raciales que en la era posterior a la derogación teórica de la segregación se mantenían aparte y en la miseria.
“La música era un salvavidas –recordó Chuck D–. En su puesto de trabajo en el supermercado, la gente decía I gotta have my music mientras hago este trabajo de mierda.”
Pero el hip hop existía, exclusivamente, como fiesta, encuentro, happening: “en vivo”. Si alguien le hubiera dicho al que sería Chuck D, cuando era niño, que alguien iba a sacar un disco de hip hop, él hubiera respondido (dirá Chuck D en Harvard):
–No se puede meter un circo en un disco.
Pero a fines de los setenta DJs y raperos comenzaban a formar sus bandas, y los productores de discos para consumo de las comunidades negra y latina decidieron grabarlos.
Chuck D aún puede ubicar el momento exacto en que el hip hop dio ese salto de comunión colectiva a género musical. Los juegos de los DJs, que cambiaban abruptamente el ritmo en medio del baile, intimidaban a las chicas, que se negaban a bailar. Sólo quedaba cantar.
Como otros, Chuck D hizo fila para tomar el micrófono. Cuando le tocó el turno y comenzó a mover los labios, el DJ, en lugar de la música de fondo acostumbrada, hizo sonar “Rapper’s Delight”, el primer tema cantado de rap grabado, obra de The Sugarhill Gang. Era tan inaudito, que todos pensaron que era Chuck D quien cantaba y no una grabación. “La gente creía que me había cambiado la voz.”
Surgieron las primeras canciones de autor. El hip hop se asumió como género artístico, con sus reglas y medidas, lo que permitió el ingreso de artistas ajenos a sus comunidades de origen –hasta la rubia Blondie compuso algunos temas.
Producto de esta nueva autoconciencia artística, Rakim, considerado uno de los grandes poetas del género, escribió: I start to think and then I sink/ into the paper like I was ink/ When I’m writing, I’m trapped in between the lines (“Empiezo a pensar y me hundo/ en el papel como si fuera tinta/ Cuando escribo, quedo atrapado entre líneas”).
Sin embargo, aun convertido en género, el hip hop mantenía un vínculo orgánico con el mundo del que provenía, reforzado por el contexto. Eran los años de Ronald Reagan y el neoconservadurismo: las comunidades negras y latinas sufrían la pobreza, las drogas y el crimen. “Crecerás en el gueto viviendo una vida de segunda/ y tus ojos cantarán una canción llamada odio profundo”, cantaban el Grand Master Flash and the Furious Five, en 1982: “Don’t push me ‘cuz I’m close to the edge/ I’m trying not to lose my head/ Uh huh ha ha ha/ It’s like a jungle sometimes/ It makes me wonder how I keep from goin’ under” (“No me empujes porque estoy cerca del borde/ Estoy tratando de no perder la cabeza/ A veces es como una jungla/ Me hace preguntarme cómo evitar hundirme”).
Sería Public Enemy, la banda que llamaría a combatir el poder (“Fight the Power”), el gran grupo de rap político, que incorporaría fragmentos de discursos de Martin Luther King, Malcolm X, Jesse Jackson y Louis Farrakhan. Public Enemy hablaba sobre casi todo: sexo, raza, religión, filosofía, política, el mundo del espectáculo. Los críticos llamaron a su líder, Chuck D, “el mayor compositor de canciones desde Bob Dylan” y compararon sus discos con los de los Beatles.
Como género, el hip hop se extendió a un público nacional, aunque todavía minoritario. A comienzos de los ochenta, las revistas especializadas de la cultura mainstream estimaban que, como la música disco, se consumiría muy pronto.
Pero para el final de la década, dos acontecimientos proyectarían el fenómeno hacia el mercado masivo. La banda de hip hop Run DMC grabó una reedición de una canción de la banda de rock Aerosmith, ganó con ella un premio Grammy y apareció en la flamante cadena de cable MTV. La segunda fue la inclusión de un tema de Public Enemy en la película Haz lo correcto, de Spike Lee.
Tras ellos, el hip hop se convirtió en la gran presa de la industria cultural.
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En los años setenta el Popmaster Fabel (alguna vez conocido como Jorge Pabón) pasaba los días en las calles del Harlem hispano de Nueva York “corriendo como un loquito”, al son de los cambiantes repiqueteos del barrio. Su madre lo reprendía: “Deja de moverte como un negro.” Pero Fabel no hacía caso.
La popularidad en las calles dependía de esas habilidades, aprendidas en las fiestas de las barriadas negras: un DJ hacía sonar fragmentos de percusión de varios discos de vinilo; sobre el percutir, los valientes improvisaban rimas en un micrófono, mientras otros pintaban grafiti en las paredes. Se bailaba con movimientos cortos y rebotes elásticos. Fabel practicó esos movimientos en la calle, en su casa frente al espejo, en la escuela con sus amigos, demorándose de forma imposible para tomar un lápiz del pupitre –y en cada milímetro posaba en diferentes posiciones como un maniquí.
En los años ochenta Fabel se convirtió en artista de eso que ya llamaban hip hop. Fue bailarín y coreógrafo, DJ y artista de pintura en aerosol; integró bandas musicales con nombres como The Magnificent Force o The Rocky Steady Crew; hasta ayudó a fundar un teatro Off Broadway dedicado a la nueva estética.
En los noventa hizo giras por Estados Unidos, fue el primer artista del hip hop en bailar en Cuba, ganó premios, actuó en películas. El Rock and Roll Hall of Fame lo contrató como asesor. La New School de Nueva York le pagó por enseñar a bailar a los estudiantes.
Ya en el siglo XXI curó muestras en museos, habló ante los delegados de Naciones Unidas en la “Conferencia del Hip Hop para la Paz” y acabó por convertirse en maestro e historiador de su propia vida.
El mes pasado, quince estudiantes esperaban el inicio de otra de sus conferencias. A mi lado, en la vereda, el Popmaster Fabel fumaba, nervioso. Al terminar su cigarro, exclamó: “¡Dios mío, estoy en Harvard!”
Al día siguiente, acurrucado en un sofá de terciopelo, su colega Chuck D (antes Carl Ryder, o Mistachuck, o Chucky D, o Chuck Dangerous, o The Hard Rhymer, o The Rhyme Animal, o Crunk Bitchicana) protestó ante un público de estudiantes y académicos de la misma Universidad de Harvard, la que fuera fundada en el siglo XVII por los puritanos, la que precede a los propios Estados Unidos en antigüedad, la organización no gubernamental más rica después de la Iglesia católica que se ha convertido en una marca mundial de la educación y la cultura de las élites, y que acaba de abrir un “Archivo del Hip Hop” en su departamento de estudios afroamericanos:
–El hip hop era marrón (latino) y negro. Ahora dicen que no era marrón. Dicen que es “urbano”. ¿Urbano? ¿Qué quiere decir eso? Me dicen: I love hip hop, man. Y yo les pregunto: ¿Entonces amas a los negros? Y contestan: ¿Y eso qué tiene que ver?
En los años setenta, cuando se inventó, “el hip hop era un acontecimiento que duraba tres horas”, recordó Chuck D en Harvard. Era un happening: fiestas en las calles de los barrios negros y latinos del Bronx animadas por DJs que hacían girar discos de vinilo en una o dos bandejas, aislando la percusión en temas de reggae, rock, funk y disco. A un inmigrante jamaiquino, Kool Herc, se le ocurrió combinar dos discos simultáneos con un mezclador de sonido y “rasparlos” mientras sonaban. Creó así el breakbeat, la base rítmica del hip hop. Sobre ella se montó el “rapeo”, una escansión plebeya, a veces duelo verbal, a veces con doble sentido, por lo general de tema escatológico y sexual. Desde un micrófono, el DJ “rapeaba” sobre la música, y los chicos del barrio hacían fila por un turno en el micrófono.
Las raíces de estas fiestas se hundían en los doscientos años de vida del pueblo afroamericano; en los juegos verbales que habían sido parte esencial de su vida comunitaria. Como el signifying, que recurre al doble sentido para burlarse de alguien presente; o el playing the dozens, un duelo de insultos afilados que premia el ingenio. Los movimientos esenciales del baile del hip hop también provenían del lejano pasado. En una cinta filmada por Thomas Edison en 1894, dos hombres negros demuestran, una centuria adelantados y con flexibilidad extraordinaria, cómo bailar el breakdance. Igualmente antigua es la práctica de dar un salto, caer al suelo y rebotar como un resorte, lo que el hip hop llamaría, por traslación onomatopéyica, boing. Esos y otros movimientos ancestrales acabaron como alguna de las innumerables rutinas del hip hop, como el “robot” o el “maniquí”, que Fabel recrearía en Harvard dos siglos más tarde, despertando aplausos de los estudiantes.
La fiesta afroamericana se convirtió pronto en cultura de los pobres urbanos. “Lo que ocurría en el Bronx ocurría una semana más tarde en Roosevelt, Long Island, como un eco”, me contó Chuck D, nativo de Roosevelt. Eran guetos de minorías raciales que en la era posterior a la derogación teórica de la segregación se mantenían aparte y en la miseria.
“La música era un salvavidas –recordó Chuck D–. En su puesto de trabajo en el supermercado, la gente decía I gotta have my music mientras hago este trabajo de mierda.”
Pero el hip hop existía, exclusivamente, como fiesta, encuentro, happening: “en vivo”. Si alguien le hubiera dicho al que sería Chuck D, cuando era niño, que alguien iba a sacar un disco de hip hop, él hubiera respondido (dirá Chuck D en Harvard):
–No se puede meter un circo en un disco.
Pero a fines de los setenta DJs y raperos comenzaban a formar sus bandas, y los productores de discos para consumo de las comunidades negra y latina decidieron grabarlos.
