Ayudante De Santa
06-11-2015, 22:19:08
Ver la Versión Completa Con Imagenes : Cineclub de Denunciando
Páginas :
[1]
2
Heráclito
16-07-2024, 10:34:07
Quiero abrir un nicho donde se reúnan buenas películas. Aquí podrán ustedes leer las reseñas, comentar, pero sobre todo, verlas. Se proporcionará el enlace para que las disfruten.
Bien, aquí va la primera:
Festen (La celebración)
Para empezar vale la pena detenerse un poco en Dogma 95, dado que esta película fue la primera de este movimiento cinematográfico que pretendía revolucionar el cine.
En 1995, Lars von Trier y un grupo de directores, entre ellos Thomas Vinterberg y Soren Kragh-Jacobsen, dieron a conocer un documento en el que planteaban la necesidad de modificar la forma de realizar el relato cinematográfico.
Ese documento resultó ser el impulso inicial de un movimiento llamado Dogma 95 (Dogme 95). Los directores se comprometían a tratar sus películas respetando una serie de normas estrictas a partir de las cuales buscaban encontrar la verdad profunda.
Las películas debían ser filmadas en escenarios naturales, evitando las escenografías armadas en los estudios, con cámara en mano o al hombro, grabada con sonido directo y sin musicalizaciones especiales.
Todas estas especificaciones buscaban dar a la historia un tono más realista. Dogma era el intento más audaz y conspicuo de reinventar el cine desde Jean-Luc Godard.
Para llevarlo a cabo se fijaron una serie de reglas que con el correr del tiempo no fueron muy respetadas, pero fueron un comienzo innovador en un cine que estaba plagado de artificios. A estas reglas las llamaron:
"Voto de Castidad
Juro que me someteré a las reglas siguientes:
El rodaje debe realizarse en exteriores. Accesorios y decorados no pueden ser introducidos (si un accesorio en concreto es necesario para la historia, será preciso elegir uno de los exteriores en los que se encuentre este accesorio).
El sonido no debe ser producido separado de las imágenes y viceversa. (No se puede utilizar música, salvo si está presente en la escena en la que se rueda).
La cámara debe sostenerse en la mano. Cualquier movimiento -o inmovilidad- conseguido con la mano están autorizados.
La película tiene que ser en color. La iluminación especial no es aceptada. (Si hay poca luz, la escena debe ser cortada, o bien se puede montar sólo una luz sobre la cámara).
Los trucajes y filtros están prohibidos.
La película no debe contener ninguna acción superficial. (Muertos, armas, etc., en ningún caso).
Los cambios temporales y geográficos están prohibidos. (Es decir, que la película sucede aquí y ahora).
Las películas de género no son válidas.
El formato de la película debe ser en 35 mm.
El director no debe aparecer en los créditos.
¡Además, juro que como director me abstendré de todo gusto personal! Ya no soy un artista. Juro que me abstendré de crear una obra, porque considero que el instante es mucho más importante que la totalidad. Mi fin supremo será hacer que la verdad salga de mis personajes y del cuadro de la acción. Juro hacer esto por todos los medios posibles y al precio del buen gusto y de todo tipo de consideraciones estéticas.
Así pronuncio mi voto de castidad. Copenhague, Lunes 12 de marzo de 1995. En nombre de Dogme 95, Lars Von Trier y Thomas Vinterberg"
Ahora concentrémonos en Festen:
Los Klingenfeldt, una familia de la alta burguesía danesa, se disponen a celebrar el cumpleaños 60 del patriarca, un hombre de trayectoria y reputación intachable. Sin embargo, sus tres hijos, aunque muy diferentes entre sí, están dispuestos a aprovechar la ocasión para sacar a relucir los trapos sucios de la familia.
https://pics.filmaffinity.com/festen_the_celebration-827985188-large.jpg
Premios:
1998: Festival de Cannes: Premio Especial del Jurado
1998: Nominada al Globo de Oro: Mejor Película extranjera
1999: Nominada Premios BAFTA: Mejor película en habla no inglesa
1998: Premios del Cine Europeo: Premio Discovery (mejor ópera prima)
1998: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película extranjera
1998: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor película extranjera
Críticas:
"'The Celebration' mezcla farsa y tragedia tan íntegramente que no sabemos cómo responder (...) El estilo y la historia no se tropiezan el uno con el otro (…) Puntuación: ★★★ (sobre 4)"
Roger Ebert: rogerebert.com
"Una obra virtuosa (...) Vinterberg aparta las convenciones del cine corriente (siguiendo el manifiesto del grupo) y aplica furiosamente nuevas maneras de contar una historia."
Janet Maslin: The New York Times
"Original y dinámica (...) El decepcionante destino de la historia subraya que los presupuestos estilísticos de Dogma 95 no tienen nada que ver con la verdad humana"
Godfrey Cheshire: Variety
"[Vinterberg] permite que su historia siga su propia lógica y no persigue significados trascendentales (...) Un ejercicio narrativo fascinante (…) Puntuación: ★★★ (sobre 4)"
Jonathan Rosenbaum: Chicago Reader
Enlace: https://ok.ru/video/2200344267381
Bien, aquí va la primera:
Festen (La celebración)
Para empezar vale la pena detenerse un poco en Dogma 95, dado que esta película fue la primera de este movimiento cinematográfico que pretendía revolucionar el cine.
En 1995, Lars von Trier y un grupo de directores, entre ellos Thomas Vinterberg y Soren Kragh-Jacobsen, dieron a conocer un documento en el que planteaban la necesidad de modificar la forma de realizar el relato cinematográfico.
Ese documento resultó ser el impulso inicial de un movimiento llamado Dogma 95 (Dogme 95). Los directores se comprometían a tratar sus películas respetando una serie de normas estrictas a partir de las cuales buscaban encontrar la verdad profunda.
Las películas debían ser filmadas en escenarios naturales, evitando las escenografías armadas en los estudios, con cámara en mano o al hombro, grabada con sonido directo y sin musicalizaciones especiales.
Todas estas especificaciones buscaban dar a la historia un tono más realista. Dogma era el intento más audaz y conspicuo de reinventar el cine desde Jean-Luc Godard.
Para llevarlo a cabo se fijaron una serie de reglas que con el correr del tiempo no fueron muy respetadas, pero fueron un comienzo innovador en un cine que estaba plagado de artificios. A estas reglas las llamaron:
"Voto de Castidad
Juro que me someteré a las reglas siguientes:
El rodaje debe realizarse en exteriores. Accesorios y decorados no pueden ser introducidos (si un accesorio en concreto es necesario para la historia, será preciso elegir uno de los exteriores en los que se encuentre este accesorio).
El sonido no debe ser producido separado de las imágenes y viceversa. (No se puede utilizar música, salvo si está presente en la escena en la que se rueda).
La cámara debe sostenerse en la mano. Cualquier movimiento -o inmovilidad- conseguido con la mano están autorizados.
La película tiene que ser en color. La iluminación especial no es aceptada. (Si hay poca luz, la escena debe ser cortada, o bien se puede montar sólo una luz sobre la cámara).
Los trucajes y filtros están prohibidos.
La película no debe contener ninguna acción superficial. (Muertos, armas, etc., en ningún caso).
Los cambios temporales y geográficos están prohibidos. (Es decir, que la película sucede aquí y ahora).
Las películas de género no son válidas.
El formato de la película debe ser en 35 mm.
El director no debe aparecer en los créditos.
¡Además, juro que como director me abstendré de todo gusto personal! Ya no soy un artista. Juro que me abstendré de crear una obra, porque considero que el instante es mucho más importante que la totalidad. Mi fin supremo será hacer que la verdad salga de mis personajes y del cuadro de la acción. Juro hacer esto por todos los medios posibles y al precio del buen gusto y de todo tipo de consideraciones estéticas.
Así pronuncio mi voto de castidad. Copenhague, Lunes 12 de marzo de 1995. En nombre de Dogme 95, Lars Von Trier y Thomas Vinterberg"
Ahora concentrémonos en Festen:
Los Klingenfeldt, una familia de la alta burguesía danesa, se disponen a celebrar el cumpleaños 60 del patriarca, un hombre de trayectoria y reputación intachable. Sin embargo, sus tres hijos, aunque muy diferentes entre sí, están dispuestos a aprovechar la ocasión para sacar a relucir los trapos sucios de la familia.
https://pics.filmaffinity.com/festen_the_celebration-827985188-large.jpg
Premios:
1998: Festival de Cannes: Premio Especial del Jurado
1998: Nominada al Globo de Oro: Mejor Película extranjera
1999: Nominada Premios BAFTA: Mejor película en habla no inglesa
1998: Premios del Cine Europeo: Premio Discovery (mejor ópera prima)
1998: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película extranjera
1998: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor película extranjera
Críticas:
"'The Celebration' mezcla farsa y tragedia tan íntegramente que no sabemos cómo responder (...) El estilo y la historia no se tropiezan el uno con el otro (…) Puntuación: ★★★ (sobre 4)"
Roger Ebert: rogerebert.com
"Una obra virtuosa (...) Vinterberg aparta las convenciones del cine corriente (siguiendo el manifiesto del grupo) y aplica furiosamente nuevas maneras de contar una historia."
Janet Maslin: The New York Times
"Original y dinámica (...) El decepcionante destino de la historia subraya que los presupuestos estilísticos de Dogma 95 no tienen nada que ver con la verdad humana"
Godfrey Cheshire: Variety
"[Vinterberg] permite que su historia siga su propia lógica y no persigue significados trascendentales (...) Un ejercicio narrativo fascinante (…) Puntuación: ★★★ (sobre 4)"
Jonathan Rosenbaum: Chicago Reader
Enlace: https://ok.ru/video/2200344267381
Ayudante De Santa
06-11-2015, 22:19:08
Soyado
16-07-2024, 12:33:14
Gracias por el enlace, Heráclito. No prometo que vaya a participar activamente de este Cineclub, pero la idea sí que me parece destacable para el foro.
Heráclito
18-07-2024, 15:30:01
Los olvidados
Versión restaurada HD: https://ok.ru/video/1511910017694
El Jaibo es un adolescente que escapa de un correccional y se reúne en el barrio con sus amigos. Unos días después, el Jaibo mata, en presencia de su amigo Pedro, al muchacho que supuestamente tuvo la culpa de que lo enviaran al reformatorio. A partir de entonces, los destinos de Pedro y el Jaibo estarán trágicamente unidos.
Ranking FA
1 - Mejores películas mexicanas de todos los tiempos
7 - Mejores películas de los años 50
26 - Mejores películas de drama
34 - Mejores películas de la historia del cine
https://pics.filmaffinity.com/los_olvidados-881905768-mmed.jpg
"Los Olvidados" es considerada la cinta culpable del declive de la época de oro. Estuvo sólo tres días en cartelera, la prensa y la clase alta estaban vueltas locas, querían quemar a Luis Buñuel y todo lo que oliera a él.
Era 1950 y el cine mexicano estaba en su esplendor, el cineasta español Luis Buñuel ya tenía éxito, pero estaba enamorado de nuestro país, grabada en Nonoalco, en lo que entonces eran los límites norteños de la Ciudad de México. Y tenía un propósito, una visión desgarradora de los niños de la calle en las grandes urbes; Aquellos de los que nadie habla, los que callan, los olvidados.
El poeta Octavio Paz escribió: “Pero Los Olvidados es algo´más que un filme realista. El sueño, el deseo, el horror, el delirio el azar, la porción nocturna de la vida, también tiene su parte. Y el peso de la realidad que nos muestra es de tal modo atroz, que acaba por parecernos imposible, insoportable. Y así es: la realidad es insoportable; y por eso, porque no la soporta, el hombre mata y muere, ama y crea”.
Su nombre original era "La Manzana Podrida" y en realidad, no tenía ningún nombre de peso, se tenía a Estela Inda, Miguel Inclán y Alfonso Mejía, además de un grupo de niños comandado por Roberto Cobo, un chico que había salido como extra en varias cintas y un día que audicionó para una película de Tin Tan se enteró que Buñuel estaba entrevistando para su nuevo filme, hizo la audición y se quedó con el rol de “El Jaibo”.
Sin embargo, desde su inicio, la cinta tenía problemas, dentro y fuera. El productor Oscar Dancingers se opuso a que se incluyeran muchos detalles que resultaban amorales; Jorge Negrete, líder del Sindicato de Actores, quería evitar su grabación e instó a técnicos y camarógrafos a abandonarla; una de las peinadoras renunció por la escena en que la madre de Pedrito, le niega la comida.
Pedro de Urdimalas, escritor de la cinta al lado de Buñuel, pidió que su nombre no apareciera en los créditos y en la primera función privada que se hizo, Lupe Marí, esposa de Diego Rivera, y Bertha, esposa de León Felipe, reclamaron al director que era un miserable y lo que mostraba no era México. David Alfaro Siqueiros por su parte aplaudió el trabajo asegurando que Luis era un genio nacido para el cine.
Los Olvidados era la primera producción sería de Luis Buñuel y quería hacerlo todo al máximo de sus posibilidades, la filmó en 21 días entre el 6 de febrero y el 9 de marzo de 1950, pero aunque la cinta es posiblemente una de las más galardonadas de su cine, él solo recibió dos mil dólares por ella y no pudo participar en las ganancias de la misma.
Ante las críticas, Buñuel respondió durante una entrevista que estaba orgulloso de su filme “La libertad total no existe, yo jamás he sido libre, yo soy libre cuando cierro mis ojos y estoy conmigo mismo sin que sepa que ya estoy viejo; El sistema de inconformidad es esa tendencia a romperse la cabeza por recuperar la propia libertad, lo que es imposible, es por tanto una inconformidad permanente de la realidad exterior”.
En los albores de los 50, el presidente mexicano Miguel Alemán estaba planeando la industrialización en el país, para dejar atrás la agricultura como primera fuente de recursos de los nacionales, pero el cine estaba en su apogeo, por ello las reacciones ante la cinta eran tan violentas.
Se tiene registro de que algunos cines fueron destruidos por los asistentes al estreno en noviembre de ese 1950, los fanáticos salían furiosos, la llamada “Liga de la Decencia” intentó expulsar a Buñuel del país y aunque no lo lograron, el director si dejó el territorio.
A pesar de los múltiples problemas, Luis Buñuel estrenó su cinta en Europa y la crítica mexicana tuvo que aceptar la gran equivocación cuando el gran jurado del Festival de Cannes le dio el premio como Mejor Director en 1951.
La película tiene una trama dura, y a diferencia, por ejemplo de "Nosotros los pobres" no busca causar lástima sino presentar una realidad diferente a la que se creía que existía en el país.
La historia nos lleva por los barrios más pobres de la Ciudad de México, donde los niños de la calle son una plaga para las altas esferas de la sociedad. Jaibo (Roberto Cobo) es un adolescente que escapa de un correccional para reunirse con Pedro (Alfonso Mejía). En presencia de él, Jaibo mata a Julián, el muchacho que supuestamente le delató. También intenta robar a un ciego (Miguel Inclán) al que finalmente maltrata. Acompañados de Ojitos y Meche (Alma Delia Fuentes), el destino del Jaibo y Pedro están marcados por la muerte."
Para muchos expertos en cine de la época consideran que la película terminó con idiosincrasia qué se tenia de México en el extranjero, México había pasado de ser la nación rural donde el romanticismo ranchero era el emblema, las comedias rancheras pasaron a ser del pasado, para dar paso al verdadero país que se tenia olvidado, una sociedad muy corrompida.
Sin embargo, la nueva forma de hacer cine gracias al ojo del director Buñuel, con el paso de los años se fueron realizando producciones crudas sobre la sociedad mexicana.
Si bien el término de la era dorada del cine fueron más factores internos y externos, como la sobre explotación de comedias rancheras, la pobreza de recursos y el que Estados Unidos de alguna manera haya retomado la industria cinematográfica después del conflicto mundial.
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4381263&stc=1&d=1721333968
Fuente: Aprendiendo Fácil (Facebook)
Otra opinión:
«Los olvidados», de Luis Buñuel: La mitología del subdesarrollo en una infancia vulnerada
https://www.cineyliteratura.cl/wp-content/uploads/2020/06/Roberto-Cobo-1-777x437.jpg
El estreno en 1950 de la obra del director español, supuso una revolución audiovisual en el cine latinoamericano de la época, y el advenimiento de una estética (a medio camino entre la exhibición de una pobreza al desnudo del neorrealismo italiano y el singular surrealismo del artista hispano), y la cual inspiraría a toda una generación de realizadores, a nivel mundial.
Por Pascual Matus Santa Cruz
Es 9 de noviembre de 1950 en ciudad de México, día del estreno de Los olvidados piedra angular en la fulminante filmografía de Luis Buñuel y una sucia joya en la historia del cine latinoamericano, extraída de un corazón marginado en las periferias de la capital mexicana, escondido entre escombros y muchedumbres. Un relato pesimista, según el propio autor, que recorre un fragmento en la vida de Pedro, un hijo de la calle que a pesar de tener familia se dedica a vivir con una pandilla de niños y realizar pequeños robos y aprovechamientos a sujetos más débiles que ellos.
Galardonada y reconocida ampliamente, un éxito en los teatros mexicanos e internacionales, le valió el premio de mejor director a Luis Buñuel en el Festival de Cannes (1951) y nombrada como memoria mundial por la UNESCO en 2003. Los olvidados llevó al cine mexicano, y, al mismo tiempo, latinoamericano, a los escenarios más prestigiosos del séptimo arte y más importante aún, configura una identidad fílmica «hispana». Quizás el más antiguo ejemplo de cine autoral en América Latina, en contraste con el resto de las potentes industrias en México, Argentina y Brasil, Los olvidados opta por romper con los códigos y cánones del momento.
El cine mexicano se encontraba en plena época dorada, una frenética bonanza industrial y cultural en la cual destacaban nombres como Pedro Armendáris, Jorge Negrete o Mario Moreno Reyes, mejor conocido como Cantinflas. Sin embargo, la gran mayoría de las producciones se limitaban a imitar el modelo hollywoodense y adaptarlo a una estética local, obteniendo grandiosos resultados sin mayor originalidad formal. Fiel a su estilo, Luis Buñuel busco sacudir esa estabilidad y mostrar al público la cara más lamentable, la pobreza y el subdesarrollo, de ciudad de México. Los olvidados es la antítesis de la cómica y feliz pobreza de Cantinflas, es la inocencia y la niñez arrojadas a un mundo violento y hostil. Es aquí que encontramos la génesis de la mitología del subdesarrollo, y su más terrible y, paradójicamente, célebre tragedia: la vulneración de la infancia.
Pixote: La ley del más fuerte (1981), Ciudad de Dios (2002) o Machuca (2004) son algunos ejemplos del mito del subdesarrollo, películas que comparten una esencia latinoamericana inconfundible. Son niños los protagonistas que observan y que a través de sus ojos nos muestran una realidad injusta, desamparada y que los obliga a ser supervivientes en una selva adversa. Los niños y niñas de América Latina son convertidos en los héroes y heroínas de una tragedia de la cual no pueden escapar, es el duro pero necesario mensaje que entrega Los olvidados a la historia fílmica del continente. Parece irónico que el reclamo de Buñuel con esta cinta se haya convertido en memoria de la humanidad, y que sin embargo las manifestaciones del mito del subdesarrollo continúen proliferando a cada año, cual población callampa, favela o villa miseria.
¿Es Pedro, nuestro pequeño protagonista, la personificación de una historia común, una cultura dejada de lado, olvidada, americana y latina? Las similitudes pueden ser producto de la mera coincidencia, pero así funciona el surrealismo de Buñuel, a veces las asociaciones azarosas nos llevan a significados que muestran una verdad oculta. El nacimiento de la cultura latinoamericana tiene su origen en la violenta conquista y colonización de la región, y, sobre todo, en el sincretismo, el mestizaje y la opresión de la naciente cultura por parte de las clases aristocráticas y posteriormente oligárquicas.
Pedro, por su lado, es el fruto de la violación ejercida por su padre sobre su madre, detalle sutilmente evidenciado en la narración y por el cual su madre manifiesta una inclemente aversión hacia él. De la misma forma, las manifestaciones culturales propias han sido desmerecidas en favor de una hipnótica atracción hacia culturas ajenas, gringas y europeas. Hemos desechado, desde el nacimiento, a nuestros propios hijos por recordarnos el doloroso trauma de una violencia, todavía latente, en la historia de nuestra sangre.
Un patrón común se repite incansablemente, el intervencionismo de las potencias externas y la amenaza de la represalia han conducido la dirección política de los países de nuestro continente, desde el primer momento en que se introdujeron en la historia de América Latina. El Jaibo, es ya un adolescente, de figura alta, esbelta y rostro cincelado, con ojos que describen una personalidad despiadada y que reflejan un camino sin retorno hacia la crueldad y miseria que lo han criado. Este personaje significa para Pedro un futuro premonitorio, aunque todavía eludible, y una influencia que a través del miedo y la amenaza empuja a Pedro a su funesto destino. Tal es la intrusión de El Jaibo en la vida de Pedro, que logra estropear sus intentos por corregir su existencia, tomar posesión del sexo de su madre y hasta adueñarse de sus propios sueños.
Es una crítica aguda, indignante, pero reveladora y su impacto fue precisamente más que un simple escándalo, desde ese momento la autocomplacencia frente al espejo dejó de ser la norma y la cosecha de un nuevo cine latinoamericano comenzó a germinar. Es difícil expresar todo lo que llega a producir esta película, no todo es lamento, el lejano porvenir de un oasis a ratos se observa más cercano de lo habitual, la libertad aparente se presenta bajo su velo como la prisión más difícil de fugar y el encierro que protege del exterior parece ser el cobijo más liberador y calmo.
El amor por tanto tiempo anhelado aflora en el momento más inoportuno y el destino de nuestro protagonista se va escribiendo a mano, con cincel y combo en el mármol del tiempo. La mitología del subdesarrollo se refleja en los atormentados ojos de Pedro y con su muerte nace la leyenda del héroe.
Fuente: Cine y literatura
Versión restaurada HD: https://ok.ru/video/1511910017694
El Jaibo es un adolescente que escapa de un correccional y se reúne en el barrio con sus amigos. Unos días después, el Jaibo mata, en presencia de su amigo Pedro, al muchacho que supuestamente tuvo la culpa de que lo enviaran al reformatorio. A partir de entonces, los destinos de Pedro y el Jaibo estarán trágicamente unidos.
Ranking FA
1 - Mejores películas mexicanas de todos los tiempos
7 - Mejores películas de los años 50
26 - Mejores películas de drama
34 - Mejores películas de la historia del cine
https://pics.filmaffinity.com/los_olvidados-881905768-mmed.jpg
"Los Olvidados" es considerada la cinta culpable del declive de la época de oro. Estuvo sólo tres días en cartelera, la prensa y la clase alta estaban vueltas locas, querían quemar a Luis Buñuel y todo lo que oliera a él.
Era 1950 y el cine mexicano estaba en su esplendor, el cineasta español Luis Buñuel ya tenía éxito, pero estaba enamorado de nuestro país, grabada en Nonoalco, en lo que entonces eran los límites norteños de la Ciudad de México. Y tenía un propósito, una visión desgarradora de los niños de la calle en las grandes urbes; Aquellos de los que nadie habla, los que callan, los olvidados.
El poeta Octavio Paz escribió: “Pero Los Olvidados es algo´más que un filme realista. El sueño, el deseo, el horror, el delirio el azar, la porción nocturna de la vida, también tiene su parte. Y el peso de la realidad que nos muestra es de tal modo atroz, que acaba por parecernos imposible, insoportable. Y así es: la realidad es insoportable; y por eso, porque no la soporta, el hombre mata y muere, ama y crea”.
Su nombre original era "La Manzana Podrida" y en realidad, no tenía ningún nombre de peso, se tenía a Estela Inda, Miguel Inclán y Alfonso Mejía, además de un grupo de niños comandado por Roberto Cobo, un chico que había salido como extra en varias cintas y un día que audicionó para una película de Tin Tan se enteró que Buñuel estaba entrevistando para su nuevo filme, hizo la audición y se quedó con el rol de “El Jaibo”.
Sin embargo, desde su inicio, la cinta tenía problemas, dentro y fuera. El productor Oscar Dancingers se opuso a que se incluyeran muchos detalles que resultaban amorales; Jorge Negrete, líder del Sindicato de Actores, quería evitar su grabación e instó a técnicos y camarógrafos a abandonarla; una de las peinadoras renunció por la escena en que la madre de Pedrito, le niega la comida.
Pedro de Urdimalas, escritor de la cinta al lado de Buñuel, pidió que su nombre no apareciera en los créditos y en la primera función privada que se hizo, Lupe Marí, esposa de Diego Rivera, y Bertha, esposa de León Felipe, reclamaron al director que era un miserable y lo que mostraba no era México. David Alfaro Siqueiros por su parte aplaudió el trabajo asegurando que Luis era un genio nacido para el cine.
Los Olvidados era la primera producción sería de Luis Buñuel y quería hacerlo todo al máximo de sus posibilidades, la filmó en 21 días entre el 6 de febrero y el 9 de marzo de 1950, pero aunque la cinta es posiblemente una de las más galardonadas de su cine, él solo recibió dos mil dólares por ella y no pudo participar en las ganancias de la misma.
Ante las críticas, Buñuel respondió durante una entrevista que estaba orgulloso de su filme “La libertad total no existe, yo jamás he sido libre, yo soy libre cuando cierro mis ojos y estoy conmigo mismo sin que sepa que ya estoy viejo; El sistema de inconformidad es esa tendencia a romperse la cabeza por recuperar la propia libertad, lo que es imposible, es por tanto una inconformidad permanente de la realidad exterior”.
En los albores de los 50, el presidente mexicano Miguel Alemán estaba planeando la industrialización en el país, para dejar atrás la agricultura como primera fuente de recursos de los nacionales, pero el cine estaba en su apogeo, por ello las reacciones ante la cinta eran tan violentas.
Se tiene registro de que algunos cines fueron destruidos por los asistentes al estreno en noviembre de ese 1950, los fanáticos salían furiosos, la llamada “Liga de la Decencia” intentó expulsar a Buñuel del país y aunque no lo lograron, el director si dejó el territorio.
A pesar de los múltiples problemas, Luis Buñuel estrenó su cinta en Europa y la crítica mexicana tuvo que aceptar la gran equivocación cuando el gran jurado del Festival de Cannes le dio el premio como Mejor Director en 1951.
La película tiene una trama dura, y a diferencia, por ejemplo de "Nosotros los pobres" no busca causar lástima sino presentar una realidad diferente a la que se creía que existía en el país.
La historia nos lleva por los barrios más pobres de la Ciudad de México, donde los niños de la calle son una plaga para las altas esferas de la sociedad. Jaibo (Roberto Cobo) es un adolescente que escapa de un correccional para reunirse con Pedro (Alfonso Mejía). En presencia de él, Jaibo mata a Julián, el muchacho que supuestamente le delató. También intenta robar a un ciego (Miguel Inclán) al que finalmente maltrata. Acompañados de Ojitos y Meche (Alma Delia Fuentes), el destino del Jaibo y Pedro están marcados por la muerte."
Para muchos expertos en cine de la época consideran que la película terminó con idiosincrasia qué se tenia de México en el extranjero, México había pasado de ser la nación rural donde el romanticismo ranchero era el emblema, las comedias rancheras pasaron a ser del pasado, para dar paso al verdadero país que se tenia olvidado, una sociedad muy corrompida.
Sin embargo, la nueva forma de hacer cine gracias al ojo del director Buñuel, con el paso de los años se fueron realizando producciones crudas sobre la sociedad mexicana.
Si bien el término de la era dorada del cine fueron más factores internos y externos, como la sobre explotación de comedias rancheras, la pobreza de recursos y el que Estados Unidos de alguna manera haya retomado la industria cinematográfica después del conflicto mundial.
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4381263&stc=1&d=1721333968
Fuente: Aprendiendo Fácil (Facebook)
Otra opinión:
«Los olvidados», de Luis Buñuel: La mitología del subdesarrollo en una infancia vulnerada
https://www.cineyliteratura.cl/wp-content/uploads/2020/06/Roberto-Cobo-1-777x437.jpg
El estreno en 1950 de la obra del director español, supuso una revolución audiovisual en el cine latinoamericano de la época, y el advenimiento de una estética (a medio camino entre la exhibición de una pobreza al desnudo del neorrealismo italiano y el singular surrealismo del artista hispano), y la cual inspiraría a toda una generación de realizadores, a nivel mundial.
Por Pascual Matus Santa Cruz
Es 9 de noviembre de 1950 en ciudad de México, día del estreno de Los olvidados piedra angular en la fulminante filmografía de Luis Buñuel y una sucia joya en la historia del cine latinoamericano, extraída de un corazón marginado en las periferias de la capital mexicana, escondido entre escombros y muchedumbres. Un relato pesimista, según el propio autor, que recorre un fragmento en la vida de Pedro, un hijo de la calle que a pesar de tener familia se dedica a vivir con una pandilla de niños y realizar pequeños robos y aprovechamientos a sujetos más débiles que ellos.
Galardonada y reconocida ampliamente, un éxito en los teatros mexicanos e internacionales, le valió el premio de mejor director a Luis Buñuel en el Festival de Cannes (1951) y nombrada como memoria mundial por la UNESCO en 2003. Los olvidados llevó al cine mexicano, y, al mismo tiempo, latinoamericano, a los escenarios más prestigiosos del séptimo arte y más importante aún, configura una identidad fílmica «hispana». Quizás el más antiguo ejemplo de cine autoral en América Latina, en contraste con el resto de las potentes industrias en México, Argentina y Brasil, Los olvidados opta por romper con los códigos y cánones del momento.
El cine mexicano se encontraba en plena época dorada, una frenética bonanza industrial y cultural en la cual destacaban nombres como Pedro Armendáris, Jorge Negrete o Mario Moreno Reyes, mejor conocido como Cantinflas. Sin embargo, la gran mayoría de las producciones se limitaban a imitar el modelo hollywoodense y adaptarlo a una estética local, obteniendo grandiosos resultados sin mayor originalidad formal. Fiel a su estilo, Luis Buñuel busco sacudir esa estabilidad y mostrar al público la cara más lamentable, la pobreza y el subdesarrollo, de ciudad de México. Los olvidados es la antítesis de la cómica y feliz pobreza de Cantinflas, es la inocencia y la niñez arrojadas a un mundo violento y hostil. Es aquí que encontramos la génesis de la mitología del subdesarrollo, y su más terrible y, paradójicamente, célebre tragedia: la vulneración de la infancia.
Pixote: La ley del más fuerte (1981), Ciudad de Dios (2002) o Machuca (2004) son algunos ejemplos del mito del subdesarrollo, películas que comparten una esencia latinoamericana inconfundible. Son niños los protagonistas que observan y que a través de sus ojos nos muestran una realidad injusta, desamparada y que los obliga a ser supervivientes en una selva adversa. Los niños y niñas de América Latina son convertidos en los héroes y heroínas de una tragedia de la cual no pueden escapar, es el duro pero necesario mensaje que entrega Los olvidados a la historia fílmica del continente. Parece irónico que el reclamo de Buñuel con esta cinta se haya convertido en memoria de la humanidad, y que sin embargo las manifestaciones del mito del subdesarrollo continúen proliferando a cada año, cual población callampa, favela o villa miseria.
¿Es Pedro, nuestro pequeño protagonista, la personificación de una historia común, una cultura dejada de lado, olvidada, americana y latina? Las similitudes pueden ser producto de la mera coincidencia, pero así funciona el surrealismo de Buñuel, a veces las asociaciones azarosas nos llevan a significados que muestran una verdad oculta. El nacimiento de la cultura latinoamericana tiene su origen en la violenta conquista y colonización de la región, y, sobre todo, en el sincretismo, el mestizaje y la opresión de la naciente cultura por parte de las clases aristocráticas y posteriormente oligárquicas.
Pedro, por su lado, es el fruto de la violación ejercida por su padre sobre su madre, detalle sutilmente evidenciado en la narración y por el cual su madre manifiesta una inclemente aversión hacia él. De la misma forma, las manifestaciones culturales propias han sido desmerecidas en favor de una hipnótica atracción hacia culturas ajenas, gringas y europeas. Hemos desechado, desde el nacimiento, a nuestros propios hijos por recordarnos el doloroso trauma de una violencia, todavía latente, en la historia de nuestra sangre.
Un patrón común se repite incansablemente, el intervencionismo de las potencias externas y la amenaza de la represalia han conducido la dirección política de los países de nuestro continente, desde el primer momento en que se introdujeron en la historia de América Latina. El Jaibo, es ya un adolescente, de figura alta, esbelta y rostro cincelado, con ojos que describen una personalidad despiadada y que reflejan un camino sin retorno hacia la crueldad y miseria que lo han criado. Este personaje significa para Pedro un futuro premonitorio, aunque todavía eludible, y una influencia que a través del miedo y la amenaza empuja a Pedro a su funesto destino. Tal es la intrusión de El Jaibo en la vida de Pedro, que logra estropear sus intentos por corregir su existencia, tomar posesión del sexo de su madre y hasta adueñarse de sus propios sueños.
Es una crítica aguda, indignante, pero reveladora y su impacto fue precisamente más que un simple escándalo, desde ese momento la autocomplacencia frente al espejo dejó de ser la norma y la cosecha de un nuevo cine latinoamericano comenzó a germinar. Es difícil expresar todo lo que llega a producir esta película, no todo es lamento, el lejano porvenir de un oasis a ratos se observa más cercano de lo habitual, la libertad aparente se presenta bajo su velo como la prisión más difícil de fugar y el encierro que protege del exterior parece ser el cobijo más liberador y calmo.
El amor por tanto tiempo anhelado aflora en el momento más inoportuno y el destino de nuestro protagonista se va escribiendo a mano, con cincel y combo en el mármol del tiempo. La mitología del subdesarrollo se refleja en los atormentados ojos de Pedro y con su muerte nace la leyenda del héroe.
Fuente: Cine y literatura
Heráclito
23-07-2024, 10:19:03
Pescador de ilusiones o El rey pescador
Link para verla: https://ok.ru/video/1883316816501
https://pics.filmaffinity.com/the_fisher_king-539177746-mmed.jpg
Jack Lucas (Jeff Bridges) es un locutor de radio exitoso. Una noche, sin quererlo, hace que un oyente suyo asesine a varios comensales en un restaurante.
A partir de ahí su carrera cae en desgracia. En un momento intenta suicidarse pero es atacado por una banda de delincuentes y es rescatado por un homeless.
Este vagabundo llamado Parry (Robin Williams) le cuenta que es un soldado medieval que está buscando el Santo Grial y le pide a Jack que lo ayude. El ex locutor exitoso ve el hecho como una forma de intentar rehacer su vida y acepta. Lo que ambos no saben es que están unidos por su pasado.
Estamos en 1991 y esa es la premisa de “The fisher king” (“El rey pescador” en España o “Pescador de ilusiones” en Latinoamérica), hermosa película de Terry Gilliam (primera vez que Gilliam no participa del guion de una película que dirige) protagonizada por Jeff Bridges y Robin Williams, con soberbias interpretaciones secundarias de Amanda Plummer y Mercedes Ruehl (ganadora del Oscar).
_DMerhT9NMg
Premios:
1991: Oscar: Mejor actriz secundaria (Mercedes Ruehl). 5 nominaciones
1991: 2 Globos de Oro: Actor comedia (Williams), actriz sec. (Ruehl). 5 nominaciones
1991: 2 nominaciones BAFTA: Mejor actriz secundaria (Plummer) y guión original
1991: Festival de Toronto: Mejor película (Premio del Público)
1991: Festival de Venecia: León de Plata (mejor director). 2 nominaciones
1991: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor actriz (Ruehl). 5 nominaciones
Críticas
"'El rey pescador' tiene dos actores en plena forma y una historia atractiva, bien dirigida y producida"
Variety
"'El rey pescador' es una película excéntrica, errática y desorganizada que contiene algunos momentos de autenticidad, algunos momentos de humor y muchos momentos de divagación (...) Puntuación: ★★ (sobre 4)"
Roger Ebert: rogerebert.com
"Una moderna historia épica que fusiona mitología con la dura realidad: una experiencia única en su especie y completamente cautivadora"
Desson Thomson: The Washington Post
"Recupera nuestra fe en el poder de las películas para transformar la realidad (...) ¿Y qué si no es perfecta? Es mágica"
Peter Travers: Rolling Stone
"Una película grandiosa, caótica y exuberante que funciona mejor escena a escena que como conjunto."
Caryn James: The New York Times
"Una de las mejores películas de Gilliam, sin dudas. Están sus obsesiones y también hay una historia sólida. (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)"
Leonardo D’Espósito: Revista Noticias
Link para verla: https://ok.ru/video/1883316816501
https://pics.filmaffinity.com/the_fisher_king-539177746-mmed.jpg
Jack Lucas (Jeff Bridges) es un locutor de radio exitoso. Una noche, sin quererlo, hace que un oyente suyo asesine a varios comensales en un restaurante.
A partir de ahí su carrera cae en desgracia. En un momento intenta suicidarse pero es atacado por una banda de delincuentes y es rescatado por un homeless.
Este vagabundo llamado Parry (Robin Williams) le cuenta que es un soldado medieval que está buscando el Santo Grial y le pide a Jack que lo ayude. El ex locutor exitoso ve el hecho como una forma de intentar rehacer su vida y acepta. Lo que ambos no saben es que están unidos por su pasado.
Estamos en 1991 y esa es la premisa de “The fisher king” (“El rey pescador” en España o “Pescador de ilusiones” en Latinoamérica), hermosa película de Terry Gilliam (primera vez que Gilliam no participa del guion de una película que dirige) protagonizada por Jeff Bridges y Robin Williams, con soberbias interpretaciones secundarias de Amanda Plummer y Mercedes Ruehl (ganadora del Oscar).
_DMerhT9NMg
Premios:
1991: Oscar: Mejor actriz secundaria (Mercedes Ruehl). 5 nominaciones
1991: 2 Globos de Oro: Actor comedia (Williams), actriz sec. (Ruehl). 5 nominaciones
1991: 2 nominaciones BAFTA: Mejor actriz secundaria (Plummer) y guión original
1991: Festival de Toronto: Mejor película (Premio del Público)
1991: Festival de Venecia: León de Plata (mejor director). 2 nominaciones
1991: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor actriz (Ruehl). 5 nominaciones
Críticas
"'El rey pescador' tiene dos actores en plena forma y una historia atractiva, bien dirigida y producida"
Variety
"'El rey pescador' es una película excéntrica, errática y desorganizada que contiene algunos momentos de autenticidad, algunos momentos de humor y muchos momentos de divagación (...) Puntuación: ★★ (sobre 4)"
Roger Ebert: rogerebert.com
"Una moderna historia épica que fusiona mitología con la dura realidad: una experiencia única en su especie y completamente cautivadora"
Desson Thomson: The Washington Post
"Recupera nuestra fe en el poder de las películas para transformar la realidad (...) ¿Y qué si no es perfecta? Es mágica"
Peter Travers: Rolling Stone
"Una película grandiosa, caótica y exuberante que funciona mejor escena a escena que como conjunto."
Caryn James: The New York Times
"Una de las mejores películas de Gilliam, sin dudas. Están sus obsesiones y también hay una historia sólida. (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)"
Leonardo D’Espósito: Revista Noticias
Casanova33
24-07-2024, 20:17:56
Excelente espacio. El cineforo es solo para cine Dogma 95? Hay otro espacio para cine más comercial? Gracias cofrade Heráclito.
https://media4.giphy.com/media/v1.Y2lkPTc5MGI3NjExbjhuY2R6Z294YnJibGJyMmhkdHFwczI5NGF2eTE3d HYwNGV6MDlicSZlcD12MV9pbnRlcm5hbF9naWZfYnlfaWQmY3Q9Zw/QAsBwSjx9zVKoGp9nr/giphy.gif
https://media4.giphy.com/media/v1.Y2lkPTc5MGI3NjExbjhuY2R6Z294YnJibGJyMmhkdHFwczI5NGF2eTE3d HYwNGV6MDlicSZlcD12MV9pbnRlcm5hbF9naWZfYnlfaWQmY3Q9Zw/QAsBwSjx9zVKoGp9nr/giphy.gif
Heráclito
24-07-2024, 20:57:12
Excelente espacio. El cineforo es solo para cine Dogma 95? Hay otro espacio para cine más comercial? Gracias cofrade Heráclito.
https://media4.giphy.com/media/v1.Y2lkPTc5MGI3NjExbjhuY2R6Z294YnJibGJyMmhkdHFwczI5NGF2eTE3d HYwNGV6MDlicSZlcD12MV9pbnRlcm5hbF9naWZfYnlfaWQmY3Q9Zw/QAsBwSjx9zVKoGp9nr/giphy.gif
Para toda clase de cine. Comencé con Dogma 95 por resaltar aquel deseo de algunos realizadores de volver al cine sin artilugios, aunque no pasó de ser eso, un mero intento, pero enriqueció este espectáculo. Luego posteé una gran película de Buñuel, realizada mucho antes del lanzamiento de este movimiento y, seguí con el pescador de ilusiones, ambas, de mucha calidad, y que también en su momento les fue bien en la taquilla.
https://media4.giphy.com/media/v1.Y2lkPTc5MGI3NjExbjhuY2R6Z294YnJibGJyMmhkdHFwczI5NGF2eTE3d HYwNGV6MDlicSZlcD12MV9pbnRlcm5hbF9naWZfYnlfaWQmY3Q9Zw/QAsBwSjx9zVKoGp9nr/giphy.gif
Para toda clase de cine. Comencé con Dogma 95 por resaltar aquel deseo de algunos realizadores de volver al cine sin artilugios, aunque no pasó de ser eso, un mero intento, pero enriqueció este espectáculo. Luego posteé una gran película de Buñuel, realizada mucho antes del lanzamiento de este movimiento y, seguí con el pescador de ilusiones, ambas, de mucha calidad, y que también en su momento les fue bien en la taquilla.
Soyado
24-07-2024, 21:33:57
La última que me he pillado de Buñuel es 'El ángel exterminador': me pareció brutal. Tengo pendiente por verme de él 'Bella de noche' que la descargué hace rato, y hace unos meses disfruté nuevamente 'El discreto encanto de la burguesía' y 'Ese oscuro objeto del deseo'. Finalmente, la otra que me he visto de este gran cineasta español (Q.E.P.D) es 'Viridiana' y bueno, gracias a esta idea para mí loable del cineclub en el foro espero apartar un espacio para 'Los olvidados'.
'Pescador de ilusiones', vaya filme conmovedor. Solo lo he disfrutado una vez y recuerdo que fue con mi hermano por televisión y doblado a español latino. ¿Estamos aquí ante el mejor personaje que haya interpretado en su carrera Jeff Bridges?... Gracias a Casanova33 porque con un me gusta suyo, me acordé nuevamente de este espacio, lo admito.
'Pescador de ilusiones', vaya filme conmovedor. Solo lo he disfrutado una vez y recuerdo que fue con mi hermano por televisión y doblado a español latino. ¿Estamos aquí ante el mejor personaje que haya interpretado en su carrera Jeff Bridges?... Gracias a Casanova33 porque con un me gusta suyo, me acordé nuevamente de este espacio, lo admito.
Heráclito
26-07-2024, 23:22:42
The Killing Fields (Los gritos del silencio)
Enlace: https://m.ok.ru/video/3239820331544
https://1.bp.blogspot.com/-h6KGhVTP3_M/UaDE4kWld9I/AAAAAAABN44/bLUmavgOcDQ/s1600/img5498web.jpg
Sydney es un periodista del "The New York Times" enviado a Camboya en 1972 como corresponsal de guerra. Alli el nativo Dith Pran le sirve de guía e intérprete. En 1975, al caer el gobierno camboyano, los EE.UU. se retiran del país, y toda la familia de Pran emigra a Norteamérica excepto él, que decide quedarse con el periodista para seguir ayudándole. Ambos viven refugiados en la embajada francesa, pero cuando los extranjeros deciden abandonar Camboya, el ejército revolucionario prohíbe salir del país a Pran...
Año: 1984
Duración: 136 min.
País: Reino Unido
Dirección: Roland Joffé
Guion: Bruce Robinson
Reparto: Sam Waterston, Haing S. Ngor, John Malkovich, Julian Sands, Craig T. Nelson, Spalding Gray, Bill Paterson, Patrick Malahide
Música: Mike Oldfield
Fotografía: Chris Menges
Premios
1984: 3 Oscars: Mejor actor secundario (Haing S. Ngor), fotografía, montaje. 7 nom.
1984: Globos de Oro: Mejor actor secundario (Haing S. Ngor). 6 nominaciones
1984: 8 Premios BAFTA, incluyendo mejor película. 13 nominaciones
1985: Premios César: Nominada a Mejor película extranjera
1984: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor fotografía. 2 nominaciones
1984: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor fotografía. 2 nominaciones
Críticas:
• "Uno no puede dejar de admirar la honestidad de 'The Killing Fields'. Esta es la declaración cinematográfica más clara de cómo ha cambiado la naturaleza del heroísmo."
Richard Schickel: Time
.
• "¡Una película extraordinaria! Tan irresistible y convincente que no puedes apartar los ojos de la pantalla. No se la pierdan."
David Ansen: Newsweek
.
• "Si sólo ves una película al año, que ésta se la de este año. Las nominaciones a los Oscars están de camino."
Peter Travers: People Magazine
.
• "Poderosa. Devastadora. Conmovedora. Fascinante. Asombrosa. Hay grandeza en ella. Esta no es simplemente otra película. Es una experiencia profundamente desgarradora, pero enormemente edificante, que se queda contigo al acabar. Nadie con corazón, mente y conciencia debería perdérsela."
Rex Reed: New York Post
El actor Bruce Robinson escribió un guion sin muchas expectativas. Era una detallada descripción del sufrimiento del fotógrafo camboyano Dith Pran luego de caer en manos de los Khmer Rouge. Sus 300 páginas dejaron boquiabierto al productor David Puttnam que vio en él una potencial película para ser dirigida por Costa Gavras. Pero en una entrevista con el joven Roland Joffé cambió de opinión, este le dijo “No es una película de guerra, es la historia de amistad entre Dith Pran y Sidney Schanberg, obviamente le gustó más ese enfoque y le entregó el proyecto.
La tarea de encontrar un actor camboyano de la edad de Pran era imposible, casi todos habían sido asesinados. Cuando encontraron a Haing S. Ngor quedaron impresionados. Era un cirujano camboyano con una mínima preparación actoral que había estado en la ciudad de Phnom Penh cuando cayó en manos de los Khmer Rouge. Ngor no quería el papel porque le recordaba mucho su sufrimiento ya que su esposa y bebé habían muerto en manos de la milicia de la Camboya comunista. J
offé estaba consciente que sin Ngor no había película posible y extremó los medios para proteger al actor durante el rodaje, sobre todo en las locaciones de Thailandia. Cuando el proyecto tomó forma, Roy Scheider , Alan Arkin y Dustin Hoffman expresaron un gran interés en el papel de Sidney Schanberg, pero Joffé ya había seleccionado a Sam Waterston.
Si se llegaba a saber el interés de esas estrellas, los estudios presionarían para remover a Waterston. El director se reunió con los otros interesados y les agradeció su predisposición pese a lo arriesgado de rodar en una zona de guerra, repleta de plagas y epidemias, era mentira pero funcionó, todos se arrepintieron.
La cámara que porta John Malkovich durante todo el filme funcionaba y siempre se mantenía cargada con película para que las fotos que tomara sean reales, muchas se utilizaron para promocional el filme.
Las tomas con grandes helicópteros, como la escena donde se evacua a la familia de Pran y otros diplomáticos internacionales, fueron filmadas en San Diego, California, casi 7 meses después de finalizado el rodaje en Thailandia.
Los hechos en la embotelladora de gaseosas eran reales, pero había sido en una de Pepsi, como la empresa se negó a que su marca apareciera en el filme se cambió a una de Coca Cola. La inolvidable actuación de Haing S. Ngor le valió ganar el Oscar a mejor actor de reparto. Luego de recibirlo había declarado “Sobreviví a los Khmer Rouge pero ahora puedo morir en paz, la película durará mas de 100 años”. Dos años después fue asesinado en los Ángeles por la pandilla “Oriental Lazy Boyz” cuando se negó a entregarles el relicario con la foto de su esposa.
Esta película fue parte de una involuntaria saga de filmes sobre corresponsales de guerra. ‘ Circle of Deceit’ (1981), ‘El año que vivimos en peligro’ (1982), ‘Bajo fuego’ (1983), ‘Los gritos del silencio’ (1984), ‘Salvador’ (1986), ‘Deadline’ (1987) y ‘Grito de libertad’ (1987)
Enlace: https://m.ok.ru/video/3239820331544
https://1.bp.blogspot.com/-h6KGhVTP3_M/UaDE4kWld9I/AAAAAAABN44/bLUmavgOcDQ/s1600/img5498web.jpg
Sydney es un periodista del "The New York Times" enviado a Camboya en 1972 como corresponsal de guerra. Alli el nativo Dith Pran le sirve de guía e intérprete. En 1975, al caer el gobierno camboyano, los EE.UU. se retiran del país, y toda la familia de Pran emigra a Norteamérica excepto él, que decide quedarse con el periodista para seguir ayudándole. Ambos viven refugiados en la embajada francesa, pero cuando los extranjeros deciden abandonar Camboya, el ejército revolucionario prohíbe salir del país a Pran...
Año: 1984
Duración: 136 min.
País: Reino Unido
Dirección: Roland Joffé
Guion: Bruce Robinson
Reparto: Sam Waterston, Haing S. Ngor, John Malkovich, Julian Sands, Craig T. Nelson, Spalding Gray, Bill Paterson, Patrick Malahide
Música: Mike Oldfield
Fotografía: Chris Menges
Premios
1984: 3 Oscars: Mejor actor secundario (Haing S. Ngor), fotografía, montaje. 7 nom.
1984: Globos de Oro: Mejor actor secundario (Haing S. Ngor). 6 nominaciones
1984: 8 Premios BAFTA, incluyendo mejor película. 13 nominaciones
1985: Premios César: Nominada a Mejor película extranjera
1984: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor fotografía. 2 nominaciones
1984: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor fotografía. 2 nominaciones
Críticas:
• "Uno no puede dejar de admirar la honestidad de 'The Killing Fields'. Esta es la declaración cinematográfica más clara de cómo ha cambiado la naturaleza del heroísmo."
Richard Schickel: Time
.
• "¡Una película extraordinaria! Tan irresistible y convincente que no puedes apartar los ojos de la pantalla. No se la pierdan."
David Ansen: Newsweek
.
• "Si sólo ves una película al año, que ésta se la de este año. Las nominaciones a los Oscars están de camino."
Peter Travers: People Magazine
.
• "Poderosa. Devastadora. Conmovedora. Fascinante. Asombrosa. Hay grandeza en ella. Esta no es simplemente otra película. Es una experiencia profundamente desgarradora, pero enormemente edificante, que se queda contigo al acabar. Nadie con corazón, mente y conciencia debería perdérsela."
Rex Reed: New York Post
El actor Bruce Robinson escribió un guion sin muchas expectativas. Era una detallada descripción del sufrimiento del fotógrafo camboyano Dith Pran luego de caer en manos de los Khmer Rouge. Sus 300 páginas dejaron boquiabierto al productor David Puttnam que vio en él una potencial película para ser dirigida por Costa Gavras. Pero en una entrevista con el joven Roland Joffé cambió de opinión, este le dijo “No es una película de guerra, es la historia de amistad entre Dith Pran y Sidney Schanberg, obviamente le gustó más ese enfoque y le entregó el proyecto.
La tarea de encontrar un actor camboyano de la edad de Pran era imposible, casi todos habían sido asesinados. Cuando encontraron a Haing S. Ngor quedaron impresionados. Era un cirujano camboyano con una mínima preparación actoral que había estado en la ciudad de Phnom Penh cuando cayó en manos de los Khmer Rouge. Ngor no quería el papel porque le recordaba mucho su sufrimiento ya que su esposa y bebé habían muerto en manos de la milicia de la Camboya comunista. J
offé estaba consciente que sin Ngor no había película posible y extremó los medios para proteger al actor durante el rodaje, sobre todo en las locaciones de Thailandia. Cuando el proyecto tomó forma, Roy Scheider , Alan Arkin y Dustin Hoffman expresaron un gran interés en el papel de Sidney Schanberg, pero Joffé ya había seleccionado a Sam Waterston.
Si se llegaba a saber el interés de esas estrellas, los estudios presionarían para remover a Waterston. El director se reunió con los otros interesados y les agradeció su predisposición pese a lo arriesgado de rodar en una zona de guerra, repleta de plagas y epidemias, era mentira pero funcionó, todos se arrepintieron.
La cámara que porta John Malkovich durante todo el filme funcionaba y siempre se mantenía cargada con película para que las fotos que tomara sean reales, muchas se utilizaron para promocional el filme.
Las tomas con grandes helicópteros, como la escena donde se evacua a la familia de Pran y otros diplomáticos internacionales, fueron filmadas en San Diego, California, casi 7 meses después de finalizado el rodaje en Thailandia.
Los hechos en la embotelladora de gaseosas eran reales, pero había sido en una de Pepsi, como la empresa se negó a que su marca apareciera en el filme se cambió a una de Coca Cola. La inolvidable actuación de Haing S. Ngor le valió ganar el Oscar a mejor actor de reparto. Luego de recibirlo había declarado “Sobreviví a los Khmer Rouge pero ahora puedo morir en paz, la película durará mas de 100 años”. Dos años después fue asesinado en los Ángeles por la pandilla “Oriental Lazy Boyz” cuando se negó a entregarles el relicario con la foto de su esposa.
Esta película fue parte de una involuntaria saga de filmes sobre corresponsales de guerra. ‘ Circle of Deceit’ (1981), ‘El año que vivimos en peligro’ (1982), ‘Bajo fuego’ (1983), ‘Los gritos del silencio’ (1984), ‘Salvador’ (1986), ‘Deadline’ (1987) y ‘Grito de libertad’ (1987)
patoruzyto
27-07-2024, 14:43:05
www.youtube.com/watch?v=003j4v8RHv8
003j4v8RHv8
003j4v8RHv8
CazadordeCholas
28-07-2024, 08:04:42
Buenas vengo a participar en el club yo recomiendo una pelicula que es "Saving Private Ryan" es una pelicula terminando los 90 creo , yo la vi hace unos años y me parecio genial porque la situacion que te muestra del dia D es muy bien recreada y bueno el drama como te va atrapando de esta squad de "Rangers" que por cierto los Rangers en la ww2 fueron una unidad de elite digamos aparte de los paratroopers que eran los paracaisdista los Rangeres eran mas una tropa de choque aun asi la recomiendo porque te muestra cositas bien hechas de toda la la historia que te envuelven.
Otro dato es que las escenas de guerra fueron con ayuda de un general retirado que enseño todo como se movian los soldados y de mas se noto el cariño a la pelicula
El link no encontre la peli en español pero se puede subtitular con la opcion de YT ojala puedan hecharle un ojo aun asi creo que esta en netflix y amazon saludos
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4390625&stc=1&d=1722171876
Link de you tube : saving private ryan movies full - YouTube
Otro dato es que las escenas de guerra fueron con ayuda de un general retirado que enseño todo como se movian los soldados y de mas se noto el cariño a la pelicula
El link no encontre la peli en español pero se puede subtitular con la opcion de YT ojala puedan hecharle un ojo aun asi creo que esta en netflix y amazon saludos
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4390625&stc=1&d=1722171876
Link de you tube : saving private ryan movies full - YouTube
Heráclito
28-07-2024, 08:36:10
Gracias, Cazador, por la contribución. En efecto, "Salvando al soldado Ryan" es una de las grandes películas de guerra. Para complementar tu aporte, aprendamos un poco sobre la historia que sirvió de base a la película:
La historia real que inspiró la película del soldado Ryan: cuatro hermanos combatientes y un giro inesperado
Frederick “Fritz” Niland se llamaba el joven que en la ficción fue interpretado por Matt Damon. Cómo fue retirado realmente del frente de combate y qué pasó con sus hermanos durante la guerra
Por
Alberto Amato
22 Mar, 2024 10:33 p.m. CO
https://www.infobae.com/new-resizer/4spqvT_hpjZD9NDYG-tVNUwXnQQ=/768x432/filters:format(webp):quality(85)/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/infobae/LREJV5ABFZFBFCFB4ECWEFIAJU.jpg
Los hermanos Niland. Todos combatieron en la Segunda Guerra Mundial
El soldado Ryan, aquel chico al que daba vida en el cine Matt Damon, y a quien el capitán John Miller, en la piel de Tom Hanks, busca con desesperación en Normandía porque sus tres hermanos habían muerto en combate y era imprescindible hacerlo volver a casa; aquel chico simple metido en una epopeya irrepetible, así son los personajes preferidos de Steven Spielberg, aquel soldado Ryan al que había que salvar a cualquier precio, existió de verdad.
No se llamaba Ryan, sino Frederick “Fritz” Niland. No tenía tres hermanos muertos, pero durante toda la guerra se pensó que sí tenía tres hermanos muertos. No hubo ninguna epopeya para salvarlo, ningún capitán Miller, otro tipo común metido en una misión heroica, que le siguiera los pasos hasta Ramelle, una ciudad de Normandía que no existe, para que la guerra se terminara para él y para que volviera a casa. El enorme drama del soldado Ryan es el mismo del soldado Niland: sólo que esta vez, la realidad no estuvo por encima de la ficción. O casi.
https://www.infobae.com/new-resizer/gXvIYhxd7LgZ-KW5W6ub2czTxQU=/992x606/filters:format(webp):quality(85)/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/infobae/3IUCGS4DLZDBBNE5WB5KDCRIYY.jpg
El 12 de junio de 1944, apenas seis días después de la invasión aliada a Francia, el sargento Frederick “Fritz” Niland, de la Compañía H, 501 de la legendaria 101 Airborne, había ganado ya su primera medalla. Era de los invasores poco conocidos: había formado parte de las tropas que pisaron Francia como paracaidistas en la noche del 5 y en las primeras horas del 6 de junio, horas antes del gran desembarco. No había sido un tipo afortunado.
El avión en el que viajaba, un C-47, había sido alcanzado por fuego alemán y toda la tripulación debió saltar antes de tiempo: cayeron en Raffoville, al suroeste del sitio que tenían asignado, que era Carentan, en la baja Normandía. Toda la dotación se dispersó y pasaron algunos días hasta que, con la ayuda de Jean Kapitem, de la resistencia francesa, volvieron a unirse para llegar a tiempo y combatir en la gran batalla de Carentan, entre el 10 y el 14 de junio.
Fritz logró abatir uno de los temibles cañones nazis Flak 88, que sembraban el terror en los tanques aliados porque los pulverizaban. Una idea de los temidos que eran aquellos cañones compactos y transportables la ofrece el historiador Stephen Ambrose que cita, en su fantástico libro sobre el Día D, el testimonio de un joven teniente de la 101 Airborne que afirmó: “Los cañones nazis del 88 convirtieron al cristianismo a más gente que San Pedro y San Pablo juntos”.
La acción heroica de Fritz Niland le valió una estrella de bronce. Y a la condecoración le siguió una mala noticia: el jefe de la Compañía D del 505 Regimiento de Paracaidistas de la 82ª División Aerotransportada, le confió que su hermano Robert Niland, había caído el mismo día de la invasión, el 6 de junio. Como su hermano Fritz, Robert se había lanzado en paracaídas sobre territorio francés, detrás de las líneas alemanas, la noche del 5 al 6 de junio.
Durante los terribles combates del 6, ya con las cabezas de playa en manos aliadas, en manos precarias, pero aliadas, y en su puesto de ametralladorista, Robert había cubierto la retirada de su pelotón, golpeado por el fuego de los morteros nazis en Neuville-au-Plain, un pueblo que integraba la comunidad de Saint Mere Eglise; se había quedado sin municiones y al salir para reaprovisionarse de su improvisada trinchera, un pozo superficial detrás de un seto de arbustos, había sido abatido por los alemanes.
El jefe de la compañía D dijo a Fritz que su hermano Robert estaba enterrado en el cementerio de Saint-Mere Eglise, que luego pasaría a la fama porque fue el primero de los pueblos franceses en ser liberado, y porque de la punta del campanario de su iglesia quedó colgado de su paracaídas el soldado John M. Steele que debió cortar las correas para pisar tierra francesa. A ambos, soldado y paracaídas, los hizo famosos años después la película “El día más largo del Siglo”, sobre el legendario libro de Cornelius Ryan.
https://www.infobae.com/new-resizer/qGQTDt0WI9u2Ohn0cVQTgmIA-0M=/768x432/filters:format(webp):quality(85)/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/infobae/C6UXW7UUNJAZFP6WTLYB4ZLPYA.jpg
Tom Hanks y Steven Spielberg durante la filmación de "Salvando al soldado Ryan" (foto Paramount)
Fritz Niland quedó destrozado. La guerra ya había golpeado a su familia y a él mismo. Era el menor de cuatro hermanos, todos hijos, junto a dos mujeres, Clarissa y Margaret, de una pareja formada por Michael y Augusta Niland, que vivían en Tonawanda, en el estado de New York. Fritz era el más chico de los cuatro varones. Había nacido en 1920 y tenía veintitrés años en los días de la invasión a Normandía. El mayor, Edward Niland, había nacido en 1912, le seguían Preston, que había nacido en 1915, Robert, en 1919 y Fritz. Todos se habían integrado al ejército de Estados Unidos, Preston y Robert para cumplir con el servicio militar y Edward y Fritz como voluntarios luego del ataque japonés a Pearl Harbor.
Los hermanos pidieron pelear juntos, pero fueron separados, o al menos intentaron separarlos, en distintas unidades porque la secretaría de guerra no quería que se repitiese otra tragedia flamante, la de los hermanos Sullivan, cinco muchachos de entre veintisiete y veinte años, nacidos en Waterloo, Iowa, que formaban parte de la tripulación del crucero ligero “Juneau”, torpedeado y hundido por los japoneses el 13 de noviembre de 1942, cerca de Guadalcanal. De toda la dotación del crucero sólo sobrevivieron diez marinos y ningún Sullivan.
https://www.infobae.com/new-resizer/nlGAMCihMo27rDqIn4r5nuKPhUA=/768x432/filters:format(webp):quality(85)/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/infobae/Q7DCLLVB55DTHDKV5I4WY4VRZ4.jpg
Matt Damon en su recordado papel del soldado Ryan
Pero la tragedia parecía a punto de repetirse. En mayo de 1944, un mes antes del desembarco en Normandía, los Niland habían recibido una noticia terrible: Edward, de 31 años, había sido derribado por el fuego antiaéreo japonés en una misión sobre Birmania. Edward también era sargento del 12 Grupo de Bombarderos del 43º Escuadrón, y operador de radio de B-25 encargado de atacar las rutas japonesas de abastecimiento. Si bien había cierta confusión sobre la fecha exacta del derribo del avión, se presumía que había sido el 20 de mayo. Como ninguno de los tripulantes había sido hallado tras el impacto, se lo consideraba “Missing in action”, desaparecido en acción, lo que equivalía a la muerte.
Cuando supo que su hermano Robert estaba enterrado cerca de Saint-Mere-Eglise, Fritz quiso ver su tumba. Lo acompañó un capellán, el teniente coronel Francis Sampson, sacerdote católico de la Arquidiócesis de Servicios Militares y uno de los tipos más queridos en la 101 Airborne. Fue Sampson quien hizo las averiguaciones del caso, quien buscó en los registros el nombre de Robert Niland para ubicar su tumba. Regresó donde lo esperaba Fritz con lo que creyó que era una buena noticia: “El muerto no es tu hermano –le dijo- Es otro Niland, este se llama Preston”. Fritz le contestó: “Es otro Niland, pero también es mi hermano”. Sampson supo entonces la enorme tragedia de la que era testigo: tres Niland muertos y un solo sobreviviente. Decidió entonces sacar de la guerra a Fritz, que se convirtió sin saberlo en el soldado Ryan de la película que se filmaría medio siglo más tarde.
https://www.infobae.com/new-resizer/3jTnH7UhV0veHSTgWrbxaTIH_9Y=/768x1024/filters:format(webp):quality(85)/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/infobae/U63LE5XJTRHDXCZVQHM7RD6N6Y.jpg
Sobre la muerte de Preston Niland también hay confusión. Había desembarcado en la playa Utah, una de las cinco playas del desembarco junto a Omaha, Juno, Gold y Sword, como alférez, segundo teniente, del 22 Regimiento de la 4ta. División de Infantería. El gigantesco caudal humano destinado a invadir el continente europeo había tirado abajo el prurito de impedir que los hermanos pelearan en un mismo campo de batalla: todos fueron a parar a Normandía. Algunos testimonios afirmaron que Preston murió cuando intentaba ayudar a un camarada herido, el 7 de junio. Pero en su tumba del cementerio de Colleville-sur-Mer figura como fecha de su muerte el 6 de junio, el mismo día del desembarco y de la muerte de su hermano Robert.
Fritz Niland no quiso volver a Estados Unidos. Se emperró en seguir en los campos de batalla. Según uno de sus compañeros, John Bacon, dijo que sólo volvería a casa esposado y que su intención era vengar la muerte de sus hermanos. Pero el padre Sampson, que además de impulsar la misericordia cristiana era militar, le dijo: “Si querés, podes enojarte con el general Eisenhower y con el presidente Roosevelt. Pero volvés a casa”.
Para Niland-Ryan no hubo ningún capitán Miller, ninguna patrulla que dejara jirones de vida para hallarlo, sino un simple trámite burocrático que lo despachó de nuevo a Estados Unidos. No le fue fácil porque la burocracia es la burocracia aquí en la Tierra como en el Cielo, en la paz o en la guerra: el traslado de Niland se demoró por un papeleo indescifrable y el muchacho estuvo como candidato para tomar parte de la operación “Market Garden”, la toma por parte de los aliados de los puentes vitales en los Países Bajos que, se suponía, iba a acelerar la llegada a Berlín y la liberación de ese reino. Fue un desastre militar y, de haber integrado las fuerzas aliadas, Niland pudo morir en aquel disparate diseñado por el inefable mariscal británico Bernard Montgomery.
https://www.infobae.com/new-resizer/2wiVRjAQEf-KgL6_IjcoHD84OGw=/768x576/filters:format(webp):quality(85)/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/infobae/NHNNYR5DRRBFDFWTNIV3TQBVFQ.jpg
Entre paréntesis, sobre Montgomery, “Monty” para la historia, sólo se ha contado lo bueno. El tipo cometió un par de chambonadas gordas incluso en África, donde puso más que en vereda a las huestes del mariscal Erwin Rommel. Pero en Francia, por ejemplo debió tomar la ciudad de Caen al tercer día de la invasión a Normandía y tardó diecisiete, lo que le hizo murmurar con feroz ironía al comandante supremo de los aliados, Dwight Eisenhower: “No estamos en condiciones de soportar un nuevo éxito militar de Monty”. El gran fracaso militar de la operación Market Garden fue recreado para el cine en el film “Un puente demasiado lejos”, filmada en 1977, cuando en el cine ni se hablaba de los héroes de Marvel.
Fritz Niland dejó la guerra, a su pesar y pese a sus protestas. Primero fue retirado de Francia y enviado de regreso a Inglaterra, a un campamento levantado en Lamborne, al oeste de Londres. Cuando los eternos papeles de su regreso estuvieron firmados y listos, fue repatriado. No fue sino luego de que el presidente Franklin D. Roosevelt diera orden de repatriarlo de inmediato: un día y medio después, Fritz volaba de regreso a New York donde fue destinado a la Policía Militar.
La historia todavía tenía pensado dar un giro imprevisto. Con la guerra acabada en Europa, el nazismo destruido y Alemania en ruinas, todavía quedaba terminar con la guerra en el Pacífico: Japón recién se iba a rendir en agosto de 1945, después del estallido de dos bombas atómicas en Hiroshima y Nagasaki.
En mayo de 1945, las tropas británicas que reconquistaban los territorios de Birmania ocupada por los japoneses, encontraron en medio de la selva a un soldado a punto de morir de hambre, vestido con harapos y perdido en la bruma de la inanición: pesaba treinta y ocho kilos. Era Edward Niland, que no había muerto en mayo de 1944. Había saltado en paracaídas de su B-25, había vagado por la selva hasta dar con un poblado de pescadores que lo entregaron de inmediato a los japoneses; había pasado un año en un campo de concentración del que logró fugarse y se lanzó a la aventura de sobrevivir en la jungla, desafío que casi le cuesta la vida.
Cuando estuvo repuesto y con mejor peso, el otro hermano Niland también regresó a casa. Su padre dijo que siempre había soñado que su hijo, desaparecido en acción, había saltado en paracaídas y que, en esos sueños, le decía: “Papá, estoy bien y vuelvo a casa”. La madre dijo, y la familia sostuvo, que siempre había puesto en la mesa un plato de comida en espera de su regreso. Vivió el resto de su vida en su Tonawanda natal y murió el 28 de febrero de 1984, a los setenta y un años. Frederick “Fritz” Niland se casó con Marilyn Batt, tuvo dos hijas, Catherine y Mary, y murió en San Francisco un año antes que su hermano, el 1 de diciembre de 1983, a los sesenta y tres años.
https://www.infobae.com/new-resizer/9o8TYTFMFwf5F-8CqGFpMf6tBhA=/768x576/filters:format(webp):quality(85)/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/infobae/4PX4K7OBGJCA5I3N22N25YWDX4.jpg
La tumba de Preston Niland en el cementerio americano de Colleville-sur-Mer
El cementerio americano de Colleville-sur-Mer guarda los restos de los más de diez mil soldados que cayeron en las duras batallas que llevaron a la liberación de Francia primero y de Europa después. Es en ese cementerio donde Spielberg filmó la conmovedora escena final de “Salven al soldado Ryan”, que muestra al Ryan de ficción, ya en el otoño de su vida, frente a la tumba del capitán Miller con un interrogante destinado a su familia: “Decíme que todo esto valió la pena. Decíme que fui un buen hombre”.
En ese cementerio están enterrados los dos hermanos de Fritz Niland, Robert y Preston, caídos ambos en las horas que siguieron al desembarco aliado en Normandía. Son las tumbas 11 y 12, fila 15, parcela F.
Fuente: Infobae
La historia real que inspiró la película del soldado Ryan: cuatro hermanos combatientes y un giro inesperado
Frederick “Fritz” Niland se llamaba el joven que en la ficción fue interpretado por Matt Damon. Cómo fue retirado realmente del frente de combate y qué pasó con sus hermanos durante la guerra
Por
Alberto Amato
22 Mar, 2024 10:33 p.m. CO
https://www.infobae.com/new-resizer/4spqvT_hpjZD9NDYG-tVNUwXnQQ=/768x432/filters:format(webp):quality(85)/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/infobae/LREJV5ABFZFBFCFB4ECWEFIAJU.jpg
Los hermanos Niland. Todos combatieron en la Segunda Guerra Mundial
El soldado Ryan, aquel chico al que daba vida en el cine Matt Damon, y a quien el capitán John Miller, en la piel de Tom Hanks, busca con desesperación en Normandía porque sus tres hermanos habían muerto en combate y era imprescindible hacerlo volver a casa; aquel chico simple metido en una epopeya irrepetible, así son los personajes preferidos de Steven Spielberg, aquel soldado Ryan al que había que salvar a cualquier precio, existió de verdad.
No se llamaba Ryan, sino Frederick “Fritz” Niland. No tenía tres hermanos muertos, pero durante toda la guerra se pensó que sí tenía tres hermanos muertos. No hubo ninguna epopeya para salvarlo, ningún capitán Miller, otro tipo común metido en una misión heroica, que le siguiera los pasos hasta Ramelle, una ciudad de Normandía que no existe, para que la guerra se terminara para él y para que volviera a casa. El enorme drama del soldado Ryan es el mismo del soldado Niland: sólo que esta vez, la realidad no estuvo por encima de la ficción. O casi.
https://www.infobae.com/new-resizer/gXvIYhxd7LgZ-KW5W6ub2czTxQU=/992x606/filters:format(webp):quality(85)/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/infobae/3IUCGS4DLZDBBNE5WB5KDCRIYY.jpg
El 12 de junio de 1944, apenas seis días después de la invasión aliada a Francia, el sargento Frederick “Fritz” Niland, de la Compañía H, 501 de la legendaria 101 Airborne, había ganado ya su primera medalla. Era de los invasores poco conocidos: había formado parte de las tropas que pisaron Francia como paracaidistas en la noche del 5 y en las primeras horas del 6 de junio, horas antes del gran desembarco. No había sido un tipo afortunado.
El avión en el que viajaba, un C-47, había sido alcanzado por fuego alemán y toda la tripulación debió saltar antes de tiempo: cayeron en Raffoville, al suroeste del sitio que tenían asignado, que era Carentan, en la baja Normandía. Toda la dotación se dispersó y pasaron algunos días hasta que, con la ayuda de Jean Kapitem, de la resistencia francesa, volvieron a unirse para llegar a tiempo y combatir en la gran batalla de Carentan, entre el 10 y el 14 de junio.
Fritz logró abatir uno de los temibles cañones nazis Flak 88, que sembraban el terror en los tanques aliados porque los pulverizaban. Una idea de los temidos que eran aquellos cañones compactos y transportables la ofrece el historiador Stephen Ambrose que cita, en su fantástico libro sobre el Día D, el testimonio de un joven teniente de la 101 Airborne que afirmó: “Los cañones nazis del 88 convirtieron al cristianismo a más gente que San Pedro y San Pablo juntos”.
La acción heroica de Fritz Niland le valió una estrella de bronce. Y a la condecoración le siguió una mala noticia: el jefe de la Compañía D del 505 Regimiento de Paracaidistas de la 82ª División Aerotransportada, le confió que su hermano Robert Niland, había caído el mismo día de la invasión, el 6 de junio. Como su hermano Fritz, Robert se había lanzado en paracaídas sobre territorio francés, detrás de las líneas alemanas, la noche del 5 al 6 de junio.
Durante los terribles combates del 6, ya con las cabezas de playa en manos aliadas, en manos precarias, pero aliadas, y en su puesto de ametralladorista, Robert había cubierto la retirada de su pelotón, golpeado por el fuego de los morteros nazis en Neuville-au-Plain, un pueblo que integraba la comunidad de Saint Mere Eglise; se había quedado sin municiones y al salir para reaprovisionarse de su improvisada trinchera, un pozo superficial detrás de un seto de arbustos, había sido abatido por los alemanes.
El jefe de la compañía D dijo a Fritz que su hermano Robert estaba enterrado en el cementerio de Saint-Mere Eglise, que luego pasaría a la fama porque fue el primero de los pueblos franceses en ser liberado, y porque de la punta del campanario de su iglesia quedó colgado de su paracaídas el soldado John M. Steele que debió cortar las correas para pisar tierra francesa. A ambos, soldado y paracaídas, los hizo famosos años después la película “El día más largo del Siglo”, sobre el legendario libro de Cornelius Ryan.
https://www.infobae.com/new-resizer/qGQTDt0WI9u2Ohn0cVQTgmIA-0M=/768x432/filters:format(webp):quality(85)/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/infobae/C6UXW7UUNJAZFP6WTLYB4ZLPYA.jpg
Tom Hanks y Steven Spielberg durante la filmación de "Salvando al soldado Ryan" (foto Paramount)
Fritz Niland quedó destrozado. La guerra ya había golpeado a su familia y a él mismo. Era el menor de cuatro hermanos, todos hijos, junto a dos mujeres, Clarissa y Margaret, de una pareja formada por Michael y Augusta Niland, que vivían en Tonawanda, en el estado de New York. Fritz era el más chico de los cuatro varones. Había nacido en 1920 y tenía veintitrés años en los días de la invasión a Normandía. El mayor, Edward Niland, había nacido en 1912, le seguían Preston, que había nacido en 1915, Robert, en 1919 y Fritz. Todos se habían integrado al ejército de Estados Unidos, Preston y Robert para cumplir con el servicio militar y Edward y Fritz como voluntarios luego del ataque japonés a Pearl Harbor.
Los hermanos pidieron pelear juntos, pero fueron separados, o al menos intentaron separarlos, en distintas unidades porque la secretaría de guerra no quería que se repitiese otra tragedia flamante, la de los hermanos Sullivan, cinco muchachos de entre veintisiete y veinte años, nacidos en Waterloo, Iowa, que formaban parte de la tripulación del crucero ligero “Juneau”, torpedeado y hundido por los japoneses el 13 de noviembre de 1942, cerca de Guadalcanal. De toda la dotación del crucero sólo sobrevivieron diez marinos y ningún Sullivan.
https://www.infobae.com/new-resizer/nlGAMCihMo27rDqIn4r5nuKPhUA=/768x432/filters:format(webp):quality(85)/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/infobae/Q7DCLLVB55DTHDKV5I4WY4VRZ4.jpg
Matt Damon en su recordado papel del soldado Ryan
Pero la tragedia parecía a punto de repetirse. En mayo de 1944, un mes antes del desembarco en Normandía, los Niland habían recibido una noticia terrible: Edward, de 31 años, había sido derribado por el fuego antiaéreo japonés en una misión sobre Birmania. Edward también era sargento del 12 Grupo de Bombarderos del 43º Escuadrón, y operador de radio de B-25 encargado de atacar las rutas japonesas de abastecimiento. Si bien había cierta confusión sobre la fecha exacta del derribo del avión, se presumía que había sido el 20 de mayo. Como ninguno de los tripulantes había sido hallado tras el impacto, se lo consideraba “Missing in action”, desaparecido en acción, lo que equivalía a la muerte.
Cuando supo que su hermano Robert estaba enterrado cerca de Saint-Mere-Eglise, Fritz quiso ver su tumba. Lo acompañó un capellán, el teniente coronel Francis Sampson, sacerdote católico de la Arquidiócesis de Servicios Militares y uno de los tipos más queridos en la 101 Airborne. Fue Sampson quien hizo las averiguaciones del caso, quien buscó en los registros el nombre de Robert Niland para ubicar su tumba. Regresó donde lo esperaba Fritz con lo que creyó que era una buena noticia: “El muerto no es tu hermano –le dijo- Es otro Niland, este se llama Preston”. Fritz le contestó: “Es otro Niland, pero también es mi hermano”. Sampson supo entonces la enorme tragedia de la que era testigo: tres Niland muertos y un solo sobreviviente. Decidió entonces sacar de la guerra a Fritz, que se convirtió sin saberlo en el soldado Ryan de la película que se filmaría medio siglo más tarde.
https://www.infobae.com/new-resizer/3jTnH7UhV0veHSTgWrbxaTIH_9Y=/768x1024/filters:format(webp):quality(85)/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/infobae/U63LE5XJTRHDXCZVQHM7RD6N6Y.jpg
Sobre la muerte de Preston Niland también hay confusión. Había desembarcado en la playa Utah, una de las cinco playas del desembarco junto a Omaha, Juno, Gold y Sword, como alférez, segundo teniente, del 22 Regimiento de la 4ta. División de Infantería. El gigantesco caudal humano destinado a invadir el continente europeo había tirado abajo el prurito de impedir que los hermanos pelearan en un mismo campo de batalla: todos fueron a parar a Normandía. Algunos testimonios afirmaron que Preston murió cuando intentaba ayudar a un camarada herido, el 7 de junio. Pero en su tumba del cementerio de Colleville-sur-Mer figura como fecha de su muerte el 6 de junio, el mismo día del desembarco y de la muerte de su hermano Robert.
Fritz Niland no quiso volver a Estados Unidos. Se emperró en seguir en los campos de batalla. Según uno de sus compañeros, John Bacon, dijo que sólo volvería a casa esposado y que su intención era vengar la muerte de sus hermanos. Pero el padre Sampson, que además de impulsar la misericordia cristiana era militar, le dijo: “Si querés, podes enojarte con el general Eisenhower y con el presidente Roosevelt. Pero volvés a casa”.
Para Niland-Ryan no hubo ningún capitán Miller, ninguna patrulla que dejara jirones de vida para hallarlo, sino un simple trámite burocrático que lo despachó de nuevo a Estados Unidos. No le fue fácil porque la burocracia es la burocracia aquí en la Tierra como en el Cielo, en la paz o en la guerra: el traslado de Niland se demoró por un papeleo indescifrable y el muchacho estuvo como candidato para tomar parte de la operación “Market Garden”, la toma por parte de los aliados de los puentes vitales en los Países Bajos que, se suponía, iba a acelerar la llegada a Berlín y la liberación de ese reino. Fue un desastre militar y, de haber integrado las fuerzas aliadas, Niland pudo morir en aquel disparate diseñado por el inefable mariscal británico Bernard Montgomery.
https://www.infobae.com/new-resizer/2wiVRjAQEf-KgL6_IjcoHD84OGw=/768x576/filters:format(webp):quality(85)/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/infobae/NHNNYR5DRRBFDFWTNIV3TQBVFQ.jpg
Entre paréntesis, sobre Montgomery, “Monty” para la historia, sólo se ha contado lo bueno. El tipo cometió un par de chambonadas gordas incluso en África, donde puso más que en vereda a las huestes del mariscal Erwin Rommel. Pero en Francia, por ejemplo debió tomar la ciudad de Caen al tercer día de la invasión a Normandía y tardó diecisiete, lo que le hizo murmurar con feroz ironía al comandante supremo de los aliados, Dwight Eisenhower: “No estamos en condiciones de soportar un nuevo éxito militar de Monty”. El gran fracaso militar de la operación Market Garden fue recreado para el cine en el film “Un puente demasiado lejos”, filmada en 1977, cuando en el cine ni se hablaba de los héroes de Marvel.
Fritz Niland dejó la guerra, a su pesar y pese a sus protestas. Primero fue retirado de Francia y enviado de regreso a Inglaterra, a un campamento levantado en Lamborne, al oeste de Londres. Cuando los eternos papeles de su regreso estuvieron firmados y listos, fue repatriado. No fue sino luego de que el presidente Franklin D. Roosevelt diera orden de repatriarlo de inmediato: un día y medio después, Fritz volaba de regreso a New York donde fue destinado a la Policía Militar.
La historia todavía tenía pensado dar un giro imprevisto. Con la guerra acabada en Europa, el nazismo destruido y Alemania en ruinas, todavía quedaba terminar con la guerra en el Pacífico: Japón recién se iba a rendir en agosto de 1945, después del estallido de dos bombas atómicas en Hiroshima y Nagasaki.
En mayo de 1945, las tropas británicas que reconquistaban los territorios de Birmania ocupada por los japoneses, encontraron en medio de la selva a un soldado a punto de morir de hambre, vestido con harapos y perdido en la bruma de la inanición: pesaba treinta y ocho kilos. Era Edward Niland, que no había muerto en mayo de 1944. Había saltado en paracaídas de su B-25, había vagado por la selva hasta dar con un poblado de pescadores que lo entregaron de inmediato a los japoneses; había pasado un año en un campo de concentración del que logró fugarse y se lanzó a la aventura de sobrevivir en la jungla, desafío que casi le cuesta la vida.
Cuando estuvo repuesto y con mejor peso, el otro hermano Niland también regresó a casa. Su padre dijo que siempre había soñado que su hijo, desaparecido en acción, había saltado en paracaídas y que, en esos sueños, le decía: “Papá, estoy bien y vuelvo a casa”. La madre dijo, y la familia sostuvo, que siempre había puesto en la mesa un plato de comida en espera de su regreso. Vivió el resto de su vida en su Tonawanda natal y murió el 28 de febrero de 1984, a los setenta y un años. Frederick “Fritz” Niland se casó con Marilyn Batt, tuvo dos hijas, Catherine y Mary, y murió en San Francisco un año antes que su hermano, el 1 de diciembre de 1983, a los sesenta y tres años.
https://www.infobae.com/new-resizer/9o8TYTFMFwf5F-8CqGFpMf6tBhA=/768x576/filters:format(webp):quality(85)/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/infobae/4PX4K7OBGJCA5I3N22N25YWDX4.jpg
La tumba de Preston Niland en el cementerio americano de Colleville-sur-Mer
El cementerio americano de Colleville-sur-Mer guarda los restos de los más de diez mil soldados que cayeron en las duras batallas que llevaron a la liberación de Francia primero y de Europa después. Es en ese cementerio donde Spielberg filmó la conmovedora escena final de “Salven al soldado Ryan”, que muestra al Ryan de ficción, ya en el otoño de su vida, frente a la tumba del capitán Miller con un interrogante destinado a su familia: “Decíme que todo esto valió la pena. Decíme que fui un buen hombre”.
En ese cementerio están enterrados los dos hermanos de Fritz Niland, Robert y Preston, caídos ambos en las horas que siguieron al desembarco aliado en Normandía. Son las tumbas 11 y 12, fila 15, parcela F.
Fuente: Infobae
Heráclito
28-07-2024, 09:09:04
Detalles técnicos y críticas de "Salvando al soldado Ryan"
Antes que nada el link para verla subtitulada al español: https://ok.ru/group/70000006188245/topic/157112925411541
Título original: Saving Private Ryan
Año: 1998
Duración: 170 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Steven Spielberg
Guion: Robert Rodat
Música: John Williams
Fotografía: Janusz Kaminski
Protagonistas: Tom Hanks, Tom Sizemore, Edward Burns, Matt Damon, Jeremy Davies, Adam Goldberg, Barry Pepper, Giovanni Ribisi, Vin Diesel
Sinopsis
Segunda Guerra Mundial, 1944. Tras el desembarco de los Aliados en Normandía, a un grupo de soldados americanos se le encomienda una peligrosa misión: poner a salvo al soldado James Ryan. Los hombres de la patrulla del capitán John Miller deben arriesgar sus vidas para encontrar a este soldado, cuyos tres hermanos han muerto en la guerra. Lo único que se sabe del soldado Ryan es que se lanzó con su escuadrón de paracaidistas detrás de las líneas enemigas.
Premios:
1998: 5 Oscars: Director, fotografía, montaje, sonido, efectos sonoros. 11 nom.
1998: 2 Globos de Oro: Mejor película: Drama, director. 5 nominaciones
1998: 2 premios BAFTA: Mejores efectos visuales y sonido. 10 nom.
1998: Nominada al Cesar: Mejor película extranjera
1998: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película. 2 nominaciones
1998: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor película, dirección y fotografía
Críticas:
Desde el momento en que vuelan las primeras balas, toda una generación de cinéfilos fuimos abatidos ante la pérdida de la inocencia del género bélico. La escena inicial en la que se abren las compuertas de la lancha y las primeras filas de soldados caen traspasadas por las ráfagas de metralletas alemanas supone un pequeño punto y aparte en el séptimo arte. Sin darnos cuenta estábamos asistiendo al despliegue de las tropas aliadas en las playas de Normandía... y al desembarco de la hiperrealidad en las escenas de acción en el cine.
La principal novedad eran esos sonidos secos. Los disparos atravesando marines como mantequilla no sonaban como silbidos agudos, sino como graves y secos estallidos: los del plomo entrando en la carne, destrozando cuerpos y vidas. Y esa minúscula diferencia magnificaba el asombro hasta convencerte de no estabas en una película bélica más, sino ante un espectáculo inédito, nunca visto. Nada en el cine de guerra volverá a ser lo mismo. Y poco en las secuencias de acción tendría credibilidad si no se copiaba este formato hiperrealista, que salpicaba autenticidad.
Nunca estuvimos tan cerca de contemplar qué es la guerra, cómo de sucia y aterradora, ni qué angustiosa puede ser la muerte en combate -brutal la escena de la pelea a cuchillo-. Poco más que decir sobre esta descomunal obra maestra, una batería de escenas deslumbrantes que marcan a fuego el legado de Spielberg... por enésima vez. De nuevo el maestro entrega otra obra colosal, innovadora y al tiempo enormemente entretenida. Ni siquiera su final sentimentaloide y patriótico consigue estropearla.
Finalmente resaltar el hecho de que el Oscar a la mejor película a la modesta "Shakespeare In Love" aquel año, por no volver a premiar al ganador de "La lista de Schindler" (1993), sólo es equiparable a cuando, en 1979, "Kramer contra Kramer" se impuso a "Apocalypse Now"; ambos forman parte de los errores imperdonables de la Academia de Hollywood, en este caso levemente compensado con varios de los Oscars técnicos más incontestables de todos los tiempos: la fotografía, el montaje, el sonido, los citados efectos sonoros y por supuesto la dirección hicieron de la primera media hora de "Saving Private Ryan" quizá el comienzo más impactante de la historia del cine.
Pablo Kurt: FilmAffinity
"Una de las grandes producciones bélicas de la historia del cine. (...) profunda reflexión sobre la II Guerra Mundial siguiendo la mejor tradición del cine bélico de profundas convicciones antibelicistas. Espléndido reparto"
Fernando Morales: Diario El País
"Tres horas de gran cine, rodado con audacia y precisión, con secuencias inolvidables (la búsqueda con las chapas). Todo hasta un epílogo blandito"
Javier Ocaña: Cinemanía
"Una de las mejores películas de la década"
Omar Khan: Diario El País
"Ofrece un potencial de espectáculo inigualable (...) Una obra compleja a la que es imposible asistir sin sentirse removido por la ferocidad de sus imágenes. (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)"
Daniel Monzón: Fotogramas
"La película que mejor y más conmovedoramente nos muestra lo que es ese infierno llamado guerra"
Vicente Molina Foix: Cinemanía
"'Saving Private Ryan' es una obra maestra. Consolida la reputación de Spielberg como uno de los cineastas fundamentales de esta era"
Rex Reed: The New York Observer
Fuente:; Filmaffinnity
Antes que nada el link para verla subtitulada al español: https://ok.ru/group/70000006188245/topic/157112925411541
Título original: Saving Private Ryan
Año: 1998
Duración: 170 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Steven Spielberg
Guion: Robert Rodat
Música: John Williams
Fotografía: Janusz Kaminski
Protagonistas: Tom Hanks, Tom Sizemore, Edward Burns, Matt Damon, Jeremy Davies, Adam Goldberg, Barry Pepper, Giovanni Ribisi, Vin Diesel
Sinopsis
Segunda Guerra Mundial, 1944. Tras el desembarco de los Aliados en Normandía, a un grupo de soldados americanos se le encomienda una peligrosa misión: poner a salvo al soldado James Ryan. Los hombres de la patrulla del capitán John Miller deben arriesgar sus vidas para encontrar a este soldado, cuyos tres hermanos han muerto en la guerra. Lo único que se sabe del soldado Ryan es que se lanzó con su escuadrón de paracaidistas detrás de las líneas enemigas.
Premios:
1998: 5 Oscars: Director, fotografía, montaje, sonido, efectos sonoros. 11 nom.
1998: 2 Globos de Oro: Mejor película: Drama, director. 5 nominaciones
1998: 2 premios BAFTA: Mejores efectos visuales y sonido. 10 nom.
1998: Nominada al Cesar: Mejor película extranjera
1998: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película. 2 nominaciones
1998: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor película, dirección y fotografía
Críticas:
Desde el momento en que vuelan las primeras balas, toda una generación de cinéfilos fuimos abatidos ante la pérdida de la inocencia del género bélico. La escena inicial en la que se abren las compuertas de la lancha y las primeras filas de soldados caen traspasadas por las ráfagas de metralletas alemanas supone un pequeño punto y aparte en el séptimo arte. Sin darnos cuenta estábamos asistiendo al despliegue de las tropas aliadas en las playas de Normandía... y al desembarco de la hiperrealidad en las escenas de acción en el cine.
La principal novedad eran esos sonidos secos. Los disparos atravesando marines como mantequilla no sonaban como silbidos agudos, sino como graves y secos estallidos: los del plomo entrando en la carne, destrozando cuerpos y vidas. Y esa minúscula diferencia magnificaba el asombro hasta convencerte de no estabas en una película bélica más, sino ante un espectáculo inédito, nunca visto. Nada en el cine de guerra volverá a ser lo mismo. Y poco en las secuencias de acción tendría credibilidad si no se copiaba este formato hiperrealista, que salpicaba autenticidad.
Nunca estuvimos tan cerca de contemplar qué es la guerra, cómo de sucia y aterradora, ni qué angustiosa puede ser la muerte en combate -brutal la escena de la pelea a cuchillo-. Poco más que decir sobre esta descomunal obra maestra, una batería de escenas deslumbrantes que marcan a fuego el legado de Spielberg... por enésima vez. De nuevo el maestro entrega otra obra colosal, innovadora y al tiempo enormemente entretenida. Ni siquiera su final sentimentaloide y patriótico consigue estropearla.
Finalmente resaltar el hecho de que el Oscar a la mejor película a la modesta "Shakespeare In Love" aquel año, por no volver a premiar al ganador de "La lista de Schindler" (1993), sólo es equiparable a cuando, en 1979, "Kramer contra Kramer" se impuso a "Apocalypse Now"; ambos forman parte de los errores imperdonables de la Academia de Hollywood, en este caso levemente compensado con varios de los Oscars técnicos más incontestables de todos los tiempos: la fotografía, el montaje, el sonido, los citados efectos sonoros y por supuesto la dirección hicieron de la primera media hora de "Saving Private Ryan" quizá el comienzo más impactante de la historia del cine.
Pablo Kurt: FilmAffinity
"Una de las grandes producciones bélicas de la historia del cine. (...) profunda reflexión sobre la II Guerra Mundial siguiendo la mejor tradición del cine bélico de profundas convicciones antibelicistas. Espléndido reparto"
Fernando Morales: Diario El País
"Tres horas de gran cine, rodado con audacia y precisión, con secuencias inolvidables (la búsqueda con las chapas). Todo hasta un epílogo blandito"
Javier Ocaña: Cinemanía
"Una de las mejores películas de la década"
Omar Khan: Diario El País
"Ofrece un potencial de espectáculo inigualable (...) Una obra compleja a la que es imposible asistir sin sentirse removido por la ferocidad de sus imágenes. (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)"
Daniel Monzón: Fotogramas
"La película que mejor y más conmovedoramente nos muestra lo que es ese infierno llamado guerra"
Vicente Molina Foix: Cinemanía
"'Saving Private Ryan' es una obra maestra. Consolida la reputación de Spielberg como uno de los cineastas fundamentales de esta era"
Rex Reed: The New York Observer
Fuente:; Filmaffinnity
Heráclito
31-07-2024, 11:27:26
Les uns et les autres (Melodía de la vida)
Enlace para verla: https://ok.ru/video/3871931370008
(Los unos y los otros en España y Venezuela y Melodía de la vida en México y Colombia)
Película francesa (1981), dirigida por Claude Lelouch.
Es un musical épico, generalmente considerada como la obra maestra de Lelouch, junto con Un hombre y una mujer. Ha ganado el Gran Premio a la Técnica en el Festival de Cannes de 1981.1 Fue la sexta película más vista del año de su estreno, con 3 234 549 espectadores.
https://pics.filmaffinity.com/Los_unos_y_los_otros-953302210-large.jpg
Argumento
La película sigue la historia de cuatro familias de diferentes nacionalidades (rusa, alemana, francesa y estadounidense) con la misma pasión por la música, desde los años 30 hasta la década de 1980. Sus historias se cruzan varias veces en diferentes lugares y tiempos; la historia se ve principalmente marcada por las vivencias de las familias durante la Segunda Guerra Mundial
En 1936, en Moscú, una bailarina llamada Tatiana se casa con Boris, quien le da un hijo justo antes de morir durante la guerra. En Berlín, el pianista Karl Kremer alcanza el éxito tras recibir elogios de parte de Hitler. En París, la joven violinista Anne se enamora de Simon Meyer, un pianista judío, con quien se casa y tienen un hijo, pero terminan en un tren camino a un campo de concentración nazi; en un alto, el niño es abandonado para que escape de la muerte. En Nueva York, Jack Glenn se ha hecho un nombre con su banda de jazz.
Veinte años más tarde, los hijos de estas familias reviven la historia de sus padres; por su parte, Anne continúa la búsqueda del niño que abandonara en camino al campo de concentración. El final de la película reúne a todas las familias en un espectáculo de danza clásica musicalizado por Bolero, de Maurice Ravel.
Aunque todos los personajes son ficticios, varios de ellos están basados en la historia de íconos musicales como Édith Piaf, Joséphine Baker, Herbert von Karajan, Glenn Miller y Rudolf Nuréyev.
Premios:
1981: Festival de Cannes: Premio técnico
1981: Premios César: 4 nominaciones incluyendo Película
1982: Japan Academy Awards: Nominada a Mejor film de habla extranjera.
La alternativa | Los unos y los otros (Claude Lelouch)
Pablo Vázquez Pérez
https://68ajsg.db.files.1drv.com/y4mthLYxI6KCil7yZvgETYaNNEVeCWCWn4C23KXnrXc3XwGHNArZLPLElnYD az2UzMRLO1QtHKgFRiYHEGW9r-RM6wOyCK4_W7qiJw10xMS9__kBcxohCXLw_uzppAHukGlJ6rC92VrXRiJJCh Xm3cqG_XsDPvKjqgcWUVDp9QfWrsrzcWJRbJ-ONXmaJZSR3UDTOVhhUYdItU5d_CILtzYLIEoukNGyHbzjHRauXAPn0w/Los%20unos%20y%20los%20otros%201.jpg?psid=1
Esta frase resulta perfecta para definir gran parte de los rasgos de conducta en la especie humana. También sirve como resumen, semilla e introducción de Los unos y los otros, un drama épico de trasfondo musical que transcurre desde los prolegómenos de la Segunda Guerra Mundial hasta el año 1980. La cita es de la escritora norteamericana Willa Cather, una sentencia que aparece sobreimpresionada y manuscrita en la pantalla, con el fondo de un bailarín ruso que danza a los compases del Bolero de Ravel.
Del mismo modo, los títulos de crédito finales del film se suceden con esos caracteres espontáneos que muestran la caligrafía del responsable, tanto en la escritura del guión como de la dirección, Claude Lelouch, un reputado cineasta francés recuperado recientemente con Los años más bellos de una vida, la tercera parte de su obra más conocida, Un hombre y una mujer. La veteranía del director galo se cimienta en una filmografía de unas cincuenta películas de índole comercial, repartidas entre géneros como el drama, la comedia, el suspense, las aventuras y algunas aproximaciones al musical como la que trata esta gran historia en magnitud narrativa. Un metraje de tres horas para contar las vidas de cuatro familias formadas por músicos, bailarines y estrellas de variedades en Francia, Rusia, Alemania y Estados Unidos. Unas trayectorias vitales que transcurren paralelas desde poco antes de la invasión de Polonia por las tropas nazis, los contraataques rusos, la intervención estadounidense en la Guerra y la ocupación de París.
https://68ajsg.db.files.1drv.com/y4m6jJ2jGw4bLFzQjXe47r7GUug9-z6AZcUm4YY63SRBmIZBwtkziRZ3gg1y78w9gishaBdwIO2_ffqYD-gMoO9L5TArwCrplo33tOyMyd4ZBSvZP5_XQHVMzatLCMxoJYJ1ZoPHyLoHJc OrQrF53zYH9EZT6oD6v1ZDqy3lDGyRzUJV-jh3PL7LvQpTojZRqWrtSwgTezxwByoRtnG5mKjkfzcH7JuOqrCAiQ1Z4kCrq c/Los%20unos%20y%20los%20otros%202.jpg?psid=1
Las cuatro acciones simultáneas y consecutivas saltan desde un matrimonio entre los Itovich, formado por la bailarina Tatiana y su mentor Boris. Una pareja que da paso a la formada por los músicos Simon y Anne Meyer, de origen judío y que serán deportados a campos de concentración. Al mismo tiempo se desarrolla la carrera de Karl Kremer, un director de orquesta que formará parte del ejército nazi durante la ocupación francesa. Y fuera de Europa vive el director de una famosa ‹big band›, Jack Glenn junto a su mujer, la cantante francesa Sara, ambos padres de la futura cantante Suzan.