Chuck D aún puede ubicar el momento exacto en que el hip hop dio ese salto de comunión colectiva a género musical. Los juegos de los DJs, que cambiaban abruptamente el ritmo en medio del baile, intimidaban a las chicas, que se negaban a bailar. Sólo quedaba cantar.
Como otros, Chuck D hizo fila para tomar el micrófono. Cuando le tocó el turno y comenzó a mover los labios, el DJ, en lugar de la música de fondo acostumbrada, hizo sonar “Rapper’s Delight”, el primer tema cantado de rap grabado, obra de The Sugarhill Gang. Era tan inaudito, que todos pensaron que era Chuck D quien cantaba y no una grabación. “La gente creía que me había cambiado la voz.”
Surgieron las primeras canciones de autor. El hip hop se asumió como género artístico, con sus reglas y medidas, lo que permitió el ingreso de artistas ajenos a sus comunidades de origen –hasta la rubia Blondie compuso algunos temas.
Producto de esta nueva autoconciencia artística, Rakim, considerado uno de los grandes poetas del género, escribió: I start to think and then I sink/ into the paper like I was ink/ When I’m writing, I’m trapped in between the lines (“Empiezo a pensar y me hundo/ en el papel como si fuera tinta/ Cuando escribo, quedo atrapado entre líneas”).
Sin embargo, aun convertido en género, el hip hop mantenía un vínculo orgánico con el mundo del que provenía, reforzado por el contexto. Eran los años de Ronald Reagan y el neoconservadurismo: las comunidades negras y latinas sufrían la pobreza, las drogas y el crimen. “Crecerás en el gueto viviendo una vida de segunda/ y tus ojos cantarán una canción llamada odio profundo”, cantaban el Grand Master Flash and the Furious Five, en 1982: “Don’t push me ‘cuz I’m close to the edge/ I’m trying not to lose my head/ Uh huh ha ha ha/ It’s like a jungle sometimes/ It makes me wonder how I keep from goin’ under” (“No me empujes porque estoy cerca del borde/ Estoy tratando de no perder la cabeza/ A veces es como una jungla/ Me hace preguntarme cómo evitar hundirme”).
Sería Public Enemy, la banda que llamaría a combatir el poder (“Fight the Power”), el gran grupo de rap político, que incorporaría fragmentos de discursos de Martin Luther King, Malcolm X, Jesse Jackson y Louis Farrakhan. Public Enemy hablaba sobre casi todo: sexo, raza, religión, filosofía, política, el mundo del espectáculo. Los críticos llamaron a su líder, Chuck D, “el mayor compositor de canciones desde Bob Dylan” y compararon sus discos con los de los Beatles.
Como género, el hip hop se extendió a un público nacional, aunque todavía minoritario. A comienzos de los ochenta, las revistas especializadas de la cultura mainstream estimaban que, como la música disco, se consumiría muy pronto.
Pero para el final de la década, dos acontecimientos proyectarían el fenómeno hacia el mercado masivo. La banda de hip hop Run DMC grabó una reedición de una canción de la banda de rock Aerosmith, ganó con ella un premio Grammy y apareció en la flamante cadena de cable MTV. La segunda fue la inclusión de un tema de Public Enemy en la película Haz lo correcto, de Spike Lee.
Tras ellos, el hip hop se convirtió en la gran presa de la industria cultural.
MiL0
22-01-2011, 21:03:46
.......Continuacion!
Naturalmente, el siguiente paso fue cruzar a la costa Oeste, donde la industria del espectáculo tiene sede. Allí, el marketing convirtió en estereotipo cultural aquello que el hip hop político había denunciado: el crimen y la violencia en las comunidades afroamericanas y latinas. Surgió así el gangsta rap.
Dos de sus representantes emblemáticos fueron Tupac Shakur y Big (también conocido como The Notorious B.I.G.). Shakur y Big se enredaron en una pelea que se expresó en sus canciones. Shakur sugirió el motivo : “You claim to be a player/ but I fucked your wife” (“Dices que eres un jugador/ pero yo me cogí a tu esposa”). En 1996, luego de otras balaceras de las que había salido con vida, Shakur fue asesinado. Big negó haber participado en el primer intento, de 1994, pero acto seguido alardeó en la canción “Who Shot Ya” (Quién te disparó): “Fuckin with b.i.g. it aint safe/ I make your skin chafe, rashes on the masses/ Bumps and bruises, blunts and landcruisers/ Big poppa smash fools, bash fools/ Niggaz mad because I know that **** rules/ Everything around me, two glock nines” (“Chingar a b.i.g no es seguro/ Te irrito la piel, erupciones en las masas/ Hinchazón y moretones, bachas y todoterrenos/ Big poppa golpea a los tontos, noquea a los tontos/ Los negros enloquecen porque sé que el dinero rige/ Todo lo que me rodea, dos Glock nueve”).
Big fue asesinado seis meses más tarde (ninguno de los crímenes fue esclarecido). Enseguida salió a la venta su último disco, donde cantaba: “No eres nadie hasta que alguien te mata.” La celebridad era ahora, a cualquier costo, la meta del nuevo hip hop, un negocio billonario y global.
Según datos de 2006, Diddy (antes Puff Daddy, o P. Diddy, o Sean John, o Puff, o Puffy) es uno de los hombres más ricos de la industria del entretenimiento: tras invertir en televisión y cadenas de ropa, acumuló 346 millones de dólares. Uno de sus competidores, 50 Cent, que invirtió en la marca de aguas Vitamin Water, reportó una ganancia de 150 millones de dólares en 2008.
Para entonces, en palabras de Henry Louis Gates, Jr., director del Instituto W.E.B. Du Bois de Estudios Africanos y Afroamericanos de Harvard, el hip hop ya era “la lengua franca de la cultura americana”. Millones de jóvenes blancos de clase media y alta escuchaban hip hop, se vestían con ropa varias tallas demasiado grande, hablaban el slang de los afroamericanos e imitaban sus movimientos.
Surgió una industria del merchandising, y el hip hop se utilizó para vender camisetas, zapatillas, sodas, coches. Las estrellas del hip hop se unían a las estrellas Hollywood, como cuando Puff Daddy se convirtió en la pareja de Jennifer Lopez. MTV llevaba el hip hop a todos los rincones del mundo, y se alimentaba de lo que esa resonancia producía, un nuevo hip hop global.
Habiendo acumulado fortuna, al hip hop sólo le faltaba el prestigio.
Marcyliena Morgan, una joven profesora de antropología lingüística de la Universidad de California, Los Ángeles, encargó en 1992 a sus alumnos un estudio de campo entre comunidades lingüísticas urbanas de su elección. “Esperaba que eligieran surfers u otros grupos con jergas identificables”, me explicó Morgan la misma tarde en que Popmaster Fabel se fumaba su cigarrillo en la vereda.
Un grupo de veinte estudiantes se rebeló: querían hip hop. Morgan resistió todo lo que pudo –no entendía el interés antropológico–, pero acabó por ceder. Y luego por convencerse. Tanto que terminó sumergiéndose en el hip hop –de “una gran riqueza lingüística”, dice ahora– y montando sobre él su propia carrera académica.
En centenares de campus universitarios de Estados Unidos, miles de estudiantes sin conexión con las comunidades afroamericana o latina pero que habían crecido con MTV, exigieron que el hip hop se incorporara a los currículos académicos y se lanzaron a pedir y tomar clases abiertas.
Las universidades, tan imbuidas de la lógica del mercado que dan a sus estudiantes un periodo de “shopping” al comienzo de cada semestre para que estos “compren” las clases de su preferencia, cedieron pronto. Jóvenes académicos “interesados en estudios culturales, afrocentrismo y/o estudios afroamericanos” descubrieron el hip hop y “se fascinaron por el ascenso de artistas del rap como Public Enemy, N.W.A., Queen Latifah y otros que hablaban sobre la agitación social de la época, especialmente en temas raciales. Este fue el momento además en que el rap entraba a la cultura del mainstream e irrumpía en las estaciones de radio y video masivas”, me explicó Jeff Chang, autor de dos libros sobre hip hop.
En 2002, apuntó Chang, un estudio arrojó que se dictaban unas trescientas clases sobre hip hop en carreras como literatura, música, historia del arte, estudios americanos, sociología y estudios étnicos de distintas universidades norteamericanas. “Basado en mis observaciones personales yo diría que ese número se ha duplicado o tal vez triplicado.”
A fines de los noventa Morgan fue contratada para enseñar en Harvard. Llevó consigo el material que había reunido con la idea de convertirlo en el Archivo del Hip Hop (Chang señaló que hay otro archivo, más completo, en la Universidad de Cornell). Por entonces, dirigía Harvard el economista Larry Summers, de un estilo intransigente que le ganó muchos enemigos, según recuerdan profesores de la universidad, y lo documentara en su momento The Crimson, el diario de los estudiantes.
Harvard había contratado a dos de los mayores intelectuales afroamericanos del momento: Henry Louis Gates, Jr., y Cornel West. Gates, especialista en literatura y un hombre de gran talento para las relaciones personales, llenaba el papel del académico a la perfección. West, pastor y filósofo, era además activista del movimiento de derechos civiles; al entrar a Harvard no abandonó su trabajo político en la comunidad afroamericana.
Muy pronto, Summers quiso domar –según profesores que siguieron el conflicto– el activismo político de West; quería, al parecer, un departamento afroamericano intelectualmente prestigioso, socialmente progresista y políticamente ascéptico. Intentó indicar a West, según denunció este, cómo conducir su trabajo académico. En 2002 West presentó su renuncia y se mudó a Princeton. Con él se fue Morgan, a quien Summers había negado tenure (contrato vitalicio que se da a los profesores confirmados), y otros miembros del departamento descontentos con la política de Harvard hacia los afroamericanos.