Los unos y los otros tiene a su favor la vocación de ser una obra más grande que la vida por la envergadura de un presupuesto que no escatima gastos en una producción que abarca cuatro décadas cruciales del siglo veinte. La más detallada es la que se desarrolla durante toda la contienda bélica, desde 1939 hasta 1945. Después los saltos temporales llegan hasta el final de la Guerra de Argelia, en los sesenta. Y un nuevo avance temporal que llega al presente, situado al inicio de los ochenta.
Esa magnitud histórica, global, plagada de familias y personajes de diversas procedencias, clases y latitudes —aunque unidos por sus profesiones musicales o artíticas— sugiere más el envoltorio propio de una miniserie televisiva. No significa que todo el metraje presente fisuras en los encuentros fortuitos o el interés de unas familias sobre las otras. Eso sí, las mejor retratadas son las que atañen a los franceses —los Meyer— y a los norteamericanos —los Glenn— que, además, son interpretados por Nicole Garcia, Robert Hossein, Geraldine Chaplin y James Caan. Es decir, las estrellas en cuestión de un reparto internacional que también incluye actrices emergentes como Fanny Ardant o Sharon Stone —apenas unos segundos—.
https://68ajsg.db.files.1drv.com/y4mCQ68nUl9Kvlxb-MJJpfkTQu_QM0VtbOVKiNjPytoGR3Y1nlHQnCv9kyAri1Jn0YhVasvl7uGFV DEz2Z1W3auteUco2Duv36JSOfRdaSEYfMqQIyQy8No0bguYZPAU1dGlRhqmX 3ePxTbeTcIY1t6JZWf0mlm7o6Yed0JqawSjU57HzbLgtCQShhPjqEq0Ghq-Sa5nLA15fT9z-G4BhyuKZKNWNRnbyZKH3BjZ8Gve1E/Los%20unos%20y%20los%20otros%203.jpg?psid=1
La epopeya está servida con un tratamiento espectacular en el diseño de producción, los cambios de escenarios, las actuaciones musicales, sin regatear en el vestuario o ambientación. Con la fuerza melódica de las canciones, piezas de música clásica elegidas y una partitura de los emocionales compositores Michel Legrand junto a Francis Lai completan el repertorio del film, claramente preparado para asaltar taquillas y premios de cine.
Una vez se ha enumerado esta lista elogiosa del apartado técnico y artístico podemos preguntar ¿porqué se ha olvidado una película como Los unos y los otros casi cuarenta años después? Desde mi punto de vista quizás su mayor lastre sean las ambiciones de un director empeñado en crear una historia llena de clímax que redobla al final de cada secuencia. Su concepto de la puesta en escena lo basa en unos planos secuencia rodados con arnés, sobre ‹steadycam›, que resultan apabullantes, siempre certeros, pero excesivos en su cantidad y duración.
https://68ajsg.db.files.1drv.com/y4mzTbc2KxziHuj2dT-Za-NTJCTbcQizHEvq131c8vHHEKkMUAxQwQdGET-7iQBVz15fhToW0_U9DGOQqoj7FUnTPT514ikiuluODexR2BIvP7lPo4ryrGW f9LBhex5WFj_9Vv3yJGDgVOKA1-qLVXb1MONx_FxoymlylZO2XPZnXSKoCa4LMRosLc28bMuiv7lcw8qgKqP8sn 3KE9tFq3sHJnU-ap6HTTOCkmnPf83dYc/Los%20unos%20y%20los%20otros%204.jpg?psid=1
Y a pesar de lo criticado es evidente que Los unos y los otros puede ser un producto entretenido para pasar la tarde, tal vez no apasionante, pero sí consumible. Acredita escenas mayores como esa revisión por un oficial nazi, de los niños circuncidados en una escuela francesa, para comprobar si son judíos. El viaje en tren hacia los campos de exterminio, un trágico momento en el que Simon Meyer abandona a su bebé en las vías con todo su dinero, para que sea encontrado y liberarlo de los alemanes, una tragedia tratada de la manera más sobria posible. Por supuesto el concierto del antiguo oficial germano al que solo acuden dos periodistas y que termina con una lluvia de fotos de Hitler junto al director de orquesta sobre el escenario. O algunos encadenados narrativos entre números musicales que dotan de agilidad al conjunto.
https://68ajsg.db.files.1drv.com/y4mgu4b0F1c12c6Wjc7_BnKTlNzf6WDdvwbUQO17W3pp1DqtbN-IIWIn0M9RqYDalmzRSdBkjnlpNZ7XCwzzdv7QZ78nld0YjujLfDzjNcYI8Xh MpKgnnxE2HwRcbhzhvp5SXT6YA-PJv7MlwwZeJt_CExK4wgfdzx4HtQo2QJ0G-X6g5JWMj_1Ns3Ubc4WYJCW3MZhhPOyOpdA1Yv5vEdksTD6azn0KOgFRU7sUZ Mqv0M/Los%20unos%20y%20los%20otros%205.jpg?psid=1
Fuente: Cine Maldito
Enlace para verla: https://ok.ru/video/3871931370008
(Los unos y los otros en España y Venezuela y Melodía de la vida en México y Colombia)
Película francesa (1981), dirigida por Claude Lelouch.
Es un musical épico, generalmente considerada como la obra maestra de Lelouch, junto con Un hombre y una mujer. Ha ganado el Gran Premio a la Técnica en el Festival de Cannes de 1981.1 Fue la sexta película más vista del año de su estreno, con 3 234 549 espectadores.
https://pics.filmaffinity.com/Los_unos_y_los_otros-953302210-large.jpg
Argumento
La película sigue la historia de cuatro familias de diferentes nacionalidades (rusa, alemana, francesa y estadounidense) con la misma pasión por la música, desde los años 30 hasta la década de 1980. Sus historias se cruzan varias veces en diferentes lugares y tiempos; la historia se ve principalmente marcada por las vivencias de las familias durante la Segunda Guerra Mundial
En 1936, en Moscú, una bailarina llamada Tatiana se casa con Boris, quien le da un hijo justo antes de morir durante la guerra. En Berlín, el pianista Karl Kremer alcanza el éxito tras recibir elogios de parte de Hitler. En París, la joven violinista Anne se enamora de Simon Meyer, un pianista judío, con quien se casa y tienen un hijo, pero terminan en un tren camino a un campo de concentración nazi; en un alto, el niño es abandonado para que escape de la muerte. En Nueva York, Jack Glenn se ha hecho un nombre con su banda de jazz.
Veinte años más tarde, los hijos de estas familias reviven la historia de sus padres; por su parte, Anne continúa la búsqueda del niño que abandonara en camino al campo de concentración. El final de la película reúne a todas las familias en un espectáculo de danza clásica musicalizado por Bolero, de Maurice Ravel.
Aunque todos los personajes son ficticios, varios de ellos están basados en la historia de íconos musicales como Édith Piaf, Joséphine Baker, Herbert von Karajan, Glenn Miller y Rudolf Nuréyev.
Premios:
1981: Festival de Cannes: Premio técnico
1981: Premios César: 4 nominaciones incluyendo Película
1982: Japan Academy Awards: Nominada a Mejor film de habla extranjera.
La alternativa | Los unos y los otros (Claude Lelouch)
Pablo Vázquez Pérez
https://68ajsg.db.files.1drv.com/y4mthLYxI6KCil7yZvgETYaNNEVeCWCWn4C23KXnrXc3XwGHNArZLPLElnYD az2UzMRLO1QtHKgFRiYHEGW9r-RM6wOyCK4_W7qiJw10xMS9__kBcxohCXLw_uzppAHukGlJ6rC92VrXRiJJCh Xm3cqG_XsDPvKjqgcWUVDp9QfWrsrzcWJRbJ-ONXmaJZSR3UDTOVhhUYdItU5d_CILtzYLIEoukNGyHbzjHRauXAPn0w/Los%20unos%20y%20los%20otros%201.jpg?psid=1
Esta frase resulta perfecta para definir gran parte de los rasgos de conducta en la especie humana. También sirve como resumen, semilla e introducción de Los unos y los otros, un drama épico de trasfondo musical que transcurre desde los prolegómenos de la Segunda Guerra Mundial hasta el año 1980. La cita es de la escritora norteamericana Willa Cather, una sentencia que aparece sobreimpresionada y manuscrita en la pantalla, con el fondo de un bailarín ruso que danza a los compases del Bolero de Ravel.
Del mismo modo, los títulos de crédito finales del film se suceden con esos caracteres espontáneos que muestran la caligrafía del responsable, tanto en la escritura del guión como de la dirección, Claude Lelouch, un reputado cineasta francés recuperado recientemente con Los años más bellos de una vida, la tercera parte de su obra más conocida, Un hombre y una mujer. La veteranía del director galo se cimienta en una filmografía de unas cincuenta películas de índole comercial, repartidas entre géneros como el drama, la comedia, el suspense, las aventuras y algunas aproximaciones al musical como la que trata esta gran historia en magnitud narrativa. Un metraje de tres horas para contar las vidas de cuatro familias formadas por músicos, bailarines y estrellas de variedades en Francia, Rusia, Alemania y Estados Unidos. Unas trayectorias vitales que transcurren paralelas desde poco antes de la invasión de Polonia por las tropas nazis, los contraataques rusos, la intervención estadounidense en la Guerra y la ocupación de París.
https://68ajsg.db.files.1drv.com/y4m6jJ2jGw4bLFzQjXe47r7GUug9-z6AZcUm4YY63SRBmIZBwtkziRZ3gg1y78w9gishaBdwIO2_ffqYD-gMoO9L5TArwCrplo33tOyMyd4ZBSvZP5_XQHVMzatLCMxoJYJ1ZoPHyLoHJc OrQrF53zYH9EZT6oD6v1ZDqy3lDGyRzUJV-jh3PL7LvQpTojZRqWrtSwgTezxwByoRtnG5mKjkfzcH7JuOqrCAiQ1Z4kCrq c/Los%20unos%20y%20los%20otros%202.jpg?psid=1
Las cuatro acciones simultáneas y consecutivas saltan desde un matrimonio entre los Itovich, formado por la bailarina Tatiana y su mentor Boris. Una pareja que da paso a la formada por los músicos Simon y Anne Meyer, de origen judío y que serán deportados a campos de concentración. Al mismo tiempo se desarrolla la carrera de Karl Kremer, un director de orquesta que formará parte del ejército nazi durante la ocupación francesa. Y fuera de Europa vive el director de una famosa ‹big band›, Jack Glenn junto a su mujer, la cantante francesa Sara, ambos padres de la futura cantante Suzan.
Los unos y los otros tiene a su favor la vocación de ser una obra más grande que la vida por la envergadura de un presupuesto que no escatima gastos en una producción que abarca cuatro décadas cruciales del siglo veinte. La más detallada es la que se desarrolla durante toda la contienda bélica, desde 1939 hasta 1945. Después los saltos temporales llegan hasta el final de la Guerra de Argelia, en los sesenta. Y un nuevo avance temporal que llega al presente, situado al inicio de los ochenta.
Esa magnitud histórica, global, plagada de familias y personajes de diversas procedencias, clases y latitudes —aunque unidos por sus profesiones musicales o artíticas— sugiere más el envoltorio propio de una miniserie televisiva. No significa que todo el metraje presente fisuras en los encuentros fortuitos o el interés de unas familias sobre las otras. Eso sí, las mejor retratadas son las que atañen a los franceses —los Meyer— y a los norteamericanos —los Glenn— que, además, son interpretados por Nicole Garcia, Robert Hossein, Geraldine Chaplin y James Caan. Es decir, las estrellas en cuestión de un reparto internacional que también incluye actrices emergentes como Fanny Ardant o Sharon Stone —apenas unos segundos—.
https://68ajsg.db.files.1drv.com/y4mCQ68nUl9Kvlxb-MJJpfkTQu_QM0VtbOVKiNjPytoGR3Y1nlHQnCv9kyAri1Jn0YhVasvl7uGFV DEz2Z1W3auteUco2Duv36JSOfRdaSEYfMqQIyQy8No0bguYZPAU1dGlRhqmX 3ePxTbeTcIY1t6JZWf0mlm7o6Yed0JqawSjU57HzbLgtCQShhPjqEq0Ghq-Sa5nLA15fT9z-G4BhyuKZKNWNRnbyZKH3BjZ8Gve1E/Los%20unos%20y%20los%20otros%203.jpg?psid=1
La epopeya está servida con un tratamiento espectacular en el diseño de producción, los cambios de escenarios, las actuaciones musicales, sin regatear en el vestuario o ambientación. Con la fuerza melódica de las canciones, piezas de música clásica elegidas y una partitura de los emocionales compositores Michel Legrand junto a Francis Lai completan el repertorio del film, claramente preparado para asaltar taquillas y premios de cine.
Una vez se ha enumerado esta lista elogiosa del apartado técnico y artístico podemos preguntar ¿porqué se ha olvidado una película como Los unos y los otros casi cuarenta años después? Desde mi punto de vista quizás su mayor lastre sean las ambiciones de un director empeñado en crear una historia llena de clímax que redobla al final de cada secuencia. Su concepto de la puesta en escena lo basa en unos planos secuencia rodados con arnés, sobre ‹steadycam›, que resultan apabullantes, siempre certeros, pero excesivos en su cantidad y duración.
https://68ajsg.db.files.1drv.com/y4mzTbc2KxziHuj2dT-Za-NTJCTbcQizHEvq131c8vHHEKkMUAxQwQdGET-7iQBVz15fhToW0_U9DGOQqoj7FUnTPT514ikiuluODexR2BIvP7lPo4ryrGW f9LBhex5WFj_9Vv3yJGDgVOKA1-qLVXb1MONx_FxoymlylZO2XPZnXSKoCa4LMRosLc28bMuiv7lcw8qgKqP8sn 3KE9tFq3sHJnU-ap6HTTOCkmnPf83dYc/Los%20unos%20y%20los%20otros%204.jpg?psid=1
Y a pesar de lo criticado es evidente que Los unos y los otros puede ser un producto entretenido para pasar la tarde, tal vez no apasionante, pero sí consumible. Acredita escenas mayores como esa revisión por un oficial nazi, de los niños circuncidados en una escuela francesa, para comprobar si son judíos. El viaje en tren hacia los campos de exterminio, un trágico momento en el que Simon Meyer abandona a su bebé en las vías con todo su dinero, para que sea encontrado y liberarlo de los alemanes, una tragedia tratada de la manera más sobria posible. Por supuesto el concierto del antiguo oficial germano al que solo acuden dos periodistas y que termina con una lluvia de fotos de Hitler junto al director de orquesta sobre el escenario. O algunos encadenados narrativos entre números musicales que dotan de agilidad al conjunto.
https://68ajsg.db.files.1drv.com/y4mgu4b0F1c12c6Wjc7_BnKTlNzf6WDdvwbUQO17W3pp1DqtbN-IIWIn0M9RqYDalmzRSdBkjnlpNZ7XCwzzdv7QZ78nld0YjujLfDzjNcYI8Xh MpKgnnxE2HwRcbhzhvp5SXT6YA-PJv7MlwwZeJt_CExK4wgfdzx4HtQo2QJ0G-X6g5JWMj_1Ns3Ubc4WYJCW3MZhhPOyOpdA1Yv5vEdksTD6azn0KOgFRU7sUZ Mqv0M/Los%20unos%20y%20los%20otros%205.jpg?psid=1
Fuente: Cine Maldito
Heráclito
05-08-2024, 09:35:49
40 años sin Richard Burton
https://imagenes.elpais.com/resizer/v2/LZVEM266MFEUFMIM2DHVN2PIPY.jpg?auth=30d50b826844e2873b28a840 9ad6d5e6b25d9a887b4767bba8b7d2dffb244460&width=414
Richard Burton (nacido Richard Walter Jenkins; Pontrhydyfen, Gales, 10 de noviembre de 1925-Céligny, Suiza, 5 de agosto de 1984), fallecido a los 58 años por hemorragia cerebral, fue un actor británico, nominado en siete ocasiones al premio Óscar. Otro damnificado de la Academia de Hollywood.
Admirado por su presencia física, atractiva e hipnótica, de voz grave y mirada penetrante, además de ser marido dos veces de Elizabeth Taylor.
https://hips.hearstapps.com/hmg-prod/images/richard-burton-elizabeth-taylor-fotogramas-9-1604234538.jpg
Interpretó multitud de personajes en cine y teatro, Hamlet, Alejandro Magno, Marco Antonio, Enrique VIII, Leon Trotsky, pero yo quiero reseñar esta película poco comercial o conocida, de una categoría descomunal, donde encarna a Thomas Becket junto al gran Peter O´Toole, "Becket" de 1964.
Enlace para disfrutarla: https://ok.ru/video/2395680803352
Film excepcional que profundiza principalmente sobre la soledad de los poderosos, erigidos en símbolos de grandes instituciones, que han de renunciar a todo lo demás, amistad incluida. Así, ambos personajes tienen clara cuál es su misión, su deber, y el concepto del honor del que están imbuidos les impide dar marcha atrás o transigir en exceso.
Sin olvidar esa lucha fratricida entre Iglesia y Estado durante el siglo XII, en plena Edad Media, dirigido por Peter Glenville, especialista en grandes montajes escénicos, a partir de una obra del francés Jean Anouilh.
Una excelente ambientación con una sobria puesta en escena presiden este mano a mano impresionante entre Richard Burton (Becket) y Peter O´Toole (Henry II).
https://i0.wp.com/www.cinemanet.info/wp-content/uploads/2021/05/becket-texto-2.jpg?resize=1170%2C585&ssl=1
El drama histórico de Becket había sido representado con éxito anteriormente en Broadway, siendo Laurence Olivier (Becket) y Anthony Quinn (Henry II).
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4397261&stc=1&d=1722868523
Con guion adaptado por Edward Anhalt (el único Oscar que tiene la película, de 12 nominaciones), plantea abiertamente una reflexión en torno a los límites del poder, la tentación absolutista y la necesidad de clarificación y de delimitación de los poderes eclesial y político.
Sin preocuparse en demasía por ocultar su origen teatral, la cinta se inscribe de lleno en esa tradición británica del cine histórico que tantos títulos reseñables dará en los años siguientes (Un hombre para la eternidad, 1966; Cromwell, 1970), tradición caracterizada por ese respeto a la fuente escénica, por esos diálogos brillantes y rebosantes de ironía, con una perfecta dicción verbal, por una irreprochable profesionalidad y una realización pulcra, de una belleza formal, sobria y academicista.
https://cope-cdnmed.cope.es/resources/jpg/2/8/1610091923782.jpg
Narrada en un extenso “flashback”, conoceremos la influencia de Becket, un leal y fiel sirviente sajón del rey Henry II de Inglaterra, amigos inseparables de correrías alcohólicas y mujeriegas, que provoca recelos en la nobleza dominante, los normandos y mantiene una larga disputa por un viejo conflicto entre la Iglesia y el Estado.
Becket, inflexible seguidor de las directrices de Roma, es nombrado por el rey arzobispo de Canterbury, en un intento estratégico de alterar la situación. Pero el nuevo arzobispo, que antes se sentía vacío, ha encontrado en Dios, la luz interior y se seguirá oponiendo con todas sus fuerzas a los deseos del monarca de poner coto al incremento del poder papal en Inglaterra.
https://scontent.fbog4-1.fna.fbcdn.net/v/t39.30808-6/454234370_7714443695333315_7518358369526983337_n.jpg?stp=dst-jpg_p526x296&_nc_cat=104&ccb=1-7&_nc_sid=aa7b47&_nc_eui2=AeEuMkWb6pxZLSh2QZJAYV_Ai6Qt9IBL2TSLpC30gEvZNFmgym8 vP1Nn5GddBoCBXqI&_nc_ohc=PXspyv3Jf6sQ7kNvgFdSh_K&_nc_ht=scontent.fbog4-1.fna&cb_e2o_trans=t&oh=00_AYCTncz6ujt4EKzkwDPp-ZwrSdakkK5_1FJjfnzXfpBxDg&oe=66B6BDAC
Fuente: Hablemos de cine clásico (Facebbok)
https://imagenes.elpais.com/resizer/v2/LZVEM266MFEUFMIM2DHVN2PIPY.jpg?auth=30d50b826844e2873b28a840 9ad6d5e6b25d9a887b4767bba8b7d2dffb244460&width=414
Richard Burton (nacido Richard Walter Jenkins; Pontrhydyfen, Gales, 10 de noviembre de 1925-Céligny, Suiza, 5 de agosto de 1984), fallecido a los 58 años por hemorragia cerebral, fue un actor británico, nominado en siete ocasiones al premio Óscar. Otro damnificado de la Academia de Hollywood.
Admirado por su presencia física, atractiva e hipnótica, de voz grave y mirada penetrante, además de ser marido dos veces de Elizabeth Taylor.
https://hips.hearstapps.com/hmg-prod/images/richard-burton-elizabeth-taylor-fotogramas-9-1604234538.jpg
Interpretó multitud de personajes en cine y teatro, Hamlet, Alejandro Magno, Marco Antonio, Enrique VIII, Leon Trotsky, pero yo quiero reseñar esta película poco comercial o conocida, de una categoría descomunal, donde encarna a Thomas Becket junto al gran Peter O´Toole, "Becket" de 1964.
Enlace para disfrutarla: https://ok.ru/video/2395680803352
Film excepcional que profundiza principalmente sobre la soledad de los poderosos, erigidos en símbolos de grandes instituciones, que han de renunciar a todo lo demás, amistad incluida. Así, ambos personajes tienen clara cuál es su misión, su deber, y el concepto del honor del que están imbuidos les impide dar marcha atrás o transigir en exceso.
Sin olvidar esa lucha fratricida entre Iglesia y Estado durante el siglo XII, en plena Edad Media, dirigido por Peter Glenville, especialista en grandes montajes escénicos, a partir de una obra del francés Jean Anouilh.
Una excelente ambientación con una sobria puesta en escena presiden este mano a mano impresionante entre Richard Burton (Becket) y Peter O´Toole (Henry II).
https://i0.wp.com/www.cinemanet.info/wp-content/uploads/2021/05/becket-texto-2.jpg?resize=1170%2C585&ssl=1
El drama histórico de Becket había sido representado con éxito anteriormente en Broadway, siendo Laurence Olivier (Becket) y Anthony Quinn (Henry II).
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4397261&stc=1&d=1722868523
Con guion adaptado por Edward Anhalt (el único Oscar que tiene la película, de 12 nominaciones), plantea abiertamente una reflexión en torno a los límites del poder, la tentación absolutista y la necesidad de clarificación y de delimitación de los poderes eclesial y político.
Sin preocuparse en demasía por ocultar su origen teatral, la cinta se inscribe de lleno en esa tradición británica del cine histórico que tantos títulos reseñables dará en los años siguientes (Un hombre para la eternidad, 1966; Cromwell, 1970), tradición caracterizada por ese respeto a la fuente escénica, por esos diálogos brillantes y rebosantes de ironía, con una perfecta dicción verbal, por una irreprochable profesionalidad y una realización pulcra, de una belleza formal, sobria y academicista.
https://cope-cdnmed.cope.es/resources/jpg/2/8/1610091923782.jpg
Narrada en un extenso “flashback”, conoceremos la influencia de Becket, un leal y fiel sirviente sajón del rey Henry II de Inglaterra, amigos inseparables de correrías alcohólicas y mujeriegas, que provoca recelos en la nobleza dominante, los normandos y mantiene una larga disputa por un viejo conflicto entre la Iglesia y el Estado.
Becket, inflexible seguidor de las directrices de Roma, es nombrado por el rey arzobispo de Canterbury, en un intento estratégico de alterar la situación. Pero el nuevo arzobispo, que antes se sentía vacío, ha encontrado en Dios, la luz interior y se seguirá oponiendo con todas sus fuerzas a los deseos del monarca de poner coto al incremento del poder papal en Inglaterra.
https://scontent.fbog4-1.fna.fbcdn.net/v/t39.30808-6/454234370_7714443695333315_7518358369526983337_n.jpg?stp=dst-jpg_p526x296&_nc_cat=104&ccb=1-7&_nc_sid=aa7b47&_nc_eui2=AeEuMkWb6pxZLSh2QZJAYV_Ai6Qt9IBL2TSLpC30gEvZNFmgym8 vP1Nn5GddBoCBXqI&_nc_ohc=PXspyv3Jf6sQ7kNvgFdSh_K&_nc_ht=scontent.fbog4-1.fna&cb_e2o_trans=t&oh=00_AYCTncz6ujt4EKzkwDPp-ZwrSdakkK5_1FJjfnzXfpBxDg&oe=66B6BDAC
Fuente: Hablemos de cine clásico (Facebbok)
Heráclito
05-08-2024, 17:40:26
https://scontent.fbog4-1.fna.fbcdn.net/v/t39.30808-6/453253355_506350001770317_7292770941593624347_n.jpg?_nc_cat= 1&ccb=1-7&_nc_sid=127cfc&_nc_eui2=AeGslcs9B6VaLwGF1Wr28A80njiBLK3DxLGeOIEsrcPEsRE0RNI tBh1FP15uZKcYWrE&_nc_ohc=5gYRmYRLWXYQ7kNvgHhafJR&_nc_ht=scontent.fbog4-1.fna&cb_e2o_trans=t&oh=00_AYARQCYL6f5fqjI07VGeCVE_E3XQ_p-VwrJ59PrEHgEXdw&oe=66B73464
Heráclito
05-08-2024, 18:22:59
Yul Bryner
https://scontent.fbog4-1.fna.fbcdn.net/v/t39.30808-6/453407667_1599291100642154_8640693284464676951_n.jpg?_nc_cat =1&ccb=1-7&_nc_sid=aa7b47&_nc_eui2=AeFwCz8AzDTNx_DUGzHuRf21k6aH96QMq1qTpof3pAyrWmZs9vE AsTPgXQ34NY648Uw&_nc_ohc=VAMpaXj0W8YQ7kNvgELOFx6&_nc_ht=scontent.fbog4-1.fna&cb_e2o_trans=t&oh=00_AYD4wn6rIU8nBO--RMhnMa_W09oe6ZRqf0I9U_3wgMQdYQ&oe=66B73513
Yul Brynner, nacido el 11 de julio de 1920 en Vladivostok, Rusia, fue un actor distinguido conocido por su imponente presencia, su característica calva y sus actuaciones carismáticas tanto en el escenario como en la pantalla. Su carrera se extendió por varias décadas y abarcó una amplia gama de papeles, lo que lo convirtió en una figura destacada en Hollywood y el cine internacional.
El papel decisivo de Brynner llegó en 1951 cuando protagonizó el musical teatral "El rey y yo", que le valió elogios de la crítica y un premio de la Academia al mejor actor cuando repitió el papel en la adaptación cinematográfica de 1956. Su interpretación del orgulloso y complejo rey sigue siendo una de sus actuaciones más emblemáticas, que muestra su talento para aportar profundidad y emoción a sus personajes.
Además de "El rey y yo", Brynner fue conocido por sus papeles en películas épicas como "Los diez mandamientos" (1956), donde interpretó al faraón Ramsés II junto a Charlton Heston, y "Los siete magníficos" (1960), donde interpretó al pistolero estoico Chris Adams. Sus papeles a menudo mostraban su imponente presencia y su capacidad para dominar la pantalla con su mirada intensa y su comportamiento autoritario.
Enlace para ver "Los diez mandamientos" (Hablada en español, excepto la introducción: https://eltuboadventista.com/videos/watch/moises-los-diez-mandamientos-1956-hablada-en-espanol_xfq7jm817gjwuCk.html?lang=spanish
Además de su carrera cinematográfica, Brynner también fue un talentoso actor de teatro, que apareció en numerosas producciones en Broadway e internacionalmente. Era conocido por su dedicación a su oficio y su distintiva voz, que se sumaba a su carisma en pantalla.
Fuente: Fanáticos de series retro (Facebook)
https://scontent.fbog4-1.fna.fbcdn.net/v/t39.30808-6/453407667_1599291100642154_8640693284464676951_n.jpg?_nc_cat =1&ccb=1-7&_nc_sid=aa7b47&_nc_eui2=AeFwCz8AzDTNx_DUGzHuRf21k6aH96QMq1qTpof3pAyrWmZs9vE AsTPgXQ34NY648Uw&_nc_ohc=VAMpaXj0W8YQ7kNvgELOFx6&_nc_ht=scontent.fbog4-1.fna&cb_e2o_trans=t&oh=00_AYD4wn6rIU8nBO--RMhnMa_W09oe6ZRqf0I9U_3wgMQdYQ&oe=66B73513
Yul Brynner, nacido el 11 de julio de 1920 en Vladivostok, Rusia, fue un actor distinguido conocido por su imponente presencia, su característica calva y sus actuaciones carismáticas tanto en el escenario como en la pantalla. Su carrera se extendió por varias décadas y abarcó una amplia gama de papeles, lo que lo convirtió en una figura destacada en Hollywood y el cine internacional.
El papel decisivo de Brynner llegó en 1951 cuando protagonizó el musical teatral "El rey y yo", que le valió elogios de la crítica y un premio de la Academia al mejor actor cuando repitió el papel en la adaptación cinematográfica de 1956. Su interpretación del orgulloso y complejo rey sigue siendo una de sus actuaciones más emblemáticas, que muestra su talento para aportar profundidad y emoción a sus personajes.
Además de "El rey y yo", Brynner fue conocido por sus papeles en películas épicas como "Los diez mandamientos" (1956), donde interpretó al faraón Ramsés II junto a Charlton Heston, y "Los siete magníficos" (1960), donde interpretó al pistolero estoico Chris Adams. Sus papeles a menudo mostraban su imponente presencia y su capacidad para dominar la pantalla con su mirada intensa y su comportamiento autoritario.
Enlace para ver "Los diez mandamientos" (Hablada en español, excepto la introducción: https://eltuboadventista.com/videos/watch/moises-los-diez-mandamientos-1956-hablada-en-espanol_xfq7jm817gjwuCk.html?lang=spanish
Además de su carrera cinematográfica, Brynner también fue un talentoso actor de teatro, que apareció en numerosas producciones en Broadway e internacionalmente. Era conocido por su dedicación a su oficio y su distintiva voz, que se sumaba a su carisma en pantalla.
Fuente: Fanáticos de series retro (Facebook)
Heráclito
06-08-2024, 22:18:19
Título original: Herz aus Glas (Corazón de cristal)
https://cdn.cinencuentro.com/wp-content/uploads/2015/08/Poster1.jpg
Año: 1976
Duración: 90 min.
País: Alemania del Oeste (RFA) Alemania del Oeste (RFA)
Dirección: Werner Herzog
Guion: Werner Herzog, Herbert Achternbusch
Elenco: Josef Bierbichler, Stefan Güttler, Clemens Scheitz, Sonja Skiba
Enlace para verla: https://ok.ru/video/1309300820570
Siglo XVIII. En un pequeño pueblo de Baviera cuya población vive de la fama del cristal de rubí elaborado con una antigua técnica secreta, muere el maestro cristalero sin revelar el secreto a su aprendiz. El nuevo encargado de la factoría acude entonces a un pastor con fama de visionario para que le desvele el secreto.
Biografía del director: Werner Herzog
https://www.deutschland.de/sites/default/files/styles/image_container/public/field_visuals/film-berlinale-werner-herzog-queen-of-the-desert-a.jpg?itok=vJ8fDrlZ
Nació en Werner Stipetić el 5 de septiembre de 1942 en Múnich, Alemania. Director, documentalista, guionista, productor y actor alemán. Creció en un entorno rural sin acceso a medios como la radio o el cine, lo que influyó en su visión única del mundo.
Herzog comenzó su carrera cinematográfica a los 19 años con su primer cortometraje. Desde entonces, ha dirigido más de 60 largometrajes y documentales, explorando temas como la naturaleza humana, la locura y la lucha contra la naturaleza.
Películas Destacadas
1. Aguirre, la cólera de Dios (1972): Una de sus obras más emblemáticas, protagonizada por Klaus Kinski, que narra la expedición de Lope de Aguirre en busca de El Dorado.
2. Nosferatu, vampiro de la noche (1979): Una reinterpretación del clásico de F.W. Murnau.
3. Fitzcarraldo (1982): La historia de un hombre obsesionado con construir una ópera en la selva amazónica.
4. Grizzly Man (2005): Un documental sobre la vida y muerte de Timothy Treadwell, un entusiasta de los osos grizzly.
5. Encounters at the End of the World (2007): Un documental que explora la vida en la Antártida.
Importancia y Contribución al Cine
Herzog es una figura clave en el "Nuevo Cine Alemán", junto con directores como Rainer Werner Fassbinder y Wim Wenders. Su trabajo se caracteriza por su enfoque en personajes extremos y situaciones límite, así como por su capacidad para mezclar realidad y ficción de manera innovadora.
Su influencia se extiende más allá del cine, habiendo dirigido también óperas y escrito libros. Herzog ha sido reconocido con numerosos premios, incluyendo el Premio del Sindicato de Directores y el European Film Academy Lifetime Achievement Award.
Éxitos:
- Aguirre, la cólera de Dios y Fitzcarraldo son considerados clásicos del cine mundial.
- Grizzly Man recibió aclamación crítica por su enfoque único y su narrativa poderosa.
Fracasos:
- Algunas de sus películas, como Heart of Glass (1976), no lograron el éxito comercial esperado, aunque han sido revalorizadas con el tiempo.
- Herzog ha enfrentado desafíos significativos durante sus rodajes, como en "Fitzcarraldo", donde tuvo que superar enormes dificultades logísticas y personales.
Conclusión
Werner Herzog es un cineasta visionario cuya obra ha dejado una marca indeleble en el cine mundial. Su capacidad para explorar los límites de la experiencia humana y su enfoque único en la narrativa lo han convertido en una figura icónica y respetada en la industria cinematográfica.
https://cdn.cinencuentro.com/wp-content/uploads/2015/08/Poster1.jpg
Año: 1976
Duración: 90 min.
País: Alemania del Oeste (RFA) Alemania del Oeste (RFA)
Dirección: Werner Herzog
Guion: Werner Herzog, Herbert Achternbusch
Elenco: Josef Bierbichler, Stefan Güttler, Clemens Scheitz, Sonja Skiba
Enlace para verla: https://ok.ru/video/1309300820570
Siglo XVIII. En un pequeño pueblo de Baviera cuya población vive de la fama del cristal de rubí elaborado con una antigua técnica secreta, muere el maestro cristalero sin revelar el secreto a su aprendiz. El nuevo encargado de la factoría acude entonces a un pastor con fama de visionario para que le desvele el secreto.
Biografía del director: Werner Herzog
https://www.deutschland.de/sites/default/files/styles/image_container/public/field_visuals/film-berlinale-werner-herzog-queen-of-the-desert-a.jpg?itok=vJ8fDrlZ
Nació en Werner Stipetić el 5 de septiembre de 1942 en Múnich, Alemania. Director, documentalista, guionista, productor y actor alemán. Creció en un entorno rural sin acceso a medios como la radio o el cine, lo que influyó en su visión única del mundo.
Herzog comenzó su carrera cinematográfica a los 19 años con su primer cortometraje. Desde entonces, ha dirigido más de 60 largometrajes y documentales, explorando temas como la naturaleza humana, la locura y la lucha contra la naturaleza.
Películas Destacadas
1. Aguirre, la cólera de Dios (1972): Una de sus obras más emblemáticas, protagonizada por Klaus Kinski, que narra la expedición de Lope de Aguirre en busca de El Dorado.
2. Nosferatu, vampiro de la noche (1979): Una reinterpretación del clásico de F.W. Murnau.
3. Fitzcarraldo (1982): La historia de un hombre obsesionado con construir una ópera en la selva amazónica.
4. Grizzly Man (2005): Un documental sobre la vida y muerte de Timothy Treadwell, un entusiasta de los osos grizzly.
5. Encounters at the End of the World (2007): Un documental que explora la vida en la Antártida.
Importancia y Contribución al Cine
Herzog es una figura clave en el "Nuevo Cine Alemán", junto con directores como Rainer Werner Fassbinder y Wim Wenders. Su trabajo se caracteriza por su enfoque en personajes extremos y situaciones límite, así como por su capacidad para mezclar realidad y ficción de manera innovadora.
Su influencia se extiende más allá del cine, habiendo dirigido también óperas y escrito libros. Herzog ha sido reconocido con numerosos premios, incluyendo el Premio del Sindicato de Directores y el European Film Academy Lifetime Achievement Award.
Éxitos:
- Aguirre, la cólera de Dios y Fitzcarraldo son considerados clásicos del cine mundial.
- Grizzly Man recibió aclamación crítica por su enfoque único y su narrativa poderosa.
Fracasos:
- Algunas de sus películas, como Heart of Glass (1976), no lograron el éxito comercial esperado, aunque han sido revalorizadas con el tiempo.
- Herzog ha enfrentado desafíos significativos durante sus rodajes, como en "Fitzcarraldo", donde tuvo que superar enormes dificultades logísticas y personales.
Conclusión
Werner Herzog es un cineasta visionario cuya obra ha dejado una marca indeleble en el cine mundial. Su capacidad para explorar los límites de la experiencia humana y su enfoque único en la narrativa lo han convertido en una figura icónica y respetada en la industria cinematográfica.
Heráclito
13-08-2024, 22:07:48
Bailar en la oscuridad
Enlace para verla: https://ok.ru/video/4122250578456
Dinamarca: 2000
Dirección: Lars Von Trier
Elenco: Bjork, Catherine Deneuve, David Morse
https://th.bing.com/th/id/OIP.0BPpYk0UsycLSC6jMpEuCwHaKa?rs=1&pid=ImgDetMain
Selma, inmigrante checa y madre soltera, trabaja en la fábrica de un pueblo de los Estados Unidos. La única vía de escape a tan rutinaria vida es su pasión por la música, especialmente por las canciones y los números de baile de los musicales clásicos de Hollywood. Selma esconde un triste secreto: está perdiendo la vista, pero lo peor es que su hijo también se quedará ciego, si ella no consigue, a tiempo, el dinero suficiente para que se opere. Tercera película de la trilogía “Corazón dorado” de Lars Von Trier.
Premios:
2000: Premios Oscar: Nominada a mejor canción original
2000: Globos de Oro: Nominada a mejor canción y actriz - drama (Björk)
2000: Festival de Cannes: Palma de Oro, Mejor Actriz (Björk)
2000: National Board of Review: Mejor actriz dramática (Björk)
2000: Premios del Cine Europeo: Mejor película europea y actriz (Björk)
2000: Círculo de Críticos de Nueva York: Nominada a mejor actriz (Björk)
Críticas:
"Extraordinaria película (...) aterradora y genial (...) Desde 'Leolo' jamás me había impresionado tanto una obra de arte"
Carlos Boyero: Diario El Mundo
"Lars Von Trier inventa en un brote de genio un asombroso y arrollador drama musical"
Ángel Fernández Santos: Diario El País
"Estimula a nivel cinematográfico (...) Como canta Selma: 'lo he visto todo y no hay nada más que ver'. Tonterías. No has visto nada como 'Dancer in the Dark'."
Peter Travers: Rolling Stone
"Dos horas y media de egocentrismo autoral que artísticamente fracasa a todos los niveles"
Derek Elley: Variety
"No se parece a nada de lo que verás este año (...) Rompe todos los moldes habituales del cine. Regresa a lo fundamental. Adopta una postura atrevida y temeraria (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 4)"
Roger Ebert: rogerebert.com
"Es a la vez sorprendentemente mala y absolutamente poderosa. Una misma escena puede despertar asombro y repulsión al mismo tiempo"
A. O. Scott: The New York Times
Lars Von Trier
Lars von Trier, nacido como Lars Trier el 30 de abril de 1956 en Copenhague, Dinamarca, es un director de cine, guionista y productor conocido por su estilo provocador y su enfoque innovador en el cine1. Desde joven mostró interés por el cine, recibiendo su primera cámara a los 11 años. Estudió en la Escuela Nacional de Cine de Dinamarca y comenzó a ganar reconocimiento con sus películas de estudiante1.
Análisis de su cinematografía
Lars von Trier es conocido por su estilo distintivo y su capacidad para abordar temas oscuros y complejos. Su trabajo a menudo explora la naturaleza humana, el sufrimiento y la moralidad. Algunas de sus películas más destacadas incluyen:
“Breaking the Waves” (1996): Una historia de amor y sacrificio que le valió el Gran Premio del Jurado en Cannes1.
“Dancer in the Dark” (2000): Ganadora de la Palma de Oro en Cannes, esta película combina elementos de drama y musical1.
“Dogville” (2003): Una crítica social ambientada en un escenario minimalista.
Von Trier también es cofundador del movimiento Dogma 95, que promueve un cine más realista y menos dependiente de efectos especiales.
Contribución al cine
La contribución de Lars von Trier al cine es significativa. Ha desafiado las convenciones cinematográficas y ha influido en muchos cineastas con su enfoque audaz y su compromiso con la autenticidad. Su trabajo en Dogma 95 ha dejado una marca duradera en la industria, promoviendo un cine más puro y centrado en la narrativa.
Análisis de “Bailar en la oscuridad”
“Bailar en la oscuridad” (2000) es una de las películas más aclamadas de Lars von Trier. La película sigue a Selma, una inmigrante checa que trabaja en una fábrica en Estados Unidos y está perdiendo la vista. Su única esperanza es ahorrar suficiente dinero para una operación que evite que su hijo sufra el mismo destino.
La película es conocida por su estilo visual único y su enfoque emocionalmente intenso. Björk, quien interpreta a Selma, ofrece una actuación poderosa que le valió el premio a la Mejor Actriz en el Festival de Cannes3. La combinación de elementos de musical y drama crea una experiencia cinematográfica única que desafía las expectativas del público.
Von Trier utiliza la música y los números de baile para contrastar la dura realidad de Selma, creando una narrativa que es tanto desgarradora como visualmente innovadora3. La película aborda temas de sacrificio, injusticia y la lucha por la esperanza en medio de la adversidad.
Enlace para verla: https://ok.ru/video/4122250578456
Dinamarca: 2000
Dirección: Lars Von Trier
Elenco: Bjork, Catherine Deneuve, David Morse
https://th.bing.com/th/id/OIP.0BPpYk0UsycLSC6jMpEuCwHaKa?rs=1&pid=ImgDetMain
Selma, inmigrante checa y madre soltera, trabaja en la fábrica de un pueblo de los Estados Unidos. La única vía de escape a tan rutinaria vida es su pasión por la música, especialmente por las canciones y los números de baile de los musicales clásicos de Hollywood. Selma esconde un triste secreto: está perdiendo la vista, pero lo peor es que su hijo también se quedará ciego, si ella no consigue, a tiempo, el dinero suficiente para que se opere. Tercera película de la trilogía “Corazón dorado” de Lars Von Trier.
Premios:
2000: Premios Oscar: Nominada a mejor canción original
2000: Globos de Oro: Nominada a mejor canción y actriz - drama (Björk)
2000: Festival de Cannes: Palma de Oro, Mejor Actriz (Björk)
2000: National Board of Review: Mejor actriz dramática (Björk)
2000: Premios del Cine Europeo: Mejor película europea y actriz (Björk)
2000: Círculo de Críticos de Nueva York: Nominada a mejor actriz (Björk)
Críticas:
"Extraordinaria película (...) aterradora y genial (...) Desde 'Leolo' jamás me había impresionado tanto una obra de arte"
Carlos Boyero: Diario El Mundo
"Lars Von Trier inventa en un brote de genio un asombroso y arrollador drama musical"
Ángel Fernández Santos: Diario El País
"Estimula a nivel cinematográfico (...) Como canta Selma: 'lo he visto todo y no hay nada más que ver'. Tonterías. No has visto nada como 'Dancer in the Dark'."
Peter Travers: Rolling Stone
"Dos horas y media de egocentrismo autoral que artísticamente fracasa a todos los niveles"
Derek Elley: Variety
"No se parece a nada de lo que verás este año (...) Rompe todos los moldes habituales del cine. Regresa a lo fundamental. Adopta una postura atrevida y temeraria (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 4)"
Roger Ebert: rogerebert.com
"Es a la vez sorprendentemente mala y absolutamente poderosa. Una misma escena puede despertar asombro y repulsión al mismo tiempo"
A. O. Scott: The New York Times
Lars Von Trier
Lars von Trier, nacido como Lars Trier el 30 de abril de 1956 en Copenhague, Dinamarca, es un director de cine, guionista y productor conocido por su estilo provocador y su enfoque innovador en el cine1. Desde joven mostró interés por el cine, recibiendo su primera cámara a los 11 años. Estudió en la Escuela Nacional de Cine de Dinamarca y comenzó a ganar reconocimiento con sus películas de estudiante1.
Análisis de su cinematografía
Lars von Trier es conocido por su estilo distintivo y su capacidad para abordar temas oscuros y complejos. Su trabajo a menudo explora la naturaleza humana, el sufrimiento y la moralidad. Algunas de sus películas más destacadas incluyen:
“Breaking the Waves” (1996): Una historia de amor y sacrificio que le valió el Gran Premio del Jurado en Cannes1.
“Dancer in the Dark” (2000): Ganadora de la Palma de Oro en Cannes, esta película combina elementos de drama y musical1.
“Dogville” (2003): Una crítica social ambientada en un escenario minimalista.
Von Trier también es cofundador del movimiento Dogma 95, que promueve un cine más realista y menos dependiente de efectos especiales.
Contribución al cine
La contribución de Lars von Trier al cine es significativa. Ha desafiado las convenciones cinematográficas y ha influido en muchos cineastas con su enfoque audaz y su compromiso con la autenticidad. Su trabajo en Dogma 95 ha dejado una marca duradera en la industria, promoviendo un cine más puro y centrado en la narrativa.
Análisis de “Bailar en la oscuridad”
“Bailar en la oscuridad” (2000) es una de las películas más aclamadas de Lars von Trier. La película sigue a Selma, una inmigrante checa que trabaja en una fábrica en Estados Unidos y está perdiendo la vista. Su única esperanza es ahorrar suficiente dinero para una operación que evite que su hijo sufra el mismo destino.
La película es conocida por su estilo visual único y su enfoque emocionalmente intenso. Björk, quien interpreta a Selma, ofrece una actuación poderosa que le valió el premio a la Mejor Actriz en el Festival de Cannes3. La combinación de elementos de musical y drama crea una experiencia cinematográfica única que desafía las expectativas del público.
Von Trier utiliza la música y los números de baile para contrastar la dura realidad de Selma, creando una narrativa que es tanto desgarradora como visualmente innovadora3. La película aborda temas de sacrificio, injusticia y la lucha por la esperanza en medio de la adversidad.
Heráclito
15-08-2024, 07:49:51
La muerte de una gran actriz es pretexto para recordar no solo sus películas, sino momentos especiales que nos regala el cine. En el caso de Gena Rowlands, dos de sus películas (Gloria y Mujer balo la influencia) enriquecieron el relato cinematográfico bajo la particular mirada de John Cassavetes. Dentro del texto están los enlaces para verlas.
Muere Gena Rowlands, diva del cine independiente y musa de John Cassavetes
La actriz, que padecía alzhéimer, ha fallecido este miércoles a los 94 años en su casa de Indian Wells
https://imagenes.elpais.com/resizer/v2/GWFRAK73XVGFDDX4F7LYUOQR6Y.jpg?auth=a723e937d365ff2b0cdd9e2b dbdcf490e0424f0e4b60f9b787982d36ba036330&width=1200
Gena Rowlands posa para un retrato en West Hollywood de Los Ángeles (California), el 4 de diciembre de 2014.
Chris Pizzello (Invision/AP/Lapresse)
Luis Pablo Beauregard
Los Ángeles - 14 AGO 2024 - 21:59 COT
Gena Rowlands ha muerto este miércoles en su casa de Indian Wells, California, a los 94 años. La actriz de Una mujer bajo la influencia, que padecía alzhéimer, fue una de las grandes divas del cine independiente estadounidense entre 1960 y 1980 y protagonizó una decena de cintas dirigidas por su marido, el también actor John Cassavetes, fallecido en 1989. Para las generaciones más jóvenes, Rowlands es un rostro familiar gracias a su papel en The Notebook (El diario de Noa), el taquillazo de 2004 protagonizado por Ryan Gosling y Rachel McAdams y que dirigió su hijo, Nick Cassavetes.
La muerte ha sido confirmada por su familia, que estaba presente este miércoles en la casa de la prolífica actriz y de su segundo esposo, el empresario Robert Forrest. Nick Cassavetes ya había revelado en junio, durante una entrevista con Entertainment Weekly, que su madre padecía alzhéimer, enfermedad degenerativa que precisamente sufría su personaje en El diario de Noa.
https://imagenes.elpais.com/resizer/v2/OUBSOIKHZVGWTGAFD7IVDTAQPM.jpg?auth=539e48982e929f1deec24a3e f71734091a03bcf9f980a302510a3f0943f23955&width=980
Gena Rowlands, junto a Peter Falk, en 'Una mujer bajo la influencia'.
FilmPublicityArchive/United Archive/Getty
“Logré que mi madre interpretara a una Allie mayor (el papel de Rachel McAdams), y pasamos mucho tiempo hablando del alzhéimer y de cómo su papel podría sentirse auténtico. Y ahora, en los últimos cinco años, ha sufrido esta enfermedad ella misma”, contaba Nick Cassavetes, dos décadas después del estreno del filme romántico. “Es increíble lo que vivimos, cómo lo interpretó, y ahora pesa sobre ella”, dijo a la revista el director, quien también dirigió a su madre en su ópera prima, Unhook the stars (Volver a vivir, 1996) y en otras dos películas, siendo la última Yellow, en 2012.
https://imagenes.elpais.com/resizer/v2/2U4Q6DCK5ZCFXDGQO62FWQNCZI.jpg?auth=557ebfccea93c4cd638e4d7f ab9f5e7c2c0315d484d8e4dd4369ddbaaa832542&width=980
James Garner y Gena Rowlands en una escena de 'The Notebook (El diario de Noa)' de 2004.