Sólo cuatro años pasaron hasta la revancha. En 2006 Summers sugirió en un discurso público que las mujeres eran, por razones genéticas, menos capaces que los hombres en ciencia e ingeniería. En medio de un escándalo público, debió presentar su renuncia. Su sucesora, Drew Faust, trajo de regreso a Morgan, esta vez con tenure. Con ella, al fin, el Archivo del Hip Hop entró en Harvard.
El archivo quedó bajo el paraguas del Instituto W.E.B. Du Bois, que conduce Gates. No porque fuera su lugar natural –aunque es “un lugar lógico”, me explicó aquel– sino porque es su espacio de poder y sólo bajo su ala podía cobijar a Morgan. “En Stanford, Marcyliena tenía una bonita oficina. Pero en Harvard ¡le he dado un imperio! ¿Por qué lo hice? El hip hop es el fenómeno cultural más importante de los últimos treinta años. Imagínate si en 1925 alguien hubiera creado el Archivo del Jazz. Ochenta años más tarde esa persona sería considerada un genio.”
Durante la conferencia de Chuck D, Morgan comentó que todos los académicos del hip hop coinciden en que sólo el hip hop “global, de lugares como Australia”, tiene hoy un contenido político. En Estados Unidos “hace años que no se ve algo como Public Enemy”. Chuck D puso cara de fastidio, pero no la contradijo.
Cerca del final, Chuck D festejó que por primera vez gobierne el país un afroamericano, Barack Obama. Con Obama, egresado de la Escuela de Leyes de Harvard, trabaja ahora, como principal asesor económico, Larry Summers.
Fuente: http://www.letraslibres.com/index.php?art=13693
Naturalmente, el siguiente paso fue cruzar a la costa Oeste, donde la industria del espectáculo tiene sede. Allí, el marketing convirtió en estereotipo cultural aquello que el hip hop político había denunciado: el crimen y la violencia en las comunidades afroamericanas y latinas. Surgió así el gangsta rap.
Dos de sus representantes emblemáticos fueron Tupac Shakur y Big (también conocido como The Notorious B.I.G.). Shakur y Big se enredaron en una pelea que se expresó en sus canciones. Shakur sugirió el motivo : “You claim to be a player/ but I fucked your wife” (“Dices que eres un jugador/ pero yo me cogí a tu esposa”). En 1996, luego de otras balaceras de las que había salido con vida, Shakur fue asesinado. Big negó haber participado en el primer intento, de 1994, pero acto seguido alardeó en la canción “Who Shot Ya” (Quién te disparó): “Fuckin with b.i.g. it aint safe/ I make your skin chafe, rashes on the masses/ Bumps and bruises, blunts and landcruisers/ Big poppa smash fools, bash fools/ Niggaz mad because I know that **** rules/ Everything around me, two glock nines” (“Chingar a b.i.g no es seguro/ Te irrito la piel, erupciones en las masas/ Hinchazón y moretones, bachas y todoterrenos/ Big poppa golpea a los tontos, noquea a los tontos/ Los negros enloquecen porque sé que el dinero rige/ Todo lo que me rodea, dos Glock nueve”).
Big fue asesinado seis meses más tarde (ninguno de los crímenes fue esclarecido). Enseguida salió a la venta su último disco, donde cantaba: “No eres nadie hasta que alguien te mata.” La celebridad era ahora, a cualquier costo, la meta del nuevo hip hop, un negocio billonario y global.
Según datos de 2006, Diddy (antes Puff Daddy, o P. Diddy, o Sean John, o Puff, o Puffy) es uno de los hombres más ricos de la industria del entretenimiento: tras invertir en televisión y cadenas de ropa, acumuló 346 millones de dólares. Uno de sus competidores, 50 Cent, que invirtió en la marca de aguas Vitamin Water, reportó una ganancia de 150 millones de dólares en 2008.
Para entonces, en palabras de Henry Louis Gates, Jr., director del Instituto W.E.B. Du Bois de Estudios Africanos y Afroamericanos de Harvard, el hip hop ya era “la lengua franca de la cultura americana”. Millones de jóvenes blancos de clase media y alta escuchaban hip hop, se vestían con ropa varias tallas demasiado grande, hablaban el slang de los afroamericanos e imitaban sus movimientos.
Surgió una industria del merchandising, y el hip hop se utilizó para vender camisetas, zapatillas, sodas, coches. Las estrellas del hip hop se unían a las estrellas Hollywood, como cuando Puff Daddy se convirtió en la pareja de Jennifer Lopez. MTV llevaba el hip hop a todos los rincones del mundo, y se alimentaba de lo que esa resonancia producía, un nuevo hip hop global.
Habiendo acumulado fortuna, al hip hop sólo le faltaba el prestigio.
Marcyliena Morgan, una joven profesora de antropología lingüística de la Universidad de California, Los Ángeles, encargó en 1992 a sus alumnos un estudio de campo entre comunidades lingüísticas urbanas de su elección. “Esperaba que eligieran surfers u otros grupos con jergas identificables”, me explicó Morgan la misma tarde en que Popmaster Fabel se fumaba su cigarrillo en la vereda.
Un grupo de veinte estudiantes se rebeló: querían hip hop. Morgan resistió todo lo que pudo –no entendía el interés antropológico–, pero acabó por ceder. Y luego por convencerse. Tanto que terminó sumergiéndose en el hip hop –de “una gran riqueza lingüística”, dice ahora– y montando sobre él su propia carrera académica.
En centenares de campus universitarios de Estados Unidos, miles de estudiantes sin conexión con las comunidades afroamericana o latina pero que habían crecido con MTV, exigieron que el hip hop se incorporara a los currículos académicos y se lanzaron a pedir y tomar clases abiertas.
Las universidades, tan imbuidas de la lógica del mercado que dan a sus estudiantes un periodo de “shopping” al comienzo de cada semestre para que estos “compren” las clases de su preferencia, cedieron pronto. Jóvenes académicos “interesados en estudios culturales, afrocentrismo y/o estudios afroamericanos” descubrieron el hip hop y “se fascinaron por el ascenso de artistas del rap como Public Enemy, N.W.A., Queen Latifah y otros que hablaban sobre la agitación social de la época, especialmente en temas raciales. Este fue el momento además en que el rap entraba a la cultura del mainstream e irrumpía en las estaciones de radio y video masivas”, me explicó Jeff Chang, autor de dos libros sobre hip hop.
En 2002, apuntó Chang, un estudio arrojó que se dictaban unas trescientas clases sobre hip hop en carreras como literatura, música, historia del arte, estudios americanos, sociología y estudios étnicos de distintas universidades norteamericanas. “Basado en mis observaciones personales yo diría que ese número se ha duplicado o tal vez triplicado.”
A fines de los noventa Morgan fue contratada para enseñar en Harvard. Llevó consigo el material que había reunido con la idea de convertirlo en el Archivo del Hip Hop (Chang señaló que hay otro archivo, más completo, en la Universidad de Cornell). Por entonces, dirigía Harvard el economista Larry Summers, de un estilo intransigente que le ganó muchos enemigos, según recuerdan profesores de la universidad, y lo documentara en su momento The Crimson, el diario de los estudiantes.
Harvard había contratado a dos de los mayores intelectuales afroamericanos del momento: Henry Louis Gates, Jr., y Cornel West. Gates, especialista en literatura y un hombre de gran talento para las relaciones personales, llenaba el papel del académico a la perfección. West, pastor y filósofo, era además activista del movimiento de derechos civiles; al entrar a Harvard no abandonó su trabajo político en la comunidad afroamericana.
Muy pronto, Summers quiso domar –según profesores que siguieron el conflicto– el activismo político de West; quería, al parecer, un departamento afroamericano intelectualmente prestigioso, socialmente progresista y políticamente ascéptico. Intentó indicar a West, según denunció este, cómo conducir su trabajo académico. En 2002 West presentó su renuncia y se mudó a Princeton. Con él se fue Morgan, a quien Summers había negado tenure (contrato vitalicio que se da a los profesores confirmados), y otros miembros del departamento descontentos con la política de Harvard hacia los afroamericanos.
Sólo cuatro años pasaron hasta la revancha. En 2006 Summers sugirió en un discurso público que las mujeres eran, por razones genéticas, menos capaces que los hombres en ciencia e ingeniería. En medio de un escándalo público, debió presentar su renuncia. Su sucesora, Drew Faust, trajo de regreso a Morgan, esta vez con tenure. Con ella, al fin, el Archivo del Hip Hop entró en Harvard.
El archivo quedó bajo el paraguas del Instituto W.E.B. Du Bois, que conduce Gates. No porque fuera su lugar natural –aunque es “un lugar lógico”, me explicó aquel– sino porque es su espacio de poder y sólo bajo su ala podía cobijar a Morgan. “En Stanford, Marcyliena tenía una bonita oficina. Pero en Harvard ¡le he dado un imperio! ¿Por qué lo hice? El hip hop es el fenómeno cultural más importante de los últimos treinta años. Imagínate si en 1925 alguien hubiera creado el Archivo del Jazz. Ochenta años más tarde esa persona sería considerada un genio.”
Durante la conferencia de Chuck D, Morgan comentó que todos los académicos del hip hop coinciden en que sólo el hip hop “global, de lugares como Australia”, tiene hoy un contenido político. En Estados Unidos “hace años que no se ve algo como Public Enemy”. Chuck D puso cara de fastidio, pero no la contradijo.
Cerca del final, Chuck D festejó que por primera vez gobierne el país un afroamericano, Barack Obama. Con Obama, egresado de la Escuela de Leyes de Harvard, trabaja ahora, como principal asesor económico, Larry Summers.
Fuente: http://www.letraslibres.com/index.php?art=13693
MiL0
22-01-2011, 21:05:27
La cultura hip hop
http://subterraneos.net/media/k2/items/cache/9b2c4b44fb86522964124ed80d03c5e8_L.jpg
Las manifestaciones de arte popular del siglo XX presentan variados estilos musicales. Algunos de ellos, como el reggae, el rap y el hip-hop, tienen sus raíces en la música afroamericana.
El hip-hop es una expresión cultural que incluye música y danza, que nace de la cultura afroamericana (no obstante, tiene un origen distinto del candombe, manifestación cultural exclusivamente uruguaya; se relaciona más con los afronorteamericanos). En nuestros días ha sobrepasado las fronteras de ser sólo una moda o un fenómeno musical momentáneo: posee una trascendencia racial, internacional e incluso, de clases sociales, además de sus códigos estéticos estrictos.
Muchas veces tienden a interpretarse como sinónimos los términos rap y hip-hop, pero, a pesar de que tienen mucho que ver, no se refieren a lo mismo. El hip-hop nació desde la música pero va más allá de esto y tiene cuatro componentes de expresión: MC (Maestro de Ceremonias o rapping), el DJ (Disc Jockey o turntablism; su traducción en español no es muy exacta y sería algo así como "pincha discos"), la danza hip-hopbreakdance y el grafitti.
Los dos primeros medios de expresión, el MC y el DJ, son los que forman la música del hip-hop, lo que se conoce como rap. Los MC son cantantes, pero con una característica especial: improvisan, creando la música a través de la rima. También aquí se incluye el Big Voz, que es la base o melodía del tema hecho con la boca a través de sonidos extraños y con ritmo.
Los DJ mezclan uno o varios temas para obtener una composición que sirva como vehículo sonoro para que los solistas rapeen. La púa del tocadiscos, en consecuencia, se convierte en un elemento fundamental de los temas rap.
El rap ha tenido grandes variaciones después de los años 80 y se ha aliado con otros géneros, como con el heavy metal y con el punk. Entre los cambios y las derivaciones que ha tenido este género, se le atribuye los inicios de reggeton. Sin embargo, los representantes más importantes del hip-hop desmienten esta versión, ya que consideran que este último no tiene nada que ver ni con su música ni con su cultura.
El breakdance es un baile que combina una serie de ejercicios aeróbicos y un estilo que toma prestada una variedad de formas, movimientos, y maniobras basadas especialmente en las artes marciales, capoeira, gimnasia y el popular funk. La lista de los movimientos es enorme y requiere de gran práctica y disciplina para llevarse a cabo, entre otras cosas porque consiste en desafiar la gravedad con acrobacias de todo tipo. Los bailarines -a los que se les llama B-Boy o B-Girl, según su sexo-, radicalizan sus signos de identidad callejera mediante formas autónomas y una actitud específica y combativa.
En este estilo de baile hay reuniones llamadas "batallas", que se refieren a un encuentro entre dos grupos de breakers, quienes se reúnen en un círculo o espacio abierto, realizando uno a uno la rutina de baile, que va adquiriendo mayor grado de complejidad a la salida de cada bailarín (esto es similar a lo que ocurre en la capoeira).
En una batalla, los grupos pueden realizar coreografías sin perder la esencia del baile, que es la acrobacia. Los ganadores suelen ser los que han realizado la mejor variedad de movimientos. Estas batallas se dan de igual manera con los MC (cantantes), siendo la creatividad la competencia contínua, así como la rapidez con la que puedan contestarse entre ellos.
Los grafittis, vistos por toda la gente en las paredes y muros de cualquier ciudad, son pinturas que expresan el sentimiento del autor a través de letras distorsionadas o dibujos. Generalmente se hacen con la técnica del aerosol (spray con pintura de colores).
Fuente: http://www.uruguayeduca.edu.uy/Portal.Base/Web/VerContenido.aspx?GUID=81f56935-6cf6-4f01-b5a7-828797e48cf8&ID=136599
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Las manifestaciones de arte popular del siglo XX presentan variados estilos musicales. Algunos de ellos, como el reggae, el rap y el hip-hop, tienen sus raíces en la música afroamericana.
El hip-hop es una expresión cultural que incluye música y danza, que nace de la cultura afroamericana (no obstante, tiene un origen distinto del candombe, manifestación cultural exclusivamente uruguaya; se relaciona más con los afronorteamericanos). En nuestros días ha sobrepasado las fronteras de ser sólo una moda o un fenómeno musical momentáneo: posee una trascendencia racial, internacional e incluso, de clases sociales, además de sus códigos estéticos estrictos.
Muchas veces tienden a interpretarse como sinónimos los términos rap y hip-hop, pero, a pesar de que tienen mucho que ver, no se refieren a lo mismo. El hip-hop nació desde la música pero va más allá de esto y tiene cuatro componentes de expresión: MC (Maestro de Ceremonias o rapping), el DJ (Disc Jockey o turntablism; su traducción en español no es muy exacta y sería algo así como "pincha discos"), la danza hip-hopbreakdance y el grafitti.
Los dos primeros medios de expresión, el MC y el DJ, son los que forman la música del hip-hop, lo que se conoce como rap. Los MC son cantantes, pero con una característica especial: improvisan, creando la música a través de la rima. También aquí se incluye el Big Voz, que es la base o melodía del tema hecho con la boca a través de sonidos extraños y con ritmo.
Los DJ mezclan uno o varios temas para obtener una composición que sirva como vehículo sonoro para que los solistas rapeen. La púa del tocadiscos, en consecuencia, se convierte en un elemento fundamental de los temas rap.
El rap ha tenido grandes variaciones después de los años 80 y se ha aliado con otros géneros, como con el heavy metal y con el punk. Entre los cambios y las derivaciones que ha tenido este género, se le atribuye los inicios de reggeton. Sin embargo, los representantes más importantes del hip-hop desmienten esta versión, ya que consideran que este último no tiene nada que ver ni con su música ni con su cultura.
El breakdance es un baile que combina una serie de ejercicios aeróbicos y un estilo que toma prestada una variedad de formas, movimientos, y maniobras basadas especialmente en las artes marciales, capoeira, gimnasia y el popular funk. La lista de los movimientos es enorme y requiere de gran práctica y disciplina para llevarse a cabo, entre otras cosas porque consiste en desafiar la gravedad con acrobacias de todo tipo. Los bailarines -a los que se les llama B-Boy o B-Girl, según su sexo-, radicalizan sus signos de identidad callejera mediante formas autónomas y una actitud específica y combativa.
En este estilo de baile hay reuniones llamadas "batallas", que se refieren a un encuentro entre dos grupos de breakers, quienes se reúnen en un círculo o espacio abierto, realizando uno a uno la rutina de baile, que va adquiriendo mayor grado de complejidad a la salida de cada bailarín (esto es similar a lo que ocurre en la capoeira).
En una batalla, los grupos pueden realizar coreografías sin perder la esencia del baile, que es la acrobacia. Los ganadores suelen ser los que han realizado la mejor variedad de movimientos. Estas batallas se dan de igual manera con los MC (cantantes), siendo la creatividad la competencia contínua, así como la rapidez con la que puedan contestarse entre ellos.
Los grafittis, vistos por toda la gente en las paredes y muros de cualquier ciudad, son pinturas que expresan el sentimiento del autor a través de letras distorsionadas o dibujos. Generalmente se hacen con la técnica del aerosol (spray con pintura de colores).
Fuente: http://www.uruguayeduca.edu.uy/Portal.Base/Web/VerContenido.aspx?GUID=81f56935-6cf6-4f01-b5a7-828797e48cf8&ID=136599
MiL0
25-01-2011, 17:41:31
“H*A*M”, el primer sencillo de la colaboración de Kanye y Jay-Z
http://cdn.cucharasonica.com/files/2011/01/kanye-jayz1.jpg
Aunque el lanzamiento de My Beautiful Dark Twisted Fantasy desencadenó una descomunal volada de cabezas, Kanye West quiere ir por más: el rapero tiene preparada la edición de un álbum colaborativo con Jay-Z, Watch The Throne, cuyo último postergo empujó su fecha de aparición para los primeros días de marzo.
Como si la aparente decisión de terminar con la promoción de su aclamado último disco (e ignorar sencillos de temas tan cercanos a la perfección pop como “All Of The Lights”) no fuera suficiente, el primer corte de este LP de colaboraciones, el cual se titula “H * A * M”, sinceramente no le llega ni a los talones a cualquiera de los temas que pudimos oír en él. Aunque en el trasfondo de este lanzamiento hay un gran lazo de amistad de parte de ambos artistas, Jay-Z siempre me pareció bastante genérico y las características de su producción algo completamente entorpecedor para el repertorio de Kanye. La canción juega con un sonido electrónico ordinario, asesinando la magia soul de MBDTF; mientras que West muestra un desempeño vocal deplorable. Ni hablar de las letras.
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Aunque el lanzamiento de My Beautiful Dark Twisted Fantasy desencadenó una descomunal volada de cabezas, Kanye West quiere ir por más: el rapero tiene preparada la edición de un álbum colaborativo con Jay-Z, Watch The Throne, cuyo último postergo empujó su fecha de aparición para los primeros días de marzo.
Como si la aparente decisión de terminar con la promoción de su aclamado último disco (e ignorar sencillos de temas tan cercanos a la perfección pop como “All Of The Lights”) no fuera suficiente, el primer corte de este LP de colaboraciones, el cual se titula “H * A * M”, sinceramente no le llega ni a los talones a cualquiera de los temas que pudimos oír en él. Aunque en el trasfondo de este lanzamiento hay un gran lazo de amistad de parte de ambos artistas, Jay-Z siempre me pareció bastante genérico y las características de su producción algo completamente entorpecedor para el repertorio de Kanye. La canción juega con un sonido electrónico ordinario, asesinando la magia soul de MBDTF; mientras que West muestra un desempeño vocal deplorable. Ni hablar de las letras.