Melissa Moseley (MPTV.net/CordonPress)
Cassavetes y Rowlands comenzaron como pareja en 1954, se casaron tras salir durante cuatro meses y no se separaron hasta que el director murió de cirrosis en 1989. El matrimonio fue duro. Tenían una relación tempestuosa, llena de peleas y malentendidos, según contó el crítico estadounidense Ray Carney en el famoso libro Cassavetes por Cassavetes (Anagrama, 2004). “Teníamos fricciones en cuanto a estilo de vida y gustos. No estábamos de acuerdo absolutamente en nada”, admitió el director.
La pareja dejó una considerable filmografía conjunta, una decena de títulos de una escuela de nuevo realismo que son material obligatorio para cualquier amante del cine. En la lista están, entre otras, Faces (Rostros), Opening Night (Noche de estreno), Love Streams (Corrientes de amor), Shadows (Sombras), Minnie and Moskowitz (Así habla el amor) y el clásico de 1974 A woman under the influence (Una mujer bajo la influencia), junto a Peter Falk, el actor que hizo famoso al detective Colombo y también amigo recurrente del cine de Cassavetes.
Mención aparte merece Gloria, un thriller de 1980 que su marido escribió para Rowlands, pero que pensaba que dirigiría otra persona. El proyecto, de una madre perseguida por la mafia de Nueva York, finalmente cayó en sus manos y se convirtió en otra de sus películas más celebradas, con una gran acogida entre la crítica. Ganó el León de Oro de Venecia de aquel año.
Enlace para verla: https://ok.ru/video/1887739120189
Rowlands fue nominada por Gloria a mejor actriz en los Oscar de 1981, pero lo perdió frente a Sissy Spacek por su papel en Quiero ser libre, la cinta biográfica de la cantante de country Loretta Lynn. Fue la segunda y última nominación para Rowlands, que aspiró antes a la estatuilla por Una mujer bajo la influencia, quizá la colaboración más famosa del dúo Rowlands-Cassavetes. En la película, un obrero de la construcción (Falk), se ve obligado a cancelar una cita con su mujer, Mabel (Rowlands), lo que pone en marcha las tensiones internas dentro del matrimonio y sus tres hijos.
Enlace para verla: https://ok.ru/video/2136925473341
https://imagenes.elpais.com/resizer/v2/OM2FOGPQINCWREIOSMOZA5Q2Q4.jpg?auth=849cf865d5a370778d7159df aafb664fba61ba923ba3f830618252d20477b7ae&width=980
La actriz Gena Rowlands y John Cassavetes, en 1984.
M. McKeown (Getty Images)
“Me gustó mucho ese guion. Era un personaje muy difícil, pero me gustan los papeles difíciles”, aseguró Rowlands a Los Angeles Times en 2015, refiriéndose a Una mujer bajo la influencia, por la que Cassavetes también consiguió estar nominado a mejor director (también perdió). Su Mabel era una mujer mentalmente enferma e incontrolable, un papel que la llevó a ser venerada por muchos de sus compañeros de oficio.
La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas entregó a Rowlands el Oscar de honor en 2015. Era un reconocimiento a su trayectoria, llena de personajes cotidianos con intensos mundos interiores, de manerismos y, en ocasiones, de formas exageradas. Una prolífica carrera que incluyó también trabajos con Paul Schrader (Rock Star, 1987), Woody Allen (Otra mujer, 1988), Jim Jarmusch (Noche en la tierra, 1991), Mira Nair (Ciegas de amor, 2001) y Frédéric Auburtin y Gérard Depardieu (Paris, je t’aime, 2006), en un capítulo donde se reencontró con Ben Gazzara, otro de los grandes amigos y fetiches del cine de su primer marido. La actriz recogió el premio en noviembre de aquel 2015 en una ceremonia en la que también fueron distinguidos el director Spike Lee y la actriz Debbie Reynolds.
MweCcZfbE2Q
Rowlands, nacida en Minnesota, llegó a Nueva York en 1950 para estudiar en la Academia Americana de Artes Dramáticas, ubicada en Carnegie Hall. Pero la experiencia fue breve. La actriz abandonó la institución un año más tarde porque no podía pagarla. Su estancia fue suficiente para cambiar su vida, ya que fue ahí donde vio por primera vez a Cassavetes, aunque el romance llegaría cuatro años más tarde.
Su debut en la pantalla grande fue en 1958 en la película del puertorriqueño José Ferrer Cómo superar el alto coste de la vida, y después el wéstern Los valientes andan solos (David Miller, 1962), junto a Kirk Douglas. A ellas siguieron obras de teatro, películas y series de televisión. Rowlands ganó tres premios Emmy y varias distinciones de la crítica nacional e internacional. “Siempre tuve mucha suerte, pero no me la merecía necesariamente”, aseguró humildemente la actriz en una entrevista de 2016 sobre su trayectoria.
Fuente: El País de España
Muere Gena Rowlands, diva del cine independiente y musa de John Cassavetes
La actriz, que padecía alzhéimer, ha fallecido este miércoles a los 94 años en su casa de Indian Wells
https://imagenes.elpais.com/resizer/v2/GWFRAK73XVGFDDX4F7LYUOQR6Y.jpg?auth=a723e937d365ff2b0cdd9e2b dbdcf490e0424f0e4b60f9b787982d36ba036330&width=1200
Gena Rowlands posa para un retrato en West Hollywood de Los Ángeles (California), el 4 de diciembre de 2014.
Chris Pizzello (Invision/AP/Lapresse)
Luis Pablo Beauregard
Los Ángeles - 14 AGO 2024 - 21:59 COT
Gena Rowlands ha muerto este miércoles en su casa de Indian Wells, California, a los 94 años. La actriz de Una mujer bajo la influencia, que padecía alzhéimer, fue una de las grandes divas del cine independiente estadounidense entre 1960 y 1980 y protagonizó una decena de cintas dirigidas por su marido, el también actor John Cassavetes, fallecido en 1989. Para las generaciones más jóvenes, Rowlands es un rostro familiar gracias a su papel en The Notebook (El diario de Noa), el taquillazo de 2004 protagonizado por Ryan Gosling y Rachel McAdams y que dirigió su hijo, Nick Cassavetes.
La muerte ha sido confirmada por su familia, que estaba presente este miércoles en la casa de la prolífica actriz y de su segundo esposo, el empresario Robert Forrest. Nick Cassavetes ya había revelado en junio, durante una entrevista con Entertainment Weekly, que su madre padecía alzhéimer, enfermedad degenerativa que precisamente sufría su personaje en El diario de Noa.
https://imagenes.elpais.com/resizer/v2/OUBSOIKHZVGWTGAFD7IVDTAQPM.jpg?auth=539e48982e929f1deec24a3e f71734091a03bcf9f980a302510a3f0943f23955&width=980
Gena Rowlands, junto a Peter Falk, en 'Una mujer bajo la influencia'.
FilmPublicityArchive/United Archive/Getty
“Logré que mi madre interpretara a una Allie mayor (el papel de Rachel McAdams), y pasamos mucho tiempo hablando del alzhéimer y de cómo su papel podría sentirse auténtico. Y ahora, en los últimos cinco años, ha sufrido esta enfermedad ella misma”, contaba Nick Cassavetes, dos décadas después del estreno del filme romántico. “Es increíble lo que vivimos, cómo lo interpretó, y ahora pesa sobre ella”, dijo a la revista el director, quien también dirigió a su madre en su ópera prima, Unhook the stars (Volver a vivir, 1996) y en otras dos películas, siendo la última Yellow, en 2012.
https://imagenes.elpais.com/resizer/v2/2U4Q6DCK5ZCFXDGQO62FWQNCZI.jpg?auth=557ebfccea93c4cd638e4d7f ab9f5e7c2c0315d484d8e4dd4369ddbaaa832542&width=980
James Garner y Gena Rowlands en una escena de 'The Notebook (El diario de Noa)' de 2004.
Melissa Moseley (MPTV.net/CordonPress)
Cassavetes y Rowlands comenzaron como pareja en 1954, se casaron tras salir durante cuatro meses y no se separaron hasta que el director murió de cirrosis en 1989. El matrimonio fue duro. Tenían una relación tempestuosa, llena de peleas y malentendidos, según contó el crítico estadounidense Ray Carney en el famoso libro Cassavetes por Cassavetes (Anagrama, 2004). “Teníamos fricciones en cuanto a estilo de vida y gustos. No estábamos de acuerdo absolutamente en nada”, admitió el director.
La pareja dejó una considerable filmografía conjunta, una decena de títulos de una escuela de nuevo realismo que son material obligatorio para cualquier amante del cine. En la lista están, entre otras, Faces (Rostros), Opening Night (Noche de estreno), Love Streams (Corrientes de amor), Shadows (Sombras), Minnie and Moskowitz (Así habla el amor) y el clásico de 1974 A woman under the influence (Una mujer bajo la influencia), junto a Peter Falk, el actor que hizo famoso al detective Colombo y también amigo recurrente del cine de Cassavetes.
Mención aparte merece Gloria, un thriller de 1980 que su marido escribió para Rowlands, pero que pensaba que dirigiría otra persona. El proyecto, de una madre perseguida por la mafia de Nueva York, finalmente cayó en sus manos y se convirtió en otra de sus películas más celebradas, con una gran acogida entre la crítica. Ganó el León de Oro de Venecia de aquel año.
Enlace para verla: https://ok.ru/video/1887739120189
Rowlands fue nominada por Gloria a mejor actriz en los Oscar de 1981, pero lo perdió frente a Sissy Spacek por su papel en Quiero ser libre, la cinta biográfica de la cantante de country Loretta Lynn. Fue la segunda y última nominación para Rowlands, que aspiró antes a la estatuilla por Una mujer bajo la influencia, quizá la colaboración más famosa del dúo Rowlands-Cassavetes. En la película, un obrero de la construcción (Falk), se ve obligado a cancelar una cita con su mujer, Mabel (Rowlands), lo que pone en marcha las tensiones internas dentro del matrimonio y sus tres hijos.
Enlace para verla: https://ok.ru/video/2136925473341
https://imagenes.elpais.com/resizer/v2/OM2FOGPQINCWREIOSMOZA5Q2Q4.jpg?auth=849cf865d5a370778d7159df aafb664fba61ba923ba3f830618252d20477b7ae&width=980
La actriz Gena Rowlands y John Cassavetes, en 1984.
M. McKeown (Getty Images)
“Me gustó mucho ese guion. Era un personaje muy difícil, pero me gustan los papeles difíciles”, aseguró Rowlands a Los Angeles Times en 2015, refiriéndose a Una mujer bajo la influencia, por la que Cassavetes también consiguió estar nominado a mejor director (también perdió). Su Mabel era una mujer mentalmente enferma e incontrolable, un papel que la llevó a ser venerada por muchos de sus compañeros de oficio.
La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas entregó a Rowlands el Oscar de honor en 2015. Era un reconocimiento a su trayectoria, llena de personajes cotidianos con intensos mundos interiores, de manerismos y, en ocasiones, de formas exageradas. Una prolífica carrera que incluyó también trabajos con Paul Schrader (Rock Star, 1987), Woody Allen (Otra mujer, 1988), Jim Jarmusch (Noche en la tierra, 1991), Mira Nair (Ciegas de amor, 2001) y Frédéric Auburtin y Gérard Depardieu (Paris, je t’aime, 2006), en un capítulo donde se reencontró con Ben Gazzara, otro de los grandes amigos y fetiches del cine de su primer marido. La actriz recogió el premio en noviembre de aquel 2015 en una ceremonia en la que también fueron distinguidos el director Spike Lee y la actriz Debbie Reynolds.
MweCcZfbE2Q
Rowlands, nacida en Minnesota, llegó a Nueva York en 1950 para estudiar en la Academia Americana de Artes Dramáticas, ubicada en Carnegie Hall. Pero la experiencia fue breve. La actriz abandonó la institución un año más tarde porque no podía pagarla. Su estancia fue suficiente para cambiar su vida, ya que fue ahí donde vio por primera vez a Cassavetes, aunque el romance llegaría cuatro años más tarde.
Su debut en la pantalla grande fue en 1958 en la película del puertorriqueño José Ferrer Cómo superar el alto coste de la vida, y después el wéstern Los valientes andan solos (David Miller, 1962), junto a Kirk Douglas. A ellas siguieron obras de teatro, películas y series de televisión. Rowlands ganó tres premios Emmy y varias distinciones de la crítica nacional e internacional. “Siempre tuve mucha suerte, pero no me la merecía necesariamente”, aseguró humildemente la actriz en una entrevista de 2016 sobre su trayectoria.
Fuente: El País de España
CazadordeCholas
17-08-2024, 14:01:13
Buenas les traigo otra recomendación que para mi es genial es "Alien el regreso " yo las vi hace un poco tiempo porque la vi por un familiar y me parecieron geniales vi todas hasta ayer que fui a ver la ultima de Alien Romulus pero en general me parece alien el regreso porque nos muestra como los "Colonial Marines" lucha contra estos aliens la verdad me sorprendio que bien esta el ambiente de la colonia y tmb de las armas que se ven geniales para ser una pelicula antigua esta muy genial OJO AL DATO : Alien Romulus si no an ido a verla vayan tiene muchas referencias a otras peliculas y tmb de los juegos de alien que la verdad son muy divertidos ! yo me la pase bien viendo todo esto aparte que igual tiene referencia de alien el regreso esta ultima entrega
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4406712&stc=1&d=1723921243
el link de la pelicula en español latino que puedan verla
https://cuevana3.soloknetwork.com/159/alien-2-el-regreso
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4406712&stc=1&d=1723921243
el link de la pelicula en español latino que puedan verla
https://cuevana3.soloknetwork.com/159/alien-2-el-regreso
Heráclito
18-08-2024, 21:09:34
Uno de los actores más atractivos, un símbolo del cine francés como la propia Brigitte Bardot, al nivel del mito, murió hoy, desengañado de la que le tocó presenciar en sus últimos años.
Muere el gran actor francés Alain Delon a los 88 años
https://ichef.bbci.co.uk/ace/ws/800/cpsprodpb/cde6/live/0615c1f0-5d2f-11ef-a2df-5d86ba7713a8.jpg.webp
Delon era conocido por su apariencia de rompecorazones.
Redacción
18 agosto 2024, 07:24 GMT
La leyenda del cine Alain Delon murió a los 88 años.
El actor fue una estrella de la época dorada del cine francés, conocido por su personalidad de tipo duro en la pantalla en éxitos como El samurái y Borsalino.
"Falleció pacíficamente en su casa de Douchy, rodeado de sus tres hijos y su familia", según un comunicado enviado a la agencia de noticias AFP, añadiendo que la familia había pedido privacidad.
Delon tenía mala salud en los últimos años y vivía prácticamente recluido en su mansión, construida en una finca boscosa a 120 kilómetros al sureste de París.
En 2019, sufrió un derrame cerebral y padecía otra afección grave. Justo ese año, cuando recibió la Palma de Oro honorífica en el festival de Cannes, pronunció un emotivo discurso en el que pareció decir adiós al cine.
https://ichef.bbci.co.uk/ace/ws/800/cpsprodpb/e01f/live/40333ac0-5d2f-11ef-a2df-5d86ba7713a8.jpg.webp
Fue durante décadas una de las estrellas de cine más queridas de Francia.
Descrito en su día como el hombre más bello del cine, Delon protagonizó éxitos de los años 60 como El gatopardo
Enlace para verla: https://m.ok.ru/group/70000006188245/topic/157107022256341
y Rocco y sus hermanos.
Enlace para verla: https://ok.ru/video/2483137612345
Con esas dos películas del director italiano Luchino Visconti, el actor saltaría a la fama y su belleza y magnetismo no dearían de fascinar a los más grandes directores desde entonces.
Entre sus momentos cumbre también se encuentra el thriller erótico de 1969 "La Piscine" ("La piscina"), donde Delon hizo pareja con Romy Schneider, su amante de la vida real, en una sensual saga de celos y seducción que transcurre en la Riviera francesa.
Enlace para verla: https://ok.ru/video/7410508040867
Para los franceses, Delon es el gran fauve (gran bestia) del cine que cautivó y sedujo a su paso por Europa ya fuera interpretando a un asesino, a un matón o a un sicario, como en "El círculo rojo"
Enlace para verla: https://ok.ru/video/3465684126265
Un solo César
Su rostro, su mirada y sus gestos cautivó a los directores de los llamados "Treinta Años Gloriosos", tanto en Francia como en Italia (Clément, Visconti, Antonioni, Melville, Losey, etc.)
A partir de los años 90, sus apariciones en el cine se hicieron escasas, pero siguió siendo un elemento fijo en las columnas de celebridades.
Durante décadas los medios franceses siguieron los entresijos de su prolífica carrera y su igualmente prolífica vida amorosa, a través de Paris-Match y otras revistas del corazón.
Aunque en total apareció en más de 90 películas a lo largo de su carrera, muchas de las cuales se volvieron icónicas, solo ganó un César -los premios que otorga la Academia del Cine Francés- en 1985 por “Nuestra historia” de Bertrand Blier.
https://ichef.bbci.co.uk/ace/ws/800/cpsprodpb/c58e/live/05050680-5d35-11ef-9d18-db9da5f0cf94.jpg.webp
También fue protagonista de las películas 'A pleno sol' y 'El silencio de un hombre'.
En un comunicado, la familia del actor afirma: "Alain Fabien, Anouchka, Anthony y (su perro) Loubo están profundamente tristes por anunciar el fallecimiento de su padre".
La "familia ruega que se respete su intimidad en este momento de duelo extremadamente doloroso", agrega.
El periódico parisino LeMonde calificó a Delon de "leyenda del cine", mientras que Liberation lo describió como "símbolo de una masculinidad sombría, el actor con un carisma loco".
Más recientemente, la ruptura de su familia había sido noticia en Francia, debido a los desacuerdos de sus tres hijos sobre su tratamiento médico.
https://ichef.bbci.co.uk/ace/ws/800/cpsprodpb/864a/live/379d2180-5d31-11ef-8d72-1b692712c16c.jpg.webp
Alain Delon con su esposa Nathalie y su hijo Anthony en la playa de Montecarlo, el 15 de agosto de 1965
Varias polémicas
Delon generó controversia fuera de los escenarios en varias ocasiones. Sobre todo cuando dijo que lamentaba la abolición de la pena de muerte y en otro momento al hablar despectivamente del matrimonio homosexual, que fue legalizado en Francia en 2013.
Defendió públicamente al partido de extrema derecha Frente Nacional y telefoneó a su fundador, Jean-Marie Le Pen, un viejo amigo, para felicitarlo cuando el partido obtuvo buenos resultados en las elecciones locales de 2014.
En una entrevista de enero de 2018, Delon le dijo a Paris Match que estaba harto de la vida moderna y que tenía una capilla y una tumba listas para él en los terrenos de su casa cerca de Ginebra, y para su perro pastor belga, llamado Loubo.
https://ichef.bbci.co.uk/ace/ws/800/cpsprodpb/f0f9/live/4a8bbf50-5d3f-11ef-94f0-19500e7d4787.jpg.webp
En 2019, recogió la Palma de Oro honorífica en el festival de Cannes.
Nacido en las afueras de París en 1935, fue entregado a una familia de acogida a los cuatro años cuando sus padres se divorciaron.
Cuando era niño era un ausente rebelde. Se unió a la marina y entró en acción en Indochina, pero fue sometido a un consejo de guerra por robar un jeep.
De regreso a París a finales de la década de 1950, vivió entre prostitutas y gánsteres antes de que sus ojos azules y su imponente fisico lo llevara al mundo del cine.
“He tenido muchos tratos con el crimen organizado, incluso lo he tocado”, confesó en 2021.
Una vida turbulenta
Hizo su debut cinematográfico en 1957 en "Quand la femme s'en mele", donde actuaba junto a las grandes estrellas de la época Edwige Feuillère, Jean Servais y Bernard Blier.
Delon declaró en multitud de ocasiones que había sacado su "motivación para ser lo que era" de las mujeres. Primero de su largo romance con la actriz Romy Schneider, después de Nathalie Delon, con la que se casó en 1964 -su único matrimonio-, también de Mireille Darc, su compañera durante 15 años, y la modelo holandesa Rosalie Van Breemen.
Era un amante del arte y un gran coleccionista de cuadros, vinos y armas.
“Un héroe siempre debe saber morir”, declaró el actor a Le Monde en 2018. “Me encantaba morir [en las películas] porque es un punto final”.
Fuente: BBC Mundo
Muere el gran actor francés Alain Delon a los 88 años
https://ichef.bbci.co.uk/ace/ws/800/cpsprodpb/cde6/live/0615c1f0-5d2f-11ef-a2df-5d86ba7713a8.jpg.webp
Delon era conocido por su apariencia de rompecorazones.
Redacción
18 agosto 2024, 07:24 GMT
La leyenda del cine Alain Delon murió a los 88 años.
El actor fue una estrella de la época dorada del cine francés, conocido por su personalidad de tipo duro en la pantalla en éxitos como El samurái y Borsalino.
"Falleció pacíficamente en su casa de Douchy, rodeado de sus tres hijos y su familia", según un comunicado enviado a la agencia de noticias AFP, añadiendo que la familia había pedido privacidad.
Delon tenía mala salud en los últimos años y vivía prácticamente recluido en su mansión, construida en una finca boscosa a 120 kilómetros al sureste de París.
En 2019, sufrió un derrame cerebral y padecía otra afección grave. Justo ese año, cuando recibió la Palma de Oro honorífica en el festival de Cannes, pronunció un emotivo discurso en el que pareció decir adiós al cine.
https://ichef.bbci.co.uk/ace/ws/800/cpsprodpb/e01f/live/40333ac0-5d2f-11ef-a2df-5d86ba7713a8.jpg.webp
Fue durante décadas una de las estrellas de cine más queridas de Francia.
Descrito en su día como el hombre más bello del cine, Delon protagonizó éxitos de los años 60 como El gatopardo
Enlace para verla: https://m.ok.ru/group/70000006188245/topic/157107022256341
y Rocco y sus hermanos.
Enlace para verla: https://ok.ru/video/2483137612345
Con esas dos películas del director italiano Luchino Visconti, el actor saltaría a la fama y su belleza y magnetismo no dearían de fascinar a los más grandes directores desde entonces.
Entre sus momentos cumbre también se encuentra el thriller erótico de 1969 "La Piscine" ("La piscina"), donde Delon hizo pareja con Romy Schneider, su amante de la vida real, en una sensual saga de celos y seducción que transcurre en la Riviera francesa.
Enlace para verla: https://ok.ru/video/7410508040867
Para los franceses, Delon es el gran fauve (gran bestia) del cine que cautivó y sedujo a su paso por Europa ya fuera interpretando a un asesino, a un matón o a un sicario, como en "El círculo rojo"
Enlace para verla: https://ok.ru/video/3465684126265
Un solo César
Su rostro, su mirada y sus gestos cautivó a los directores de los llamados "Treinta Años Gloriosos", tanto en Francia como en Italia (Clément, Visconti, Antonioni, Melville, Losey, etc.)
A partir de los años 90, sus apariciones en el cine se hicieron escasas, pero siguió siendo un elemento fijo en las columnas de celebridades.
Durante décadas los medios franceses siguieron los entresijos de su prolífica carrera y su igualmente prolífica vida amorosa, a través de Paris-Match y otras revistas del corazón.
Aunque en total apareció en más de 90 películas a lo largo de su carrera, muchas de las cuales se volvieron icónicas, solo ganó un César -los premios que otorga la Academia del Cine Francés- en 1985 por “Nuestra historia” de Bertrand Blier.
https://ichef.bbci.co.uk/ace/ws/800/cpsprodpb/c58e/live/05050680-5d35-11ef-9d18-db9da5f0cf94.jpg.webp
También fue protagonista de las películas 'A pleno sol' y 'El silencio de un hombre'.
En un comunicado, la familia del actor afirma: "Alain Fabien, Anouchka, Anthony y (su perro) Loubo están profundamente tristes por anunciar el fallecimiento de su padre".
La "familia ruega que se respete su intimidad en este momento de duelo extremadamente doloroso", agrega.
El periódico parisino LeMonde calificó a Delon de "leyenda del cine", mientras que Liberation lo describió como "símbolo de una masculinidad sombría, el actor con un carisma loco".
Más recientemente, la ruptura de su familia había sido noticia en Francia, debido a los desacuerdos de sus tres hijos sobre su tratamiento médico.
https://ichef.bbci.co.uk/ace/ws/800/cpsprodpb/864a/live/379d2180-5d31-11ef-8d72-1b692712c16c.jpg.webp
Alain Delon con su esposa Nathalie y su hijo Anthony en la playa de Montecarlo, el 15 de agosto de 1965
Varias polémicas
Delon generó controversia fuera de los escenarios en varias ocasiones. Sobre todo cuando dijo que lamentaba la abolición de la pena de muerte y en otro momento al hablar despectivamente del matrimonio homosexual, que fue legalizado en Francia en 2013.
Defendió públicamente al partido de extrema derecha Frente Nacional y telefoneó a su fundador, Jean-Marie Le Pen, un viejo amigo, para felicitarlo cuando el partido obtuvo buenos resultados en las elecciones locales de 2014.
En una entrevista de enero de 2018, Delon le dijo a Paris Match que estaba harto de la vida moderna y que tenía una capilla y una tumba listas para él en los terrenos de su casa cerca de Ginebra, y para su perro pastor belga, llamado Loubo.
https://ichef.bbci.co.uk/ace/ws/800/cpsprodpb/f0f9/live/4a8bbf50-5d3f-11ef-94f0-19500e7d4787.jpg.webp
En 2019, recogió la Palma de Oro honorífica en el festival de Cannes.
Nacido en las afueras de París en 1935, fue entregado a una familia de acogida a los cuatro años cuando sus padres se divorciaron.
Cuando era niño era un ausente rebelde. Se unió a la marina y entró en acción en Indochina, pero fue sometido a un consejo de guerra por robar un jeep.
De regreso a París a finales de la década de 1950, vivió entre prostitutas y gánsteres antes de que sus ojos azules y su imponente fisico lo llevara al mundo del cine.
“He tenido muchos tratos con el crimen organizado, incluso lo he tocado”, confesó en 2021.
Una vida turbulenta
Hizo su debut cinematográfico en 1957 en "Quand la femme s'en mele", donde actuaba junto a las grandes estrellas de la época Edwige Feuillère, Jean Servais y Bernard Blier.
Delon declaró en multitud de ocasiones que había sacado su "motivación para ser lo que era" de las mujeres. Primero de su largo romance con la actriz Romy Schneider, después de Nathalie Delon, con la que se casó en 1964 -su único matrimonio-, también de Mireille Darc, su compañera durante 15 años, y la modelo holandesa Rosalie Van Breemen.
Era un amante del arte y un gran coleccionista de cuadros, vinos y armas.
“Un héroe siempre debe saber morir”, declaró el actor a Le Monde en 2018. “Me encantaba morir [en las películas] porque es un punto final”.
Fuente: BBC Mundo
Heráclito
19-08-2024, 09:50:09
Jean Reno
https://scontent.fbog3-3.fna.fbcdn.net/v/t39.30808-6/455723770_10233769754809998_1171552728391864683_n.jpg?_nc_ca t=105&ccb=1-7&_nc_sid=aa7b47&_nc_eui2=AeGhK9BjOvetaLjiSlgSdN2UstOxbJmvlWCy07Fsma-VYOvCOJ6CCAHv0Kghbj9vP5M&_nc_ohc=zJm0UmheWyAQ7kNvgH70BJC&_nc_ht=scontent.fbog3-3.fna&cb_e2o_trans=t&oh=00_AYDH9QM51FQsY6qtgi1gzaHReuWx64jPdQRiAHdrOhXXXg&oe=66C9242B
Actor francés, de origen español, nacido en Casablanca el 30 de julio de 1948.
Su verdadero nombre es Juan Moreno y Herrera-Jiménez, sus padres eran andaluces, concretamente de la población gaditana de Sanlúcar de Barrameda.
En tiempos de posguerra la familia Moreno dejó España y se instaló en el Marruecos francés, naciendo su hijo Juan (posteriormente Jean) en Casablanca. En esta ciudad Reno pasó su infancia y adolescencia, y fue en ella en donde comenzó a interesarse por el mundo de la actuación.
A mediados de la década de los 60 fijó su residencia en París, estudiando interpretación en la Cours Simon antes de debutar profesionalmente en el teatro. Debutó en el cine en 1979 en “Hipótesis Del Cuadro Robado”, una película dirigida por Raoul Ruiz.
Saltó a la fama internacional gracias a sus colaboraciones con el director, guionista y productor Luc Besson, con quien filmó su primer largometraje a comienzos de los años 80, “Kamikaze 1999” (1983). Más tarde coincidieron en “En Busca De Freddy” (1985), “El Gran Azul” (1988), “Nikita – Dura De Matar” (1990) y “El Profesional"(León)” (1994).
Enlace para ver "El profesional": https://ok.ru/video/44422531656
En 1993 fue dirigido por primera vez por Jean-Marie Poiré en la comedia “Los Visitantes” (1993). El éxito comercial de la película provocó una secuela y un remake en Hollywood.
Enlace para verla: https://ok.ru/video/2528799951450
En los Estados Unidos, Reno coincidió en los créditos con Tom Cruise en “Misión Imposible” (1996), con Robert De Niro en el thriller de John Frankenheimer “Ronin” (1998), con Tom Hanks en “El Código Da Vinci” (2006) y, entre otros proyectos, con Steve Martin en las películas de “La Pantera Rosa”.
Ha sido nominado tres veces al Premio César como mejor actor: dos veces como actor principal por “El Profesional (León)” y por "Les Visiteurs", y una como mejor actor secundario por "Le Grand Bleu". En 2000 le fue concedido el Premio del Cine Europeo por su aportación al cine internacional.
https://scontent.fbog3-3.fna.fbcdn.net/v/t39.30808-6/455723770_10233769754809998_1171552728391864683_n.jpg?_nc_ca t=105&ccb=1-7&_nc_sid=aa7b47&_nc_eui2=AeGhK9BjOvetaLjiSlgSdN2UstOxbJmvlWCy07Fsma-VYOvCOJ6CCAHv0Kghbj9vP5M&_nc_ohc=zJm0UmheWyAQ7kNvgH70BJC&_nc_ht=scontent.fbog3-3.fna&cb_e2o_trans=t&oh=00_AYDH9QM51FQsY6qtgi1gzaHReuWx64jPdQRiAHdrOhXXXg&oe=66C9242B
Actor francés, de origen español, nacido en Casablanca el 30 de julio de 1948.
Su verdadero nombre es Juan Moreno y Herrera-Jiménez, sus padres eran andaluces, concretamente de la población gaditana de Sanlúcar de Barrameda.
En tiempos de posguerra la familia Moreno dejó España y se instaló en el Marruecos francés, naciendo su hijo Juan (posteriormente Jean) en Casablanca. En esta ciudad Reno pasó su infancia y adolescencia, y fue en ella en donde comenzó a interesarse por el mundo de la actuación.
A mediados de la década de los 60 fijó su residencia en París, estudiando interpretación en la Cours Simon antes de debutar profesionalmente en el teatro. Debutó en el cine en 1979 en “Hipótesis Del Cuadro Robado”, una película dirigida por Raoul Ruiz.
Saltó a la fama internacional gracias a sus colaboraciones con el director, guionista y productor Luc Besson, con quien filmó su primer largometraje a comienzos de los años 80, “Kamikaze 1999” (1983). Más tarde coincidieron en “En Busca De Freddy” (1985), “El Gran Azul” (1988), “Nikita – Dura De Matar” (1990) y “El Profesional"(León)” (1994).
Enlace para ver "El profesional": https://ok.ru/video/44422531656
En 1993 fue dirigido por primera vez por Jean-Marie Poiré en la comedia “Los Visitantes” (1993). El éxito comercial de la película provocó una secuela y un remake en Hollywood.
Enlace para verla: https://ok.ru/video/2528799951450
En los Estados Unidos, Reno coincidió en los créditos con Tom Cruise en “Misión Imposible” (1996), con Robert De Niro en el thriller de John Frankenheimer “Ronin” (1998), con Tom Hanks en “El Código Da Vinci” (2006) y, entre otros proyectos, con Steve Martin en las películas de “La Pantera Rosa”.
Ha sido nominado tres veces al Premio César como mejor actor: dos veces como actor principal por “El Profesional (León)” y por "Les Visiteurs", y una como mejor actor secundario por "Le Grand Bleu". En 2000 le fue concedido el Premio del Cine Europeo por su aportación al cine internacional.
Heráclito
29-08-2024, 08:46:25
Mitos del celuloide
por Rafael Narbona
El cine es el Olimpo del siglo XX. Sus grandes estrellas son algo más que actores. Encarnan actitudes existenciales, anhelos y sueños, miedos y deseos. Son el eco de las fantasías que se agitan en el inconsciente colectivo, arquetipos que han sobrevivido al paso del tiempo, expresando nuestro concepto de la integridad, la belleza o el mal.
Para muchas generaciones, el Atticus Finch de Gregory Peck (Matar a un ruiseñor, 1962) simboliza la honestidad en su forma más hermosa. Atticus transmite dignidad en cada fotograma, con su conducta ecuánime y serena. Por el contrario, el Norman Bates de Anthony Perkins (Psicosis, 1960) constituye la personificación de lo más terrorífico y perverso. Norman es tímido y vulnerable, quizás por eso resulta más perturbador.
Marylin Monroe
https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/2a/Marilyn_Monroe_in_How_to_Marry_a_Millionaire.jpg/800px-Marilyn_Monroe_in_How_to_Marry_a_Millionaire.jpg
A veces el mito y el actor se superponen, como sucedió con Marilyn Monroe, quintaesencia de la sensualidad y criatura herida por las pérdidas y los fracasos. Superficialmente, la Monroe es un mito sexual, pero solo hay que escarbar un poco para advertir su trágica fragilidad.
En La tentación vive arriba (Billy Wilder, 1955), el oficinista Richard Sherman (Tom Ewell) siente que la providencia se ha acordado de él, enviando a una rubia explosiva al piso que se encuentra sobre su cabeza. Su mujer y sus hijos se han marchado de vacaciones de verano, huyendo del calor asfixiante de Nueva York. Aunque ha prometido ser un marido fiel, las circunstancias no le ayudan a cumplir sus nobles propósitos. Su vecina es sumamente atractiva y desborda simpatía. Lejos de mostrarse inaccesible, acepta su invitación de bajar a su piso.
Nunca llegaremos a saber el nombre de la chica, quizás porque no es una criatura real, sino una ensoñación. Su inocencia es tan abrumadora como su sensualidad. Desinhibida y espontánea, le cuenta a su vecino que combate el calor, guardando su ropa interior en el frigorífico. Cuando van juntos al cine para ver una película de terror, se compadece del monstruo, afirmando que no era malo, sino que se sentía solo y necesitaba cariño. Al pasar por una rejilla de ventilación, se detiene para refrescarse, dejando que la corriente de aire levante su vestido blanco. Sherman observa complacido sus piernas esculturales. La chica no advierte que su mirada está cargada de lujuria. ¿Se puede decir que Marilyn era así?
Para Norma Jeane Mortenson, el sexo no tenía mucha importancia. Corren rumores de que se prostituyó en sus inicios para pagar el alquiler. Sus dos matrimonios fracasaron. Nunca fue madre, ni siquiera en la ficción. Aunque decía que su madre había muerto, la sobrevivió. Gladys Monroe murió en 1984, recluida en una clínica de salud mental. Marilyn siempre llevaba encima una nota donde había escrito «Madre», como si fuera un grito de desamparo.
Vidas rebeldes (John Huston, 1961) nos enseñó que no era una rubia tonta, que sabía actuar y transmitir su desgarro interior, que podía infundir vida a un personaje. Aficionada a la buena literatura y fascinada por el psicoanálisis, una fotografía nos la muestra leyendo un ejemplar del Ulises. Aún no sabemos con exactitud la causa de su muerte, pero todo indica una sobredosis —quizás accidental— de barbitúricos.
El mito de Marilyn no ha perdido su poderoso atractivo, pero su fuerza no procede de su físico deslumbrante, sino de su paradójica infelicidad. El éxito a veces solo produce vértigo y hastío. Marilyn sufrió el zarpazo de la neurosis y jamás logró desembarazarse de los fantasmas que la acosaron desde la niñez. No merece ser recordada como una diosa del sexo, sino como una mujer que buscó la dicha sin éxito, pensando que las luces de neón podrían calentar su corazón desdichado.
Humphrey Bogart
https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/8/84/Humphrey_Bogart_1940.jpg
La vida de Humphrey Bogart también se confunde con el mito. Hijo de un cirujano y una artista gráfica, se matriculó en Yale para estudiar medicina, pero fue expulsado por rebeldía. Durante la Primera Guerra Mundial, sirvió como marino en el USS Leviathan. Un submarino alemán lo torpedeó y casi lo envía al fondo del mar. Bogart sobrevivió, pero una astilla le perforó el labio superior, afectando a su forma de hablar. Su silbido característico, que añade dureza e ironía a su voz, es fruto del azar. Es difícil imaginar a Bogie sin ese deje, que le ayudaría a escalar la montaña de la fama.
No muy alto y con un rostro poco agraciado, sus comienzos en el cine fueron desalentadores, pero su talento dramático se abrió paso poco a poco, interpretando a forajidos con el alma hecha jirones, como Duke Mantee (El bosque petrificado, Archie Mayo, 1936) o Roy Earle (El último refugio, Raoul Walsh, 1941), o a detectives cínicos y sin escrúpulos, como Sam Spade (El halcón maltés, John Huston, 1941).
La consagración definitiva llegó con Casablanca (Michael Curtiz, 1942), donde Bogie ya no es un gánster ni un investigador privado, sino el dueño de un local nocturno que reúne a lo más selecto —y lo más abyecto— de Casablanca. Con el corazón roto por el abandono de su amante, Ilsa Lund (Ingrid Bergman), Rick presume de cinismo, asegurando que no se jugaría el cuello por nadie. Cultiva una relación cordial con Louis Renault (Claude Rains), capitán corrupto de la Francia de Vichy, e intenta no tener problemas con el mayor Strasser (Conrad Veidt), oficial de la Luftwaffe.
Aparentemente, no le preocupa el desenlace de la guerra. Cuando le preguntan cuál es su nacionalidad, responde: «Borracho». A pesar de todo, Rick es un sentimental, como apunta con perspicacia el capitán Renault. El final de Casablanca, uno de los más inolvidables y perfectos de la historia del cine, así lo demuestra. Sacrifica su amor por la causa de la libertad, instando a Ilsa a continuar con su marido, Víctor Laszlo, héroe de la Resistencia, cuando ella ya había decidido marcharse con él.
Fumador incansable y alcohólico sin mala conciencia, en la vida real Bogie fue un tipo duro que se negó a colaborar con el macartismo. Pendenciero y arrogante, no le causaba ningún problema liarse a puñetazos. No fue un caballero con las damas, pero amó con fervor y sinceridad a Lauren Bacall, veinticinco años más joven. Su feliz matrimonio no le impidió despeñarse por el escote de Marilyn en una famosa fotografía, donde aparentemente lía un cigarrillo.
https://pbs.twimg.com/media/GWJcnVsXcAA2FMR?format=jpg&name=small
Amante de los perros, su cara se parecía a la de un sabueso con el rostro profusamente arrugado y los ojos húmedos. Detrás de su fachada de tipo duro, el mito de Bogart esconde un alma generosa y sensible. Aunque en algunas películas se dedique a atracar bancos, nunca es un canalla. No deja atrás a los amigos, no se acobarda ante el peligro, no consiente que maltraten a las mujeres, su generosidad llega al extremo de pagar la operación de una muchacha coja y adoptar a un perrito bizco.
El mito de Bogart cristaliza el anhelo de supervivencia de una generación maltratada por la historia. La Depresión del 29 y la Segunda Guerra Mundial destruyeron las esperanzas de infinidad de hombres y mujeres, pero el sufrimiento no logró apagar su apego a la vida. Cuando sale de la cárcel, Roy Earle se acerca a un parque y se sienta bajo la sombra de un árbol, regocijado por la alegría de unos niños que juegan con una pelota. No es la imagen más emblemática de Bogart, pero sí la más auténtica.
James Dean
https://www.oklahoman.com/gcdn/authoring/2013/09/27/NOKL/ghnewsok_gallery-OK-6029178-e507dcc7.jpeg?width=660&height=570&fit=crop&format=pjpg&auto=webp
Es imposible evocar a James Dean sin pensar de inmediato en su rebeldía. Su generación creció con la guerra como telón de fondo, experimentando una opresiva sensación de precariedad y vacío. Incapaces de aceptar los valores de sus padres, los jóvenes desahogaron su malestar, desarrollando conductas antisociales. Responsabilizaban a los mayores de su inseguridad y desarraigo, y solo se planteaban disfrutar al máximo del instante, sin preocuparse de las consecuencias de sus actos.
Meursault, el protagonista de El extranjero, de Camus, es uno de los frutos de ese clima de insatisfacción. Interpretado por James Dean, Jim Stark (Rebelde sin causa, Nicholas Ray, 1955) procede del mismo árbol, pero es una rama más tardía. De hecho, les separan trece años. En ese tiempo, la angustia de Meursault se ha transformado en rabia y autodestrucción. Jim Stark odia a su padre porque es débil y porque ha fracasado en su misión de transmitirle una visión de la vida con asideros sólidos. No quiere parecerse a él, lo cual le crea un problema tras otro. A veces, hace cosas absurdas, como destruir parquímetros; otras, acepta peligrosos desafíos que ponen su vida en peligro. Sin embargo, Jim Stark anhela tener una familia alternativa. Se siente atraído por Judy (Natalie Wood) y aprecia mucho a Platón (Sal Mineo), un chico conflictivo e inseguro al que sus acaudalados padres no prestan atención.
Judy y Platón le hacen sentir que podría asumir la responsabilidad de cuidar a una familia, convirtiéndose al fin en adulto. Solo tiene que aprender a esperar y transformar su ira en paciencia y responsabilidad. Jim Stark podría ser un Meursault redimido. Casi está a punto de conseguirlo cuando descarga la pistola de Platón, intentando protegerle de sí mismo, pero la fatalidad frustrará su gesto, arrojándole de nuevo al miedo y el desamparo. Nicholas Ray elude el pesimismo, escenificando un inicio de reconciliación entre Jim y su padre. James Dean con su cazadora roja preludia la insurrección estudiantil del Mayo del 68, cuando una oleada de nihilismo en mitad de un clima de bienestar pidió lo imposible.
No sé si el cine será el Olimpo del siglo XXI. Su capacidad de producir mitos se ha debilitado. Tal vez no haya que reprochárselo. Nuestra época le ha dado la espalda a la épica, la lírica y la tragedia, cobijándose en el espectáculo y el entretenimiento. Al menos durante un tiempo, Marilyn Monroe, Humphrey Bogart y James Dean seguirán flotando en el inconsciente colectivo, recordándonos que —sin mitos— el ser humano se siente huérfano.
Rafael Narbona
Publicado en Revista de Libros el 9 de mayo de 2020
por Rafael Narbona
El cine es el Olimpo del siglo XX. Sus grandes estrellas son algo más que actores. Encarnan actitudes existenciales, anhelos y sueños, miedos y deseos. Son el eco de las fantasías que se agitan en el inconsciente colectivo, arquetipos que han sobrevivido al paso del tiempo, expresando nuestro concepto de la integridad, la belleza o el mal.
Para muchas generaciones, el Atticus Finch de Gregory Peck (Matar a un ruiseñor, 1962) simboliza la honestidad en su forma más hermosa. Atticus transmite dignidad en cada fotograma, con su conducta ecuánime y serena. Por el contrario, el Norman Bates de Anthony Perkins (Psicosis, 1960) constituye la personificación de lo más terrorífico y perverso. Norman es tímido y vulnerable, quizás por eso resulta más perturbador.
Marylin Monroe
https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/2a/Marilyn_Monroe_in_How_to_Marry_a_Millionaire.jpg/800px-Marilyn_Monroe_in_How_to_Marry_a_Millionaire.jpg
A veces el mito y el actor se superponen, como sucedió con Marilyn Monroe, quintaesencia de la sensualidad y criatura herida por las pérdidas y los fracasos. Superficialmente, la Monroe es un mito sexual, pero solo hay que escarbar un poco para advertir su trágica fragilidad.
En La tentación vive arriba (Billy Wilder, 1955), el oficinista Richard Sherman (Tom Ewell) siente que la providencia se ha acordado de él, enviando a una rubia explosiva al piso que se encuentra sobre su cabeza. Su mujer y sus hijos se han marchado de vacaciones de verano, huyendo del calor asfixiante de Nueva York. Aunque ha prometido ser un marido fiel, las circunstancias no le ayudan a cumplir sus nobles propósitos. Su vecina es sumamente atractiva y desborda simpatía. Lejos de mostrarse inaccesible, acepta su invitación de bajar a su piso.
Nunca llegaremos a saber el nombre de la chica, quizás porque no es una criatura real, sino una ensoñación. Su inocencia es tan abrumadora como su sensualidad. Desinhibida y espontánea, le cuenta a su vecino que combate el calor, guardando su ropa interior en el frigorífico. Cuando van juntos al cine para ver una película de terror, se compadece del monstruo, afirmando que no era malo, sino que se sentía solo y necesitaba cariño. Al pasar por una rejilla de ventilación, se detiene para refrescarse, dejando que la corriente de aire levante su vestido blanco. Sherman observa complacido sus piernas esculturales. La chica no advierte que su mirada está cargada de lujuria. ¿Se puede decir que Marilyn era así?
Para Norma Jeane Mortenson, el sexo no tenía mucha importancia. Corren rumores de que se prostituyó en sus inicios para pagar el alquiler. Sus dos matrimonios fracasaron. Nunca fue madre, ni siquiera en la ficción. Aunque decía que su madre había muerto, la sobrevivió. Gladys Monroe murió en 1984, recluida en una clínica de salud mental. Marilyn siempre llevaba encima una nota donde había escrito «Madre», como si fuera un grito de desamparo.
Vidas rebeldes (John Huston, 1961) nos enseñó que no era una rubia tonta, que sabía actuar y transmitir su desgarro interior, que podía infundir vida a un personaje. Aficionada a la buena literatura y fascinada por el psicoanálisis, una fotografía nos la muestra leyendo un ejemplar del Ulises. Aún no sabemos con exactitud la causa de su muerte, pero todo indica una sobredosis —quizás accidental— de barbitúricos.
El mito de Marilyn no ha perdido su poderoso atractivo, pero su fuerza no procede de su físico deslumbrante, sino de su paradójica infelicidad. El éxito a veces solo produce vértigo y hastío. Marilyn sufrió el zarpazo de la neurosis y jamás logró desembarazarse de los fantasmas que la acosaron desde la niñez. No merece ser recordada como una diosa del sexo, sino como una mujer que buscó la dicha sin éxito, pensando que las luces de neón podrían calentar su corazón desdichado.
Humphrey Bogart
https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/8/84/Humphrey_Bogart_1940.jpg
La vida de Humphrey Bogart también se confunde con el mito. Hijo de un cirujano y una artista gráfica, se matriculó en Yale para estudiar medicina, pero fue expulsado por rebeldía. Durante la Primera Guerra Mundial, sirvió como marino en el USS Leviathan. Un submarino alemán lo torpedeó y casi lo envía al fondo del mar. Bogart sobrevivió, pero una astilla le perforó el labio superior, afectando a su forma de hablar. Su silbido característico, que añade dureza e ironía a su voz, es fruto del azar. Es difícil imaginar a Bogie sin ese deje, que le ayudaría a escalar la montaña de la fama.
No muy alto y con un rostro poco agraciado, sus comienzos en el cine fueron desalentadores, pero su talento dramático se abrió paso poco a poco, interpretando a forajidos con el alma hecha jirones, como Duke Mantee (El bosque petrificado, Archie Mayo, 1936) o Roy Earle (El último refugio, Raoul Walsh, 1941), o a detectives cínicos y sin escrúpulos, como Sam Spade (El halcón maltés, John Huston, 1941).
La consagración definitiva llegó con Casablanca (Michael Curtiz, 1942), donde Bogie ya no es un gánster ni un investigador privado, sino el dueño de un local nocturno que reúne a lo más selecto —y lo más abyecto— de Casablanca. Con el corazón roto por el abandono de su amante, Ilsa Lund (Ingrid Bergman), Rick presume de cinismo, asegurando que no se jugaría el cuello por nadie. Cultiva una relación cordial con Louis Renault (Claude Rains), capitán corrupto de la Francia de Vichy, e intenta no tener problemas con el mayor Strasser (Conrad Veidt), oficial de la Luftwaffe.
Aparentemente, no le preocupa el desenlace de la guerra. Cuando le preguntan cuál es su nacionalidad, responde: «Borracho». A pesar de todo, Rick es un sentimental, como apunta con perspicacia el capitán Renault. El final de Casablanca, uno de los más inolvidables y perfectos de la historia del cine, así lo demuestra. Sacrifica su amor por la causa de la libertad, instando a Ilsa a continuar con su marido, Víctor Laszlo, héroe de la Resistencia, cuando ella ya había decidido marcharse con él.
Fumador incansable y alcohólico sin mala conciencia, en la vida real Bogie fue un tipo duro que se negó a colaborar con el macartismo. Pendenciero y arrogante, no le causaba ningún problema liarse a puñetazos. No fue un caballero con las damas, pero amó con fervor y sinceridad a Lauren Bacall, veinticinco años más joven. Su feliz matrimonio no le impidió despeñarse por el escote de Marilyn en una famosa fotografía, donde aparentemente lía un cigarrillo.
https://pbs.twimg.com/media/GWJcnVsXcAA2FMR?format=jpg&name=small
Amante de los perros, su cara se parecía a la de un sabueso con el rostro profusamente arrugado y los ojos húmedos. Detrás de su fachada de tipo duro, el mito de Bogart esconde un alma generosa y sensible. Aunque en algunas películas se dedique a atracar bancos, nunca es un canalla. No deja atrás a los amigos, no se acobarda ante el peligro, no consiente que maltraten a las mujeres, su generosidad llega al extremo de pagar la operación de una muchacha coja y adoptar a un perrito bizco.
El mito de Bogart cristaliza el anhelo de supervivencia de una generación maltratada por la historia. La Depresión del 29 y la Segunda Guerra Mundial destruyeron las esperanzas de infinidad de hombres y mujeres, pero el sufrimiento no logró apagar su apego a la vida. Cuando sale de la cárcel, Roy Earle se acerca a un parque y se sienta bajo la sombra de un árbol, regocijado por la alegría de unos niños que juegan con una pelota. No es la imagen más emblemática de Bogart, pero sí la más auténtica.
James Dean
https://www.oklahoman.com/gcdn/authoring/2013/09/27/NOKL/ghnewsok_gallery-OK-6029178-e507dcc7.jpeg?width=660&height=570&fit=crop&format=pjpg&auto=webp
Es imposible evocar a James Dean sin pensar de inmediato en su rebeldía. Su generación creció con la guerra como telón de fondo, experimentando una opresiva sensación de precariedad y vacío. Incapaces de aceptar los valores de sus padres, los jóvenes desahogaron su malestar, desarrollando conductas antisociales. Responsabilizaban a los mayores de su inseguridad y desarraigo, y solo se planteaban disfrutar al máximo del instante, sin preocuparse de las consecuencias de sus actos.
Meursault, el protagonista de El extranjero, de Camus, es uno de los frutos de ese clima de insatisfacción. Interpretado por James Dean, Jim Stark (Rebelde sin causa, Nicholas Ray, 1955) procede del mismo árbol, pero es una rama más tardía. De hecho, les separan trece años. En ese tiempo, la angustia de Meursault se ha transformado en rabia y autodestrucción. Jim Stark odia a su padre porque es débil y porque ha fracasado en su misión de transmitirle una visión de la vida con asideros sólidos. No quiere parecerse a él, lo cual le crea un problema tras otro. A veces, hace cosas absurdas, como destruir parquímetros; otras, acepta peligrosos desafíos que ponen su vida en peligro. Sin embargo, Jim Stark anhela tener una familia alternativa. Se siente atraído por Judy (Natalie Wood) y aprecia mucho a Platón (Sal Mineo), un chico conflictivo e inseguro al que sus acaudalados padres no prestan atención.
Judy y Platón le hacen sentir que podría asumir la responsabilidad de cuidar a una familia, convirtiéndose al fin en adulto. Solo tiene que aprender a esperar y transformar su ira en paciencia y responsabilidad. Jim Stark podría ser un Meursault redimido. Casi está a punto de conseguirlo cuando descarga la pistola de Platón, intentando protegerle de sí mismo, pero la fatalidad frustrará su gesto, arrojándole de nuevo al miedo y el desamparo. Nicholas Ray elude el pesimismo, escenificando un inicio de reconciliación entre Jim y su padre. James Dean con su cazadora roja preludia la insurrección estudiantil del Mayo del 68, cuando una oleada de nihilismo en mitad de un clima de bienestar pidió lo imposible.
No sé si el cine será el Olimpo del siglo XXI. Su capacidad de producir mitos se ha debilitado. Tal vez no haya que reprochárselo. Nuestra época le ha dado la espalda a la épica, la lírica y la tragedia, cobijándose en el espectáculo y el entretenimiento. Al menos durante un tiempo, Marilyn Monroe, Humphrey Bogart y James Dean seguirán flotando en el inconsciente colectivo, recordándonos que —sin mitos— el ser humano se siente huérfano.
Rafael Narbona
Publicado en Revista de Libros el 9 de mayo de 2020
Casanova33
05-09-2024, 22:30:30
La última que me he pillado de Buñuel es 'El ángel exterminador': me pareció brutal. Tengo pendiente por verme de él 'Bella de noche' que la descargué hace rato, y hace unos meses disfruté nuevamente 'El discreto encanto de la burguesía' y 'Ese oscuro objeto del deseo'. Finalmente, la otra que me he visto de este gran cineasta español (Q.E.P.D) es 'Viridiana' y bueno, gracias a esta idea para mí loable del cineclub en el foro espero apartar un espacio para 'Los olvidados'.
'Pescador de ilusiones', vaya filme conmovedor. Solo lo he disfrutado una vez y recuerdo que fue con mi hermano por televisión y doblado a español latino. ¿Estamos aquí ante el mejor personaje que haya interpretado en su carrera Jeff Bridges?... Gracias a @Casanova33 (https://www.denunciando.com/member.php?u=787823) porque con un me gusta suyo, me acordé nuevamente de este espacio, lo admito.
No lo deje(mos) morir. Es bueno saber y pasear por la DeepWeb de Denunciando, que no es solo Putas y Sexual Turismo, sino algo de cultura también. Hágale que también me gusta el cine. Hace años me gustaba el cine arte, de ese bien desconocido. Me la pasaba en Artes viendo películas donde entrabamos cinco gatos, películas Alemanes del Este de antes de 1989 que eran aburrídisimas y difíciles de entender. Hágale y revivimos este espacio. Saludos.
'Pescador de ilusiones', vaya filme conmovedor. Solo lo he disfrutado una vez y recuerdo que fue con mi hermano por televisión y doblado a español latino. ¿Estamos aquí ante el mejor personaje que haya interpretado en su carrera Jeff Bridges?... Gracias a @Casanova33 (https://www.denunciando.com/member.php?u=787823) porque con un me gusta suyo, me acordé nuevamente de este espacio, lo admito.
No lo deje(mos) morir. Es bueno saber y pasear por la DeepWeb de Denunciando, que no es solo Putas y Sexual Turismo, sino algo de cultura también. Hágale que también me gusta el cine. Hace años me gustaba el cine arte, de ese bien desconocido. Me la pasaba en Artes viendo películas donde entrabamos cinco gatos, películas Alemanes del Este de antes de 1989 que eran aburrídisimas y difíciles de entender. Hágale y revivimos este espacio. Saludos.
Soyado
06-09-2024, 11:59:34
Hoy me vengo a enterar del verdadero nombre de Jean Reno y de su ascendencia española, gracias a la información que publicaste de él por acá, viejo Heráclito Muchas gracias. Otro actor que tiene ascendencia hispánica, pero solo de parte de padre, es Martin Sheen, el popular capitán Willard de Apocalyse Now (su nombre real es Ramón Antonio Gerardo Estévez).
Yo sé que este espacio del cine foro es una verraquera. Que de milagro, sin exagerar, se puede hallar en este sitio web. Y que no lo ando visitando como debiera, también es verdad. Tras este acto de mea culpa, decir que la verdad me he vuelto más de series que de películas, no sé exactamente por qué. Y como en el caso de Casanova33 también me mantenía viendo esos largometrajes europeos nada comerciales que solo nos interesaban a un selecto grupo de espectadores.
Como recuerdo esos días, sobre todo en el multiplex de Royal Films en el centro comercial Centenario aquí en Cali, que era en donde me mantenía metido disfrutando tales filmes. Sí: enfatizo disfrutando, porque de verdad que me agradaban mucho esas producciones. No salí aburrido de ninguna de ellas.
Y no me ha dado por ver todavía 'Los olvidados' y ninguna de las que han dejado aquí. Sí: hasta ahora soy un integrante medio chimbo de esta genial iniciativa. Por favor, perdónenme: espero que a corto plazo, pueda ser un mejor miembro de este cine foro.
Yo sé que este espacio del cine foro es una verraquera. Que de milagro, sin exagerar, se puede hallar en este sitio web. Y que no lo ando visitando como debiera, también es verdad. Tras este acto de mea culpa, decir que la verdad me he vuelto más de series que de películas, no sé exactamente por qué. Y como en el caso de Casanova33 también me mantenía viendo esos largometrajes europeos nada comerciales que solo nos interesaban a un selecto grupo de espectadores.
Como recuerdo esos días, sobre todo en el multiplex de Royal Films en el centro comercial Centenario aquí en Cali, que era en donde me mantenía metido disfrutando tales filmes. Sí: enfatizo disfrutando, porque de verdad que me agradaban mucho esas producciones. No salí aburrido de ninguna de ellas.
Y no me ha dado por ver todavía 'Los olvidados' y ninguna de las que han dejado aquí. Sí: hasta ahora soy un integrante medio chimbo de esta genial iniciativa. Por favor, perdónenme: espero que a corto plazo, pueda ser un mejor miembro de este cine foro.
Casanova33
06-09-2024, 14:31:29
Hoy me vengo a enterar del verdadero nombre de Jean Reno y de su ascendencia española, gracias a la información que publicaste de él por acá, viejo @Heráclito (https://www.denunciando.com/member.php?u=534195) Muchas gracias. Otro actor que tiene ascendencia hispánica, pero solo de parte de padre, es Martin Sheen, el popular capitán Willard de Apocalyse Now (su nombre real es Ramón Antonio Gerardo Estévez).
Yo sé que este espacio del cine foro es una verraquera. Que de milagro, sin exagerar, se puede hallar en este sitio web. Y que no lo ando visitando como debiera, también es verdad. Tras este acto de mea culpa, decir que la verdad me he vuelto más de series que de películas, no sé exactamente por qué. Y como en el caso de @Casanova33 (https://www.denunciando.com/member.php?u=787823) también me mantenía viendo esos largometrajes europeos nada comerciales que solo nos interesaban a un selecto grupo de espectadores.
Como recuerdo esos días, sobre todo en el multiplex de Royal Films en el centro comercial Centenario aquí en Cali, que era en donde me mantenía metido disfrutando tales filmes. Sí: enfatizo disfrutando, porque de verdad que me agradaban mucho esas producciones. No salí aburrido de ninguna de ellas.
Y no me ha dado por ver todavía 'Los olvidados' y ninguna de las que han dejado aquí. Sí: hasta ahora soy un integrante medio chimbo de esta genial iniciativa. Por favor, perdónenme: espero que a corto plazo, pueda ser un mejor miembro de este cine foro.
Y ya que eres de Cali, traigamos al presente las películas que se proyectaron en el famoso Cine Club de Cali en cabeza del nunca bien ponderado (y maestro mío de juventud) Andrés Caicedo. Hay mucho material allí para reseñar. Saludos.
Yo sé que este espacio del cine foro es una verraquera. Que de milagro, sin exagerar, se puede hallar en este sitio web. Y que no lo ando visitando como debiera, también es verdad. Tras este acto de mea culpa, decir que la verdad me he vuelto más de series que de películas, no sé exactamente por qué. Y como en el caso de @Casanova33 (https://www.denunciando.com/member.php?u=787823) también me mantenía viendo esos largometrajes europeos nada comerciales que solo nos interesaban a un selecto grupo de espectadores.
Como recuerdo esos días, sobre todo en el multiplex de Royal Films en el centro comercial Centenario aquí en Cali, que era en donde me mantenía metido disfrutando tales filmes. Sí: enfatizo disfrutando, porque de verdad que me agradaban mucho esas producciones. No salí aburrido de ninguna de ellas.
Y no me ha dado por ver todavía 'Los olvidados' y ninguna de las que han dejado aquí. Sí: hasta ahora soy un integrante medio chimbo de esta genial iniciativa. Por favor, perdónenme: espero que a corto plazo, pueda ser un mejor miembro de este cine foro.
Y ya que eres de Cali, traigamos al presente las películas que se proyectaron en el famoso Cine Club de Cali en cabeza del nunca bien ponderado (y maestro mío de juventud) Andrés Caicedo. Hay mucho material allí para reseñar. Saludos.
Casanova33
07-09-2024, 10:58:24
Miren el cambio que hizo Dave Bautista! Tremendo. Juzguen ustedes.
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4417118&stc=1&d=1725724680https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4417119&stc=1&d=1725724680
https://www.denunciando.com/attachments/peliculas-cine-y-teatro/4417120d1725724680-cineclub-de-denunciando-ssstwitter.com_1725722467039.mp4
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4417118&stc=1&d=1725724680https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4417119&stc=1&d=1725724680
https://www.denunciando.com/attachments/peliculas-cine-y-teatro/4417120d1725724680-cineclub-de-denunciando-ssstwitter.com_1725722467039.mp4
Casanova33
07-09-2024, 11:11:52
UzFZR2dRsSY
Como les dije moachos yo soy un poco más comercial. No he seguido de cerca las anteriores películas de X-Men, pero me gusta mucho el trailer de la última de Deadpool, por qué? Por lo nostálgico. Esa tendencia de unos años para acá de la nostalgia en los superhéroes, en el psicologismo de sus personajes (Nolan, Caballero de la Noche). Me gusta mucho esa tendencia porque revela una especie de miedo incosnciente a un mundo en decadencia. Les dejo este trailer doblado a latino que equilibra la nostalgia de un pasado mejor con el humor, o lo enmascara.
Como les dije moachos yo soy un poco más comercial. No he seguido de cerca las anteriores películas de X-Men, pero me gusta mucho el trailer de la última de Deadpool, por qué? Por lo nostálgico. Esa tendencia de unos años para acá de la nostalgia en los superhéroes, en el psicologismo de sus personajes (Nolan, Caballero de la Noche). Me gusta mucho esa tendencia porque revela una especie de miedo incosnciente a un mundo en decadencia. Les dejo este trailer doblado a latino que equilibra la nostalgia de un pasado mejor con el humor, o lo enmascara.
Casanova33
07-09-2024, 12:29:29
Ahora el clásico por antonomasia de Hitchckoc: PSYCOSIS
(Link por si no funciones el video abajo https://archive.org/details/psycho-1960)
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4417165&stc=1&d=1725730776
Psycho (titulada Psicosis en español) es una película de 1960 dirigida por Alfred Hitchcock. La película se ha convertido en un clásico del cine de terror y suspense, en parte gracias al guion de Joseph Stefano.
Se basa en la novela del mismo nombre de Robert Bloch, que a su vez fue inspirada por los crímenes de Ed Gein, un asesino en serie de Wisconsin. La película tiene lugar en su mayor parte en un solitario motel de carretera, donde se aloja una secretaria, Marion Crane (Janet Leigh), que ha huido con dinero de su empresa. El motel está regentado por Norman Bates (Anthony Perkins).
Inicialmente la película recibió comentarios mixtos, pero en una revisión, motivó opiniones muy positivas que dieron lugar a cuatro nominaciones a los Premios Oscar. Considerada hoy como una de las mejores películas de Hitchcock, y elogiada como una obra de arte cinematográfica de la crítica internacional, Psicosis también ha sido aclamada como una de las películas de terror más eficaces. Se trata de una película en la que cada escena es casi legendaria, y muchas han sido copiadas o parodiadas. La película dio lugar a varias secuelas y una nueva versión, que generalmente son vistas como obras de menor calidad.
https://dn720208.ca.archive.org/0/items/psycho-1960/Psycho.1960.1080p.BrRip.x264.YIFY.mp4
(Link por si no funciones el video abajo https://archive.org/details/psycho-1960)
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4417165&stc=1&d=1725730776
Psycho (titulada Psicosis en español) es una película de 1960 dirigida por Alfred Hitchcock. La película se ha convertido en un clásico del cine de terror y suspense, en parte gracias al guion de Joseph Stefano.
Se basa en la novela del mismo nombre de Robert Bloch, que a su vez fue inspirada por los crímenes de Ed Gein, un asesino en serie de Wisconsin. La película tiene lugar en su mayor parte en un solitario motel de carretera, donde se aloja una secretaria, Marion Crane (Janet Leigh), que ha huido con dinero de su empresa. El motel está regentado por Norman Bates (Anthony Perkins).
Inicialmente la película recibió comentarios mixtos, pero en una revisión, motivó opiniones muy positivas que dieron lugar a cuatro nominaciones a los Premios Oscar. Considerada hoy como una de las mejores películas de Hitchcock, y elogiada como una obra de arte cinematográfica de la crítica internacional, Psicosis también ha sido aclamada como una de las películas de terror más eficaces. Se trata de una película en la que cada escena es casi legendaria, y muchas han sido copiadas o parodiadas. La película dio lugar a varias secuelas y una nueva versión, que generalmente son vistas como obras de menor calidad.
https://dn720208.ca.archive.org/0/items/psycho-1960/Psycho.1960.1080p.BrRip.x264.YIFY.mp4
Casanova33
07-09-2024, 12:48:01
EL NOMBRE DE LA ROSA
19 de diciembre de 1986 (https://www.sensacine.com/peliculas/estrenos/es/week-1986-12-19/) en cines | 2h 12min | Aventura (https://www.sensacine.com/peliculas/todas-peliculas/genero-13001/), Crimen (https://www.sensacine.com/peliculas/todas-peliculas/genero-13018/), Drama (https://www.sensacine.com/peliculas/todas-peliculas/genero-13008/), Suspense (https://www.sensacine.com/peliculas/todas-peliculas/genero-13023/)
Dirigida por Jean-Jacques Annaud (https://www.sensacine.com/actores/actor-2331/)
| Guion Andrew Birkin (https://www.sensacine.com/actores/actor-33341/), Gérard Brach (https://www.sensacine.com/actores/actor-37697/)
Reparto Sean Connery (https://www.sensacine.com/actores/actor-1541/), Christian Slater (https://www.sensacine.com/actores/actor-13604/), Helmut Qualtinger (https://www.sensacine.com/actores/actor-51151/)
Título original Le Nom de la Rose
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4417190&stc=1&d=1725731217
Sinopsis
Pelicula no recomendada a menores de 13
Fray Guillermo de Baskerville (Sean Connery) es un monje franciscano, antiguo inquisidor con una cultura desbordante. Su discípulo, el joven novicio Adso de Melk (Christian Slater) le admira más que a ningún hombre, y por eso narra esta historia, años después de que ocurra. La trama comienza en noviembre de 1327, cuando maestro y alumno llegan a una pequeña abadía benedictina del norte de Italia. Su viaje hasta ese lugar responde a un claro objetivo: resolver la muerte de un miniaturista en los muros de la abadía.
Mientras permanecen en la abadía, otros monjes comienzan a desaparecer misteriosamente. Cuando poco después son encontrados muertos, el caso se complica. La investigación de Guillermo le conduce a descubrir que el motivo de las muertes es un viejo tratado sobre si la risa es lícita o no. Mientras que Guillermo investiga la biblioteca, Adso tendrá otros preocupaciones cuando conoce a una joven que no tardará en seducirlo. ¿Pero 1uién es el asesino? ¿De qué son culpables las víctimas asesinadas?
https://dn720401.ca.archive.org/0/items/el-nombre-de-la-rosa/El%20nombre%20de%20la%20Rosa.mp4
19 de diciembre de 1986 (https://www.sensacine.com/peliculas/estrenos/es/week-1986-12-19/) en cines | 2h 12min | Aventura (https://www.sensacine.com/peliculas/todas-peliculas/genero-13001/), Crimen (https://www.sensacine.com/peliculas/todas-peliculas/genero-13018/), Drama (https://www.sensacine.com/peliculas/todas-peliculas/genero-13008/), Suspense (https://www.sensacine.com/peliculas/todas-peliculas/genero-13023/)
Dirigida por Jean-Jacques Annaud (https://www.sensacine.com/actores/actor-2331/)
| Guion Andrew Birkin (https://www.sensacine.com/actores/actor-33341/), Gérard Brach (https://www.sensacine.com/actores/actor-37697/)
Reparto Sean Connery (https://www.sensacine.com/actores/actor-1541/), Christian Slater (https://www.sensacine.com/actores/actor-13604/), Helmut Qualtinger (https://www.sensacine.com/actores/actor-51151/)
Título original Le Nom de la Rose
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4417190&stc=1&d=1725731217
Sinopsis
Pelicula no recomendada a menores de 13
Fray Guillermo de Baskerville (Sean Connery) es un monje franciscano, antiguo inquisidor con una cultura desbordante. Su discípulo, el joven novicio Adso de Melk (Christian Slater) le admira más que a ningún hombre, y por eso narra esta historia, años después de que ocurra. La trama comienza en noviembre de 1327, cuando maestro y alumno llegan a una pequeña abadía benedictina del norte de Italia. Su viaje hasta ese lugar responde a un claro objetivo: resolver la muerte de un miniaturista en los muros de la abadía.
Mientras permanecen en la abadía, otros monjes comienzan a desaparecer misteriosamente. Cuando poco después son encontrados muertos, el caso se complica. La investigación de Guillermo le conduce a descubrir que el motivo de las muertes es un viejo tratado sobre si la risa es lícita o no. Mientras que Guillermo investiga la biblioteca, Adso tendrá otros preocupaciones cuando conoce a una joven que no tardará en seducirlo. ¿Pero 1uién es el asesino? ¿De qué son culpables las víctimas asesinadas?
https://dn720401.ca.archive.org/0/items/el-nombre-de-la-rosa/El%20nombre%20de%20la%20Rosa.mp4
Casanova33
07-09-2024, 13:30:30
MASACRE: VEN Y MIRA | Cine bélico.
23 de mayo de 1986 (https://www.sensacine.com/peliculas/estrenos/es/week-1986-05-23/) en cines | 2h 23min | Drama (https://www.sensacine.com/peliculas/todas-peliculas/genero-13008/), Guerra (https://www.sensacine.com/peliculas/todas-peliculas/genero-13014/)
Fecha de re-estreno 7 de mayo de 2021 (https://www.sensacine.com/peliculas/estrenos/es/week-2021-05-07/)
Dirigida por Elem Klimov (https://www.sensacine.com/actores/actor-30673/)
| Guion A. Adamovitch (https://www.sensacine.com/actores/actor-33295/), Elem Klimov (https://www.sensacine.com/actores/actor-30673/)
Reparto Aleksei Kravchenko (https://www.sensacine.com/actores/actor-196375/), Luibomiras Laucevitchuis (https://www.sensacine.com/actores/actor-33292/), Vladas Bagdonas
(https://www.sensacine.com/actores/actor-33294/)https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4417193&stc=1&d=1725733781 (https://www.sensacine.com/actores/actor-33294/)
Sinopsis
Pelicula no recomendada a menores de 18
Flyora Gaishun es un niño de 13 años que vive en una pequeña aldea bielorrusa, Perejodi. Flyora sueña con ser admitido en las filas de los partisanos soviéticos y para ello tendrá que pagar un alto precio. Durante la ocupación de Bielorrusia por Alemania, en 1943, el adolescente busca un fusil en los campos donde se libran las batallas con el fin de dárselo a los soviéticos y conseguir su objetivo, pero cuando lo consigue tiene que enfrentarse a la pérdida de todos sus seres queridos y vecinos. Este acontecimiento dará un vuelco decisivo a su vida. Flyora dejará de ser el niño que es y comenzará a comportarse como un verdadero hombre.
A través de la mirada pueril del protagonista, Elem plasma las matanzas que acontecieron en las aldeas bielorrusas a manos de los nazis durante la Segunda Guerra Mundial.
https://ia801907.us.archive.org/9/items/ven-y-mira-idi-i-smotri/Ven%20y%20mira%20%5BIdí%20i%20smotrí%5D.mp4
23 de mayo de 1986 (https://www.sensacine.com/peliculas/estrenos/es/week-1986-05-23/) en cines | 2h 23min | Drama (https://www.sensacine.com/peliculas/todas-peliculas/genero-13008/), Guerra (https://www.sensacine.com/peliculas/todas-peliculas/genero-13014/)
Fecha de re-estreno 7 de mayo de 2021 (https://www.sensacine.com/peliculas/estrenos/es/week-2021-05-07/)
Dirigida por Elem Klimov (https://www.sensacine.com/actores/actor-30673/)
| Guion A. Adamovitch (https://www.sensacine.com/actores/actor-33295/), Elem Klimov (https://www.sensacine.com/actores/actor-30673/)
Reparto Aleksei Kravchenko (https://www.sensacine.com/actores/actor-196375/), Luibomiras Laucevitchuis (https://www.sensacine.com/actores/actor-33292/), Vladas Bagdonas
(https://www.sensacine.com/actores/actor-33294/)https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4417193&stc=1&d=1725733781 (https://www.sensacine.com/actores/actor-33294/)
Sinopsis
Pelicula no recomendada a menores de 18
Flyora Gaishun es un niño de 13 años que vive en una pequeña aldea bielorrusa, Perejodi. Flyora sueña con ser admitido en las filas de los partisanos soviéticos y para ello tendrá que pagar un alto precio. Durante la ocupación de Bielorrusia por Alemania, en 1943, el adolescente busca un fusil en los campos donde se libran las batallas con el fin de dárselo a los soviéticos y conseguir su objetivo, pero cuando lo consigue tiene que enfrentarse a la pérdida de todos sus seres queridos y vecinos. Este acontecimiento dará un vuelco decisivo a su vida. Flyora dejará de ser el niño que es y comenzará a comportarse como un verdadero hombre.
A través de la mirada pueril del protagonista, Elem plasma las matanzas que acontecieron en las aldeas bielorrusas a manos de los nazis durante la Segunda Guerra Mundial.
https://ia801907.us.archive.org/9/items/ven-y-mira-idi-i-smotri/Ven%20y%20mira%20%5BIdí%20i%20smotrí%5D.mp4
Casanova33
07-09-2024, 13:52:21
Busquemos películas de Tartovsky muchachos. Cuando estaba en la U vi como unas tres del man, pero no me acuerdo y no encuentro.
El CineClub de Denunciando, ha revivido. Nos vemos.
El CineClub de Denunciando, ha revivido. Nos vemos.
Heráclito
07-09-2024, 22:03:26
Pedro Almodóvar triunfa con el León de Oro del festival de Venecia por ‘La habitación de al lado’
El jurado presidido por Isabelle Huppert encumbra el primer largo en inglés del cineasta español, otorga el Gran Premio del Jurado a ‘Vermiglio’, de Maura Delpero, y reconoce las interpretaciones de Nicole Kidman y Vincent Lindon
https://imagenes.elpais.com/resizer/v2/R3RPWGMNPFARNA4KINQVB7QDSY.jpg?auth=55849419f7397047da83b03d a8550387ea3391d9593a8c570638e7ebab468bac&width=1200&height=675&smart=true
Pedro Almodóvar, con el León de Oro por 'La habitación de al lado' en Venecia.
Foto: Joel C Ryan (Joel C Ryan/Invision/AP)
Tommaso Koch
07 SEPT 2024 - 13:26ACTUALIZADO:07 sept 2024 - 15:20 COT
Pedro Almodóvar está acostumbrado a romper tabúes. Lleva haciéndolo toda su carrera. Pero hoy sábado, de un solo golpe, ha derribado dos barreras más. Nunca se había atrevido a rodar una película en inglés hasta La habitación de al lado. Y hacía más de medio siglo que un director español no recibía el León de Oro del festival de Venecia, algo que jamás había logrado un largo español. El primer, y único cineasta hasta ahora, había sido Luis Buñuel en 1967, con una obra francesa, Belle de Jour.
El autor nacido en Calzada de Calatrava acaba de sumar nuevos hitos a su infinito currículo: ha ganado, y en otro idioma, el concurso de cine más antiguo del mundo. Nunca, además, había obtenido el premio “de oro” de uno de los certámenes de la primera división del séptimo arte: tampoco tenía Palma, Oso ni Concha. Su primer examen de inglés, a los 74 años, ha aprobado con matrícula de honor ante el jurado. No “por unanimidad”, pero al final hubo “acuerdo”, como declaró la presidenta, Isabelle Huppert. “Yo necesitaba premios en el año 80, 81... Ahí me habrían salvado la vida. Luego tuve que salvármela yo solo. No soñaba con el León de Oro, pero una vez que lo tienes te vuelves adicto. A partir de ahora no podría vivir sin él”, admitió Almodóvar más tarde, en una rueda de prensa.
Desde el escenario, el cineasta dio las gracias a su “familia” en inglés, antes de pedir permiso para leer en su idioma, ya que “el espíritu de la película es español”. Ante todo, dedicó el premio a las dos actrices protagonistas, Julianne Moore y Tilda Swinton: “Les pertenece. Es una película acerca de dos mujeres. Como director uno de los privilegios es que somos el primer testigo cuando ocurre un milagro ante la cámara. Y ellas lo convocaron muchos días”. Y agregó: “El filme habla de una mujer que agoniza en un mundo agonizante. Y de la persona que decide compartir con ella sus últimos días. Acompañar un enfermo terminal, saber estar al lado, es una de las grandes cualidades que poseemos. Despedirse de este mundo limpia y dignamente es un derecho fundamental, no es político sino humano. Sé que atenta contra cualquier credo que tiene a dios como una única fuente de vida. Les pediría a los practicantes que respeten y no intervengan en decisiones individuales. El ser humano debe ser libre para vivir, y morir cuando la vida sea insufrible”.
En la rueda de prensa, un rato después, recordó que su carrera ha ido de la mano con los avances sociales de España: “Han sido 44 años muy fértiles en mi vida tanto artística como personal y como ciudadano español”. Y confesó que su visión procura ser “optimista por salud mental”, aunque el mundo se lo pone complicado: “Si la ultraderecha y el neoliberalismo feroz van juntos es lo peor que puede ocurrirnos. Y en este momento van de la mano. En un mundo tan apocalíptico hay momentos para que, incluso si no somos felices, podamos hacer felices a los demás y podamos vivir con alivio lo que la vida en sí misma nos depara. Cada uno de nosotros tratamos de mejorar nuestro entorno. Todo eso va a influir muy positivamente en que este apocalipsis sea menor o nos dé un plazo mayor de tiempo”.
La película arranca con el reencuentro entre dos amigas. Ingrid (Julianne Moore) está firmando copias de su último libro de no ficción, De muertes repentinas. En la presentación, descubre que Martha (Tilda Swinton), a la que quiso mucho, pero perdió de vista hace tiempo, está en el hospital. Al visitarla, la excorresponsal de guerra para The New York Times le cuenta que afronta el epílogo de su vida. Y que está lista para ello. Ingrid decide quedarse a su lado. Y el filme cuenta entonces la importancia, en los peores momentos, de tener alguien cerca que te apoye, abrace o tan solo escuche callada.
A la vez, el largo habla de eutanasia, de la libertad y dignidad de marcharse como uno quiere, de las guerras y las cicatrices que siempre se acumulan por el camino. Pese a tan delicado tema, el largo ofrece contención y emociones intensas, pero nunca excesivas. Tanto brilla y late su corazón, que las secuencias que se apartan de las dos protagonistas y su vínculo suponen lo más decepcionante y fallido de la película. Problemas, menores en todo caso. Y más después del León de Oro. “Grande entre los grandes”, lo definió el presidente del Gobierno, Pedro Sánchez, en la red social X. La habitación de al lado llegará a las salas españolas el 18 de octubre.
https://imagenes.elpais.com/resizer/v2/ARLWRT3KJ5APRFZBKLSYL24JZA.jpg?auth=7cfd1212f3095da2194a681d 64a4a4cf91aacf12f8bf76377c958867402e34d1&width=980
Tilda Swinton, Pedro Almodóvar y Julianne Moore, antes de la proyección de gala de 'La habitación de al lado' en Venecia.
Daniele Venturelli (WireImage)
Almodóvar tenía el León de Oro de Honor. Ahora también el que otorga la competición. De nuevo, igual que Buñuel. El galardón, además, alarga la lista de cineastas españoles reconocidos en la Mostra: también Bigas Luna y Alex de la Iglesia —mejor dirección respectivamente en 1992 por Jamón, jamón, y en 2010 por Balada triste de trompeta—, o Alejandro Amenábar, Gran Premio del Jurado en 2004 por Mar adentro. El protagonista de aquel filme, Javier Bardem, también triunfó como mejor actor masculino, ese mismo año. Y ya había obtenido otra Copa Volpi en 2000, por Antes que anochezca. Penélope Cruz logró el mismo hito, en la categoría femenina, en 2021, por Madres paralelas, precisamente de Almodóvar.
https://imagenes.elpais.com/resizer/v2/https%3A%2F%2Fvdmedia.elpais.com%2Felpaistop%2F20249%2F3%2F2 0240902175251143_1725351194_asset_still.jpeg?auth=20d2a2e443 ef6df6a1d39d01c29821567fe8f731349130f6b2099930b677b487&width=1200&height=675&smart=true
Almodóvar en la presentación de la película: "Mi película es la respuesta a los discursos del odio"
Así, cada vez que los largos del cineasta visitan el concurso de la Mostra se llevan un galardón. Mejor guion en 1988, por Mujeres al borde de un ataque de nervios. La Copa Volpi de Cruz. Hasta Entre tinieblas, presentada en 1983 en la sección no competitiva Mezzogiorno / Mezzanotte, le dio más de un reconocimiento. Lo considera todavía hoy su “bautizo internacional”. Y, a la vez, el cine descubrió entre extasiado y escandalizado que aquel muchacho venido de Castilla-La Mancha tenía talento, y el valor de retratar monjas heroinómanas o que se autolesionaban. Hubo quien pidió retirar el filme de la programación, como recordó hoy mismo Almodóvar. “Allí nací como director de cine”, dijo él cuando recibió, de nuevo en el Lido, en 2019, el León de Oro de Honor. Fue también en Venecia donde el creador estrenó su primer trabajo en inglés, el mediometraje La voz humana, en 2020, con Swinton. Así que el triunfo de La habitación de al lado cierra muchos círculos. Y, desde luego, abre una ventana de esperanzas hacia la temporada de los demás galardones.
La ausencia de Nicole Kidman por la muerte de su madre
La interpretación de Tilda Swinton, celebrada en la gran mayoría de críticas, bien podría haber merecido otro premio. Pero el reglamento de Venecia impide que el filme triunfador tenga aún mayor presencia en el palmarés. La Copa Volpi para la actuación femenina, en todo caso, recayó en Nicole Kidman, por Babygirl, de Halina Reijn. Recogió el premio la segunda. Y leyó un conmovedor mensaje de la primera que explicaba la ausencia: Kidman supo nada más llegar a Venecia que su madre había fallecido. Y, por supuesto, se marchó de inmediato. Poco o nada importa el premio, en un contexto así. En todo caso, la intérprete vio reconocida la valentía por meterse en uno de los papeles más atrevidos de su carrera —y eso que cuenta con Eyes Wide Shut o la serie Big Little Lies—. Encarna a una directiva que, bajo su vida aparentemente feliz, esconde un volcán de pulsiones sexuales reprimidas a punto de erupcionar. Hasta que empieza una relación de dominación con un becario recién fichado por su empresa. El filme también tiene el coraje de explorar consentimiento, abusos y pasión, para terminar reivindicando la libertad sexual femenina.
https://imagenes.elpais.com/resizer/v2/5RNPKSWDGAWR2DDRX2C67II3UA.jpg?auth=444d8f471db75879ec81dc09 21a31c5a24dd3585a6f7fc6b7528e44f9e69c3e9&width=980
Maura Delpero, con el Gran Premio del Jurado por 'Vermiglio'.
ETTORE FERRARI (EFE)
Una idea que comparte con Vermiglio, de Maura Delpero, que obtuvo el Gran Premio del Jurado. He aquí la sorpresa más grata del festival. Poco después de perder a su padre, la italiana soñó con él, pero de otra manera: “Era un niño de seis años, en su casa de la infancia”. A partir de ahí, construyó poco a poco una obra coral sobre un pueblo de las Dolomitas, en 1944. La Segunda Guerra Mundial se combate relativamente cerca, pero no parece afectar a la aldea. No tanto, al menos, como otros conflictos: un padre y patriarca intenta dirigir la vida de toda su familia hacia las direcciones que él y la tradición mandan. Pero sus hijas empiezan a coger caminos distintos: los que ellas desean. Todo filmado con sutileza, humanidad, gusto y equilibrio fascinantes. “Empezó y terminó con un sueño”, resumió Delpero. Agradeció a su hija de pocos meses por aguantar a su “mamá directora”. Y animó a la sociedad a facilitar la conciliación, que recae “sobre todo en las mujeres”.
La obra más comentada del festival, The Brutalist, de Brady Corbet, debió conformarse con el León de Plata a la mejor dirección. Rumores y entusiasmo generado apuntaban al León de Oro. Supone igualmente un gran paso adelante en la fulgurante carrera del cineasta y actor, de 36 años. Aquí se estrenó detrás de la cámara con La infancia de un líder, mejor debut en 2015. Y en el Lido, ahora, se consagra. Suyo es el filme más monumental del certamen por duración —tres horas y media—, filmación —en 70 milímetros y celuloide— y ambición desmesurada, tanto narrativa como visual. “Por fin me he liberado de este proyecto”, dijo Corbet, que quiso enviar su pésame a Kidman. Se cuenta la historia de un genial arquitecto que huye del nazismo a EE UU, en busca de una nueva vida. Termina encontrándose con un extraño mecenas que le encarga un edificio destinado a trascender. Y con todas las pesadillas que el sueño americano oculta. El protagonista, Adrien Brody, ofreció probablemente la mejor actuación de la Mostra. Pero la norma un filme un premio solo admite complicadas y contadas excepciones. No fue el caso.
https://imagenes.elpais.com/resizer/v2/QVWLD45WLSPN22DZNXZVLH5WW4.jpg?auth=c3c36deb7fd9daffc255b479 9766c1f62b3f7e7bbcf846bd17ebc3f79f7208cf&width=980
Brady Corbet, con el León de Plata a la mejor dirección por 'The Brutalist'.
ETTORE FERRARI (EFE)
La Copa Volpi masculina fue para Vincent Lindon, actor siempre creíble y eficaz en cualquier papel. En Jouer avec le feu, de las hermanas Delphine y Muriel Coulin, encarna a un padre viudo que hace lo que puede: trabaja hasta tarde y cría con amor a sus dos hijos. Aun así, uno de los dos empieza a escorarse hacia la extrema derecha. El progenitor huele el peligro y lo intenta todo. Pero nada funciona, el epílogo ya está escrito. Hasta un emotivo monólogo del hombre delante del juez, donde se echa una culpa que, más allá de su hijo, también corresponde al sistema. O a todos.
Ainda estou aquí, de Walter Salles, también interpela al público. Y contaba con una seria aspirante a mejor actriz, Fernanda Torres. Fue premiado, sin embargo, su guion, de Murilo Hauser y Heitor Lorega. El filme reconstruye la desaparición real en 1971 a manos de la dictadura brasileña del exdiputado Rubens Paiva, los intentos baldíos de su mujer por encontrarle, y el terrible vacío que deja en la familia. Salles era amigo de los hijos de Paiva y su implicación emotiva asoma en algún momento del metraje. Pero el filme acierta al centrarse en cómo Eunice lidia con la ausencia del marido y sigue adelante pese a no poder cerrar del todo la herida. La secuencia en la que al fin obtiene el certificado de muerte, años después, pertenece a los recuerdos imborrables del certamen. Y de la historia de Brasil.
https://imagenes.elpais.com/resizer/v2/EFJ5QGWGSZNAIOHMXNH6LQKCTI.jpg?auth=e2c2ba5f85fd4db94282dad7 7a50b0faa2626643247deda95c80739f422069df&width=980
Dea Kulumbegashvili con el premio especial del jurado por 'Abril'.
Yara Nardi (REUTERS)
Dea Kulumbegashvili tiene casi la mitad de los años de Almodóvar. Y, de momento, solo dos filmes como directora. Pero ella también gana cada vez que compite. O, más bien, con su ópera prima, Beginning, en San Sebastián en 2020, y con la segunda April, que ha logrado el premio especial del jurado en Venecia. Se confirma así el talento de una de las cineastas más prometedoras del panorama europeo. Su nuevo largo sigue a una doctora que practica abortos clandestinos en la campiña de Georgia. Y lo hace a través de planos a menudo largos y fijos, sin ninguna concesión al espectador. Al revés, le obliga a presenciar un parto malogrado o una interrupción voluntaria de embarazo. Su compromiso absoluto con el cine, su firmeza y la mezcla de imágenes aterradoras y bellísimas, siempre poderosas, conforman una receta exquisita para muchos, aunque indigesta para otros. Implacable. En la pantalla. Y, por ahora, siempre que participa en un concurso.
Otra autora joven, Sarah Friedland, se llevó el premio Luigi de Laurentis a la mejor ópera prima, por Familiar Touch. El Marcello Mastroianni al actor revelación fue para Paul Kircher, por Leurs enfants apres eux. Al contrario, un veterano como Nanni Moretti ganó el galardón a la mejor restauración, para Ecce bombo (Traperos), y también a uno de los agradecimientos más originales: “En la competición había obras de Brook, De Sica, Hawks, Fritz Lang y Antonioni. Grazie, de verdad. Pero quizás hayáis exagerado”. Justo después, Alexandre O. Philippe, premiado por el mejor documental sobre el cine, Chain Reactions, dijo: “Mi madre está aquí. Y es su cumpleaños. Felicidades”. Un hijo triunfando, y dedicándole emocionado el galardón. Qué orgullo. Y menudo regalo.
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4417494&stc=1&d=1725764169
Fuente: El País de España
El jurado presidido por Isabelle Huppert encumbra el primer largo en inglés del cineasta español, otorga el Gran Premio del Jurado a ‘Vermiglio’, de Maura Delpero, y reconoce las interpretaciones de Nicole Kidman y Vincent Lindon
https://imagenes.elpais.com/resizer/v2/R3RPWGMNPFARNA4KINQVB7QDSY.jpg?auth=55849419f7397047da83b03d a8550387ea3391d9593a8c570638e7ebab468bac&width=1200&height=675&smart=true
Pedro Almodóvar, con el León de Oro por 'La habitación de al lado' en Venecia.
Foto: Joel C Ryan (Joel C Ryan/Invision/AP)
Tommaso Koch
07 SEPT 2024 - 13:26ACTUALIZADO:07 sept 2024 - 15:20 COT
Pedro Almodóvar está acostumbrado a romper tabúes. Lleva haciéndolo toda su carrera. Pero hoy sábado, de un solo golpe, ha derribado dos barreras más. Nunca se había atrevido a rodar una película en inglés hasta La habitación de al lado. Y hacía más de medio siglo que un director español no recibía el León de Oro del festival de Venecia, algo que jamás había logrado un largo español. El primer, y único cineasta hasta ahora, había sido Luis Buñuel en 1967, con una obra francesa, Belle de Jour.
El autor nacido en Calzada de Calatrava acaba de sumar nuevos hitos a su infinito currículo: ha ganado, y en otro idioma, el concurso de cine más antiguo del mundo. Nunca, además, había obtenido el premio “de oro” de uno de los certámenes de la primera división del séptimo arte: tampoco tenía Palma, Oso ni Concha. Su primer examen de inglés, a los 74 años, ha aprobado con matrícula de honor ante el jurado. No “por unanimidad”, pero al final hubo “acuerdo”, como declaró la presidenta, Isabelle Huppert. “Yo necesitaba premios en el año 80, 81... Ahí me habrían salvado la vida. Luego tuve que salvármela yo solo. No soñaba con el León de Oro, pero una vez que lo tienes te vuelves adicto. A partir de ahora no podría vivir sin él”, admitió Almodóvar más tarde, en una rueda de prensa.
Desde el escenario, el cineasta dio las gracias a su “familia” en inglés, antes de pedir permiso para leer en su idioma, ya que “el espíritu de la película es español”. Ante todo, dedicó el premio a las dos actrices protagonistas, Julianne Moore y Tilda Swinton: “Les pertenece. Es una película acerca de dos mujeres. Como director uno de los privilegios es que somos el primer testigo cuando ocurre un milagro ante la cámara. Y ellas lo convocaron muchos días”. Y agregó: “El filme habla de una mujer que agoniza en un mundo agonizante. Y de la persona que decide compartir con ella sus últimos días. Acompañar un enfermo terminal, saber estar al lado, es una de las grandes cualidades que poseemos. Despedirse de este mundo limpia y dignamente es un derecho fundamental, no es político sino humano. Sé que atenta contra cualquier credo que tiene a dios como una única fuente de vida. Les pediría a los practicantes que respeten y no intervengan en decisiones individuales. El ser humano debe ser libre para vivir, y morir cuando la vida sea insufrible”.
En la rueda de prensa, un rato después, recordó que su carrera ha ido de la mano con los avances sociales de España: “Han sido 44 años muy fértiles en mi vida tanto artística como personal y como ciudadano español”. Y confesó que su visión procura ser “optimista por salud mental”, aunque el mundo se lo pone complicado: “Si la ultraderecha y el neoliberalismo feroz van juntos es lo peor que puede ocurrirnos. Y en este momento van de la mano. En un mundo tan apocalíptico hay momentos para que, incluso si no somos felices, podamos hacer felices a los demás y podamos vivir con alivio lo que la vida en sí misma nos depara. Cada uno de nosotros tratamos de mejorar nuestro entorno. Todo eso va a influir muy positivamente en que este apocalipsis sea menor o nos dé un plazo mayor de tiempo”.
La película arranca con el reencuentro entre dos amigas. Ingrid (Julianne Moore) está firmando copias de su último libro de no ficción, De muertes repentinas. En la presentación, descubre que Martha (Tilda Swinton), a la que quiso mucho, pero perdió de vista hace tiempo, está en el hospital. Al visitarla, la excorresponsal de guerra para The New York Times le cuenta que afronta el epílogo de su vida. Y que está lista para ello. Ingrid decide quedarse a su lado. Y el filme cuenta entonces la importancia, en los peores momentos, de tener alguien cerca que te apoye, abrace o tan solo escuche callada.
A la vez, el largo habla de eutanasia, de la libertad y dignidad de marcharse como uno quiere, de las guerras y las cicatrices que siempre se acumulan por el camino. Pese a tan delicado tema, el largo ofrece contención y emociones intensas, pero nunca excesivas. Tanto brilla y late su corazón, que las secuencias que se apartan de las dos protagonistas y su vínculo suponen lo más decepcionante y fallido de la película. Problemas, menores en todo caso. Y más después del León de Oro. “Grande entre los grandes”, lo definió el presidente del Gobierno, Pedro Sánchez, en la red social X. La habitación de al lado llegará a las salas españolas el 18 de octubre.
https://imagenes.elpais.com/resizer/v2/ARLWRT3KJ5APRFZBKLSYL24JZA.jpg?auth=7cfd1212f3095da2194a681d 64a4a4cf91aacf12f8bf76377c958867402e34d1&width=980
Tilda Swinton, Pedro Almodóvar y Julianne Moore, antes de la proyección de gala de 'La habitación de al lado' en Venecia.
Daniele Venturelli (WireImage)
Almodóvar tenía el León de Oro de Honor. Ahora también el que otorga la competición. De nuevo, igual que Buñuel. El galardón, además, alarga la lista de cineastas españoles reconocidos en la Mostra: también Bigas Luna y Alex de la Iglesia —mejor dirección respectivamente en 1992 por Jamón, jamón, y en 2010 por Balada triste de trompeta—, o Alejandro Amenábar, Gran Premio del Jurado en 2004 por Mar adentro. El protagonista de aquel filme, Javier Bardem, también triunfó como mejor actor masculino, ese mismo año. Y ya había obtenido otra Copa Volpi en 2000, por Antes que anochezca. Penélope Cruz logró el mismo hito, en la categoría femenina, en 2021, por Madres paralelas, precisamente de Almodóvar.
https://imagenes.elpais.com/resizer/v2/https%3A%2F%2Fvdmedia.elpais.com%2Felpaistop%2F20249%2F3%2F2 0240902175251143_1725351194_asset_still.jpeg?auth=20d2a2e443 ef6df6a1d39d01c29821567fe8f731349130f6b2099930b677b487&width=1200&height=675&smart=true
Almodóvar en la presentación de la película: "Mi película es la respuesta a los discursos del odio"
Así, cada vez que los largos del cineasta visitan el concurso de la Mostra se llevan un galardón. Mejor guion en 1988, por Mujeres al borde de un ataque de nervios. La Copa Volpi de Cruz. Hasta Entre tinieblas, presentada en 1983 en la sección no competitiva Mezzogiorno / Mezzanotte, le dio más de un reconocimiento. Lo considera todavía hoy su “bautizo internacional”. Y, a la vez, el cine descubrió entre extasiado y escandalizado que aquel muchacho venido de Castilla-La Mancha tenía talento, y el valor de retratar monjas heroinómanas o que se autolesionaban. Hubo quien pidió retirar el filme de la programación, como recordó hoy mismo Almodóvar. “Allí nací como director de cine”, dijo él cuando recibió, de nuevo en el Lido, en 2019, el León de Oro de Honor. Fue también en Venecia donde el creador estrenó su primer trabajo en inglés, el mediometraje La voz humana, en 2020, con Swinton. Así que el triunfo de La habitación de al lado cierra muchos círculos. Y, desde luego, abre una ventana de esperanzas hacia la temporada de los demás galardones.