MiL0
25-01-2011, 17:46:25
Reseña: British Sea Power - Valhalla Dancehall
http://cdn.cucharasonica.com/files/2011/01/bsp.jpg
No puede haber nada más indie que British Sea Power. O tal vez sí, si nos referimos más bien al significado original y real del término, pero lo que quiero decir con esto es que esta banda inglesa tiene un sonido que básicamente podríamos utilizar para definir este “género” sin mayores complicaciones.
Y sin embargo, los BSP no son ni tan mencionados ni tan famosos como otros grupos de la misma generación y género, a pesar de contar con montones de rabiosos seguidores y varios reconocimientos en el bolsillo. Esto tiene que ver con algo ya de sobra señalado por todos: esta agrupación no sigue las reglas de rock sino las propias.
Y para muestra basta un botón llamado Valhalla Dancehall, la nueva producción de la banda que no sólo tiene 13 tracks (algo extraño en un mundo en el que los discos duran cada día menos, aunque no tanto si consideramos el historial del grupo), además cuenta con una canción de más de once minutos de duración (algo que también intentaron, tal vez con razones más lógicas, en Man of Aran) y un indie rock voluble lo mismo llena-estadios que difícil de digerir a primera escucha, con letras que van desde el tema político, las protestas, la naturaleza, la fiesta y la vida diaria.
Valhalla Dancehall tiene por un lado temas guitarreros y movidos llenos de texturas y capas, algunos como ya dije, con hechuras de estadio como el track abridor “Who’s in control”, “Stunde Null”, las pop rockeras “Heavy Water” y “Observe de Skies”, en la que la banda llama a apreciar lo que existe afuera de este planeta; además de “We are Sound”, con la que definitivamente podrían a brincar a cualquier público festivalero con sus acordes inspirados, su delicado piano final y su pequeño solo épico.
Sin embargo, a pesar de los temas movidos que recuerdan a su disco más famoso: Do You like Rock Music, la banda no sólo se ha limitado a ofrecernos canciones rápidas y furiosas, también ha bajado el ritmo para construir cuasi-baladas como “Luna”, que arranca con la terrenal pero a la vez encantadora línea: “Ay are you going to the disco hey? Are you hoping that you all get laid, when there are interstellar clouds on the Sussex Downs?”, y luego sigue con un viaje caleidoscópico de gran belleza.
Ahí están también el primer sencillo de la producción: “Living is so Easy”, tema que en realidad es lo más relajado y básico de esta producción y por lo mismo puede engañar a más de uno si realmente espera que éste sea el sonido de la placa; una blandengue canción de sonido interestelar llamada “Baby”, en la que Yan comparte vocales con Aby Fry; “Georgie Ray”, inspirada en su título por dos famosos escritores y con un inicio tranquilo que acompaña la sorpresa de Yan (o George Orwell) sobre como es “un poco increíble que no estemos todos muertos”, pero que al pasar los minutos se prende con un corto solo de estadio; la saturada “Cleaning Out the Rooms”, de hechuras cinematográficas al igual que la interminable “Once More Now”, definitivamente inspirada por su reciente incursión en las bandas sonoras.
Otros temas recuperan las influencias glam, obscuras y post punk de la banda. Ahí está por ejemplo la neworderiana “Mongk II”, canción en la que las vocales de Yan fueron distorsionadas para acompañar la saturación musical de esta versión del tema, que ya habíamos escuchado antes en el último EP del grupo; o la rápida y postpunkera “Thin Black Sail”, una canción francamente desconcertante pues no sigue el patrón del resto de los temas.
Por momentos saturado, por momentos tan básico como cualquier buen rock de estadio, Valhalla Dancehall es un disco ecléctico y aparentemente sin cohesión que definitivamente conserva las mejores cualidades de la banda, pero sin ser un refrito de sus álbumes más famosos. Es difícil por momentos y no está hecho para regalar satisfacción instantánea, especialmente si no están familiarizados con el sonido de esta agrupación.
Es un hecho que los BSP son una banda de hechuras épicas que puede cansar a más de uno luego de un rato de escucharlos. El problema que yo le veo a su sonido en general, y especialmente a este disco, es que tanta saturación, aunada a instrumentaciones por momentos demasiado enredadas, provoca un sentimiento de claustrofobia del que es difícil desprenderse para apreciar las mejores cualidades de su música.
Sin embargo, también hay que reconocer que esta banda es capaz de construir buenas canciones bajo sus propios términos, de mezclar la electrónica, el rock, el glam, el post-punk y el pop en un pastiche sonoro de grandes alcances y satisfacción garantizada, si se tiene la paciencia suficiente para hurgar entre tantos vericuetos.
Al final Valhalla Dancehall está a la altura de la carrera de British Sea Power, aunque seguramente no les ganará nuevos fans u otra nominación al Mercury Prize. En realidad este es un álbum para fanáticos del grupo, y en esa cualidad está su mejor atributo, pero también su más grande defecto.
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No puede haber nada más indie que British Sea Power. O tal vez sí, si nos referimos más bien al significado original y real del término, pero lo que quiero decir con esto es que esta banda inglesa tiene un sonido que básicamente podríamos utilizar para definir este “género” sin mayores complicaciones.
Y sin embargo, los BSP no son ni tan mencionados ni tan famosos como otros grupos de la misma generación y género, a pesar de contar con montones de rabiosos seguidores y varios reconocimientos en el bolsillo. Esto tiene que ver con algo ya de sobra señalado por todos: esta agrupación no sigue las reglas de rock sino las propias.
Y para muestra basta un botón llamado Valhalla Dancehall, la nueva producción de la banda que no sólo tiene 13 tracks (algo extraño en un mundo en el que los discos duran cada día menos, aunque no tanto si consideramos el historial del grupo), además cuenta con una canción de más de once minutos de duración (algo que también intentaron, tal vez con razones más lógicas, en Man of Aran) y un indie rock voluble lo mismo llena-estadios que difícil de digerir a primera escucha, con letras que van desde el tema político, las protestas, la naturaleza, la fiesta y la vida diaria.
Valhalla Dancehall tiene por un lado temas guitarreros y movidos llenos de texturas y capas, algunos como ya dije, con hechuras de estadio como el track abridor “Who’s in control”, “Stunde Null”, las pop rockeras “Heavy Water” y “Observe de Skies”, en la que la banda llama a apreciar lo que existe afuera de este planeta; además de “We are Sound”, con la que definitivamente podrían a brincar a cualquier público festivalero con sus acordes inspirados, su delicado piano final y su pequeño solo épico.
Sin embargo, a pesar de los temas movidos que recuerdan a su disco más famoso: Do You like Rock Music, la banda no sólo se ha limitado a ofrecernos canciones rápidas y furiosas, también ha bajado el ritmo para construir cuasi-baladas como “Luna”, que arranca con la terrenal pero a la vez encantadora línea: “Ay are you going to the disco hey? Are you hoping that you all get laid, when there are interstellar clouds on the Sussex Downs?”, y luego sigue con un viaje caleidoscópico de gran belleza.
Ahí están también el primer sencillo de la producción: “Living is so Easy”, tema que en realidad es lo más relajado y básico de esta producción y por lo mismo puede engañar a más de uno si realmente espera que éste sea el sonido de la placa; una blandengue canción de sonido interestelar llamada “Baby”, en la que Yan comparte vocales con Aby Fry; “Georgie Ray”, inspirada en su título por dos famosos escritores y con un inicio tranquilo que acompaña la sorpresa de Yan (o George Orwell) sobre como es “un poco increíble que no estemos todos muertos”, pero que al pasar los minutos se prende con un corto solo de estadio; la saturada “Cleaning Out the Rooms”, de hechuras cinematográficas al igual que la interminable “Once More Now”, definitivamente inspirada por su reciente incursión en las bandas sonoras.
Otros temas recuperan las influencias glam, obscuras y post punk de la banda. Ahí está por ejemplo la neworderiana “Mongk II”, canción en la que las vocales de Yan fueron distorsionadas para acompañar la saturación musical de esta versión del tema, que ya habíamos escuchado antes en el último EP del grupo; o la rápida y postpunkera “Thin Black Sail”, una canción francamente desconcertante pues no sigue el patrón del resto de los temas.
Por momentos saturado, por momentos tan básico como cualquier buen rock de estadio, Valhalla Dancehall es un disco ecléctico y aparentemente sin cohesión que definitivamente conserva las mejores cualidades de la banda, pero sin ser un refrito de sus álbumes más famosos. Es difícil por momentos y no está hecho para regalar satisfacción instantánea, especialmente si no están familiarizados con el sonido de esta agrupación.
Es un hecho que los BSP son una banda de hechuras épicas que puede cansar a más de uno luego de un rato de escucharlos. El problema que yo le veo a su sonido en general, y especialmente a este disco, es que tanta saturación, aunada a instrumentaciones por momentos demasiado enredadas, provoca un sentimiento de claustrofobia del que es difícil desprenderse para apreciar las mejores cualidades de su música.
Sin embargo, también hay que reconocer que esta banda es capaz de construir buenas canciones bajo sus propios términos, de mezclar la electrónica, el rock, el glam, el post-punk y el pop en un pastiche sonoro de grandes alcances y satisfacción garantizada, si se tiene la paciencia suficiente para hurgar entre tantos vericuetos.
Al final Valhalla Dancehall está a la altura de la carrera de British Sea Power, aunque seguramente no les ganará nuevos fans u otra nominación al Mercury Prize. En realidad este es un álbum para fanáticos del grupo, y en esa cualidad está su mejor atributo, pero también su más grande defecto.
MiL0
31-01-2011, 21:07:34
“King Without A Crown” de Live at Stubb’s Vol. II
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El cantante de reggae jasídico que decidió volver al lugar en el que empezó todo. Matisyahu grabó en Austin su disco Live at Stubb’s en año 2005, una placa que lo catapultó al estrellato mundial. Para ese entonces, Matis solo tenía publicado Shake Off the Dust… Arise, de donde provino la mayor parte del material para Live…. Sin embargo, las versiones en vivo de los temas publicados apenas un año atrás tomaron una fuerza nueva, y canciones como “King Without A Crown”, que habian pasado desapercibidas, se convirtieron en un éxito absoluto.
El primero de febrero saldrá a la venta, tanto en CD como en DVD, Live from Stubb’s Vol: II, la continuación de ese primer trabajo. A modo de adelanto, la gente de Cluster1 publicó el vídeo de, justamente, “King Without A Crown”. Son notorias algunas diferencias, como por ejemplo la madurez y evolución de Matthew Paul Miller en estos 5 años, y el notorio aumento del publico entre una y otra presentación.
http://cdn.cucharasonica.com/files/2011/01/matisyahu1.jpg
El cantante de reggae jasídico que decidió volver al lugar en el que empezó todo. Matisyahu grabó en Austin su disco Live at Stubb’s en año 2005, una placa que lo catapultó al estrellato mundial. Para ese entonces, Matis solo tenía publicado Shake Off the Dust… Arise, de donde provino la mayor parte del material para Live…. Sin embargo, las versiones en vivo de los temas publicados apenas un año atrás tomaron una fuerza nueva, y canciones como “King Without A Crown”, que habian pasado desapercibidas, se convirtieron en un éxito absoluto.
El primero de febrero saldrá a la venta, tanto en CD como en DVD, Live from Stubb’s Vol: II, la continuación de ese primer trabajo. A modo de adelanto, la gente de Cluster1 publicó el vídeo de, justamente, “King Without A Crown”. Son notorias algunas diferencias, como por ejemplo la madurez y evolución de Matthew Paul Miller en estos 5 años, y el notorio aumento del publico entre una y otra presentación.
MiL0
31-01-2011, 21:16:45
El ingreso de Grandmaster Flash en el Rock and Roll Hall of Fame supone el reconocimiento definitivo del 'rap' como motor de la industria discográfica en EE UU
http://subterraneos.net/media/k2/items/cache/e2bf3b11df0b872112757f1c2fee6e32_L.jpg
De las sucias calles del Bronx a las autopistas deshumanizadas de la América profunda, a sus discotecas, a sus escaparates. De ahí a los Grammy, al glamour de un Oscar, a la puesta de largo en los museos y, por fin, al Rock and Roll Hall of Fame. Éste ha sido, a grandes rasgos, el viaje del hip-hop hasta convertirse en una de las fuerzas culturales más importantes de Estados Unidos en la actualidad.
Han pasado casi treinta años desde que Grandmaster Flash and The Furious Five comenzaron a construir sus rimas afiladas desde Nueva York, a lanzar reivindicaciones sociales rapeadas sobre fondos bailables y a poner en el mapa musical a los negros del ghetto. Flash es uno de los tres vértices de la llamada santísima trinidad del rap, junto con Afrika Banbaataa y Kool Herc. Con ellos nacía oficialmente el hip-hop, una cultura urbana integrada por cuatro pilares: el rap (la música, que suma la rima y la técnica de dj), el breakdance (baile) y el grafitti. Y con Flash el estilo adquirió madurez a principios de los ochenta a base de crítica social y comentario político.
Se trata de una cultura que ha evolucionado en múltiples direcciones, que genera unos ingresos de 7.500 millones de euros anuales (según Forbes), que hoy impregna desde la moda hasta los reality shows. Y que el pasado lunes, con la entrada de Grandmaster Flash and The Furious Five en el Rock and Roll Hall of Fame, pasaba a formar parte oficialmente de la historia del rock.
Respeto corporativo
Era la primera vez que un grupo de hip-hop era admitido en el paraíso de los rockeros, en ese selecto club que desde 1986 proclama anualmente la influencia de un puñado de artistas en la historia del rock and roll y, por extensión, en la música popular del siglo XX. Para ser parte del Rock and Roll Hall of Fame, cuya sede está en Cleveland, en un museo en el que cada artista admitido tiene su representación en cera junto a su primer disco, un requisito es que el primer álbum del aspirante tenga más de 25 años. Un panel formado por académicos, productores y periodistas, entre otros, votan a aquellos músicos que consideran han tenido una influencia demostrable en la evolución de la música rock. Allí están Elvis Presley o Ray Charles. Este año, junto a Grandmaster Flash, también le llegó el reconocimiento a Patti Smith, a Van Halen pese a las críticas que a veces salen, a The Ronettes y a REM.
Entrar en el Rock and Roll Hall of Fame es poder considerarse parte de la historia oficial. "La importancia radica en que finalmente conseguimos el respeto corporativo. Por fin se acepta y se celebra esta maravillosa cultura llamada hip-hop", proclamaba orgulloso Grandmaster Flash, de 49 años.
El hip-hop, que nació como género contestatario, ha dado pequeños pasos hasta conseguir establecerse como la corriente dominante del negocio musical en EE UU. A mediados de los ochenta la MTV se mostró reacia a emitir vídeos del estilo, pero rápidamente se convirtió en una de las mejores exportaciones visuales de la cadena. Los Grammy tuvieron que hacerle un hueco creando en 1996 el premio al mejor álbum de rap. Diez años después llegaron los Oscar, a cuya ceremonia un grupo de raperos, Three 6 Mafia, llevó sus rimas cortantes por primera vez en 2006 e hizo historia ganando la primera estatuilla para el género. Casi al mismo tiempo el rap se hacía un hueco en el Smithsonian Museum of American History en Washington, junto al Capitolio. Allí el rap tiene desde este verano un lugar propio. Y durante los últimos diez años, el único género musical cuya venta de discos ha crecido anualmente ha sido el hip-hop (y la música cristiana). La industria tenía que recompensarlo.
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De las sucias calles del Bronx a las autopistas deshumanizadas de la América profunda, a sus discotecas, a sus escaparates. De ahí a los Grammy, al glamour de un Oscar, a la puesta de largo en los museos y, por fin, al Rock and Roll Hall of Fame. Éste ha sido, a grandes rasgos, el viaje del hip-hop hasta convertirse en una de las fuerzas culturales más importantes de Estados Unidos en la actualidad.
Han pasado casi treinta años desde que Grandmaster Flash and The Furious Five comenzaron a construir sus rimas afiladas desde Nueva York, a lanzar reivindicaciones sociales rapeadas sobre fondos bailables y a poner en el mapa musical a los negros del ghetto. Flash es uno de los tres vértices de la llamada santísima trinidad del rap, junto con Afrika Banbaataa y Kool Herc. Con ellos nacía oficialmente el hip-hop, una cultura urbana integrada por cuatro pilares: el rap (la música, que suma la rima y la técnica de dj), el breakdance (baile) y el grafitti. Y con Flash el estilo adquirió madurez a principios de los ochenta a base de crítica social y comentario político.
Se trata de una cultura que ha evolucionado en múltiples direcciones, que genera unos ingresos de 7.500 millones de euros anuales (según Forbes), que hoy impregna desde la moda hasta los reality shows. Y que el pasado lunes, con la entrada de Grandmaster Flash and The Furious Five en el Rock and Roll Hall of Fame, pasaba a formar parte oficialmente de la historia del rock.
Respeto corporativo
Era la primera vez que un grupo de hip-hop era admitido en el paraíso de los rockeros, en ese selecto club que desde 1986 proclama anualmente la influencia de un puñado de artistas en la historia del rock and roll y, por extensión, en la música popular del siglo XX. Para ser parte del Rock and Roll Hall of Fame, cuya sede está en Cleveland, en un museo en el que cada artista admitido tiene su representación en cera junto a su primer disco, un requisito es que el primer álbum del aspirante tenga más de 25 años. Un panel formado por académicos, productores y periodistas, entre otros, votan a aquellos músicos que consideran han tenido una influencia demostrable en la evolución de la música rock. Allí están Elvis Presley o Ray Charles. Este año, junto a Grandmaster Flash, también le llegó el reconocimiento a Patti Smith, a Van Halen pese a las críticas que a veces salen, a The Ronettes y a REM.
Entrar en el Rock and Roll Hall of Fame es poder considerarse parte de la historia oficial. "La importancia radica en que finalmente conseguimos el respeto corporativo. Por fin se acepta y se celebra esta maravillosa cultura llamada hip-hop", proclamaba orgulloso Grandmaster Flash, de 49 años.
El hip-hop, que nació como género contestatario, ha dado pequeños pasos hasta conseguir establecerse como la corriente dominante del negocio musical en EE UU. A mediados de los ochenta la MTV se mostró reacia a emitir vídeos del estilo, pero rápidamente se convirtió en una de las mejores exportaciones visuales de la cadena. Los Grammy tuvieron que hacerle un hueco creando en 1996 el premio al mejor álbum de rap. Diez años después llegaron los Oscar, a cuya ceremonia un grupo de raperos, Three 6 Mafia, llevó sus rimas cortantes por primera vez en 2006 e hizo historia ganando la primera estatuilla para el género. Casi al mismo tiempo el rap se hacía un hueco en el Smithsonian Museum of American History en Washington, junto al Capitolio. Allí el rap tiene desde este verano un lugar propio. Y durante los últimos diez años, el único género musical cuya venta de discos ha crecido anualmente ha sido el hip-hop (y la música cristiana). La industria tenía que recompensarlo.
Frank Lucas
02-04-2011, 00:32:33
Lumier aka Chakal adelanta "Hardkorismo"
http://www.hhgroups.com/img/noticias/lumier_chakal_hardkorismo_g1.jpg
De camino hacia su nuevo trabajo en solitario, Lumier, de A3Bandas y Crew Cuervos, adopta el aka Chakal y nos presenta un primer adelanto llamado "Hardkorismo".