La ausencia de Nicole Kidman por la muerte de su madre
La interpretación de Tilda Swinton, celebrada en la gran mayoría de críticas, bien podría haber merecido otro premio. Pero el reglamento de Venecia impide que el filme triunfador tenga aún mayor presencia en el palmarés. La Copa Volpi para la actuación femenina, en todo caso, recayó en Nicole Kidman, por Babygirl, de Halina Reijn. Recogió el premio la segunda. Y leyó un conmovedor mensaje de la primera que explicaba la ausencia: Kidman supo nada más llegar a Venecia que su madre había fallecido. Y, por supuesto, se marchó de inmediato. Poco o nada importa el premio, en un contexto así. En todo caso, la intérprete vio reconocida la valentía por meterse en uno de los papeles más atrevidos de su carrera —y eso que cuenta con Eyes Wide Shut o la serie Big Little Lies—. Encarna a una directiva que, bajo su vida aparentemente feliz, esconde un volcán de pulsiones sexuales reprimidas a punto de erupcionar. Hasta que empieza una relación de dominación con un becario recién fichado por su empresa. El filme también tiene el coraje de explorar consentimiento, abusos y pasión, para terminar reivindicando la libertad sexual femenina.
https://imagenes.elpais.com/resizer/v2/5RNPKSWDGAWR2DDRX2C67II3UA.jpg?auth=444d8f471db75879ec81dc09 21a31c5a24dd3585a6f7fc6b7528e44f9e69c3e9&width=980
Maura Delpero, con el Gran Premio del Jurado por 'Vermiglio'.
ETTORE FERRARI (EFE)
Una idea que comparte con Vermiglio, de Maura Delpero, que obtuvo el Gran Premio del Jurado. He aquí la sorpresa más grata del festival. Poco después de perder a su padre, la italiana soñó con él, pero de otra manera: “Era un niño de seis años, en su casa de la infancia”. A partir de ahí, construyó poco a poco una obra coral sobre un pueblo de las Dolomitas, en 1944. La Segunda Guerra Mundial se combate relativamente cerca, pero no parece afectar a la aldea. No tanto, al menos, como otros conflictos: un padre y patriarca intenta dirigir la vida de toda su familia hacia las direcciones que él y la tradición mandan. Pero sus hijas empiezan a coger caminos distintos: los que ellas desean. Todo filmado con sutileza, humanidad, gusto y equilibrio fascinantes. “Empezó y terminó con un sueño”, resumió Delpero. Agradeció a su hija de pocos meses por aguantar a su “mamá directora”. Y animó a la sociedad a facilitar la conciliación, que recae “sobre todo en las mujeres”.
La obra más comentada del festival, The Brutalist, de Brady Corbet, debió conformarse con el León de Plata a la mejor dirección. Rumores y entusiasmo generado apuntaban al León de Oro. Supone igualmente un gran paso adelante en la fulgurante carrera del cineasta y actor, de 36 años. Aquí se estrenó detrás de la cámara con La infancia de un líder, mejor debut en 2015. Y en el Lido, ahora, se consagra. Suyo es el filme más monumental del certamen por duración —tres horas y media—, filmación —en 70 milímetros y celuloide— y ambición desmesurada, tanto narrativa como visual. “Por fin me he liberado de este proyecto”, dijo Corbet, que quiso enviar su pésame a Kidman. Se cuenta la historia de un genial arquitecto que huye del nazismo a EE UU, en busca de una nueva vida. Termina encontrándose con un extraño mecenas que le encarga un edificio destinado a trascender. Y con todas las pesadillas que el sueño americano oculta. El protagonista, Adrien Brody, ofreció probablemente la mejor actuación de la Mostra. Pero la norma un filme un premio solo admite complicadas y contadas excepciones. No fue el caso.
https://imagenes.elpais.com/resizer/v2/QVWLD45WLSPN22DZNXZVLH5WW4.jpg?auth=c3c36deb7fd9daffc255b479 9766c1f62b3f7e7bbcf846bd17ebc3f79f7208cf&width=980
Brady Corbet, con el León de Plata a la mejor dirección por 'The Brutalist'.
ETTORE FERRARI (EFE)
La Copa Volpi masculina fue para Vincent Lindon, actor siempre creíble y eficaz en cualquier papel. En Jouer avec le feu, de las hermanas Delphine y Muriel Coulin, encarna a un padre viudo que hace lo que puede: trabaja hasta tarde y cría con amor a sus dos hijos. Aun así, uno de los dos empieza a escorarse hacia la extrema derecha. El progenitor huele el peligro y lo intenta todo. Pero nada funciona, el epílogo ya está escrito. Hasta un emotivo monólogo del hombre delante del juez, donde se echa una culpa que, más allá de su hijo, también corresponde al sistema. O a todos.
Ainda estou aquí, de Walter Salles, también interpela al público. Y contaba con una seria aspirante a mejor actriz, Fernanda Torres. Fue premiado, sin embargo, su guion, de Murilo Hauser y Heitor Lorega. El filme reconstruye la desaparición real en 1971 a manos de la dictadura brasileña del exdiputado Rubens Paiva, los intentos baldíos de su mujer por encontrarle, y el terrible vacío que deja en la familia. Salles era amigo de los hijos de Paiva y su implicación emotiva asoma en algún momento del metraje. Pero el filme acierta al centrarse en cómo Eunice lidia con la ausencia del marido y sigue adelante pese a no poder cerrar del todo la herida. La secuencia en la que al fin obtiene el certificado de muerte, años después, pertenece a los recuerdos imborrables del certamen. Y de la historia de Brasil.
https://imagenes.elpais.com/resizer/v2/EFJ5QGWGSZNAIOHMXNH6LQKCTI.jpg?auth=e2c2ba5f85fd4db94282dad7 7a50b0faa2626643247deda95c80739f422069df&width=980
Dea Kulumbegashvili con el premio especial del jurado por 'Abril'.
Yara Nardi (REUTERS)
Dea Kulumbegashvili tiene casi la mitad de los años de Almodóvar. Y, de momento, solo dos filmes como directora. Pero ella también gana cada vez que compite. O, más bien, con su ópera prima, Beginning, en San Sebastián en 2020, y con la segunda April, que ha logrado el premio especial del jurado en Venecia. Se confirma así el talento de una de las cineastas más prometedoras del panorama europeo. Su nuevo largo sigue a una doctora que practica abortos clandestinos en la campiña de Georgia. Y lo hace a través de planos a menudo largos y fijos, sin ninguna concesión al espectador. Al revés, le obliga a presenciar un parto malogrado o una interrupción voluntaria de embarazo. Su compromiso absoluto con el cine, su firmeza y la mezcla de imágenes aterradoras y bellísimas, siempre poderosas, conforman una receta exquisita para muchos, aunque indigesta para otros. Implacable. En la pantalla. Y, por ahora, siempre que participa en un concurso.
Otra autora joven, Sarah Friedland, se llevó el premio Luigi de Laurentis a la mejor ópera prima, por Familiar Touch. El Marcello Mastroianni al actor revelación fue para Paul Kircher, por Leurs enfants apres eux. Al contrario, un veterano como Nanni Moretti ganó el galardón a la mejor restauración, para Ecce bombo (Traperos), y también a uno de los agradecimientos más originales: “En la competición había obras de Brook, De Sica, Hawks, Fritz Lang y Antonioni. Grazie, de verdad. Pero quizás hayáis exagerado”. Justo después, Alexandre O. Philippe, premiado por el mejor documental sobre el cine, Chain Reactions, dijo: “Mi madre está aquí. Y es su cumpleaños. Felicidades”. Un hijo triunfando, y dedicándole emocionado el galardón. Qué orgullo. Y menudo regalo.
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4417494&stc=1&d=1725764169
Fuente: El País de España
Heráclito
07-09-2024, 23:00:13
Busquemos películas de Tartovsky muchachos. Cuando estaba en la U vi como unas tres del man, pero no me acuerdo y no encuentro.
El CineClub de Denunciando, ha revivido. Nos vemos.
Buena idea. En la revista de cine "El antepenúltimo mohicano", se hace una introducción al cine del gran director ruso recordando la gran admiración que por él sentía otro de los grandes cineastas de todos los tiempos: Ingmar Bergman:
"En 1997, y coincidiendo, tanto con el centenario del nacimiento del cine como con el medio siglo de existencia del Festival de Cannes, durante la edición de ese año se convocaría a los directores premiados en el certamen todavía vivos para que se encargaran de entregar la Palma de las Palmas, un galardón único destinado a conmemorar al realizador que más relevante e influyente les pareciera a todos.
Mediante votación unánime, este selecto jurado escogería a Ingmar Bergman como «el mejor director de cine de todos los tiempos». Y aunque es una perogrullada matizar que «lo mejor» y «lo peor» son conceptos totalmente relativos, pues dependen de una perspectiva influenciada por innumerables factores, no resulta nada baladí, según lo dicho, que el cineasta sueco afirmara en su libro de memorias, La linterna mágica (1987), que:
«Cuando el cine no es documento, es sueño. Por eso Tarkovski es el más grande de todos. Se mueve con una naturalidad absoluta en el espacio de los sueños; él no explica, y además, ¿qué iba a explicar? Es un visionario que ha conseguido poner en escena sus visiones en el más pesado, pero también en el más solícito, de todos los medios. Yo me he pasado la vida golpeando a la puerta de ese espacio donde él se mueve como pez en el agua».
La admiración de alguien como Bergman hacia la obra de un realizador con una filmografía realmente exigua –dados sus problemas con las autoridades soviéticas, su perfeccionismo y su prematura muerte de cáncer a los 54 años– expresa, básicamente, lo poderosa, lo inimitable y lo singular que dicha obra es. Porque, una vez traspasa el espectador ese velo del sueño al que alude el director sueco –un velo que sugiere, que evoca, que arrebata–, ya no hay vuelta atrás.
Si las películas de Tarkovski parecen tener esa cualidad inefable, simultáneamente cotidiana y alienígena, que le atribuimos a las imágenes que pueblan nuestra mente mientras dormimos, es porque tienen un lirismo extraño, abstracto y descontextualizado que, sin embargo, hunde sus raíces en una inquietante familiaridad, como esos viejos objetos que el uso y el polvo han desgastado hasta hacerlos inútiles y casi irreconocibles, pero que, para sus dueños, contienen significados ocultos y adicionales, que mezclan su configuración primigenia (objetiva) con otra más profunda y compleja (subjetiva), aunque a menudo difícil de precisar o compartir. Son imágenes que no parecen concebidas, sino halladas o reveladas, como surgidas de una sombra proyectada bocabajo sobre un fondo blanco, igual que esa espontánea cámara oscura que Kirill (Ivan Lapikov) descubre sobre la pared del monasterio en Andrei Rublev.
Por todo ello, los siete largometrajes que configuran íntegramente la trayectoria de Tarkovski –junto a un documental, un mediometraje, dos cortos y un filme perdido– se cuentan entre lo más genial, único y cautivador nunca legado por el conjunto del séptimo arte. Y conviene precisar que ello no significa que esas siete cintas sean todas obras maestras indiscutibles.
Pero, en todo caso, incluso en aquellas que evidencian su irregularidad, existen momentos tan excelsos que se les disculpan sus titubeos, muchos de los cuales, es menester señalarlo, no los provoca la incapacidad del autor para expresar lo que quiere, sino problemas con la censura, limitaciones presupuestarias, accidentes de rodaje (v. gr. gran parte del metraje de Stalker se tuvo que rodar de nuevo por un error de revelado), etc.
Inserto en la maquinaria del régimen soviético, un creador como él, completamente ajeno a planteamientos políticos –no es que fuera anticomunista, es que esta ideología no tenía cabida en su obra–, tuvo toda su vida que luchar, en el sentido más textual del término, para sacar adelante sus proyectos. Que acabara exiliado en la Europa occidental, de alguna manera fue tan inevitable como traumático, porque, si algo prueban sus dos obras rodadas fuera de Rusia, es que su filmografía es absolutamente indisociable de la nacionalidad que lo vio nacer.
De ahí que Nostalgia sea una propuesta bellísima, pero desigual, y que la magnífica Sacrificio parezca un compendio de los temas recurrentes de su carrera rebozados en la estética de Bergman, hasta el punto de que se diría codirigida por ambos autores. El Tarkovski único, inconfundible, excepcional, surge inevitablemente de los paisajes rusos, de su cultura y costumbres, de su historia, de su idiosincrasia apasionada y fatalista.
La religión ortodoxa, la pintura y la escultura góticas y renacentistas, la música clásica y las grandes plumas de la novelística rusa decimonónica son el sustrato sobre el que se conforma su producción, aparte de tratarse también de las coordenadas originales de su propia persona. Hijo del eminente poeta Arseni Tarkovski –miembro del denominado «Siglo de Plata» ruso, integrado por nombres de la talla de Osip Mandelstam o Ana Ajmátova–, el divorcio de sus padres y el subsiguiente abandono de Arseni de sus hijos a muy temprana edad propiciaron que, irónicamente, fuera su madre, Maria Ivánova Vishnyakova, una humilde correctora editorial, quien resultara decisiva en el estímulo de su inclinación artística.
La influencia femenina –puesto que se crio rodeado de su abuela, su progenitora y su hermana pequeña–, las privaciones en Moscú durante la guerra y los veranos en la dacha de la localidad de Iurevets marcaron su infancia, todo ello explícitamente recogido en El espejo, su obra más autobiográfica y, por eso mismo, la más críptica, ya que la proximidad de lo narrado le impuso una distancia creativa mayor (en sus propias palabras: «La participación interior en cualquier cosa hay que transformarla en formas olímpicamente serenas. Solo así, un artista puede narrar algo sobre las cosas que le conmueven.»
Fuente: El antepenúltimo mohicano
El CineClub de Denunciando, ha revivido. Nos vemos.
Buena idea. En la revista de cine "El antepenúltimo mohicano", se hace una introducción al cine del gran director ruso recordando la gran admiración que por él sentía otro de los grandes cineastas de todos los tiempos: Ingmar Bergman:
"En 1997, y coincidiendo, tanto con el centenario del nacimiento del cine como con el medio siglo de existencia del Festival de Cannes, durante la edición de ese año se convocaría a los directores premiados en el certamen todavía vivos para que se encargaran de entregar la Palma de las Palmas, un galardón único destinado a conmemorar al realizador que más relevante e influyente les pareciera a todos.
Mediante votación unánime, este selecto jurado escogería a Ingmar Bergman como «el mejor director de cine de todos los tiempos». Y aunque es una perogrullada matizar que «lo mejor» y «lo peor» son conceptos totalmente relativos, pues dependen de una perspectiva influenciada por innumerables factores, no resulta nada baladí, según lo dicho, que el cineasta sueco afirmara en su libro de memorias, La linterna mágica (1987), que:
«Cuando el cine no es documento, es sueño. Por eso Tarkovski es el más grande de todos. Se mueve con una naturalidad absoluta en el espacio de los sueños; él no explica, y además, ¿qué iba a explicar? Es un visionario que ha conseguido poner en escena sus visiones en el más pesado, pero también en el más solícito, de todos los medios. Yo me he pasado la vida golpeando a la puerta de ese espacio donde él se mueve como pez en el agua».
La admiración de alguien como Bergman hacia la obra de un realizador con una filmografía realmente exigua –dados sus problemas con las autoridades soviéticas, su perfeccionismo y su prematura muerte de cáncer a los 54 años– expresa, básicamente, lo poderosa, lo inimitable y lo singular que dicha obra es. Porque, una vez traspasa el espectador ese velo del sueño al que alude el director sueco –un velo que sugiere, que evoca, que arrebata–, ya no hay vuelta atrás.
Si las películas de Tarkovski parecen tener esa cualidad inefable, simultáneamente cotidiana y alienígena, que le atribuimos a las imágenes que pueblan nuestra mente mientras dormimos, es porque tienen un lirismo extraño, abstracto y descontextualizado que, sin embargo, hunde sus raíces en una inquietante familiaridad, como esos viejos objetos que el uso y el polvo han desgastado hasta hacerlos inútiles y casi irreconocibles, pero que, para sus dueños, contienen significados ocultos y adicionales, que mezclan su configuración primigenia (objetiva) con otra más profunda y compleja (subjetiva), aunque a menudo difícil de precisar o compartir. Son imágenes que no parecen concebidas, sino halladas o reveladas, como surgidas de una sombra proyectada bocabajo sobre un fondo blanco, igual que esa espontánea cámara oscura que Kirill (Ivan Lapikov) descubre sobre la pared del monasterio en Andrei Rublev.
Por todo ello, los siete largometrajes que configuran íntegramente la trayectoria de Tarkovski –junto a un documental, un mediometraje, dos cortos y un filme perdido– se cuentan entre lo más genial, único y cautivador nunca legado por el conjunto del séptimo arte. Y conviene precisar que ello no significa que esas siete cintas sean todas obras maestras indiscutibles.
Pero, en todo caso, incluso en aquellas que evidencian su irregularidad, existen momentos tan excelsos que se les disculpan sus titubeos, muchos de los cuales, es menester señalarlo, no los provoca la incapacidad del autor para expresar lo que quiere, sino problemas con la censura, limitaciones presupuestarias, accidentes de rodaje (v. gr. gran parte del metraje de Stalker se tuvo que rodar de nuevo por un error de revelado), etc.
Inserto en la maquinaria del régimen soviético, un creador como él, completamente ajeno a planteamientos políticos –no es que fuera anticomunista, es que esta ideología no tenía cabida en su obra–, tuvo toda su vida que luchar, en el sentido más textual del término, para sacar adelante sus proyectos. Que acabara exiliado en la Europa occidental, de alguna manera fue tan inevitable como traumático, porque, si algo prueban sus dos obras rodadas fuera de Rusia, es que su filmografía es absolutamente indisociable de la nacionalidad que lo vio nacer.
De ahí que Nostalgia sea una propuesta bellísima, pero desigual, y que la magnífica Sacrificio parezca un compendio de los temas recurrentes de su carrera rebozados en la estética de Bergman, hasta el punto de que se diría codirigida por ambos autores. El Tarkovski único, inconfundible, excepcional, surge inevitablemente de los paisajes rusos, de su cultura y costumbres, de su historia, de su idiosincrasia apasionada y fatalista.
La religión ortodoxa, la pintura y la escultura góticas y renacentistas, la música clásica y las grandes plumas de la novelística rusa decimonónica son el sustrato sobre el que se conforma su producción, aparte de tratarse también de las coordenadas originales de su propia persona. Hijo del eminente poeta Arseni Tarkovski –miembro del denominado «Siglo de Plata» ruso, integrado por nombres de la talla de Osip Mandelstam o Ana Ajmátova–, el divorcio de sus padres y el subsiguiente abandono de Arseni de sus hijos a muy temprana edad propiciaron que, irónicamente, fuera su madre, Maria Ivánova Vishnyakova, una humilde correctora editorial, quien resultara decisiva en el estímulo de su inclinación artística.
La influencia femenina –puesto que se crio rodeado de su abuela, su progenitora y su hermana pequeña–, las privaciones en Moscú durante la guerra y los veranos en la dacha de la localidad de Iurevets marcaron su infancia, todo ello explícitamente recogido en El espejo, su obra más autobiográfica y, por eso mismo, la más críptica, ya que la proximidad de lo narrado le impuso una distancia creativa mayor (en sus propias palabras: «La participación interior en cualquier cosa hay que transformarla en formas olímpicamente serenas. Solo así, un artista puede narrar algo sobre las cosas que le conmueven.»
Fuente: El antepenúltimo mohicano
Heráclito
07-09-2024, 23:15:35
Ya que nos metimos con Tarkovski, comencemos por su ópera prima:
La infancia de Iván
Título original: Ivanovo detstvo / Ivan's Childhood /
Enlace para verla: https://ok.ru/video/7060777994932
https://scontent.fbog4-1.fna.fbcdn.net/v/t39.30808-6/447206414_963437309125462_2583192871456745172_n.jpg?_nc_cat= 106&ccb=1-7&_nc_sid=833d8c&_nc_eui2=AeFFrF5ZUmGQFTFtoAZeYnyNX-2elenc_r5f7Z6V6dz-voeAUht6_7eWQwydpHzP7Mw&_nc_ohc=QcYz1RzDwMMQ7kNvgEF_HHy&_nc_ht=scontent.fbog4-1.fna&cb_e2o_trans=t&_nc_gid=AB90TTWryDUZc8-nXfVgvnU&oh=00_AYBiIrAGGy6gBqLxYkTD_QSP9nEXO-jHpCUV6Pm3-VTNYQ&oe=66E2DFB9
Año: 1962
Duración: 95 min.
País: Unión Soviética (URSS)
Dirección: Andrei Tarkovsky
Guion: Vladimir Bogomolov, Mikhail Papava
Reparto. Nikolay Burlyaev. Valentin Zubkov. Yevgeni Zharikov. Stepan Krylov. Nikolai Grinko.
Valentina Malyavina. Música: Vyacheslav Ovchinnikov
Fotografía: Vadim Yusov
Compañías: Mosfilm
Género: Drama. Bélico | II Guerra Mundial. Espionaje. Infancia. Nazismo
Sinopsis:
Segunda Guerra Mundial (1939-1945) Frente Oriental. Iván, un niño ruso de 12 años, cuyos padres murieron durante la invasión nazi, trabaja espiando a los alemanes. (FILMAFFINITY)
Premios
1962: Festival de Venecia: León de Oro
Críticas:
La única película en la historia del Festival de Venecia que, siendo una ópera prima, ganó el León de Oro. Además el director de cine retomó un rodaje ya empezado, al ser despedido a los pocos días del rodaje el anterior realizador Eduard Abalov.
FilmAffinity
El primer filme de Tarkovsky narra cómo Iván, un niño ruso de fuertes convicciones, se embarca en una complicada misión contra los nazis. Como todos las obras del director ruso, es un relato complejo y visualmente fascinante, pero uno no puede dejar de sentir ciertas reservas ante la artificiosidad de la narración, palpable tanto en el formalismo "de vanguardia" como en las pretensiones del mensaje. Escenas como la de Iván corriendo por el agua resultan, no obstante, estremecedoras.
Daniel Andreas: FilmAffinity
"Una poética y conmovedora obra maestra"
Geoff Andrew: Time Out
"Esta conmovedora y fascinante película (...) tiene una cualidad personal inusual, una concentración en el destino del individuo que rara vez se ve en películas soviéticas."
Bosley Crowther: The New York Times
"La película bélica más lírica jamás hecha (...) Lo que la hace tan diferente es que adopta el punto de vista de un niño (…) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)"
Geoffrey Macnab: The Independent
"No hay otro director que sea a la vez tan preciso y tan místico, tan despiadadamente sombrío y tan abierto a lo que ofrece la alegría (…) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)"
Tom Huddleston: Time Out
"El debut de Tarkovsky muestra las maravillas de su futuro prometedor y tiene algunos momentos sobresalientes y memorables (…) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)"
Kim Newman: Empire
La infancia de Iván
Título original: Ivanovo detstvo / Ivan's Childhood /
Enlace para verla: https://ok.ru/video/7060777994932
https://scontent.fbog4-1.fna.fbcdn.net/v/t39.30808-6/447206414_963437309125462_2583192871456745172_n.jpg?_nc_cat= 106&ccb=1-7&_nc_sid=833d8c&_nc_eui2=AeFFrF5ZUmGQFTFtoAZeYnyNX-2elenc_r5f7Z6V6dz-voeAUht6_7eWQwydpHzP7Mw&_nc_ohc=QcYz1RzDwMMQ7kNvgEF_HHy&_nc_ht=scontent.fbog4-1.fna&cb_e2o_trans=t&_nc_gid=AB90TTWryDUZc8-nXfVgvnU&oh=00_AYBiIrAGGy6gBqLxYkTD_QSP9nEXO-jHpCUV6Pm3-VTNYQ&oe=66E2DFB9
Año: 1962
Duración: 95 min.
País: Unión Soviética (URSS)
Dirección: Andrei Tarkovsky
Guion: Vladimir Bogomolov, Mikhail Papava
Reparto. Nikolay Burlyaev. Valentin Zubkov. Yevgeni Zharikov. Stepan Krylov. Nikolai Grinko.
Valentina Malyavina. Música: Vyacheslav Ovchinnikov
Fotografía: Vadim Yusov
Compañías: Mosfilm
Género: Drama. Bélico | II Guerra Mundial. Espionaje. Infancia. Nazismo
Sinopsis:
Segunda Guerra Mundial (1939-1945) Frente Oriental. Iván, un niño ruso de 12 años, cuyos padres murieron durante la invasión nazi, trabaja espiando a los alemanes. (FILMAFFINITY)
Premios
1962: Festival de Venecia: León de Oro
Críticas:
La única película en la historia del Festival de Venecia que, siendo una ópera prima, ganó el León de Oro. Además el director de cine retomó un rodaje ya empezado, al ser despedido a los pocos días del rodaje el anterior realizador Eduard Abalov.
FilmAffinity
El primer filme de Tarkovsky narra cómo Iván, un niño ruso de fuertes convicciones, se embarca en una complicada misión contra los nazis. Como todos las obras del director ruso, es un relato complejo y visualmente fascinante, pero uno no puede dejar de sentir ciertas reservas ante la artificiosidad de la narración, palpable tanto en el formalismo "de vanguardia" como en las pretensiones del mensaje. Escenas como la de Iván corriendo por el agua resultan, no obstante, estremecedoras.
Daniel Andreas: FilmAffinity
"Una poética y conmovedora obra maestra"
Geoff Andrew: Time Out
"Esta conmovedora y fascinante película (...) tiene una cualidad personal inusual, una concentración en el destino del individuo que rara vez se ve en películas soviéticas."
Bosley Crowther: The New York Times
"La película bélica más lírica jamás hecha (...) Lo que la hace tan diferente es que adopta el punto de vista de un niño (…) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)"
Geoffrey Macnab: The Independent
"No hay otro director que sea a la vez tan preciso y tan místico, tan despiadadamente sombrío y tan abierto a lo que ofrece la alegría (…) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)"
Tom Huddleston: Time Out
"El debut de Tarkovsky muestra las maravillas de su futuro prometedor y tiene algunos momentos sobresalientes y memorables (…) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)"
Kim Newman: Empire
Heráclito
11-09-2024, 08:42:23
Seguimos con Tarkovski: su última película:
Sacrificio
Título original: Offret / The Sacrifice /
Enlace para verla: https://ok.ru/profile/585978703844/statuses/156386561288420
https://scontent.fbog3-3.fna.fbcdn.net/v/t39.30808-6/459254852_1038026008333258_1004553060478614632_n.jpg?stp=dst-jpg_p526x296&_nc_cat=110&ccb=1-7&_nc_sid=127cfc&_nc_eui2=AeFOA78YiyLfTyTk_PmpQ1nWKW1N27ZdVBspbU3btl1UG1jcsKx sZkfepOCmCtrktPo&_nc_ohc=L2yjtq9ygAAQ7kNvgFyScyE&_nc_ht=scontent.fbog3-3.fna&cb_e2o_trans=t&_nc_gid=AlfBrufvOOJt4W2vMJeZRC0&oh=00_AYAhtXZVQc0vX7_axscKMJ9bsnaDssXahTspo3YiR9g2zw&oe=66E75EC4
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4419110&stc=1&d=1726063097
Sinopsis:
Mientras su familia se reúne para celebrar su cumpleaños, el periodista Alexander se siente angustiado por la desoladora falta de espiritualidad que caracteriza al mundo contemporáneo. Sus peores temores se confirman cuando, durante la fiesta, llega la noticia de un inminente conflicto nuclear: la Tercera Guerra Mundial. El final, definitivo e irreversible, está cerca. En ese momento están con él su angustiada esposa, sus dos hijos, un amigo médico y un peculiar cartero, que lo convence de que una de sus criadas es una bruja que tiene el poder de salvar al mundo mediante un último sacrificio. (FILMAFFINITY)
Premios:
1986: Cannes: Gran Premio del Jurado, Premio Jurado Ecuménico, FIPRESCI, Cont. artística (Nykvist)
1987: BAFTA: Mejor película de habla no inglesa
1986: Seminci: Espiga de Oro: Mejor película
1986: Premios Guldbagge (Suecia): Mejor película y actor (Erland Josephson)
1986: National Society of Film Critics (NSFC): Nominada a Mejor director.
Críticas:
"La obra maestra de un poeta irrepetible. (...) no le pone las cosas fáciles al espectador, que tiene que someterse a las exigencias de su particular cadencia, su colosal metraje y su rigor expresivo"
Jordi Costa: Diario El País
"'The Sacrifice' no es el tipo de película que todo el mundo querrá ver, pero aquellos con la imaginación para arriesgarse la encontrarán gratificante (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 4)"
Roger Ebert: rogerebert.com
"Es brillante y audaz, con una de las secuencias finales más extraordinarias del cine moderno (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)"
Peter Bradshaw: The Guardian
"Es un film asombrosamente bello que mantiene tu atención incluso cuando estás anonadado"
Walter Goodman: The New York Times
"Es una declaración apocalíptica adecuada (...) El primer y el penúltimo plano (...) consiguen decir más cosas que la mayoría de películas en todo su metraje"
Jonathan Rosenbaum: Chicago Reader
"Aguanta hasta el mismo final y puede que te veas conmovido como nunca te habían conmovido antes."
Andrew Sarris: Village Voice
"La mezcla de crisis de la mediana edad y terror existencial recuerda a Ingmar Bergman, pero Tarkovsky hace que sea su mundo propio."
Richard Brody: The New Yorker
Sacrificio
Título original: Offret / The Sacrifice /
Enlace para verla: https://ok.ru/profile/585978703844/statuses/156386561288420
https://scontent.fbog3-3.fna.fbcdn.net/v/t39.30808-6/459254852_1038026008333258_1004553060478614632_n.jpg?stp=dst-jpg_p526x296&_nc_cat=110&ccb=1-7&_nc_sid=127cfc&_nc_eui2=AeFOA78YiyLfTyTk_PmpQ1nWKW1N27ZdVBspbU3btl1UG1jcsKx sZkfepOCmCtrktPo&_nc_ohc=L2yjtq9ygAAQ7kNvgFyScyE&_nc_ht=scontent.fbog3-3.fna&cb_e2o_trans=t&_nc_gid=AlfBrufvOOJt4W2vMJeZRC0&oh=00_AYAhtXZVQc0vX7_axscKMJ9bsnaDssXahTspo3YiR9g2zw&oe=66E75EC4
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4419110&stc=1&d=1726063097
Sinopsis:
Mientras su familia se reúne para celebrar su cumpleaños, el periodista Alexander se siente angustiado por la desoladora falta de espiritualidad que caracteriza al mundo contemporáneo. Sus peores temores se confirman cuando, durante la fiesta, llega la noticia de un inminente conflicto nuclear: la Tercera Guerra Mundial. El final, definitivo e irreversible, está cerca. En ese momento están con él su angustiada esposa, sus dos hijos, un amigo médico y un peculiar cartero, que lo convence de que una de sus criadas es una bruja que tiene el poder de salvar al mundo mediante un último sacrificio. (FILMAFFINITY)
Premios:
1986: Cannes: Gran Premio del Jurado, Premio Jurado Ecuménico, FIPRESCI, Cont. artística (Nykvist)
1987: BAFTA: Mejor película de habla no inglesa
1986: Seminci: Espiga de Oro: Mejor película
1986: Premios Guldbagge (Suecia): Mejor película y actor (Erland Josephson)
1986: National Society of Film Critics (NSFC): Nominada a Mejor director.
Críticas:
"La obra maestra de un poeta irrepetible. (...) no le pone las cosas fáciles al espectador, que tiene que someterse a las exigencias de su particular cadencia, su colosal metraje y su rigor expresivo"
Jordi Costa: Diario El País
"'The Sacrifice' no es el tipo de película que todo el mundo querrá ver, pero aquellos con la imaginación para arriesgarse la encontrarán gratificante (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 4)"
Roger Ebert: rogerebert.com
"Es brillante y audaz, con una de las secuencias finales más extraordinarias del cine moderno (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)"
Peter Bradshaw: The Guardian
"Es un film asombrosamente bello que mantiene tu atención incluso cuando estás anonadado"
Walter Goodman: The New York Times
"Es una declaración apocalíptica adecuada (...) El primer y el penúltimo plano (...) consiguen decir más cosas que la mayoría de películas en todo su metraje"
Jonathan Rosenbaum: Chicago Reader
"Aguanta hasta el mismo final y puede que te veas conmovido como nunca te habían conmovido antes."
Andrew Sarris: Village Voice
"La mezcla de crisis de la mediana edad y terror existencial recuerda a Ingmar Bergman, pero Tarkovsky hace que sea su mundo propio."
Richard Brody: The New Yorker
Heráclito
11-09-2024, 10:15:41
Para muchos críticos, ésta sigue siendo una de las mejores escenas del cine.
https://scontent.fbog3-3.fna.fbcdn.net/v/t39.30808-6/458386259_3454908294814557_2469624372381189984_n.jpg?stp=dst-jpg_p526x395&_nc_cat=102&ccb=1-7&_nc_sid=aa7b47&_nc_eui2=AeEmDYhEZCCMeY0PXpkAysWPnh4C-lcjHgeeHgL6VyMeByFT1NyXOWLWbB5YRDAnRL4&_nc_ohc=ITAEXtCSYM4Q7kNvgEIpRBD&_nc_ht=scontent.fbog3-3.fna&cb_e2o_trans=t&_nc_gid=AgdlvvcuK2DymxB-UoraRnW&oh=00_AYBLTId6bOPIEIUnrvwKg_pepLpZtQ9FOvMa4M_uNLhzcA&oe=66E792DF
Federico Fellini filmó "La dolce vita" en 1959 y la presentó en el Festival de Cannes, donde ganó la Palma de Oro.
Enlace para verla: https://ok.ru/group/70000006188245/topic/157123520682197
La escena en cuestión es sinónimo de cine (literalmente hablando) y es difícil encontrar un fotograma mas romántico que este.
https://scontent.fbog3-3.fna.fbcdn.net/v/t39.30808-6/458792984_3454908198147900_2359972624001813314_n.jpg?_nc_cat =106&ccb=1-7&_nc_sid=aa7b47&_nc_eui2=AeE9BvnsmvMIkRs1aoJPG4rQkezoA93kdwKR7OgD3eR3AmhjY2M oYHSLtRWsPp-DO3o&_nc_ohc=VhUduppzYZIQ7kNvgHDYeYu&_nc_ht=scontent.fbog3-3.fna&cb_e2o_trans=t&_nc_gid=AKUYN1LC3uAdezUSd0NkgbB&oh=00_AYDH2q-CUmxO9fjFi6mn-OJ0mLD33eh1CXpOZHi-UV6HnA&oe=66E79E38
Nunca quedó claro si este hermoso momento del séptimo arte se filmó en enero (como aseguró Anita Eckberg) o en marzo (como siempre dijo Fellini).
Pero hay algo en lo que los dos estaban de acuerdo y era en que, en ese momento que quedaría en la historia, hacía un frío increíble.
Anita Eckberg iba con un vestido de noche y Marcello llevaba traje.
https://scontent.fbog3-1.fna.fbcdn.net/v/t39.30808-6/458771423_3454908321481221_6821572534247122170_n.jpg?_nc_cat =109&ccb=1-7&_nc_sid=aa7b47&_nc_eui2=AeGfAYvmaOSXUKTDLLqcR6DQd5eEWRwVwtF3l4RZHBXC0RxWYIl 4nluCkIHEA7D-H9s&_nc_ohc=1c7-ndrY-J0Q7kNvgHQmreL&_nc_ht=scontent.fbog3-1.fna&cb_e2o_trans=t&_nc_gid=A1hMAZv1NKIwREWNwPi0wKp&oh=00_AYB6kVHP_SPl1w1hC9Ma83JjzjQY5DmCcBDOEIR24plZ1Q&oe=66E774F9
Y, vaya uno a saber como, la actriz Sueca aguantó el frío sin problemas pero Mastroianni no, lo sufría a pleno y temblaba como una hoja. Le trajeron una segunda muda de ropa para que se ponga debajo del traje pero eso tampoco lo ayudó. Al final, lo que lo terminó salvando fue la aparición de una noble botella de vodka que se bebió casi entera. Y esta imagen que enamoró a todos y vimos una y mil veces, fue rodada por un Marcello totalmente borracho (pero que, por lo menos, ya no tenía frío).
Fuente: BELLE EPOQUE to ART DECO. The First 40 years of 20th cent (Facebook)
https://scontent.fbog3-3.fna.fbcdn.net/v/t39.30808-6/458386259_3454908294814557_2469624372381189984_n.jpg?stp=dst-jpg_p526x395&_nc_cat=102&ccb=1-7&_nc_sid=aa7b47&_nc_eui2=AeEmDYhEZCCMeY0PXpkAysWPnh4C-lcjHgeeHgL6VyMeByFT1NyXOWLWbB5YRDAnRL4&_nc_ohc=ITAEXtCSYM4Q7kNvgEIpRBD&_nc_ht=scontent.fbog3-3.fna&cb_e2o_trans=t&_nc_gid=AgdlvvcuK2DymxB-UoraRnW&oh=00_AYBLTId6bOPIEIUnrvwKg_pepLpZtQ9FOvMa4M_uNLhzcA&oe=66E792DF
Federico Fellini filmó "La dolce vita" en 1959 y la presentó en el Festival de Cannes, donde ganó la Palma de Oro.
Enlace para verla: https://ok.ru/group/70000006188245/topic/157123520682197
La escena en cuestión es sinónimo de cine (literalmente hablando) y es difícil encontrar un fotograma mas romántico que este.
https://scontent.fbog3-3.fna.fbcdn.net/v/t39.30808-6/458792984_3454908198147900_2359972624001813314_n.jpg?_nc_cat =106&ccb=1-7&_nc_sid=aa7b47&_nc_eui2=AeE9BvnsmvMIkRs1aoJPG4rQkezoA93kdwKR7OgD3eR3AmhjY2M oYHSLtRWsPp-DO3o&_nc_ohc=VhUduppzYZIQ7kNvgHDYeYu&_nc_ht=scontent.fbog3-3.fna&cb_e2o_trans=t&_nc_gid=AKUYN1LC3uAdezUSd0NkgbB&oh=00_AYDH2q-CUmxO9fjFi6mn-OJ0mLD33eh1CXpOZHi-UV6HnA&oe=66E79E38
Nunca quedó claro si este hermoso momento del séptimo arte se filmó en enero (como aseguró Anita Eckberg) o en marzo (como siempre dijo Fellini).
Pero hay algo en lo que los dos estaban de acuerdo y era en que, en ese momento que quedaría en la historia, hacía un frío increíble.
Anita Eckberg iba con un vestido de noche y Marcello llevaba traje.
https://scontent.fbog3-1.fna.fbcdn.net/v/t39.30808-6/458771423_3454908321481221_6821572534247122170_n.jpg?_nc_cat =109&ccb=1-7&_nc_sid=aa7b47&_nc_eui2=AeGfAYvmaOSXUKTDLLqcR6DQd5eEWRwVwtF3l4RZHBXC0RxWYIl 4nluCkIHEA7D-H9s&_nc_ohc=1c7-ndrY-J0Q7kNvgHQmreL&_nc_ht=scontent.fbog3-1.fna&cb_e2o_trans=t&_nc_gid=A1hMAZv1NKIwREWNwPi0wKp&oh=00_AYB6kVHP_SPl1w1hC9Ma83JjzjQY5DmCcBDOEIR24plZ1Q&oe=66E774F9
Y, vaya uno a saber como, la actriz Sueca aguantó el frío sin problemas pero Mastroianni no, lo sufría a pleno y temblaba como una hoja. Le trajeron una segunda muda de ropa para que se ponga debajo del traje pero eso tampoco lo ayudó. Al final, lo que lo terminó salvando fue la aparición de una noble botella de vodka que se bebió casi entera. Y esta imagen que enamoró a todos y vimos una y mil veces, fue rodada por un Marcello totalmente borracho (pero que, por lo menos, ya no tenía frío).
Fuente: BELLE EPOQUE to ART DECO. The First 40 years of 20th cent (Facebook)
Heráclito
14-09-2024, 07:43:16
No sabía de su existencia, pero me causó curiosidad el que haya sido alabada por críticos y académicos de todo el mundo y me dediqué a buscarla. Es un valioso testimonio de lo cotidiano, una visión feminista de la alienación hogareña. Interesante y les traigo esta reseña para su ilustración:
Ni 'El padrino' ni 'Pulp Fiction': la mejor película de la historia para más de 1.500 críticos no la ha visto casi nadie
La película dirigida por Chantal Akerman, ha sido seleccionada como la mejor película de todos los tiempos en la lista realizada para el British Film Institute.
Por Fernando Sánchez
Publicado: 05/07/2024
En un giro inesperado e histórico, la película belga ‘Jeanne Dielman, 23 quai du Commerce, 1080 Bruxelles’ (1975), dirigida por Chantal Akerman, fue coronada en el año 2022 como la mejor película de todos los tiempos por el British Film Institute gracias a la encuesta conocida como 'Sight and Sound' que se lanza una vez por década y en la que decenas de críticos contribuyen para seleccionar el orden de las mejores películas de la historia del séptimo arte. Este es un logro significativo, no solo por desbancar a clásicos como ‘Vértigo (De entre los muertos)’ (1958) de Alfred Hitchcock, que lideraba la lista anterior, o ‘Ciudadano Kane’ (1941), de Orson Welles, sino también porque es la primera vez que una película dirigida por una mujer alcanza el primer puesto en esta prestigiosa lista.
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4421985&stc=1&d=1726317626
'Jeanne Dielman, 23, quai du Commerce, 1080 Bruxelles'
El argumento de ‘Jeanne Dielman’ gira en torno a su protagonista, interpretada por Delphine Seyrig, una joven viuda, madre de un hijo, que equilibra las tareas del hogar con la prostitución para poder mantenerle. La película se caracteriza por su ritmo pausado y la minuciosa representación de las rutinas diarias de la protagonista, lo que ha sido visto como una forma de dar valor a las acciones cotidianas que normalmente son ignoradas en el cine. Esta representación detallada de la vida cotidiana ha impactado profundamente en los críticos, destacando el gran talento de Akerman para transformar lo mundano en arte.
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4421986&stc=1&d=1726317626
'Jeanne Dielman, 23, quai du Commerce, 1080 Bruxelles'
El ascenso de ‘Jeanne Dielman’ a la cima del ranking de “Sight and Sound” también refleja un cambio más amplio en la apreciación del cine. La encuesta, confeccionada en 2022, contó con la participación de más de 1.600 críticos y académicos de todo el mundo, lo que representa una expansión internacional significativa respecto a los 846 participantes de la década anterior. Esta riqueza en la diversidad de votantes ha permitido una lista más inclusiva y representativa de las voces contemporáneas en el ámbito cinematográfico.
Además, la nueva lista muestra un aumento en la presencia de películas dirigidas por mujeres, con once títulos entre las cien mejores películas y cuatro entre las mejores veinte, lo que contrasta con la encuesta de la década anterior lanzada en 2012, donde solamente había dos películas dirigidas por mujeres en toda la lista entera. Este cambio también se debe a la creciente influencia de críticos de cine y especialistas que han promovido una visión más inclusiva y diversa del cine a través de plataformas digitales y otros medios.
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4421987&stc=1&d=1726317626
'Jeanne Dielman, 23, quai du Commerce, 1080 Bruxelles'
Pese a su escaso reconocimiento más allá de la crítica especializada, ‘Jeanne Dielman’ ha sido descrita como una innovadora obra maestra del cine feminista, donde su original narrativa y su representación de la vida doméstica la han convertido en una herramienta para explorar y validar experiencias humanas diversas con un gran impacto. Akerman, que se suicidó en octubre de 2015, dejó un gran legado cinematográfico con esta obra, que sigue inspirando y desafiando las convenciones sociales. Por su parte, la actualización de la lista “Sight and Sound” puede entenderse como una señal de que el panorama cinematográfico se encuentra en constante evolución, con una mayor apertura a diferentes perspectivas y estilos narrativos.
Fuente: Fotogramas
Enlace para verla: https://ok.ru/video/4115196545667
Ni 'El padrino' ni 'Pulp Fiction': la mejor película de la historia para más de 1.500 críticos no la ha visto casi nadie
La película dirigida por Chantal Akerman, ha sido seleccionada como la mejor película de todos los tiempos en la lista realizada para el British Film Institute.
Por Fernando Sánchez
Publicado: 05/07/2024
En un giro inesperado e histórico, la película belga ‘Jeanne Dielman, 23 quai du Commerce, 1080 Bruxelles’ (1975), dirigida por Chantal Akerman, fue coronada en el año 2022 como la mejor película de todos los tiempos por el British Film Institute gracias a la encuesta conocida como 'Sight and Sound' que se lanza una vez por década y en la que decenas de críticos contribuyen para seleccionar el orden de las mejores películas de la historia del séptimo arte. Este es un logro significativo, no solo por desbancar a clásicos como ‘Vértigo (De entre los muertos)’ (1958) de Alfred Hitchcock, que lideraba la lista anterior, o ‘Ciudadano Kane’ (1941), de Orson Welles, sino también porque es la primera vez que una película dirigida por una mujer alcanza el primer puesto en esta prestigiosa lista.
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4421985&stc=1&d=1726317626
'Jeanne Dielman, 23, quai du Commerce, 1080 Bruxelles'
El argumento de ‘Jeanne Dielman’ gira en torno a su protagonista, interpretada por Delphine Seyrig, una joven viuda, madre de un hijo, que equilibra las tareas del hogar con la prostitución para poder mantenerle. La película se caracteriza por su ritmo pausado y la minuciosa representación de las rutinas diarias de la protagonista, lo que ha sido visto como una forma de dar valor a las acciones cotidianas que normalmente son ignoradas en el cine. Esta representación detallada de la vida cotidiana ha impactado profundamente en los críticos, destacando el gran talento de Akerman para transformar lo mundano en arte.
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4421986&stc=1&d=1726317626
'Jeanne Dielman, 23, quai du Commerce, 1080 Bruxelles'
El ascenso de ‘Jeanne Dielman’ a la cima del ranking de “Sight and Sound” también refleja un cambio más amplio en la apreciación del cine. La encuesta, confeccionada en 2022, contó con la participación de más de 1.600 críticos y académicos de todo el mundo, lo que representa una expansión internacional significativa respecto a los 846 participantes de la década anterior. Esta riqueza en la diversidad de votantes ha permitido una lista más inclusiva y representativa de las voces contemporáneas en el ámbito cinematográfico.
Además, la nueva lista muestra un aumento en la presencia de películas dirigidas por mujeres, con once títulos entre las cien mejores películas y cuatro entre las mejores veinte, lo que contrasta con la encuesta de la década anterior lanzada en 2012, donde solamente había dos películas dirigidas por mujeres en toda la lista entera. Este cambio también se debe a la creciente influencia de críticos de cine y especialistas que han promovido una visión más inclusiva y diversa del cine a través de plataformas digitales y otros medios.
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4421987&stc=1&d=1726317626
'Jeanne Dielman, 23, quai du Commerce, 1080 Bruxelles'
Pese a su escaso reconocimiento más allá de la crítica especializada, ‘Jeanne Dielman’ ha sido descrita como una innovadora obra maestra del cine feminista, donde su original narrativa y su representación de la vida doméstica la han convertido en una herramienta para explorar y validar experiencias humanas diversas con un gran impacto. Akerman, que se suicidó en octubre de 2015, dejó un gran legado cinematográfico con esta obra, que sigue inspirando y desafiando las convenciones sociales. Por su parte, la actualización de la lista “Sight and Sound” puede entenderse como una señal de que el panorama cinematográfico se encuentra en constante evolución, con una mayor apertura a diferentes perspectivas y estilos narrativos.
Fuente: Fotogramas
Enlace para verla: https://ok.ru/video/4115196545667
EL DARKÖ
14-09-2024, 10:24:25
Busquemos películas de Tartovsky muchachos. Cuando estaba en la U vi como unas tres del man, pero no me acuerdo y no encuentro.
El CineClub de Denunciando, ha revivido. Nos vemos.
En Mubi que es muy barato hay pelis de ese mítico maestro.
El CineClub de Denunciando, ha revivido. Nos vemos.
En Mubi que es muy barato hay pelis de ese mítico maestro.
EL DARKÖ
14-09-2024, 10:36:40
Casanova33 lo bueno de vivir en cali es que tenemos muchas cinematecas donde podemos ver película de grandes autores Soyado no me deja mentir. Por acá encontré las películas a un click de distancia, restauradas.
«El espejo (Zerkalo)», de Andrei Tarkovski: el cine como memoria universal
Realizado en 1974, tras el ambicioso y costoso proyecto de Solaris (Solaris; 1972), El espejo (Zerkalo), supuso el mayor fracaso comercial de la carrera de Tarkovski, quien, a raíz del desengaño que constituyó este gran revés, estuvo rondando durante algún tiempo la posibilidad de abandonar definitivamente la dirección cinematográfica. La calificación de «elitista» y «poco comprensible» que recibió por parte de las autoridades culturales soviéticas conllevó el que el film apenas si encontrara distribución y que, por tanto, permita ser clasificado como una realización maldita y marginada.
Pese a tal y decisiva circunstancia, difícilmente se podrá hallar, en la corta filmografía de Tarkovski, una obra tan directa, compleja y estremecedora como ésta. En ella, el tema -tan caro al director ruso- del «retorno a sí mismo» encuentra una concreción definitiva y pletórica en excepcionales hallazgos, a los que no cabe considerar sino como aportaciones determinantes para la iluminación de su complejo y, en ocasiones, mal estudiado ideario. De hecho, si con alguna idea nos tuviéramos que quedar ya desde un principio es que, en este su cuarto largometraje, Tarkovski nos muestra el largo y tortuoso camino que ha de recorrer el individuo para llegar a ese sutil y, al mismo tiempo, grandioso punto en el que «todo él se recobra como unidad».
Fuente : https://www.cervantesvirtual.com/obra-visor/el-espejo-zerkalo-de-andrei-tarkovski-el-cine-como-memoria-universal--0/html/ff9e37f6-82b1-11df-acc7-002185ce6064_3.html
Mbj0ZTqVgOg?si=JWc_wJLChv3-uDYz
«El espejo (Zerkalo)», de Andrei Tarkovski: el cine como memoria universal
Realizado en 1974, tras el ambicioso y costoso proyecto de Solaris (Solaris; 1972), El espejo (Zerkalo), supuso el mayor fracaso comercial de la carrera de Tarkovski, quien, a raíz del desengaño que constituyó este gran revés, estuvo rondando durante algún tiempo la posibilidad de abandonar definitivamente la dirección cinematográfica. La calificación de «elitista» y «poco comprensible» que recibió por parte de las autoridades culturales soviéticas conllevó el que el film apenas si encontrara distribución y que, por tanto, permita ser clasificado como una realización maldita y marginada.