El trabajo del madrileño que llevará por nombre "La Orbe de Isis" se estipula que verá la luz en el mes de Mayo aunque aún no se puede fijar definitivamente la fecha. Contará de 9 cortes con una única colaboración al micho de Seih. Nos dejamos con el single que podéis descarga ya desde Inframundo Platform y pronto os avanzaremos más información sobre el disco.
http://www.hhgroups.com/img/noticias/lumier_chakal_hardkorismo_g1.jpg
De camino hacia su nuevo trabajo en solitario, Lumier, de A3Bandas y Crew Cuervos, adopta el aka Chakal y nos presenta un primer adelanto llamado "Hardkorismo".
El trabajo del madrileño que llevará por nombre "La Orbe de Isis" se estipula que verá la luz en el mes de Mayo aunque aún no se puede fijar definitivamente la fecha. Contará de 9 cortes con una única colaboración al micho de Seih. Nos dejamos con el single que podéis descarga ya desde Inframundo Platform y pronto os avanzaremos más información sobre el disco.
Frank Lucas
02-04-2011, 00:37:23
Historia de la cultura del Hip Hop
No está de más conocer las raíces de nuestra música, de nuestra cultura, nuestro baile, nuestro estilo, nuestra droga. Antes que nada hay que comentar que muchas personas confunden el termino Rap con el de Hip hop, el Rap forma parte del Hip hop, el Hip hop es la cultura entera, todo el movimiento, compuesta por la música, el baile, y el arte. El rap (junto con el DJ) es la parte musical del Hip hop, por lo tanto, no es del todo correcto la frase de "Yo escucho Hip hop", es Rap lo que se escucha. Una vez aclarado esto podemos empezar con la parte musical de esta cultura denominada Hip hop, el Rap, la parte sonora la produce el término denominado MC y el DJ, el MC, siglas que significan Maestro de Ceremonias, proviene de la entidad religiosa, el padre es el Maestro de Ceremonias y es "el que habla", en la cultura del Hip hop es el encargado de rapear, era muchas veces la llamada "música de negros" ya que era en Estados Unidos donde los trabajadores de color inconformes rapeaban sus problemas para así intentar superarlo.
http://www.hhgroups.com/img/historia/KoolHerc.jpg
DJ Kool Herc El MC produce rimas sobre un tema en concreto encima de una base musical realizada por un DJ, el "Disc Jockey" empieza a finales de 1970 con el fenómeno del Turntablism, se trataba de música callejera, diferentes estilos pero siempre en la calle, gratuitamente y con el DJ con sus platos. Clive Campbell, más conocido como Kool DJ Herc fué un jamaiquino pionero en el fenómeno del Turntablism. Kool DJ Herc a finales de los 60 se mudó a Nueva York y llevó, con él, la tradición jamaiquina del Toasting, improvisar rimas sobre secciones instrumentales de discos de reggae. Nuestro DJ pionerose decantó exclusivamente por la parte instrumental, el DJing, y dejó la parte del MCing (como se conocía el término de rap en aquellos tiempos) a 2 de sus amigos, Coke La Rock y Clark Kent, estos 3 fenómenos crearon el primer grupos de MC's llamados Kool Herc y the Herculoids.
No hay que dar menos importancia al DJ que descubrió el término denominado como Scratch, usado en casi todos los grupos de Hip hop. Este fenómeno fué descubierto por Grand Wizard Theodore, de la manera más fortuita posible, en una entrevista dijo lo siguente:
Un día estaba escuchando música, con el volúmen un poco alto, y mi madre golpeó la puerta gritando muy fuerte: "Si no apagas esa música, te estrangulo!" al mismo tiempo que ella me gritaba mantuve los auriculares en mi cabeza, detuve el vinilo y empecé a llevar el disco hacia adelante y hacia atrás y aluciné, así que comencé a experimentar con eso durante un par de meses, hasta que lo saqué, y salí con el Scratch.
http://www.hhgroups.com/img/historia/Theodore.jpg
Grand Wizard Theodore
http://www.hhgroups.com/img/historia/break.jpg
Movimiento Breakdance Seguimos con la cultura Hip hop, toda música tiene su baile, sus movimientos, en esta cultura el baile que acompaña la música Rap es el que lleva el nombre de Breakdance. Este tipo de baile acrobático lo desarrolló James Brown en 1969 con su canción Get on the Good Foot, en esa época el Breakdance no era lo mismo de hoy en día, no había tantos movimientos de suelo, pero parecía imposible la velocidad que podían adquirir las piernas de un breaker de esa época y la de movimientos complejos que podía desarrollar, era el llamado Floor Rock.
Este estilo se mantuvo hasta más o menos 1977, luego, a principios de los años 80 se formó Rock Steady Crew, un nuevo grupo de Break con un ritmo que impresionaba, ya no sólo trabajaban con el Floor Rock de James Brown si no que también incluían los actuales movimientos de giros de cabeza y demás movimientos del suelo.
Rock Steady Crew protagonizaron la película Wild Style de Charles Ahearn, donde se reflejaba la cultura del Hip hop en todos sus aspectos, la música, el baile y el arte.
Bien, ya tenemos la cultura del Hip hop casi completa, la música y el baile, pero nos falta hablar sobre el arte, en esta cultura el término Graffiti, término que nos llega de Italia pero que sus inicios se remontan a tiempos inmemorables, desde los inicios el hombre ya ha pintado paredes, jeroglíficos en las cuevas, marcas en las piedras, todo tipo de imágenes grabadas sobre una superficie con un mismo fin, la comunicación visual. Esta comunicación se usa, más adelante, como protesta contra la política o cualquier otra entidad con la que el pueblo no estubiera plenamente de acuerdo, el fenómeno de protesta utilizando la vía visual y las pintadas en las paredes empieza durante la época de 1965-1970. Justo después, en Filadelfia aparecen los graffitis que hoy en día conocemos todos, apodos y nombres con distintas formas y colores haciendo de una triste pared una obra de arte con la que intentaban llamar la antención.
http://www.hhgroups.com/img/historia/graffiti.jpg
Graffiti
http://www.hhgroups.com/img/historia/tag.jpg
Tag Inicialmente se empezó con el fenomeno denominado Tag, trataba de firmar el apodo o el nombre en la pared sin más, luego, esto fué evolucionando y las letras de esos Tags empezaron a ser más grandes, con más colores, distintas formas pero cada escritor con su propio estilo, normalmente por las calles vemos el graffiti en sí, con miles de colores y su Tag, la firma del autor. Que sería de esos largos viajes sin el placer visual que nos proporcionan estos artistas urbanos.
No está de más conocer las raíces de nuestra música, de nuestra cultura, nuestro baile, nuestro estilo, nuestra droga. Antes que nada hay que comentar que muchas personas confunden el termino Rap con el de Hip hop, el Rap forma parte del Hip hop, el Hip hop es la cultura entera, todo el movimiento, compuesta por la música, el baile, y el arte. El rap (junto con el DJ) es la parte musical del Hip hop, por lo tanto, no es del todo correcto la frase de "Yo escucho Hip hop", es Rap lo que se escucha. Una vez aclarado esto podemos empezar con la parte musical de esta cultura denominada Hip hop, el Rap, la parte sonora la produce el término denominado MC y el DJ, el MC, siglas que significan Maestro de Ceremonias, proviene de la entidad religiosa, el padre es el Maestro de Ceremonias y es "el que habla", en la cultura del Hip hop es el encargado de rapear, era muchas veces la llamada "música de negros" ya que era en Estados Unidos donde los trabajadores de color inconformes rapeaban sus problemas para así intentar superarlo.
http://www.hhgroups.com/img/historia/KoolHerc.jpg
DJ Kool Herc El MC produce rimas sobre un tema en concreto encima de una base musical realizada por un DJ, el "Disc Jockey" empieza a finales de 1970 con el fenómeno del Turntablism, se trataba de música callejera, diferentes estilos pero siempre en la calle, gratuitamente y con el DJ con sus platos. Clive Campbell, más conocido como Kool DJ Herc fué un jamaiquino pionero en el fenómeno del Turntablism. Kool DJ Herc a finales de los 60 se mudó a Nueva York y llevó, con él, la tradición jamaiquina del Toasting, improvisar rimas sobre secciones instrumentales de discos de reggae. Nuestro DJ pionerose decantó exclusivamente por la parte instrumental, el DJing, y dejó la parte del MCing (como se conocía el término de rap en aquellos tiempos) a 2 de sus amigos, Coke La Rock y Clark Kent, estos 3 fenómenos crearon el primer grupos de MC's llamados Kool Herc y the Herculoids.
No hay que dar menos importancia al DJ que descubrió el término denominado como Scratch, usado en casi todos los grupos de Hip hop. Este fenómeno fué descubierto por Grand Wizard Theodore, de la manera más fortuita posible, en una entrevista dijo lo siguente:
Un día estaba escuchando música, con el volúmen un poco alto, y mi madre golpeó la puerta gritando muy fuerte: "Si no apagas esa música, te estrangulo!" al mismo tiempo que ella me gritaba mantuve los auriculares en mi cabeza, detuve el vinilo y empecé a llevar el disco hacia adelante y hacia atrás y aluciné, así que comencé a experimentar con eso durante un par de meses, hasta que lo saqué, y salí con el Scratch.
http://www.hhgroups.com/img/historia/Theodore.jpg
Grand Wizard Theodore
http://www.hhgroups.com/img/historia/break.jpg
Movimiento Breakdance Seguimos con la cultura Hip hop, toda música tiene su baile, sus movimientos, en esta cultura el baile que acompaña la música Rap es el que lleva el nombre de Breakdance. Este tipo de baile acrobático lo desarrolló James Brown en 1969 con su canción Get on the Good Foot, en esa época el Breakdance no era lo mismo de hoy en día, no había tantos movimientos de suelo, pero parecía imposible la velocidad que podían adquirir las piernas de un breaker de esa época y la de movimientos complejos que podía desarrollar, era el llamado Floor Rock.
Este estilo se mantuvo hasta más o menos 1977, luego, a principios de los años 80 se formó Rock Steady Crew, un nuevo grupo de Break con un ritmo que impresionaba, ya no sólo trabajaban con el Floor Rock de James Brown si no que también incluían los actuales movimientos de giros de cabeza y demás movimientos del suelo.
Rock Steady Crew protagonizaron la película Wild Style de Charles Ahearn, donde se reflejaba la cultura del Hip hop en todos sus aspectos, la música, el baile y el arte.
Bien, ya tenemos la cultura del Hip hop casi completa, la música y el baile, pero nos falta hablar sobre el arte, en esta cultura el término Graffiti, término que nos llega de Italia pero que sus inicios se remontan a tiempos inmemorables, desde los inicios el hombre ya ha pintado paredes, jeroglíficos en las cuevas, marcas en las piedras, todo tipo de imágenes grabadas sobre una superficie con un mismo fin, la comunicación visual. Esta comunicación se usa, más adelante, como protesta contra la política o cualquier otra entidad con la que el pueblo no estubiera plenamente de acuerdo, el fenómeno de protesta utilizando la vía visual y las pintadas en las paredes empieza durante la época de 1965-1970. Justo después, en Filadelfia aparecen los graffitis que hoy en día conocemos todos, apodos y nombres con distintas formas y colores haciendo de una triste pared una obra de arte con la que intentaban llamar la antención.
http://www.hhgroups.com/img/historia/graffiti.jpg
Graffiti
http://www.hhgroups.com/img/historia/tag.jpg
Tag Inicialmente se empezó con el fenomeno denominado Tag, trataba de firmar el apodo o el nombre en la pared sin más, luego, esto fué evolucionando y las letras de esos Tags empezaron a ser más grandes, con más colores, distintas formas pero cada escritor con su propio estilo, normalmente por las calles vemos el graffiti en sí, con miles de colores y su Tag, la firma del autor. Que sería de esos largos viajes sin el placer visual que nos proporcionan estos artistas urbanos.
Frank Lucas
03-04-2011, 12:12:51
Lil Wayne amenaza a todos los raperos
Lil Wayne sigue aumentando las expectativas de su proximo disco, Tha Carter IV, tras declarar que tiene un tema nuevo que hare que los demas raperos se quieran retirar!!!
http://doggshiphop.com/hip-hop/lil-wayne-rapper1.jpg
“Quiero que los demas raperos escuchen mi nuevo tema y digan ‘Me retiro. Mejor empiezo a hacer canciones para los boliches’”, le dijo Lil Wayne a la revista Rolling Stone. La gente de la revista escucho el tema, y declaro que era increible, describiendolo como “tres minutos de ametralletas de juegos de palabras explosivas con un estribillo triunfal”.
La verdad es que Lil Wayne tiene un poder excepcional para hacer hits, y Tha Carter IV posiblemente defina su carrera, o al menos, la primer mitad de ella, por lo cual sin dudas Weezy hara que todo sea especial. Ustedes que creen, Lil Wayne hara que los demas raperos queden sorprendidos con su nuevo tema o solamente es promocion y nada mas?
Lil Wayne sigue aumentando las expectativas de su proximo disco, Tha Carter IV, tras declarar que tiene un tema nuevo que hare que los demas raperos se quieran retirar!!!
http://doggshiphop.com/hip-hop/lil-wayne-rapper1.jpg
“Quiero que los demas raperos escuchen mi nuevo tema y digan ‘Me retiro. Mejor empiezo a hacer canciones para los boliches’”, le dijo Lil Wayne a la revista Rolling Stone. La gente de la revista escucho el tema, y declaro que era increible, describiendolo como “tres minutos de ametralletas de juegos de palabras explosivas con un estribillo triunfal”.
La verdad es que Lil Wayne tiene un poder excepcional para hacer hits, y Tha Carter IV posiblemente defina su carrera, o al menos, la primer mitad de ella, por lo cual sin dudas Weezy hara que todo sea especial. Ustedes que creen, Lil Wayne hara que los demas raperos queden sorprendidos con su nuevo tema o solamente es promocion y nada mas?
Frank Lucas
05-04-2011, 13:42:16
Hip Hop en el Viña Rock 2011
Uno de los de los grandes festivales con inclusión de Hip Hop está a la vuelta de la esquina, el Viña Rock 2011 tendrá lugar a finales de este mes: los días 29, 30 de Abril y 1 de Mayo. La localidad donde se celebra volverá a ser una vez más Villarobledo en la provincia de Albacete.
En los tres días pasaran por los escenarios del festival decenas y decenas de grupos y artistas de diferentísimas índoles, incluyendo también un gran número de artistas de Hip Hop. Así por ejemplo podréis encontrar a: Ghostface Killa, Toteking, La puta opepé, El Payo Malo, VKR, Mr. Rango, Carmona, Gregtown, Dueff, Dj Muggs (Cypress hill), ZPU, Triple XXX, Sho Hai, Los Aldeanos, SFDK, Rapsusklei, Arianna Puello, Cookin Bananas,Spanish Reggae Showcase (Hermano L, Swan Fyahbwoy, Alberto Gambino, Zuri y Ranking Soldiers), Frank T y La tostadora sound corporation, Lion Sitté, GP Boyz, S. Curro, Chimon Capitolio y par de ases, Kid Koala, Damages, Cherry Boppers, Chulito Camacho, L.E. Flaco y Subsuelo, Los Chicos del maíz, y muchos más.
http://www.hhgroups.com/img/noticias/vinarock_2011_cartel_g.jpg (http://www.hhgroups.com/img/noticias/vinarock_2011_cartel_gg.jpg)
Uno de los de los grandes festivales con inclusión de Hip Hop está a la vuelta de la esquina, el Viña Rock 2011 tendrá lugar a finales de este mes: los días 29, 30 de Abril y 1 de Mayo. La localidad donde se celebra volverá a ser una vez más Villarobledo en la provincia de Albacete.
En los tres días pasaran por los escenarios del festival decenas y decenas de grupos y artistas de diferentísimas índoles, incluyendo también un gran número de artistas de Hip Hop. Así por ejemplo podréis encontrar a: Ghostface Killa, Toteking, La puta opepé, El Payo Malo, VKR, Mr. Rango, Carmona, Gregtown, Dueff, Dj Muggs (Cypress hill), ZPU, Triple XXX, Sho Hai, Los Aldeanos, SFDK, Rapsusklei, Arianna Puello, Cookin Bananas,Spanish Reggae Showcase (Hermano L, Swan Fyahbwoy, Alberto Gambino, Zuri y Ranking Soldiers), Frank T y La tostadora sound corporation, Lion Sitté, GP Boyz, S. Curro, Chimon Capitolio y par de ases, Kid Koala, Damages, Cherry Boppers, Chulito Camacho, L.E. Flaco y Subsuelo, Los Chicos del maíz, y muchos más.
http://www.hhgroups.com/img/noticias/vinarock_2011_cartel_g.jpg (http://www.hhgroups.com/img/noticias/vinarock_2011_cartel_gg.jpg)
warres9
05-07-2011, 19:51:57
Sera q me podes colaborar nesecito saber como se llama una cancion q dice """ recuerdos de una noche tomandome una copa "" es viejita y creo q es colombiana, gracias
MiL0
05-07-2011, 22:39:35
Sera q me podes colaborar nesecito saber como se llama una cancion q dice """ recuerdos de una noche tomandome una copa "" es viejita y creo q es colombiana, gracias
Amigo pero es q esos no son datos para uno buscar una cancion, tenes idea del grupo......... o almenos una estrofa de la cancion mucho mas grande??
Amigo pero es q esos no son datos para uno buscar una cancion, tenes idea del grupo......... o almenos una estrofa de la cancion mucho mas grande??
warres9
06-07-2011, 19:20:14
si mira, lo q recuerdo de la cancion es esto ojala te sirva para q la encontres ::"" entre copas y copas la noche se pasaba, jamas me imagine lo q el parce se trazaba"" "" parcero se paro y saco una pate cabra, le dije no me asusta ni el hijo de chupa cabra, entonces ese hombre le metio 3 pepasos al yo mirar su paso decidi sacar mi maso ,,le di vuelta derecha para hacerle la flecha cuando menos pensaba ya la tenia echa, parcero desde el piso me grito viejo no lo hagas para ir a la carcel por ese hombre no paga, las cosas que tu piensas si tueres mi pana no dejare q este hombre se vurle de ti en mi cara"""OJALA TE SIRVA PARA ENCONTARLA SALUDOS
warres9
30-07-2012, 20:47:11
parcero si sabe colaboreme porfa, un saludo.
MiL0
30-07-2012, 22:41:02
parcero si sabe colaboreme porfa, un saludo.
Nada la verdad no he podido encontrarla, por mas q he buscado..... esta bastante complicado :S
Nada la verdad no he podido encontrarla, por mas q he buscado..... esta bastante complicado :S
andreslugo
10-10-2012, 20:56:02
"de todas las canciones que han cruzado por mi mente orgulloso me siento hasta el dia de mi muerte, fijarme en el estilo ese es mi maximo detalle escucha yo me baso en historias de la calle".
Esta es otra estrofa de esta cancion, a mi tambien me interesa mucho poder volver a escucharla hace mas de diez años que no la escucho y la ultima vez que la escuché la tenia en un casette que me habian prestado por fa ayudanos.
Esta es otra estrofa de esta cancion, a mi tambien me interesa mucho poder volver a escucharla hace mas de diez años que no la escucho y la ultima vez que la escuché la tenia en un casette que me habian prestado por fa ayudanos.
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