Pese a tal y decisiva circunstancia, difícilmente se podrá hallar, en la corta filmografía de Tarkovski, una obra tan directa, compleja y estremecedora como ésta. En ella, el tema -tan caro al director ruso- del «retorno a sí mismo» encuentra una concreción definitiva y pletórica en excepcionales hallazgos, a los que no cabe considerar sino como aportaciones determinantes para la iluminación de su complejo y, en ocasiones, mal estudiado ideario. De hecho, si con alguna idea nos tuviéramos que quedar ya desde un principio es que, en este su cuarto largometraje, Tarkovski nos muestra el largo y tortuoso camino que ha de recorrer el individuo para llegar a ese sutil y, al mismo tiempo, grandioso punto en el que «todo él se recobra como unidad».
Fuente : https://www.cervantesvirtual.com/obra-visor/el-espejo-zerkalo-de-andrei-tarkovski-el-cine-como-memoria-universal--0/html/ff9e37f6-82b1-11df-acc7-002185ce6064_3.html
Mbj0ZTqVgOg?si=JWc_wJLChv3-uDYz
Soyado
14-09-2024, 10:39:58
El título de "mi película favorita" ha rodado por algunos nombres como Barry Lyndon (1975) de Stanley Kubrick (que aún me ha resultado jodido descargármela en algún lado), o Taxi Driver (1976) de Martin Scorsese.
Tal vez, tal vez, digo que La Dolce Vita de Fellini puede ocupar este lugar de preferencia en mi gusto, por tantos motivos especiales: las distintas historias que se presentan como mini cuentos; la presencia de varios idiomas durante su contenido; los personajes centrales en sí, teniendo en cuenta que este fue el largometraje que dio origen al término paparazzi... Y, algo que destaco puntualmente: el protagonismo que alcanza la mujer en el filme. Es decir, el sexo fuerte presentado desde una diversidad de facetas que abarcan edades, profesiones, niveles culturales, modos de ser, etc., en una amalgama que le rinde un tributo muy difícil de encontrar en otras producciones.
¡Ah! Y tengo la suerte de tenerla descargada, en italiano y demás lenguas con subtítulos, así como Taxi Driver. Por acá dejo una parte de la escena de la llegada de Sylvia (Anita Eckberg) al aeropuerto de Roma. Y gracias a vos, Heráclito y al compañero Casanova33 por estar al pie del cañón en este espacio tan maravilloso dentro del foro.
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4422025&stc=1&d=1726328375
Tal vez, tal vez, digo que La Dolce Vita de Fellini puede ocupar este lugar de preferencia en mi gusto, por tantos motivos especiales: las distintas historias que se presentan como mini cuentos; la presencia de varios idiomas durante su contenido; los personajes centrales en sí, teniendo en cuenta que este fue el largometraje que dio origen al término paparazzi... Y, algo que destaco puntualmente: el protagonismo que alcanza la mujer en el filme. Es decir, el sexo fuerte presentado desde una diversidad de facetas que abarcan edades, profesiones, niveles culturales, modos de ser, etc., en una amalgama que le rinde un tributo muy difícil de encontrar en otras producciones.
¡Ah! Y tengo la suerte de tenerla descargada, en italiano y demás lenguas con subtítulos, así como Taxi Driver. Por acá dejo una parte de la escena de la llegada de Sylvia (Anita Eckberg) al aeropuerto de Roma. Y gracias a vos, Heráclito y al compañero Casanova33 por estar al pie del cañón en este espacio tan maravilloso dentro del foro.
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4422025&stc=1&d=1726328375
EL DARKÖ
14-09-2024, 10:57:19
Solaris (película, 1972)
Autor/es: Andréi Tarkovski
r_fOakbPjyQ?si=HHv2HRH9ukniL0cD
I. Una apuesta segura
Leamos a Tarkovski refiriéndose a su película Nostalgia (Nostalghia, 1983): “Debo decir que la acción externa, las intrigas y la conexión entre lo acontecimientos no me interesan para nada, y que en cada película me van interesando menos. Lo que realmente me preocupa es el mundo interior de las personas. Por eso me resultó algo completamente natural lanzarme al viaje hacia el interior del alma de mi héroe, en la filosofía que lo sustenta, en las tradiciones culturales y literarias en que se basan sus fundamentos internos. (…) Lo que me interesa es el hombre, en quien se encierra todo el universo” . Estas declaraciones, incluidas en su libro Esculpir en el tiempo, aplican perfectamente para toda su obra, pero son particularmente útiles al abordar el análisis de su tercer largometraje, Solaris (Solyaris, 1972), pues incluso parece estar haciendo referencia explícita a uno de sus protagonistas.
Para Tarkovski llevar al cine una novela de ciencia ficción tan popular como Solaris de Stanisław Lem, publicada en 1961 y escrita con un exuberante estilo -finamente descriptivo en lo científico y en lo astronómico- se antojaba una contradicción frente a los postulados humanísticos y artísticos espiritualmente puros que su cine había mostrado hasta entonces (y que seguirá exhibiendo en su obra posterior). Sin embargo, decidirse a rodarla fue una forma de librarse de los obstáculos de la censura del Goskino, el Instituto Oficial de Cinematografía Ruso, que habían hecho tan compleja y frustrante la producción de Andrei Rublev (1966). Además, ya había sometido a evaluación otro proyecto, Un día blanco, blanquísimo, que fue rechazado por ser considerado demasiado burgués y personal, de ahí que una novela de ciencia ficción resultara ante todo inofensiva, y como tal la describe Tarkovski al aplicar para los fondos para hacerla: “El público está ansioso de un buen filme de ciencia ficción, y es de conocimiento común que hay gran interés en la idea de producir uno aquí para el mercado doméstico. El argumento de Solaris es tenso y agudo, lleno de giros inesperados y excitantes confrontaciones… podemos estar seguros desde el comienzo que la película será un éxito financiero” . Es muy probable que los censores pensaran que por fin lo habían hecho entrar en razón y eso facilitó el proceso de revisión y aprobación del proyecto, cuyo presupuesto aprobado fue de 1.850.000 rublos, pero que paulatinamente sufrió recortes hasta casi el 50% de la cifra original.
Tarkovski y Friedrich Gorenstein terminaron un primer borrador del guion en mayo de 1968, que incluía un segmento amplio inicial en la Tierra y que le daba al protagonista, Kris Kelvin, una esposa, María, a quien regresaba después de su estadía en el espacio exterior. Stanisław Lem objetó esa versión con vehemencia y aunque ese personaje femenino fue suprimido, el prólogo terrenal, ausente en la novela, permaneció en la versión final del guion (junio de 1969), que recibió aprobación oficial por Goskino en el verano de 1970. Esas escenas en la dacha del padre del protagonista fueron rodadas cerca de Zvenigorod, a 63 kilómetros de Moscú, mientras la secuencia fluvial de apertura del filme se filmó en el río Ruza. El actor de teatro Donatas Banionis fue contratado para interpretar a Kris Kelvin, y Natalya Bondarchuk sería Hari, su antiguo amor (inicialmente fue considerada Bibi Andersson para ese rol). En la estación espacial que orbita alrededor del planeta Solaris hay dos cosmonautas, Snaut, interpretado por Jüri Järvet, y el Doctor Sartorius, interpretado por Anatoliy Solonitsyn, que previamente había dado vida al protagonista de Andrei Rublev. Hay una secuencia que se rodó en Tokio en una de sus autopistas intraurbanas. Tarkovski solo recibió permiso para viajar a Japón en septiembre de 1971 y ahí filmó dentro de los túneles de la ruta circular interna de la autopista de Shuto.
El director tuvo dificultades con Donatas Banionis: “previamente él había sido exclusivamente actor teatral y quería, en la manera tradicional escénica, tener una concepción completa de su rol antes de que la filmación empezara, una solicitud que Tarkovski –escultor y mosaiquista tanto como metteur en scène- encontró imposible de complacer”. La expresión constante de extrañeza del protagonista interpretado por Banionis, como si acabara de despertar de un mal sueño, más que debida a sus méritos dramáticos, puede ser fruto de la incertidumbre del actor frente al rol que estaba asumiendo y frente a unas motivaciones de su personaje que él mismo desconocía. Natalya Bondarchuk, hija del también director Sergei Bondarchuk, tenía apenas 18 años durante la producción del filme, pero ella es el núcleo de Solaris, como ya veremos.
Sigue en el link de la fuente : https://www.tiempodecine.co/web/milagros-crueles-solaris-de-andrei-tarkovski/
Autor/es: Andréi Tarkovski
r_fOakbPjyQ?si=HHv2HRH9ukniL0cD
I. Una apuesta segura
Leamos a Tarkovski refiriéndose a su película Nostalgia (Nostalghia, 1983): “Debo decir que la acción externa, las intrigas y la conexión entre lo acontecimientos no me interesan para nada, y que en cada película me van interesando menos. Lo que realmente me preocupa es el mundo interior de las personas. Por eso me resultó algo completamente natural lanzarme al viaje hacia el interior del alma de mi héroe, en la filosofía que lo sustenta, en las tradiciones culturales y literarias en que se basan sus fundamentos internos. (…) Lo que me interesa es el hombre, en quien se encierra todo el universo” . Estas declaraciones, incluidas en su libro Esculpir en el tiempo, aplican perfectamente para toda su obra, pero son particularmente útiles al abordar el análisis de su tercer largometraje, Solaris (Solyaris, 1972), pues incluso parece estar haciendo referencia explícita a uno de sus protagonistas.
Para Tarkovski llevar al cine una novela de ciencia ficción tan popular como Solaris de Stanisław Lem, publicada en 1961 y escrita con un exuberante estilo -finamente descriptivo en lo científico y en lo astronómico- se antojaba una contradicción frente a los postulados humanísticos y artísticos espiritualmente puros que su cine había mostrado hasta entonces (y que seguirá exhibiendo en su obra posterior). Sin embargo, decidirse a rodarla fue una forma de librarse de los obstáculos de la censura del Goskino, el Instituto Oficial de Cinematografía Ruso, que habían hecho tan compleja y frustrante la producción de Andrei Rublev (1966). Además, ya había sometido a evaluación otro proyecto, Un día blanco, blanquísimo, que fue rechazado por ser considerado demasiado burgués y personal, de ahí que una novela de ciencia ficción resultara ante todo inofensiva, y como tal la describe Tarkovski al aplicar para los fondos para hacerla: “El público está ansioso de un buen filme de ciencia ficción, y es de conocimiento común que hay gran interés en la idea de producir uno aquí para el mercado doméstico. El argumento de Solaris es tenso y agudo, lleno de giros inesperados y excitantes confrontaciones… podemos estar seguros desde el comienzo que la película será un éxito financiero” . Es muy probable que los censores pensaran que por fin lo habían hecho entrar en razón y eso facilitó el proceso de revisión y aprobación del proyecto, cuyo presupuesto aprobado fue de 1.850.000 rublos, pero que paulatinamente sufrió recortes hasta casi el 50% de la cifra original.
Tarkovski y Friedrich Gorenstein terminaron un primer borrador del guion en mayo de 1968, que incluía un segmento amplio inicial en la Tierra y que le daba al protagonista, Kris Kelvin, una esposa, María, a quien regresaba después de su estadía en el espacio exterior. Stanisław Lem objetó esa versión con vehemencia y aunque ese personaje femenino fue suprimido, el prólogo terrenal, ausente en la novela, permaneció en la versión final del guion (junio de 1969), que recibió aprobación oficial por Goskino en el verano de 1970. Esas escenas en la dacha del padre del protagonista fueron rodadas cerca de Zvenigorod, a 63 kilómetros de Moscú, mientras la secuencia fluvial de apertura del filme se filmó en el río Ruza. El actor de teatro Donatas Banionis fue contratado para interpretar a Kris Kelvin, y Natalya Bondarchuk sería Hari, su antiguo amor (inicialmente fue considerada Bibi Andersson para ese rol). En la estación espacial que orbita alrededor del planeta Solaris hay dos cosmonautas, Snaut, interpretado por Jüri Järvet, y el Doctor Sartorius, interpretado por Anatoliy Solonitsyn, que previamente había dado vida al protagonista de Andrei Rublev. Hay una secuencia que se rodó en Tokio en una de sus autopistas intraurbanas. Tarkovski solo recibió permiso para viajar a Japón en septiembre de 1971 y ahí filmó dentro de los túneles de la ruta circular interna de la autopista de Shuto.
El director tuvo dificultades con Donatas Banionis: “previamente él había sido exclusivamente actor teatral y quería, en la manera tradicional escénica, tener una concepción completa de su rol antes de que la filmación empezara, una solicitud que Tarkovski –escultor y mosaiquista tanto como metteur en scène- encontró imposible de complacer”. La expresión constante de extrañeza del protagonista interpretado por Banionis, como si acabara de despertar de un mal sueño, más que debida a sus méritos dramáticos, puede ser fruto de la incertidumbre del actor frente al rol que estaba asumiendo y frente a unas motivaciones de su personaje que él mismo desconocía. Natalya Bondarchuk, hija del también director Sergei Bondarchuk, tenía apenas 18 años durante la producción del filme, pero ella es el núcleo de Solaris, como ya veremos.
Sigue en el link de la fuente : https://www.tiempodecine.co/web/milagros-crueles-solaris-de-andrei-tarkovski/
EL DARKÖ
14-09-2024, 11:04:08
Stalker | Dirigida por Andrey Tarkovsky
Basado en la novela "Picnic en la carretera" de Arkady y Boris Strugatsky. La Zona que surgió en la Tierra por razones desconocidas llama la atención con fenómenos inexplicables que ocurren allí. Se ha difundido el rumor de que en el centro de la Zona hay algo que le da a una persona todo lo que quiere. Pero permanecer en la Zona es mortal y, por lo tanto, está estrictamente vigilada. Allí, cada uno por sus propios motivos, van el Escritor y el Profesor, el Acechador los conduce al misterioso centro, sintiendo y comprendiendo la Zona...
Calificación IMDb: 8,1
Año de producción: 1979
Dirigida por: Andrey Tarkovsky
Escrito por: Strugatsky Boris, Strugatsky Arkady
Música: Artemyev Eduard
Operador: Knyazhinsky Alexander
Diseño de producción: Andrey Tarkovsky
Reparto: Nikolay Grinko, Anatoly Solonitsyn, Alisa Freindlich, Alexander Kaidanovsky
4HRopHsl_Hg?si=4S8eaVHH-7IseI3
Basado en la novela "Picnic en la carretera" de Arkady y Boris Strugatsky. La Zona que surgió en la Tierra por razones desconocidas llama la atención con fenómenos inexplicables que ocurren allí. Se ha difundido el rumor de que en el centro de la Zona hay algo que le da a una persona todo lo que quiere. Pero permanecer en la Zona es mortal y, por lo tanto, está estrictamente vigilada. Allí, cada uno por sus propios motivos, van el Escritor y el Profesor, el Acechador los conduce al misterioso centro, sintiendo y comprendiendo la Zona...
Calificación IMDb: 8,1
Año de producción: 1979
Dirigida por: Andrey Tarkovsky
Escrito por: Strugatsky Boris, Strugatsky Arkady
Música: Artemyev Eduard
Operador: Knyazhinsky Alexander
Diseño de producción: Andrey Tarkovsky
Reparto: Nikolay Grinko, Anatoly Solonitsyn, Alisa Freindlich, Alexander Kaidanovsky
4HRopHsl_Hg?si=4S8eaVHH-7IseI3
Soyado
14-09-2024, 12:15:37
Se puso soviético este cine foro con el viejo Tarko, je, je, je. No me molesta, aclaro; solo que me parece curioso, y encima por estos últimos días he estado leyendo mucho acerca de la Unión Soviética, y también me he estado desatrasando con la serie televisiva The Americans.
Gracias, EL DARKÖ por las contribuciones. Definitivamente, pienso que hay que mantener este pedazo de cultura y entretenimiento cinéfilo vivo en el foro. Una pregunta: ¿saben en dónde puedo subir películas -que no sea Mega-, para luego compartir los links aquí en el cine foro? Tengo varias descargadas, algunas de ellas digamos de hace sus buenas décadas, que quisiera rotarles.
Gracias, EL DARKÖ por las contribuciones. Definitivamente, pienso que hay que mantener este pedazo de cultura y entretenimiento cinéfilo vivo en el foro. Una pregunta: ¿saben en dónde puedo subir películas -que no sea Mega-, para luego compartir los links aquí en el cine foro? Tengo varias descargadas, algunas de ellas digamos de hace sus buenas décadas, que quisiera rotarles.
Casanova33
14-09-2024, 14:31:25
@Casanova33 (https://www.denunciando.com/member.php?u=787823) lo bueno de vivir en cali es que tenemos muchas cinematecas donde podemos ver película de grandes autores @Soyado (https://www.denunciando.com/member.php?u=844371) no me deja mentir. Por acá encontré las películas a un click de distancia, restauradas.
«El espejo (Zerkalo)», de Andrei Tarkovski: el cine como memoria universal
Realizado en 1974, tras el ambicioso y costoso proyecto de Solaris (Solaris; 1972), El espejo (Zerkalo), supuso el mayor fracaso comercial de la carrera de Tarkovski, quien, a raíz del desengaño que constituyó este gran revés, estuvo rondando durante algún tiempo la posibilidad de abandonar definitivamente la dirección cinematográfica. La calificación de «elitista» y «poco comprensible» que recibió por parte de las autoridades culturales soviéticas conllevó el que el film apenas si encontrara distribución y que, por tanto, permita ser clasificado como una realización maldita y marginada.
Pese a tal y decisiva circunstancia, difícilmente se podrá hallar, en la corta filmografía de Tarkovski, una obra tan directa, compleja y estremecedora como ésta. En ella, el tema -tan caro al director ruso- del «retorno a sí mismo» encuentra una concreción definitiva y pletórica en excepcionales hallazgos, a los que no cabe considerar sino como aportaciones determinantes para la iluminación de su complejo y, en ocasiones, mal estudiado ideario. De hecho, si con alguna idea nos tuviéramos que quedar ya desde un principio es que, en este su cuarto largometraje, Tarkovski nos muestra el largo y tortuoso camino que ha de recorrer el individuo para llegar a ese sutil y, al mismo tiempo, grandioso punto en el que «todo él se recobra como unidad».
Fuente : https://www.cervantesvirtual.com/obra-visor/el-espejo-zerkalo-de-andrei-tarkovski-el-cine-como-memoria-universal--0/html/ff9e37f6-82b1-11df-acc7-002185ce6064_3.html
Mbj0ZTqVgOg?si=JWc_wJLChv3-uDYz
Excelente Darko, la voy a pillar de una. Y algún día tengo que ir a la tierra de Andrés Caicedo. Solo he ido de pasada.
«El espejo (Zerkalo)», de Andrei Tarkovski: el cine como memoria universal
Realizado en 1974, tras el ambicioso y costoso proyecto de Solaris (Solaris; 1972), El espejo (Zerkalo), supuso el mayor fracaso comercial de la carrera de Tarkovski, quien, a raíz del desengaño que constituyó este gran revés, estuvo rondando durante algún tiempo la posibilidad de abandonar definitivamente la dirección cinematográfica. La calificación de «elitista» y «poco comprensible» que recibió por parte de las autoridades culturales soviéticas conllevó el que el film apenas si encontrara distribución y que, por tanto, permita ser clasificado como una realización maldita y marginada.
Pese a tal y decisiva circunstancia, difícilmente se podrá hallar, en la corta filmografía de Tarkovski, una obra tan directa, compleja y estremecedora como ésta. En ella, el tema -tan caro al director ruso- del «retorno a sí mismo» encuentra una concreción definitiva y pletórica en excepcionales hallazgos, a los que no cabe considerar sino como aportaciones determinantes para la iluminación de su complejo y, en ocasiones, mal estudiado ideario. De hecho, si con alguna idea nos tuviéramos que quedar ya desde un principio es que, en este su cuarto largometraje, Tarkovski nos muestra el largo y tortuoso camino que ha de recorrer el individuo para llegar a ese sutil y, al mismo tiempo, grandioso punto en el que «todo él se recobra como unidad».
Fuente : https://www.cervantesvirtual.com/obra-visor/el-espejo-zerkalo-de-andrei-tarkovski-el-cine-como-memoria-universal--0/html/ff9e37f6-82b1-11df-acc7-002185ce6064_3.html
Mbj0ZTqVgOg?si=JWc_wJLChv3-uDYz
Excelente Darko, la voy a pillar de una. Y algún día tengo que ir a la tierra de Andrés Caicedo. Solo he ido de pasada.
Casanova33
14-09-2024, 14:33:19
Se puso soviético este cine foro con el viejo Tarko, je, je, je. No me molesta, aclaro; solo que me parece curioso, y encima por estos últimos días he estado leyendo mucho acerca de la Unión Soviética, y también me he estado desatrasando con la serie televisiva The Americans.
Gracias, @EL DARKÖ (https://www.denunciando.com/member.php?u=88065) por las contribuciones. Definitivamente, pienso que hay que mantener este pedazo de cultura y entretenimiento cinéfilo vivo en el foro. Una pregunta: ¿saben en dónde puedo subir películas -que no sea Mega-, para luego compartir los links aquí en el cine foro? Tengo varias descargadas, algunas de ellas digamos de hace sus buenas décadas, que quisiera rotarles.
Yo las subo a mi cuenta personal de Archive.org, algunas me las bajan sin previo aviso por copyright pero películas bien subterráneas que nos gustan solo a nosotros, esas si no. O en esta página que no tiene pierde: sendvid.com
Gracias, @EL DARKÖ (https://www.denunciando.com/member.php?u=88065) por las contribuciones. Definitivamente, pienso que hay que mantener este pedazo de cultura y entretenimiento cinéfilo vivo en el foro. Una pregunta: ¿saben en dónde puedo subir películas -que no sea Mega-, para luego compartir los links aquí en el cine foro? Tengo varias descargadas, algunas de ellas digamos de hace sus buenas décadas, que quisiera rotarles.
Yo las subo a mi cuenta personal de Archive.org, algunas me las bajan sin previo aviso por copyright pero películas bien subterráneas que nos gustan solo a nosotros, esas si no. O en esta página que no tiene pierde: sendvid.com
Heráclito
15-09-2024, 07:27:57
Bueno, Casanova, te estamos cumpliendo con Tarkosvski. Ya podemos ver en este espacio, "La infancia de Iván", "Sacrificio", "El espejo", "Solaris", "Stalker" y ahora posteo lo relacionado con "Nostalgia":
https://scontent.fbog3-3.fna.fbcdn.net/v/t39.30808-6/445359322_962774655858394_2053135279447619754_n.jpg?stp=dst-jpg_p526x296&_nc_cat=102&ccb=1-7&_nc_sid=833d8c&_nc_eui2=AeFAtf2Psc8-PUceHyNrSDHtr1fuKAYemGqvV-4oBh6YakDqmgCtn7KSfJFGIkITzgk&_nc_ohc=Vpovts96pnoQ7kNvgERoz0u&_nc_ht=scontent.fbog3-3.fna&_nc_gid=Abk4ASQA8uwVm_sCGhtl2bA&oh=00_AYBUjdGnHa7KztutvA1yjiX2AEDfdR3_JRQqS69YKoQbtw&oe=66EC9EC5
Nostalgia
Título original: Nostalghia
Año: 1983.
País: Italia
Duración: 125 min.
Dirección: Andrei Tarkovsky
Guion: Andrei Tarkovsky, Tonino Guerra
Reparto: Oleg Yankovskiy. Erland Josephson. Domiziana Giordano. Patrizia Terreno
Música: Claude Debussy
Fotografía: Giuseppe Lanci
Enlace para verla: https://ok.ru/profile/585978703844/statuses/156198582544612
Sinopsis:
Andrei Gorchakov, un poeta ruso, recorre Italia en compañía de Eugenia con la intención de investigar la vida de un compositor del siglo XVI sobre el que está escribiendo. En su viaje se encontrarán con el apocalíptico Domenico. (FILMAFFINITY)
Premios
1983: Festival de Cannes: Mejor director, Premio del Jurado Ecuménico, FIPRESCI
Críticas:
Otra apabullante obra del gran Tarkovsky. La delicadeza visual y la trascendencia sentimental vuelven a confluir de forma inigualable en esta sugerente y hermosa joya del maestro, no del todo reconocida. Como sucede con gran parte de la filmografía del ruso, puede que sea algo críptica, pero sin duda es parte de su encanto: sus imágenes envuelven tus sensaciones, y sus ideas te llevan a través de una extraña fascinación que lo mismo agita que acaricia tu mente. Primera obra que realizó fuera de la Union Soviética, contemplar "Nostalghia" es una viaje único y embriagador que todo cinéfilo haría bien en regalarse. El crítico de 'Financial Times', la definió muy bien: "Nostalgia es espectacular, asombrosa; lo más cercano a la poesía que el cine puede aspirar".
Pablo Kurt: FilmAffinity
"Andrei Tarkovsky bien podría ser un poeta del cine."
Vincent Canby: The New York Times
"Una experiencia visual gloriosa"
J. Hoberman: Village Voice
"La película es adorable pero dolorosamente lenta, llena de imágenes que parecen a la vez deseseperadamente oscuras y abrumadoramente obvias"
Dave Kehr: Chicago Reader
"Una película hermosa de forma conmovedora (…) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)"
David Parkinson: Empire
"A través de esas situaciones duraderas 'difíciles' Tarkovsky consigue esclarecer algo que se asemeja a la espiritualidad (…) Puntuación: ★★★★ (sobre 4)"
Kalvin Henely: Slant
"Nadie hace películas como esta ahora (...) Es una obra atmosférica que te hace sentir que te estás hundiendo en residuos artísticos de primer nivel (…) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)"
Joshua Rothkopf: Time Out
Análisis:
Andréi Tarkovski: agua, bruma, fuego (40 años de ‘Nostalgia’)
Mientras quede un hombre con fe, parece decirnos Tarkovski en 'Nostalgia', el mundo está a salvo. La fe está en confiar en el valor trascendente de recordar, con felicidad, lo bueno de la existencia.
ALBERTO GARRANDÉS
18 septiembre, 2023
Abierto el cuadro, escrutado poco a poco el paisaje gracias a la lenta aproximación de la cámara (en un zoom tan lánguido que parece caricioso), lo que vemos es la niebla del amanecer, unas campesinas, un perro dócil y un caballo en lontananza. El caballo, blanco e inmóvil, espera. El perro y las campesinas van al encuentro de algo. Caminan lejos de la cámara, de espaldas a ella, y se detienen. Después hay un árbol solo. Y más niebla.
Así, con esa parquedad de lo taciturno, pero con algunos sonidos del día naciente, empieza Nostalgia (1983), de Andréi Tarkovski.
Un poeta ruso ha viajado a Italia en busca de las huellas que dejó allí un músico, también ruso, pero de fines del siglo XVIII. Este ha vivido por algún tiempo en Bologna, estudiando y creando una música que despierta admiración. Sin embargo, se trata de un súbdito, un siervo, una especie de genio que no por ello deja de ser un cautivo del Poder, lo mismo en Bologna que en Moscú.
Desde siempre, en especial desde la formación y el surgimiento de las ciudades-Estado, el poder, la política y los políticos han querido dictarles pautas y normas a los artistas. Ese deseo sigue vivo hasta hoy.
El poeta, un buscador, se llama Andréi y deviene, así, un peregrino en tierra ajena y un hombre-de-las-palabras capaz de certificar la locura del mundo (todo en él es meditativo) y la comunión del pensamiento con la idea de las pruebas de la existencia de la fortaleza del alma. He aquí un Tarkovski al uso, diríase. “Estoy cansado de estos enfermizos paisajes extraordinarios”, dice el poeta cuando Eugenia, su traductora italiana, lo invita a recorrer el lugar adonde acaban de llegar.
Habría que repetir esa idea y esa historia porque en ellas se instaura una tipología: un músico de talento que estudia y vive en Bologna y que, teniendo la oportunidad de permanecer allí (aunque siempre a las órdenes de algún noble), no puede sino ceder al impulso de regresar a la tierra natal, a los suyos, a la patria. Y se suicida tras ese retorno.
(Recuerdo ahora un documental sobre José Lezama Lima donde he visto llorar a Eliseo Alberto Diego cuando, citando a Lydia Cabrera, habla de la abrupta lejanía de la tierra natal y de la felicidad de estar en ella, regresar tal vez, de recordarla viva dentro de sí).
La nostalgia ya va, explícita, en el título, cuya revelación a Tarkovski no le preocupa (sabe que hay mucho más en el pasmoso poder sugestivo que él descubre en ciertas imágenes, que son prácticamente únicas en la historia del cine). Nostalgia de un espacio, nostalgia de un pasado mítico (acaso inexistente como pasado comprobable) en el que sí había fe. Nostalgia de un territorio especulativo como ese claustro eclesial lleno de columnas, en el que entra Eugenia, y donde se reza y se pide y hay una multitud de velas encendidas frente a la Virgen, madre dolorosa –madre orgullosa, sacrificada, atormentada, inspirada, iluminada–, de cuyo vientre, en una efigie traída por las fieles que quieren ser bendecidas por la maternidad, salen decenas de pájaros volando.
Hay un iconostasio con la Madonna del Parto, y Tarkovski no pierde oportunidad de desnudar el temple y el hálito que animan la destreza del pintor (Piero della Francesca, ni más ni menos) como anatomista, su maña para destacar las texturas de la piel y las formas de los músculos de sus figuras, incluido el embarazo de la Madonna.
Por nostalgia se quema una casa, cuando la casa es ajena y, de tan ajena, te impide volver al más profundo yo de ti mismo. Por nostalgia se regresa, incluso, al sitio donde te esclavizan. Aun así, la patria no es un suelo, ni un conjunto de vistas, ni una ideología, ni un grupo de soberanos enarbolando ideas mañosas sobre la redención y la Utopía. La patria le da la espalda a todo eso.
La acción de la película es muy simple, pero por debajo de ella corre una tensión magnética que el lenguaje hablado apenas puede expresar. De ahí los cuidadosos encuadres de Tarkovski, la forma en que hace zoom sobre ciertos objetos que adquieren, de repente, el prestigio de lo entrañable. El agua se convierte en un objeto interior, como sucede en la poética de su trayectoria hasta El sacrificio (1986), su última película.
El escritor y la traductora se instalan, con habitaciones separadas, en un hostal. Prácticamente todo lo que hablan es un trazado melancólico hecho sobre el trasfondo de la añoranza, y esos diálogos se producen en la penumbra física, que acaba siendo una penumbra sentimental. La intimidad se subraya allí con discreción, puesto que hay pocas cosas más íntimas que determinados dolores, aunque el dolor puede producir ruido. Hay imágenes en blanco y negro que revelan la aflicción del escritor. Este queda mirando fijo a la cámara, como si contemplara a la mujer de la que se acuerda, una joven en un campo con un perro. Su mujer, su esposa: el mundo que lo forma, lo reforma, lo transforma.
Y así se rompe esa cuarta pared que da libre curso a la visualidad del recuerdo, o la ficcionalización del recuerdo. Por otro lado, la nostalgia es también aquí una comarca que abre sus puertas a lo fantástico: el escritor se queda dormido tras examinar su habitación, y, de pronto, un perro (el perro de su vivencia añorada) sale del baño y se echa junto a él. Después vemos a la esposa del escritor que se encuentra con Eugenia, la traductora, en un plano onírico. Eugenia llora. La otra la acoge, abrazándola. Por último, asistimos al encuentro del escritor con la evocación de su esposa embarazada. Son mujeres y, de cierto modo, están enlazadas por una vibración universal.
El hospedaje está junto a unos baños con aguas azufradas. Tarkovski pasea lenta su cámara, y allí va progresando una minuciosa descripción de índole ensayística, que funciona como interpolación dentro de la historia. Entonces aparece el “loco” Doménico, un popular personaje de la zona, en quien, tiempo atrás, una especie de crisis religiosa lo llevó a encerrarse con su familia durante 7 años.
Los bañistas ven a Andréi, lo llaman “el poeta ruso”. Y ya sabemos que este empieza a comprender que su identidad, dentro de la poesía, se identifica tanto más frente sus propios enigmas irresueltos, en su condición de buscador incesante, cuanto más expresa su curiosidad humanística por el otro. Y, así, va a casa de Doménico, procurando hablarle, y Tarkovski acentúa esa translocación de paisajes (veladuras, corrimientos, cambios del color hacia el blanco y negro), y cada encuadre genera una foto en la cual lo doméstico deviene cordialidad, afecto, memoria.
En la fijeza de la foto (un conjunto de fotos que casi contrarían el movimiento) está la fijeza de la emoción, la durabilidad de las emociones esenciales.
Este es un poeta a quien un hombre del trastorno (mutuamente desconocidos, hay que aclararlo) le hace escuchar a Beethoven y le brinda un poco de vino y una tajada de pan. Así se conduce Doménico: con alimentos primordiales, de la hermandad, de la cercanía. Y todo esto en un espacio semejante al de Stalker, la insólita película que Tarkovski estrenó en 1979: agua, goteras numerosas, objetos caseros en el suelo, ordenados como si ese paisaje (donde también hay un perro) mantuviera un nexo ignoto con el pudor, la paz y lo privado en un acuciante “rastreo de emociones” que se presenta aquí como un proceso interior.
Ver dichos objetos es como llegar, por otro camino, a la pintura de Giorgio Morandi, sus gamas estrictas, sus grises cromáticos, su falsa escasez.
Doménico le da al poeta un trozo de vela y le propone cruzar la alberca de Santa Caterina con la vela encendida. La cámara recoge el espacio vital: un sorprendente homenaje a la belleza postrera de la ruina.
A estas alturas del filme, cuya “precariedad” (en cuanto a su entramado y su argumento) no deja de hacer advertencias acerca de la insuficiencia del lenguaje hablado, Eugenia siente que debe leer en voz bien alta una carta que el músico ruso le ha enviado a un amigo. Ella es una mujer sensible y hermosa, pero no comprende por qué Andréi se deja atrapar por un laberinto que el amor (¿su amor, el poderío de su seducción?) podría deshacer con facilidad.
La carta del músico explica cuánto necesita el aire de su infancia rusa, los abedules, el campo, el aroma de las mujeres del hogar, el hijo, el perro, el caballo y la forma de la salida del sol. Eugenia lee la carta para hacerle saber al poeta, por analogía, que ella es capaz de comprender su ya próximo desconsuelo, el curso de su congoja. La trama de Nostalgia se “reduce”, pues, a las etapas de un hombre de la poesía que viaja, sin saberlo al inicio, al encuentro de un yo tan posible como probable. El agua continúa por todas partes. Andréi va confundiéndose dentro de diferentes paisajes, algunos mentales, otros reales. Tarkovski se adueña de las analogías objetivas, como había solido hacer desde Andréi Rubliov (1966). ¿Acaso es un vanguardista? No, en ese sentido no lo es. Es un poeta de estados “clásicos”. Ni siquiera se caracteriza por usar música ad hoc.
Hacia el final de la película, cuando se entera, a través de Eugenia, de que Doménico ha decidido dar un discurso en una plaza de Roma, el poeta resuelve cumplir lo prometido (más importante que ir a escuchar a ese otro yo extremado, acaso abismal) y regresa al sitio donde están los antiguos baños, aguas testificadoras de miles de ofrendas que no hacen más que perpetuar la fe, cualquier tipo de fe que alcance a preservarse en el interior de la esperanza.
Hay un armario de madera, con espejo, en medio de la calle. Cuando el poeta se mira allí, a quien ve es Doménico transfigurado en el músico ruso de fines del siglo XVIII.
Atravesar el agua con una vela encendida, pero rescatar del agua la verdadera fiereza de la vida, que se aferra a la perduración: una botella, un candado, una lámpara de hierro, una bicicleta, unas monedas. Pecios del naufragio humano.
En la plaza, Doménico grita: “¡Oh, madre! ¡Oh, madre! ¡El aire es ligero cuando se mueve en torno a nuestras cabezas, y se hace más claro cuando sonríes!” Y, después de declarar que el dilema de nuestra época es que los grandes maestros ya no existen y/o no son escuchados, se echa encima un recipiente lleno de gasolina y se prende fuego. Pero la actitud de los espectadores que por allí merodean insufla a ese momento un toque de futilidad, excepto en los rostros alienados de algunos. Y llegan los carabineros y Doménico, envuelto en llamas, cae de la estatua ecuestre donde está y muere.
Está en la Piazza del Campidoglio, encaramado en el pedestal de la estatua ecuestre Marco Aurelio. Ni más ni menos.
Tarkovski filma esa secuencia como si se tratara del ensayo de alguna obra cuya resolución no es definitiva. Acaso para distanciar al espectador de un suicidio cruel, el matiz que le imprime es performativo, coral, como de retablo. Usa un dispositivo simbólico. Por su lado, y en medio de un dolor casi metafísico, Andréi hace con la vela encendida el camino que le toca. La vela se apaga dos veces, pero el poeta insiste y logra atravesar la alberca con la llama firme, aunque protegida, venciendo el dolor moral (y ahora físico) que lo acomete. Pero cae muerto, o acaso extenuado.
Mientras quede un hombre con fe, parece decirnos Tarkovski, el mundo está a salvo. La fe está en confiar en el valor trascendente de recordar, con felicidad, lo bueno de la existencia. Lo bueno en tanto origen y destino. Al desfallecer (evito sugerir que muere: de hecho, no sabemos si está muerto), el poeta recuerda a su hijo y a su esposa. En el desenlace, sentado ya sobre la tierra, desde una estancia ignota, lo vemos frente a un charco de agua, junto a su perro, observando la cámara. Ha regresado. Empieza a nevar.
Fuente: Rialta Magazine
https://scontent.fbog3-3.fna.fbcdn.net/v/t39.30808-6/445359322_962774655858394_2053135279447619754_n.jpg?stp=dst-jpg_p526x296&_nc_cat=102&ccb=1-7&_nc_sid=833d8c&_nc_eui2=AeFAtf2Psc8-PUceHyNrSDHtr1fuKAYemGqvV-4oBh6YakDqmgCtn7KSfJFGIkITzgk&_nc_ohc=Vpovts96pnoQ7kNvgERoz0u&_nc_ht=scontent.fbog3-3.fna&_nc_gid=Abk4ASQA8uwVm_sCGhtl2bA&oh=00_AYBUjdGnHa7KztutvA1yjiX2AEDfdR3_JRQqS69YKoQbtw&oe=66EC9EC5
Nostalgia
Título original: Nostalghia
Año: 1983.
País: Italia
Duración: 125 min.
Dirección: Andrei Tarkovsky
Guion: Andrei Tarkovsky, Tonino Guerra
Reparto: Oleg Yankovskiy. Erland Josephson. Domiziana Giordano. Patrizia Terreno
Música: Claude Debussy
Fotografía: Giuseppe Lanci
Enlace para verla: https://ok.ru/profile/585978703844/statuses/156198582544612
Sinopsis:
Andrei Gorchakov, un poeta ruso, recorre Italia en compañía de Eugenia con la intención de investigar la vida de un compositor del siglo XVI sobre el que está escribiendo. En su viaje se encontrarán con el apocalíptico Domenico. (FILMAFFINITY)
Premios
1983: Festival de Cannes: Mejor director, Premio del Jurado Ecuménico, FIPRESCI
Críticas:
Otra apabullante obra del gran Tarkovsky. La delicadeza visual y la trascendencia sentimental vuelven a confluir de forma inigualable en esta sugerente y hermosa joya del maestro, no del todo reconocida. Como sucede con gran parte de la filmografía del ruso, puede que sea algo críptica, pero sin duda es parte de su encanto: sus imágenes envuelven tus sensaciones, y sus ideas te llevan a través de una extraña fascinación que lo mismo agita que acaricia tu mente. Primera obra que realizó fuera de la Union Soviética, contemplar "Nostalghia" es una viaje único y embriagador que todo cinéfilo haría bien en regalarse. El crítico de 'Financial Times', la definió muy bien: "Nostalgia es espectacular, asombrosa; lo más cercano a la poesía que el cine puede aspirar".
Pablo Kurt: FilmAffinity
"Andrei Tarkovsky bien podría ser un poeta del cine."
Vincent Canby: The New York Times
"Una experiencia visual gloriosa"
J. Hoberman: Village Voice
"La película es adorable pero dolorosamente lenta, llena de imágenes que parecen a la vez deseseperadamente oscuras y abrumadoramente obvias"
Dave Kehr: Chicago Reader
"Una película hermosa de forma conmovedora (…) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)"
David Parkinson: Empire
"A través de esas situaciones duraderas 'difíciles' Tarkovsky consigue esclarecer algo que se asemeja a la espiritualidad (…) Puntuación: ★★★★ (sobre 4)"
Kalvin Henely: Slant
"Nadie hace películas como esta ahora (...) Es una obra atmosférica que te hace sentir que te estás hundiendo en residuos artísticos de primer nivel (…) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)"
Joshua Rothkopf: Time Out
Análisis:
Andréi Tarkovski: agua, bruma, fuego (40 años de ‘Nostalgia’)
Mientras quede un hombre con fe, parece decirnos Tarkovski en 'Nostalgia', el mundo está a salvo. La fe está en confiar en el valor trascendente de recordar, con felicidad, lo bueno de la existencia.
ALBERTO GARRANDÉS
18 septiembre, 2023
Abierto el cuadro, escrutado poco a poco el paisaje gracias a la lenta aproximación de la cámara (en un zoom tan lánguido que parece caricioso), lo que vemos es la niebla del amanecer, unas campesinas, un perro dócil y un caballo en lontananza. El caballo, blanco e inmóvil, espera. El perro y las campesinas van al encuentro de algo. Caminan lejos de la cámara, de espaldas a ella, y se detienen. Después hay un árbol solo. Y más niebla.
Así, con esa parquedad de lo taciturno, pero con algunos sonidos del día naciente, empieza Nostalgia (1983), de Andréi Tarkovski.
Un poeta ruso ha viajado a Italia en busca de las huellas que dejó allí un músico, también ruso, pero de fines del siglo XVIII. Este ha vivido por algún tiempo en Bologna, estudiando y creando una música que despierta admiración. Sin embargo, se trata de un súbdito, un siervo, una especie de genio que no por ello deja de ser un cautivo del Poder, lo mismo en Bologna que en Moscú.
Desde siempre, en especial desde la formación y el surgimiento de las ciudades-Estado, el poder, la política y los políticos han querido dictarles pautas y normas a los artistas. Ese deseo sigue vivo hasta hoy.
El poeta, un buscador, se llama Andréi y deviene, así, un peregrino en tierra ajena y un hombre-de-las-palabras capaz de certificar la locura del mundo (todo en él es meditativo) y la comunión del pensamiento con la idea de las pruebas de la existencia de la fortaleza del alma. He aquí un Tarkovski al uso, diríase. “Estoy cansado de estos enfermizos paisajes extraordinarios”, dice el poeta cuando Eugenia, su traductora italiana, lo invita a recorrer el lugar adonde acaban de llegar.
Habría que repetir esa idea y esa historia porque en ellas se instaura una tipología: un músico de talento que estudia y vive en Bologna y que, teniendo la oportunidad de permanecer allí (aunque siempre a las órdenes de algún noble), no puede sino ceder al impulso de regresar a la tierra natal, a los suyos, a la patria. Y se suicida tras ese retorno.
(Recuerdo ahora un documental sobre José Lezama Lima donde he visto llorar a Eliseo Alberto Diego cuando, citando a Lydia Cabrera, habla de la abrupta lejanía de la tierra natal y de la felicidad de estar en ella, regresar tal vez, de recordarla viva dentro de sí).
La nostalgia ya va, explícita, en el título, cuya revelación a Tarkovski no le preocupa (sabe que hay mucho más en el pasmoso poder sugestivo que él descubre en ciertas imágenes, que son prácticamente únicas en la historia del cine). Nostalgia de un espacio, nostalgia de un pasado mítico (acaso inexistente como pasado comprobable) en el que sí había fe. Nostalgia de un territorio especulativo como ese claustro eclesial lleno de columnas, en el que entra Eugenia, y donde se reza y se pide y hay una multitud de velas encendidas frente a la Virgen, madre dolorosa –madre orgullosa, sacrificada, atormentada, inspirada, iluminada–, de cuyo vientre, en una efigie traída por las fieles que quieren ser bendecidas por la maternidad, salen decenas de pájaros volando.
Hay un iconostasio con la Madonna del Parto, y Tarkovski no pierde oportunidad de desnudar el temple y el hálito que animan la destreza del pintor (Piero della Francesca, ni más ni menos) como anatomista, su maña para destacar las texturas de la piel y las formas de los músculos de sus figuras, incluido el embarazo de la Madonna.
Por nostalgia se quema una casa, cuando la casa es ajena y, de tan ajena, te impide volver al más profundo yo de ti mismo. Por nostalgia se regresa, incluso, al sitio donde te esclavizan. Aun así, la patria no es un suelo, ni un conjunto de vistas, ni una ideología, ni un grupo de soberanos enarbolando ideas mañosas sobre la redención y la Utopía. La patria le da la espalda a todo eso.
La acción de la película es muy simple, pero por debajo de ella corre una tensión magnética que el lenguaje hablado apenas puede expresar. De ahí los cuidadosos encuadres de Tarkovski, la forma en que hace zoom sobre ciertos objetos que adquieren, de repente, el prestigio de lo entrañable. El agua se convierte en un objeto interior, como sucede en la poética de su trayectoria hasta El sacrificio (1986), su última película.
El escritor y la traductora se instalan, con habitaciones separadas, en un hostal. Prácticamente todo lo que hablan es un trazado melancólico hecho sobre el trasfondo de la añoranza, y esos diálogos se producen en la penumbra física, que acaba siendo una penumbra sentimental. La intimidad se subraya allí con discreción, puesto que hay pocas cosas más íntimas que determinados dolores, aunque el dolor puede producir ruido. Hay imágenes en blanco y negro que revelan la aflicción del escritor. Este queda mirando fijo a la cámara, como si contemplara a la mujer de la que se acuerda, una joven en un campo con un perro. Su mujer, su esposa: el mundo que lo forma, lo reforma, lo transforma.
Y así se rompe esa cuarta pared que da libre curso a la visualidad del recuerdo, o la ficcionalización del recuerdo. Por otro lado, la nostalgia es también aquí una comarca que abre sus puertas a lo fantástico: el escritor se queda dormido tras examinar su habitación, y, de pronto, un perro (el perro de su vivencia añorada) sale del baño y se echa junto a él. Después vemos a la esposa del escritor que se encuentra con Eugenia, la traductora, en un plano onírico. Eugenia llora. La otra la acoge, abrazándola. Por último, asistimos al encuentro del escritor con la evocación de su esposa embarazada. Son mujeres y, de cierto modo, están enlazadas por una vibración universal.
El hospedaje está junto a unos baños con aguas azufradas. Tarkovski pasea lenta su cámara, y allí va progresando una minuciosa descripción de índole ensayística, que funciona como interpolación dentro de la historia. Entonces aparece el “loco” Doménico, un popular personaje de la zona, en quien, tiempo atrás, una especie de crisis religiosa lo llevó a encerrarse con su familia durante 7 años.
Los bañistas ven a Andréi, lo llaman “el poeta ruso”. Y ya sabemos que este empieza a comprender que su identidad, dentro de la poesía, se identifica tanto más frente sus propios enigmas irresueltos, en su condición de buscador incesante, cuanto más expresa su curiosidad humanística por el otro. Y, así, va a casa de Doménico, procurando hablarle, y Tarkovski acentúa esa translocación de paisajes (veladuras, corrimientos, cambios del color hacia el blanco y negro), y cada encuadre genera una foto en la cual lo doméstico deviene cordialidad, afecto, memoria.
En la fijeza de la foto (un conjunto de fotos que casi contrarían el movimiento) está la fijeza de la emoción, la durabilidad de las emociones esenciales.
Este es un poeta a quien un hombre del trastorno (mutuamente desconocidos, hay que aclararlo) le hace escuchar a Beethoven y le brinda un poco de vino y una tajada de pan. Así se conduce Doménico: con alimentos primordiales, de la hermandad, de la cercanía. Y todo esto en un espacio semejante al de Stalker, la insólita película que Tarkovski estrenó en 1979: agua, goteras numerosas, objetos caseros en el suelo, ordenados como si ese paisaje (donde también hay un perro) mantuviera un nexo ignoto con el pudor, la paz y lo privado en un acuciante “rastreo de emociones” que se presenta aquí como un proceso interior.
Ver dichos objetos es como llegar, por otro camino, a la pintura de Giorgio Morandi, sus gamas estrictas, sus grises cromáticos, su falsa escasez.
Doménico le da al poeta un trozo de vela y le propone cruzar la alberca de Santa Caterina con la vela encendida. La cámara recoge el espacio vital: un sorprendente homenaje a la belleza postrera de la ruina.
A estas alturas del filme, cuya “precariedad” (en cuanto a su entramado y su argumento) no deja de hacer advertencias acerca de la insuficiencia del lenguaje hablado, Eugenia siente que debe leer en voz bien alta una carta que el músico ruso le ha enviado a un amigo. Ella es una mujer sensible y hermosa, pero no comprende por qué Andréi se deja atrapar por un laberinto que el amor (¿su amor, el poderío de su seducción?) podría deshacer con facilidad.
La carta del músico explica cuánto necesita el aire de su infancia rusa, los abedules, el campo, el aroma de las mujeres del hogar, el hijo, el perro, el caballo y la forma de la salida del sol. Eugenia lee la carta para hacerle saber al poeta, por analogía, que ella es capaz de comprender su ya próximo desconsuelo, el curso de su congoja. La trama de Nostalgia se “reduce”, pues, a las etapas de un hombre de la poesía que viaja, sin saberlo al inicio, al encuentro de un yo tan posible como probable. El agua continúa por todas partes. Andréi va confundiéndose dentro de diferentes paisajes, algunos mentales, otros reales. Tarkovski se adueña de las analogías objetivas, como había solido hacer desde Andréi Rubliov (1966). ¿Acaso es un vanguardista? No, en ese sentido no lo es. Es un poeta de estados “clásicos”. Ni siquiera se caracteriza por usar música ad hoc.
Hacia el final de la película, cuando se entera, a través de Eugenia, de que Doménico ha decidido dar un discurso en una plaza de Roma, el poeta resuelve cumplir lo prometido (más importante que ir a escuchar a ese otro yo extremado, acaso abismal) y regresa al sitio donde están los antiguos baños, aguas testificadoras de miles de ofrendas que no hacen más que perpetuar la fe, cualquier tipo de fe que alcance a preservarse en el interior de la esperanza.
Hay un armario de madera, con espejo, en medio de la calle. Cuando el poeta se mira allí, a quien ve es Doménico transfigurado en el músico ruso de fines del siglo XVIII.
Atravesar el agua con una vela encendida, pero rescatar del agua la verdadera fiereza de la vida, que se aferra a la perduración: una botella, un candado, una lámpara de hierro, una bicicleta, unas monedas. Pecios del naufragio humano.
En la plaza, Doménico grita: “¡Oh, madre! ¡Oh, madre! ¡El aire es ligero cuando se mueve en torno a nuestras cabezas, y se hace más claro cuando sonríes!” Y, después de declarar que el dilema de nuestra época es que los grandes maestros ya no existen y/o no son escuchados, se echa encima un recipiente lleno de gasolina y se prende fuego. Pero la actitud de los espectadores que por allí merodean insufla a ese momento un toque de futilidad, excepto en los rostros alienados de algunos. Y llegan los carabineros y Doménico, envuelto en llamas, cae de la estatua ecuestre donde está y muere.
Está en la Piazza del Campidoglio, encaramado en el pedestal de la estatua ecuestre Marco Aurelio. Ni más ni menos.
Tarkovski filma esa secuencia como si se tratara del ensayo de alguna obra cuya resolución no es definitiva. Acaso para distanciar al espectador de un suicidio cruel, el matiz que le imprime es performativo, coral, como de retablo. Usa un dispositivo simbólico. Por su lado, y en medio de un dolor casi metafísico, Andréi hace con la vela encendida el camino que le toca. La vela se apaga dos veces, pero el poeta insiste y logra atravesar la alberca con la llama firme, aunque protegida, venciendo el dolor moral (y ahora físico) que lo acomete. Pero cae muerto, o acaso extenuado.
Mientras quede un hombre con fe, parece decirnos Tarkovski, el mundo está a salvo. La fe está en confiar en el valor trascendente de recordar, con felicidad, lo bueno de la existencia. Lo bueno en tanto origen y destino. Al desfallecer (evito sugerir que muere: de hecho, no sabemos si está muerto), el poeta recuerda a su hijo y a su esposa. En el desenlace, sentado ya sobre la tierra, desde una estancia ignota, lo vemos frente a un charco de agua, junto a su perro, observando la cámara. Ha regresado. Empieza a nevar.
Fuente: Rialta Magazine
Casanova33
15-09-2024, 12:08:06
Bueno, Casanova, te estamos cumpliendo con Tarkosvski. Ya podemos ver en este espacio, "La infancia de Iván", "Sacrificio", "El espejo", "Solaris", "Stalker" y ahora posteo lo relacionado con "Nostalgia":
https://scontent.fbog3-3.fna.fbcdn.net/v/t39.30808-6/445359322_962774655858394_2053135279447619754_n.jpg?stp=dst-jpg_p526x296&_nc_cat=102&ccb=1-7&_nc_sid=833d8c&_nc_eui2=AeFAtf2Psc8-PUceHyNrSDHtr1fuKAYemGqvV-4oBh6YakDqmgCtn7KSfJFGIkITzgk&_nc_ohc=Vpovts96pnoQ7kNvgERoz0u&_nc_ht=scontent.fbog3-3.fna&_nc_gid=Abk4ASQA8uwVm_sCGhtl2bA&oh=00_AYBUjdGnHa7KztutvA1yjiX2AEDfdR3_JRQqS69YKoQbtw&oe=66EC9EC5
Nostalgia
Título original: Nostalghia
Año: 1983.
País: Italia
Duración: 125 min.
Dirección: Andrei Tarkovsky
Guion: Andrei Tarkovsky, Tonino Guerra
Reparto: Oleg Yankovskiy. Erland Josephson. Domiziana Giordano. Patrizia Terreno
Música: Claude Debussy
Fotografía: Giuseppe Lanci
Enlace para verla: https://ok.ru/profile/585978703844/statuses/156198582544612
Sinopsis:
Andrei Gorchakov, un poeta ruso, recorre Italia en compañía de Eugenia con la intención de investigar la vida de un compositor del siglo XVI sobre el que está escribiendo. En su viaje se encontrarán con el apocalíptico Domenico. (FILMAFFINITY)
Premios
1983: Festival de Cannes: Mejor director, Premio del Jurado Ecuménico, FIPRESCI
Críticas:
Otra apabullante obra del gran Tarkovsky. La delicadeza visual y la trascendencia sentimental vuelven a confluir de forma inigualable en esta sugerente y hermosa joya del maestro, no del todo reconocida. Como sucede con gran parte de la filmografía del ruso, puede que sea algo críptica, pero sin duda es parte de su encanto: sus imágenes envuelven tus sensaciones, y sus ideas te llevan a través de una extraña fascinación que lo mismo agita que acaricia tu mente. Primera obra que realizó fuera de la Union Soviética, contemplar "Nostalghia" es una viaje único y embriagador que todo cinéfilo haría bien en regalarse. El crítico de 'Financial Times', la definió muy bien: "Nostalgia es espectacular, asombrosa; lo más cercano a la poesía que el cine puede aspirar".
Pablo Kurt: FilmAffinity
"Andrei Tarkovsky bien podría ser un poeta del cine."
Vincent Canby: The New York Times
"Una experiencia visual gloriosa"
J. Hoberman: Village Voice
"La película es adorable pero dolorosamente lenta, llena de imágenes que parecen a la vez deseseperadamente oscuras y abrumadoramente obvias"
Dave Kehr: Chicago Reader
"Una película hermosa de forma conmovedora (…) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)"
David Parkinson: Empire
"A través de esas situaciones duraderas 'difíciles' Tarkovsky consigue esclarecer algo que se asemeja a la espiritualidad (…) Puntuación: ★★★★ (sobre 4)"
Kalvin Henely: Slant
"Nadie hace películas como esta ahora (...) Es una obra atmosférica que te hace sentir que te estás hundiendo en residuos artísticos de primer nivel (…) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)"
Joshua Rothkopf: Time Out
Análisis:
Fuente: Rialta Magazine
Gracias compañero de revolución Heráclito. Me dedicaré a verlas y a darles su reespectiva reseña. Gracias.
https://scontent.fbog3-3.fna.fbcdn.net/v/t39.30808-6/445359322_962774655858394_2053135279447619754_n.jpg?stp=dst-jpg_p526x296&_nc_cat=102&ccb=1-7&_nc_sid=833d8c&_nc_eui2=AeFAtf2Psc8-PUceHyNrSDHtr1fuKAYemGqvV-4oBh6YakDqmgCtn7KSfJFGIkITzgk&_nc_ohc=Vpovts96pnoQ7kNvgERoz0u&_nc_ht=scontent.fbog3-3.fna&_nc_gid=Abk4ASQA8uwVm_sCGhtl2bA&oh=00_AYBUjdGnHa7KztutvA1yjiX2AEDfdR3_JRQqS69YKoQbtw&oe=66EC9EC5
Nostalgia
Título original: Nostalghia
Año: 1983.
País: Italia
Duración: 125 min.
Dirección: Andrei Tarkovsky
Guion: Andrei Tarkovsky, Tonino Guerra
Reparto: Oleg Yankovskiy. Erland Josephson. Domiziana Giordano. Patrizia Terreno
Música: Claude Debussy
Fotografía: Giuseppe Lanci
Enlace para verla: https://ok.ru/profile/585978703844/statuses/156198582544612
Sinopsis:
Andrei Gorchakov, un poeta ruso, recorre Italia en compañía de Eugenia con la intención de investigar la vida de un compositor del siglo XVI sobre el que está escribiendo. En su viaje se encontrarán con el apocalíptico Domenico. (FILMAFFINITY)
Premios
1983: Festival de Cannes: Mejor director, Premio del Jurado Ecuménico, FIPRESCI
Críticas:
Otra apabullante obra del gran Tarkovsky. La delicadeza visual y la trascendencia sentimental vuelven a confluir de forma inigualable en esta sugerente y hermosa joya del maestro, no del todo reconocida. Como sucede con gran parte de la filmografía del ruso, puede que sea algo críptica, pero sin duda es parte de su encanto: sus imágenes envuelven tus sensaciones, y sus ideas te llevan a través de una extraña fascinación que lo mismo agita que acaricia tu mente. Primera obra que realizó fuera de la Union Soviética, contemplar "Nostalghia" es una viaje único y embriagador que todo cinéfilo haría bien en regalarse. El crítico de 'Financial Times', la definió muy bien: "Nostalgia es espectacular, asombrosa; lo más cercano a la poesía que el cine puede aspirar".
Pablo Kurt: FilmAffinity
"Andrei Tarkovsky bien podría ser un poeta del cine."
Vincent Canby: The New York Times
"Una experiencia visual gloriosa"
J. Hoberman: Village Voice
"La película es adorable pero dolorosamente lenta, llena de imágenes que parecen a la vez deseseperadamente oscuras y abrumadoramente obvias"
Dave Kehr: Chicago Reader
"Una película hermosa de forma conmovedora (…) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)"
David Parkinson: Empire
"A través de esas situaciones duraderas 'difíciles' Tarkovsky consigue esclarecer algo que se asemeja a la espiritualidad (…) Puntuación: ★★★★ (sobre 4)"
Kalvin Henely: Slant
"Nadie hace películas como esta ahora (...) Es una obra atmosférica que te hace sentir que te estás hundiendo en residuos artísticos de primer nivel (…) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)"
Joshua Rothkopf: Time Out
Análisis:
Fuente: Rialta Magazine
Gracias compañero de revolución Heráclito. Me dedicaré a verlas y a darles su reespectiva reseña. Gracias.
Heráclito
20-09-2024, 21:49:18
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4426786&stc=1&d=1726886942
Heráclito
20-09-2024, 22:13:59
Los músicos, desde el comienzo del cine, han sido protagonistas de maravillosas historias. Como buen cineclub, este espacio de Denunciando se centra por estos días en estos personajes cuyo mundo de las armonías y los compases no escapa a la vida diaria. Pese a todo son seres que también, aman, ríen y sufren como cualquiera de los mortales.
Empecemos por un famoso director de orquesta que recorre el mundo asombrando con su talento, pero que un buen día, su salud se resiente y es el pretexto para abandonarlo todo, la fama, el dinero, las grandes salas de conciertos, el reconocimiento universal y recluirse en el lugar más especial en sus recuerdos, el pueblo donde nació. Allí no solo recobrará la paz, sino que encontrará una nueva forma de vivir. Si nos atenemos a los vocablos de moda, diríamos que este espléndido músico halló la manera de reinventarse.
Tierra de ángeles (As It Is in Heaven)
Director: Kay Pollack.
Enlace para verla: https://ok.ru/video/2842952207083
https://pics.filmaffinity.com/sa_som_i_himmelen-873492354-large.jpg
"Daniel Daréus es un director de orquesta de fama mundial. Ha llegado a lo más alto, pero se siente solo, miserable y cansado de las servidumbres de la fama y el trabajo. Tras sufrir un infarto, Daniel decide poner fin a su carrera musical y regresar al pequeño pueblo en el que pasó su infancia, situado en una remota zona al norte de Suecia. Su llegada supone una pequeña revolución, pues su popularidad le convertirá en objeto inmediato de curiosidad y fascinación entre los habitantes del pueblo que le pedirán “consejo profesional” para el pequeño coro de la iglesia. A pesar de sus reservas iniciales, Daniel acepta el puesto y comienza a trabajar con el coro". (FilmAffinity).
Empecemos por un famoso director de orquesta que recorre el mundo asombrando con su talento, pero que un buen día, su salud se resiente y es el pretexto para abandonarlo todo, la fama, el dinero, las grandes salas de conciertos, el reconocimiento universal y recluirse en el lugar más especial en sus recuerdos, el pueblo donde nació. Allí no solo recobrará la paz, sino que encontrará una nueva forma de vivir. Si nos atenemos a los vocablos de moda, diríamos que este espléndido músico halló la manera de reinventarse.
Tierra de ángeles (As It Is in Heaven)
Director: Kay Pollack.
Enlace para verla: https://ok.ru/video/2842952207083
https://pics.filmaffinity.com/sa_som_i_himmelen-873492354-large.jpg
"Daniel Daréus es un director de orquesta de fama mundial. Ha llegado a lo más alto, pero se siente solo, miserable y cansado de las servidumbres de la fama y el trabajo. Tras sufrir un infarto, Daniel decide poner fin a su carrera musical y regresar al pequeño pueblo en el que pasó su infancia, situado en una remota zona al norte de Suecia. Su llegada supone una pequeña revolución, pues su popularidad le convertirá en objeto inmediato de curiosidad y fascinación entre los habitantes del pueblo que le pedirán “consejo profesional” para el pequeño coro de la iglesia. A pesar de sus reservas iniciales, Daniel acepta el puesto y comienza a trabajar con el coro". (FilmAffinity).
Heráclito
21-09-2024, 07:57:50
Un corazón en invierno
Enlace para verla: https://ok.ru/video/4294661048901
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4426907&stc=1&d=1726922512
Año: 1992
Duración: 100 min.
País: Francia Francia
Dirección: Claude Sautet
Guion: Claude Sautet, Jacques Fieschi, Jérôme Tonnerre
Reparto: Daniel Auteuil es Stéphane, Emmanuelle Béart es Camille, André Dussollier es Maxime.
Stéphane y Maxime fabrican y reparan violines y otros instrumentos de cuerda. Un día Maxime le confiesa a su amigo que se ha enamorado de Camille, una joven y bella violinista. Los primeros encuentros entre Camille y Stéphane son fríos, pero poco a poco ella empieza a sentirse atraída por el frío e imperturbable socio de su novio.
Premios
1993: Premios BAFTA: Nominada a la mejor película en habla no inglesa
1993: Premios del Cine Europeo: Mejor actor (Daniel Auteuil)
1992: Festival de Venecia: León de plata (mejor director) y FIPRESCI
1992: Premios David di Donatello: 3 premios, incluyendo a mejor film extranjero
1992: Premios César: Mejor Director y Actor Sec. (Dussollier). 9 nominaciones
1993: Asociación de Críticos Norteamericanos (NBR): Nominada a Mejores películas extranjeras del año.
Críticas
"El mejor Sautet hace, al igual que en "Nelly y el Sr. Arnaud", con un argumento de lo menos emocionante y espectacular, una de las historias, en este caso de amor, más conmovedoras de los noventa"
Francisco Marinero: Diario El Mundo
"Tiene la intensidad y la delicadeza de un gran relato breve y revela lo superficiales que son la mayoría de películas románticas (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 4)"
Roger Ebert: Chicago Sun-Times
"Ofrece satisfacciones que van más allá del ámbito de su extraña historia"
Janet Maslin: The New York Times
"Una película engañosamente compleja y llena de inesperada belleza, riqueza y sentimiento"
Hal Hinson: The Washington Post
Reseña
Concierto para un hombre solo: Un corazón en invierno, de Claude Sautet
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4426898&stc=1&d=1726922416
No es aventurado afirmar que dentro del cine europeo, es Francia el país que ofrece una filmografía más homogénea y compacta, sin que esto implique una actitud poco arriesgada o temerosa del vanguardismo y la experimentación. Nos referimos más bien a una pronunciada actitud humanista, a una mirada que apunta hacia el ser humano y sus conflictos consigo mismo y con sus semejantes, antes que al uso de la tecnología y de un formalismo estéril que cunde como plaga alrededor del planeta. Aunque los estilos, las épocas y la manera de contar las cosas difieren, en la obra de directores como Renoir, Ophuls, Demy, Truffaut, Godard, Chabrol, Rivette, Malle, Rohmer, Berri o Maurice Pialat -por mencionar unos cuantos- el protagonista es uno sólo: el hombre. Sus sentimientos, sus afectos, su existir, su alma, sus inquietudes, sus dudas y temores son expuestos de frente ante nosotros haciendo que sintamos cerca este tipo de cine que se solaza hablándonos en un lenguaje familiar, recreando situaciones que quizás ya hallamos vivido, mostrándonos encuentros y desencuentros que tuvimos alguna vez, reviviendo sensaciones que algún día experimentamos y que la mente se resiste a olvidar. Por eso una película francesa es inconfundible: su tono de intimidad nos habla al oído; sus personajes no son caricaturas, están vivos, sienten, ríen y sufren como nosotros; su historia nos envuelve y nos atrapa por que en ella nos vemos retratados a veces con sonrojo.
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4426900&stc=1&d=1726922512
Estas reflexiones vienen a cuento al ver un filme que no traiciona su origen ni la tradición fílmica tras él. Estamos hablando de Un corazón en invierno (Un coeur en hiver, 1992), del veterano director Claude Sautet. Sautet representa un caso particular dentro del panorama fílmico francés, pues siendo contemporáneo de los gestores de la nouvelle vague, no puede realmente inscribirse en ese movimiento del que nunca se sintió parte y que opacó las obras que realizara a mediados de la década de los sesenta. Graduado de la IDHEC en 1948, empezó a trabajar con Jacques Becker, Maurice labro y Georges Franju; su primer largometraje fue Classe tous risques (1960) aparecido -para su desventura- el mismo año de Sin aliento (À bout de souffle). Ignorado, decidió continuar como guionista de películas de Deray, Ophuls, Rappeneau, de Broca y Jacques Demy antes de volver a la dirección en 1965 con L’Arme a gauche, un filme de suspenso protagonizado por Lino Ventura y Sylva Koscina.
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4426901&stc=1&d=1726922512
Tras aventurarse inicialmente en el cine de suspenso, Sautet desembocó de manera gradual hacia la construcción de obras de un complejo dramatismo psicológico en las cuales se involucran en forma equívoca seres solitarios en busca de una paz que les es esquiva y en las cuales los sentimientos de cada uno están en primer plano, casi siempre en situaciones en las que se retrata un trío antes que una pareja, como ocurre en Las cosas de la vida (Les choses de la vie, 1970), Max et les ferrailleurs (1971), César et Rosalie (1972) o en Une histoire simple (1978), películas por las cuales pasaron actores imprescindibles dentro del cine contemporáneo como Yves Montand, Michel Piccoli y la recordada Romy Schneider, protagonista de varios de sus filmes. Aficionado a la música -en una época de su vida se desempeñó como crítico musical-, el director dota a sus filmes de una rítmica musicalidad y una banda sonora que es también protagónica, realizada en la mayoría de los casos por el compositor francés Philippe Sarde.
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4426902&stc=1&d=1726922512
Coherente con su estilo, Un corazón en invierno desarrolla de igual manera un intenso drama entre tres seres, en el que la música -ahora de Maurice Ravel- marca el tono y guía la narración. Dos de los lados del triángulo son rostros familiares, pues coincidieron de manera feliz protagonizando una película que fue exhibida comercialmente en Colombia: Manón de los manantiales (Manon des sources, 1987), de Claude Berri; nos referimos a Daniel Auteuil y a la esplendorosa Emmanuelle Beart. Incluso ya Sautet había tenido a Auteuil bajo sus ordenes en Quelques jours avec moi (1988), pero la historia que ahora nos ocupa se refiere a tres personas, tres vidas dedicadas a la música: Maxime (André Dussollier), el propietario de un taller de reparación de violines, Stéphane (Auteuil), el principal luthier, y Camille (Beart), una joven y dotada intérprete, de quien Maxime se enamora.
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4426903&stc=1&d=1726922512
Estamos hablando de tres artistas, pues Maxime y Stéphane han recibido una educación musical profesional, sólo que derivaron sus carreras hacia otros campos, lo mismo que sus vidas, ya que Maxime es un hombre de mundo y de gran roce social, mientras Stéphane dedica su vida a su trabajo, ajeno a todo tipo de relación afectiva. Hay gozo y honestidad “artística” en la actividad de estos dos personajes, tanto cuando Maxime negocia un violín, como cuando Stéphane logra encontrar el defecto que padecía uno de los amados instrumentos que le ha sido encomendado. La perfecta concentración de Auteuil en su papel dota a su personaje de rasgos verosímiles dentro de un “autismo social” que, desafortunadamente, parece estar volviéndose cada vez más frecuente en estos tiempos en los que el ser humano ha ido perdiendo la capacidad de sentirse parte de una comunidad, aislándose tras muros, rejas y alarmas defendiendo una intimidad que dista poco de la soledad. Es más, Sautet le pone una compañera cerca: Helene, una mujer interesante, a quien Stéphane, en su miopía, nunca ve más que como a una confidente.
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4426904&stc=1&d=1726922512
Sin embargo, Stéphane parece envidiar la suerte de su compañero de labores -la palabra patrón no cabe entre los dos-, pero no hace nada para cambiar las cosas. A pesar de ello, su misma manera de ser -de un perfeccionismo extremo en su labor- atrae lentamente la atención de Camille, ella misma una perfeccionista del violín, y, lentamente, se va sintiendo atraída por el esquivo artesano. Empieza a perfilarse a partir de este instante lo que podría ser una nueva relación fundada más en las cosas no dichas que en las pronunciadas, apoyada en silencios y miradas. No hay palabras de amor entre Camille y Stéphane, no hay contacto físico, no hay un gesto evidente de interés de él hacia ella, pero entendemos que hay algo ‘mágico e inusual creciendo en el ambiente, algo que ninguno parece ser capaz de dominar y la maestría de Sautet está en mostrarnos eso, el proceso de enamoramiento de una mujer basado en unos signos muy poco evidentes pero significativos para ella. No queremos anticipar más de la historia pero como esto no es Hollywood, Stéphane no traiciona el sentido que ha querido darle a su vida, así apueste a una soledad por la que voluntariamente ha optado.
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4426905&stc=1&d=1726922512
Hay una cosa más que hace de este filme algo especial y es, claro, la música. Emmanuelle Beart tuvo que aprender a tocar violín -aunque su interpretación es doblada por Jean-Jacques Kantarow, un virtuoso del instrumento- para poder encarnar a su personaje y la elección de las sonatas de Ravel no es de ninguna manera casual, pues el tono discreto y sentimental de sus composiciones encuentra un adecuado eco en el ritmo de la narración. Ravel fue un hombre tímido, de una personalidad callada y solitaria, entregado por completo a la música durante los últimos años de una vida no muy extensa y estamos por pensar que Claude Sautet ha moldeado a Stéphane a partir de la figura taciturna y esquiva de Maurice Ravel, como un homenaje a este maestro y a la vez haciéndoles un guiño de complicidad a los amantes del cine y la música clásica. Y si esto es así, lo ha logrado con un absoluto respeto hacia el genio de Ciboure, fallecido en 1937.
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4426906&stc=1&d=1726922512
Claude Sautet dirige a Emmanuelle Béart y a Daniel Auteuil en Un corazón en invierno (1992)
Un insólito destino parece regir el futuro de tres personas, cuya intelectualidad se ve superada por sus sentimientos, culpables de llenar sus vidas de zozobra y dolor, pero responsables, a su vez, de hacerlos sentir vivos. Hay entre ellos alguien distinto, alguien con un corazón en otra estación, en un perpetuo invierno donde la nieve cae sin tregua sobre él y sobre aquellos a su lado. Sautet se encarga de recordarnos que, a pesar del frío invernal, el sol se empeña en salir día a día, con la terquedad del que sabe que es el amor el que guía sus pasos. Qué bueno haber tenido la oportunidad de ver este trabajo, un hermoso filme hecho con absoluta precisión y de un profundo dramatismo, logrado gracias a un pequeño grupo de actores que han sabido captar la atmósfera sutil que el director requería, para hacer algo difícil que pocos logran: una obra maestra.
Fuente: Publicado en la Revista Kinetoscopio no. 35 (Medellín, vol. 7, 1996) págs. 97-100
©Centro Colombo Americano de Medellín, 1996
Enlace para verla: https://ok.ru/video/4294661048901
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4426907&stc=1&d=1726922512
Año: 1992
Duración: 100 min.
País: Francia Francia
Dirección: Claude Sautet
Guion: Claude Sautet, Jacques Fieschi, Jérôme Tonnerre
Reparto: Daniel Auteuil es Stéphane, Emmanuelle Béart es Camille, André Dussollier es Maxime.
Stéphane y Maxime fabrican y reparan violines y otros instrumentos de cuerda. Un día Maxime le confiesa a su amigo que se ha enamorado de Camille, una joven y bella violinista. Los primeros encuentros entre Camille y Stéphane son fríos, pero poco a poco ella empieza a sentirse atraída por el frío e imperturbable socio de su novio.
Premios
1993: Premios BAFTA: Nominada a la mejor película en habla no inglesa
1993: Premios del Cine Europeo: Mejor actor (Daniel Auteuil)
1992: Festival de Venecia: León de plata (mejor director) y FIPRESCI
1992: Premios David di Donatello: 3 premios, incluyendo a mejor film extranjero
1992: Premios César: Mejor Director y Actor Sec. (Dussollier). 9 nominaciones
1993: Asociación de Críticos Norteamericanos (NBR): Nominada a Mejores películas extranjeras del año.
Críticas
"El mejor Sautet hace, al igual que en "Nelly y el Sr. Arnaud", con un argumento de lo menos emocionante y espectacular, una de las historias, en este caso de amor, más conmovedoras de los noventa"
Francisco Marinero: Diario El Mundo
"Tiene la intensidad y la delicadeza de un gran relato breve y revela lo superficiales que son la mayoría de películas románticas (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 4)"
Roger Ebert: Chicago Sun-Times
"Ofrece satisfacciones que van más allá del ámbito de su extraña historia"
Janet Maslin: The New York Times
"Una película engañosamente compleja y llena de inesperada belleza, riqueza y sentimiento"
Hal Hinson: The Washington Post
Reseña
Concierto para un hombre solo: Un corazón en invierno, de Claude Sautet
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4426898&stc=1&d=1726922416
No es aventurado afirmar que dentro del cine europeo, es Francia el país que ofrece una filmografía más homogénea y compacta, sin que esto implique una actitud poco arriesgada o temerosa del vanguardismo y la experimentación. Nos referimos más bien a una pronunciada actitud humanista, a una mirada que apunta hacia el ser humano y sus conflictos consigo mismo y con sus semejantes, antes que al uso de la tecnología y de un formalismo estéril que cunde como plaga alrededor del planeta. Aunque los estilos, las épocas y la manera de contar las cosas difieren, en la obra de directores como Renoir, Ophuls, Demy, Truffaut, Godard, Chabrol, Rivette, Malle, Rohmer, Berri o Maurice Pialat -por mencionar unos cuantos- el protagonista es uno sólo: el hombre. Sus sentimientos, sus afectos, su existir, su alma, sus inquietudes, sus dudas y temores son expuestos de frente ante nosotros haciendo que sintamos cerca este tipo de cine que se solaza hablándonos en un lenguaje familiar, recreando situaciones que quizás ya hallamos vivido, mostrándonos encuentros y desencuentros que tuvimos alguna vez, reviviendo sensaciones que algún día experimentamos y que la mente se resiste a olvidar. Por eso una película francesa es inconfundible: su tono de intimidad nos habla al oído; sus personajes no son caricaturas, están vivos, sienten, ríen y sufren como nosotros; su historia nos envuelve y nos atrapa por que en ella nos vemos retratados a veces con sonrojo.
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4426900&stc=1&d=1726922512
Estas reflexiones vienen a cuento al ver un filme que no traiciona su origen ni la tradición fílmica tras él. Estamos hablando de Un corazón en invierno (Un coeur en hiver, 1992), del veterano director Claude Sautet. Sautet representa un caso particular dentro del panorama fílmico francés, pues siendo contemporáneo de los gestores de la nouvelle vague, no puede realmente inscribirse en ese movimiento del que nunca se sintió parte y que opacó las obras que realizara a mediados de la década de los sesenta. Graduado de la IDHEC en 1948, empezó a trabajar con Jacques Becker, Maurice labro y Georges Franju; su primer largometraje fue Classe tous risques (1960) aparecido -para su desventura- el mismo año de Sin aliento (À bout de souffle). Ignorado, decidió continuar como guionista de películas de Deray, Ophuls, Rappeneau, de Broca y Jacques Demy antes de volver a la dirección en 1965 con L’Arme a gauche, un filme de suspenso protagonizado por Lino Ventura y Sylva Koscina.
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4426901&stc=1&d=1726922512
Tras aventurarse inicialmente en el cine de suspenso, Sautet desembocó de manera gradual hacia la construcción de obras de un complejo dramatismo psicológico en las cuales se involucran en forma equívoca seres solitarios en busca de una paz que les es esquiva y en las cuales los sentimientos de cada uno están en primer plano, casi siempre en situaciones en las que se retrata un trío antes que una pareja, como ocurre en Las cosas de la vida (Les choses de la vie, 1970), Max et les ferrailleurs (1971), César et Rosalie (1972) o en Une histoire simple (1978), películas por las cuales pasaron actores imprescindibles dentro del cine contemporáneo como Yves Montand, Michel Piccoli y la recordada Romy Schneider, protagonista de varios de sus filmes. Aficionado a la música -en una época de su vida se desempeñó como crítico musical-, el director dota a sus filmes de una rítmica musicalidad y una banda sonora que es también protagónica, realizada en la mayoría de los casos por el compositor francés Philippe Sarde.
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4426902&stc=1&d=1726922512
Coherente con su estilo, Un corazón en invierno desarrolla de igual manera un intenso drama entre tres seres, en el que la música -ahora de Maurice Ravel- marca el tono y guía la narración. Dos de los lados del triángulo son rostros familiares, pues coincidieron de manera feliz protagonizando una película que fue exhibida comercialmente en Colombia: Manón de los manantiales (Manon des sources, 1987), de Claude Berri; nos referimos a Daniel Auteuil y a la esplendorosa Emmanuelle Beart. Incluso ya Sautet había tenido a Auteuil bajo sus ordenes en Quelques jours avec moi (1988), pero la historia que ahora nos ocupa se refiere a tres personas, tres vidas dedicadas a la música: Maxime (André Dussollier), el propietario de un taller de reparación de violines, Stéphane (Auteuil), el principal luthier, y Camille (Beart), una joven y dotada intérprete, de quien Maxime se enamora.
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4426903&stc=1&d=1726922512
Estamos hablando de tres artistas, pues Maxime y Stéphane han recibido una educación musical profesional, sólo que derivaron sus carreras hacia otros campos, lo mismo que sus vidas, ya que Maxime es un hombre de mundo y de gran roce social, mientras Stéphane dedica su vida a su trabajo, ajeno a todo tipo de relación afectiva. Hay gozo y honestidad “artística” en la actividad de estos dos personajes, tanto cuando Maxime negocia un violín, como cuando Stéphane logra encontrar el defecto que padecía uno de los amados instrumentos que le ha sido encomendado. La perfecta concentración de Auteuil en su papel dota a su personaje de rasgos verosímiles dentro de un “autismo social” que, desafortunadamente, parece estar volviéndose cada vez más frecuente en estos tiempos en los que el ser humano ha ido perdiendo la capacidad de sentirse parte de una comunidad, aislándose tras muros, rejas y alarmas defendiendo una intimidad que dista poco de la soledad. Es más, Sautet le pone una compañera cerca: Helene, una mujer interesante, a quien Stéphane, en su miopía, nunca ve más que como a una confidente.
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4426904&stc=1&d=1726922512
Sin embargo, Stéphane parece envidiar la suerte de su compañero de labores -la palabra patrón no cabe entre los dos-, pero no hace nada para cambiar las cosas. A pesar de ello, su misma manera de ser -de un perfeccionismo extremo en su labor- atrae lentamente la atención de Camille, ella misma una perfeccionista del violín, y, lentamente, se va sintiendo atraída por el esquivo artesano. Empieza a perfilarse a partir de este instante lo que podría ser una nueva relación fundada más en las cosas no dichas que en las pronunciadas, apoyada en silencios y miradas. No hay palabras de amor entre Camille y Stéphane, no hay contacto físico, no hay un gesto evidente de interés de él hacia ella, pero entendemos que hay algo ‘mágico e inusual creciendo en el ambiente, algo que ninguno parece ser capaz de dominar y la maestría de Sautet está en mostrarnos eso, el proceso de enamoramiento de una mujer basado en unos signos muy poco evidentes pero significativos para ella. No queremos anticipar más de la historia pero como esto no es Hollywood, Stéphane no traiciona el sentido que ha querido darle a su vida, así apueste a una soledad por la que voluntariamente ha optado.
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4426905&stc=1&d=1726922512
Hay una cosa más que hace de este filme algo especial y es, claro, la música. Emmanuelle Beart tuvo que aprender a tocar violín -aunque su interpretación es doblada por Jean-Jacques Kantarow, un virtuoso del instrumento- para poder encarnar a su personaje y la elección de las sonatas de Ravel no es de ninguna manera casual, pues el tono discreto y sentimental de sus composiciones encuentra un adecuado eco en el ritmo de la narración. Ravel fue un hombre tímido, de una personalidad callada y solitaria, entregado por completo a la música durante los últimos años de una vida no muy extensa y estamos por pensar que Claude Sautet ha moldeado a Stéphane a partir de la figura taciturna y esquiva de Maurice Ravel, como un homenaje a este maestro y a la vez haciéndoles un guiño de complicidad a los amantes del cine y la música clásica. Y si esto es así, lo ha logrado con un absoluto respeto hacia el genio de Ciboure, fallecido en 1937.
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4426906&stc=1&d=1726922512
Claude Sautet dirige a Emmanuelle Béart y a Daniel Auteuil en Un corazón en invierno (1992)
Un insólito destino parece regir el futuro de tres personas, cuya intelectualidad se ve superada por sus sentimientos, culpables de llenar sus vidas de zozobra y dolor, pero responsables, a su vez, de hacerlos sentir vivos. Hay entre ellos alguien distinto, alguien con un corazón en otra estación, en un perpetuo invierno donde la nieve cae sin tregua sobre él y sobre aquellos a su lado. Sautet se encarga de recordarnos que, a pesar del frío invernal, el sol se empeña en salir día a día, con la terquedad del que sabe que es el amor el que guía sus pasos. Qué bueno haber tenido la oportunidad de ver este trabajo, un hermoso filme hecho con absoluta precisión y de un profundo dramatismo, logrado gracias a un pequeño grupo de actores que han sabido captar la atmósfera sutil que el director requería, para hacer algo difícil que pocos logran: una obra maestra.
Fuente: Publicado en la Revista Kinetoscopio no. 35 (Medellín, vol. 7, 1996) págs. 97-100
©Centro Colombo Americano de Medellín, 1996
Heráclito
22-09-2024, 16:35:45
Continuamos con nuestro ciclo de Músicos y esta vez nos trasladamos en el tiempo a la primera mitad del siglo XX, la era de las big bands y el protagonismo del swing.
Melodías de Broadway
(The Band Wagon – 1955)
Enlace para verla: https://ok.ru/video/2241319406162
https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/ba/The_Band_Wagon_%281953_poster%29.jpg/220px-The_Band_Wagon_%281953_poster%29.jpghttps://c7.alamy.com/comp/F4PCD6/fred-astaire-cyd-charisse-the-band-wagon-1953-directed-by-vincente-F4PCD6.jpghttps://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/c8/The_Band_Wagon_%281953%29_trailer_1.jpg/800px-The_Band_Wagon_%281953%29_trailer_1.jpg
Tony Hunter es un olvidado bailarín que organiza una subasta con su sombrero de copa, el bastón y los guantes. El resultado es desolador y Tony se da cuenta del abandono al que lo ha sometido el público. Pero se encuentra a dos viejos amigos, y estos le ofrecen una comedia dirigida por un excéntrico productor teatral, Jeffrey Cordova, que va a realizar una nueva versión de Fausto. Los ensayos son un desastre y Tony se enfrenta a la protagonista femenina, Gabrielle Gerard. El estreno es un fracaso. Entonces Tony se convertirá en el nuevo productor y hará la obra a su manera, cosechando grandes éxitos por allí donde pasa la gira.
Título original: The Band Wagon
Año: 1953
Duración: 112 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Vincente Minnelli
Guion: Norman Corwin, Alan Jay Lerner. Historia: Betty Comden, Adolph Green
Reparto: Fred Astaire, Cyd Charisse, Jack Buchanan
Premios
1953: 3 nominaciones al Oscar: Historia y guión, vestuario color, banda sonora (Musical)
1953: Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a Mejor guión musical
Críticas
"Lo siento, pero la venerada 'Singin' in the Rain' no es el mejor de los legendarios musicales de la MGM"
Lou Lumenick: New York Post
"Cuanto más la miras, más perfecta parece"
Derek Malcolm: The Guardian
"Un espectáculo que apuesta respetuosamente por el reconocimiento como uno de los mejores musicales que se hayan hecho nunca"
Bosley Crowther: The New York Times
"La dirección de Minnelli pocas veces ha logrado una fusión tan perfecta de forma y contenido. Simplemente, es una obra maestra"
Austin Chronicle
"El musical para la gente a la que no le gustan los musicales"
IndieWire
Análisis:
A nivel popular el ‘Mejor’ Musical de la historia del cine es CANTANDO BAJO LA LLUVIA, pero entre los profesionales y estudiosos del género somos muchos los que dudamos entre la cinta de Doney y Kelly y MELODÍAS DE BROADWAY 1955 (en adelante me referiré a ella por su título original BAND WAGON). Hay suficientes razones para dudar sobre la cuestión, aunque si les soy sincero, dudo mucho que se resuelva la duda algún día. En cualquier caso. lo que único seguro es la excepcionalidad de ambas películas.
Les voy a comentar la edición española porque, como les he apuntado en otro artículo, sólo excluye un número musical originalmente eliminado del metraje comercial de la película. Muchas veces les he comentado que la esencia del musical, el arquetipo del musical es una historia que versa sobre la preparación de un espectáculo musical y su culminación en el estreno triunfal incluyendo por el medio una historia de amor, dificultades varias y ciertos toques de humor. Esto cambiaría radicalmente en 1949 con la irrupción de UN DIA EN NUEVA YORK.
BAND WAGON es posiblemente el último musical, el último clásico, que sigue esta formula. Un bailarín en declive se traslada a Nueva York en busca de un lugar en las producciones teatrales. Así comienza la película con Astaire y el número de “Gan Central Station” un prólogo fastuoso que ya nos enuncia lo que veremos: coreografías magistrales, baile de clase y, por supuesto, color y fantasía por doquier.
El esto de la historia se la pueden imaginar. Montan un primer espectáculo que fracasa estrepitosamente por lo cual se ven obligados a salir de gira reformando por completo la obra. El viaje servirá para mostrarnos los distintos números musicales encadenados por ciudades hasta llega de nuevo a Broadway donde esta vez sí lograrán el éxito soñado, anhelado, buscado y también trabajado.
Les destaco el número "That's Entertainment" escrito por Arthur Schwartz y Howard Dietz e interpretado y bailado por Jack Buchanan, Nanette Fabray, Oscar Levant, Fred Astaire y Cyd Charisse (doblada por India Adams). Esta ‘simple’ canción se ha convertido con el tiempo en el himno del espectáculo, del musical, del entretenimiento; sustituyendo al "There's No Business Like Show Business" compuesto por Irving Berling para ANNIE GET YOUR GUN.
Mención separada merece “Bailando en la oscuridad” ("Dancing in the Dark"). Ese Central Park, Astaire y Charise paseando, no se entienden demasiado bien, pasan por un baile, siguen adelante hasta que en un punto dado ambos comienzan como a tantearse mutuamente, suena la partitura y empieza uno de los números más simples y la vez más importantes de la historia del cine. Cyd, la gran Cyd, ha dicho muchas veces que era su canción favorita y su número favorito. No diría tanto pero siempre que veo de nuevo la secuencia me pregunto a quién no le gustaría tener su particular baile en ‘la oscuridad’.
¿Qué se puede decir de "Triplets"? De entrada todo lo contrario que hemos dicho en el párrafo anterior. Es uno de los números más complejos de la historia del cine donde los protagonistas bailan y andan con las rodillas para simular la altura propia de los recién nacidos. Es memorable. Es una maravilla. Fíjense en un detalle. Esta hecha casi en un plano único, no hay cambios de plano. Imagínense los intentos necesarios para llegar al prodigio.
Terminamos nuestro repaso al musical con "The Girl Hunt", punto final de la película, secuencia fascinante, innovadora, rompiendo el esquema coreográfico y plástico del film. No les comento más, no estamos en un estudio, prefiero dejárselo para su descubrimiento. Verán como merece la pena.
Por lo demás les cuento que la edición incluye desde la banda sonora en mono, una ‘transferencia’ nueva de un master restaurado con una calidad de imagen y color como nunca había visto en esta película, así como subtítulos en español, canciones incluidas. Lamentamos únicamente carecer de una opción que permita activar los subtítulos en las canciones de forma automática.
La edición se completa con un documental de época (de 1974) sobre Vicente Minelli, restaurado parcialmente, un nuevo ‘Making Off’ que por una vez sí cuenta aspectos interesantes y certeros sobre la película, un corto musical de 1929 con Jack Buchanan y the Glee Quartet, una galería de trailers de Fred Astaire y finalmente un audio comentario sin subtitular a cargo de Liza Minnelli y Michael Feinstein. La felicidad nunca es completa: se ha suprimido un número musical adicional titulado “Two Faced Woman, plus dailies”.
No me extiendo más. Es una delicia de película y una delicia de edición pese a Warner Home Video. Si les gusta el musical, si les atraen figuras como Fred Astaire, si entre sus gustos se encuentra el baile y la danza, BAND WAGON es una opción imprescindible.
Fuente: Revista Filomúsica
Melodías de Broadway
(The Band Wagon – 1955)
Enlace para verla: https://ok.ru/video/2241319406162
https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/ba/The_Band_Wagon_%281953_poster%29.jpg/220px-The_Band_Wagon_%281953_poster%29.jpghttps://c7.alamy.com/comp/F4PCD6/fred-astaire-cyd-charisse-the-band-wagon-1953-directed-by-vincente-F4PCD6.jpghttps://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/c8/The_Band_Wagon_%281953%29_trailer_1.jpg/800px-The_Band_Wagon_%281953%29_trailer_1.jpg
Tony Hunter es un olvidado bailarín que organiza una subasta con su sombrero de copa, el bastón y los guantes. El resultado es desolador y Tony se da cuenta del abandono al que lo ha sometido el público. Pero se encuentra a dos viejos amigos, y estos le ofrecen una comedia dirigida por un excéntrico productor teatral, Jeffrey Cordova, que va a realizar una nueva versión de Fausto. Los ensayos son un desastre y Tony se enfrenta a la protagonista femenina, Gabrielle Gerard. El estreno es un fracaso. Entonces Tony se convertirá en el nuevo productor y hará la obra a su manera, cosechando grandes éxitos por allí donde pasa la gira.
Título original: The Band Wagon
Año: 1953
Duración: 112 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Vincente Minnelli
Guion: Norman Corwin, Alan Jay Lerner. Historia: Betty Comden, Adolph Green
Reparto: Fred Astaire, Cyd Charisse, Jack Buchanan
Premios
1953: 3 nominaciones al Oscar: Historia y guión, vestuario color, banda sonora (Musical)
1953: Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a Mejor guión musical
Críticas
"Lo siento, pero la venerada 'Singin' in the Rain' no es el mejor de los legendarios musicales de la MGM"
Lou Lumenick: New York Post
"Cuanto más la miras, más perfecta parece"
Derek Malcolm: The Guardian
"Un espectáculo que apuesta respetuosamente por el reconocimiento como uno de los mejores musicales que se hayan hecho nunca"
Bosley Crowther: The New York Times
"La dirección de Minnelli pocas veces ha logrado una fusión tan perfecta de forma y contenido. Simplemente, es una obra maestra"
Austin Chronicle
"El musical para la gente a la que no le gustan los musicales"
IndieWire
Análisis:
A nivel popular el ‘Mejor’ Musical de la historia del cine es CANTANDO BAJO LA LLUVIA, pero entre los profesionales y estudiosos del género somos muchos los que dudamos entre la cinta de Doney y Kelly y MELODÍAS DE BROADWAY 1955 (en adelante me referiré a ella por su título original BAND WAGON). Hay suficientes razones para dudar sobre la cuestión, aunque si les soy sincero, dudo mucho que se resuelva la duda algún día. En cualquier caso. lo que único seguro es la excepcionalidad de ambas películas.
Les voy a comentar la edición española porque, como les he apuntado en otro artículo, sólo excluye un número musical originalmente eliminado del metraje comercial de la película. Muchas veces les he comentado que la esencia del musical, el arquetipo del musical es una historia que versa sobre la preparación de un espectáculo musical y su culminación en el estreno triunfal incluyendo por el medio una historia de amor, dificultades varias y ciertos toques de humor. Esto cambiaría radicalmente en 1949 con la irrupción de UN DIA EN NUEVA YORK.
BAND WAGON es posiblemente el último musical, el último clásico, que sigue esta formula. Un bailarín en declive se traslada a Nueva York en busca de un lugar en las producciones teatrales. Así comienza la película con Astaire y el número de “Gan Central Station” un prólogo fastuoso que ya nos enuncia lo que veremos: coreografías magistrales, baile de clase y, por supuesto, color y fantasía por doquier.
El esto de la historia se la pueden imaginar. Montan un primer espectáculo que fracasa estrepitosamente por lo cual se ven obligados a salir de gira reformando por completo la obra. El viaje servirá para mostrarnos los distintos números musicales encadenados por ciudades hasta llega de nuevo a Broadway donde esta vez sí lograrán el éxito soñado, anhelado, buscado y también trabajado.
Les destaco el número "That's Entertainment" escrito por Arthur Schwartz y Howard Dietz e interpretado y bailado por Jack Buchanan, Nanette Fabray, Oscar Levant, Fred Astaire y Cyd Charisse (doblada por India Adams). Esta ‘simple’ canción se ha convertido con el tiempo en el himno del espectáculo, del musical, del entretenimiento; sustituyendo al "There's No Business Like Show Business" compuesto por Irving Berling para ANNIE GET YOUR GUN.
Mención separada merece “Bailando en la oscuridad” ("Dancing in the Dark"). Ese Central Park, Astaire y Charise paseando, no se entienden demasiado bien, pasan por un baile, siguen adelante hasta que en un punto dado ambos comienzan como a tantearse mutuamente, suena la partitura y empieza uno de los números más simples y la vez más importantes de la historia del cine. Cyd, la gran Cyd, ha dicho muchas veces que era su canción favorita y su número favorito. No diría tanto pero siempre que veo de nuevo la secuencia me pregunto a quién no le gustaría tener su particular baile en ‘la oscuridad’.
¿Qué se puede decir de "Triplets"? De entrada todo lo contrario que hemos dicho en el párrafo anterior. Es uno de los números más complejos de la historia del cine donde los protagonistas bailan y andan con las rodillas para simular la altura propia de los recién nacidos. Es memorable. Es una maravilla. Fíjense en un detalle. Esta hecha casi en un plano único, no hay cambios de plano. Imagínense los intentos necesarios para llegar al prodigio.
Terminamos nuestro repaso al musical con "The Girl Hunt", punto final de la película, secuencia fascinante, innovadora, rompiendo el esquema coreográfico y plástico del film. No les comento más, no estamos en un estudio, prefiero dejárselo para su descubrimiento. Verán como merece la pena.
Por lo demás les cuento que la edición incluye desde la banda sonora en mono, una ‘transferencia’ nueva de un master restaurado con una calidad de imagen y color como nunca había visto en esta película, así como subtítulos en español, canciones incluidas. Lamentamos únicamente carecer de una opción que permita activar los subtítulos en las canciones de forma automática.
La edición se completa con un documental de época (de 1974) sobre Vicente Minelli, restaurado parcialmente, un nuevo ‘Making Off’ que por una vez sí cuenta aspectos interesantes y certeros sobre la película, un corto musical de 1929 con Jack Buchanan y the Glee Quartet, una galería de trailers de Fred Astaire y finalmente un audio comentario sin subtitular a cargo de Liza Minnelli y Michael Feinstein. La felicidad nunca es completa: se ha suprimido un número musical adicional titulado “Two Faced Woman, plus dailies”.
No me extiendo más. Es una delicia de película y una delicia de edición pese a Warner Home Video. Si les gusta el musical, si les atraen figuras como Fred Astaire, si entre sus gustos se encuentra el baile y la danza, BAND WAGON es una opción imprescindible.
Fuente: Revista Filomúsica
Heráclito
25-09-2024, 10:02:10
La magia del cine cobra vida en la realidad. Dos muchachos, al frente de la casa de John William, le interpretan la banda sonora de Star Wars, y sucede lo inesperado...
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4430935&stc=1&d=1727276391
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4430935&stc=1&d=1727276391
Soyado
25-09-2024, 11:22:22
Chévere que en el Cineclub no solo se dejen enlaces para ver películas junto a sus comentarios, sino que compartís esta clase de anécdotas hermosas como la de John Williams. O contenidos humorísticos, como con esa escena de Casablanca.
Y hablando de Fred Astaire, Michael Jackson constantemente decía de él que era una de sus más grandes inspiraciones. Y Fred dijo de Michael que era el más grande bailarín que había visto (o que al menos, le había superado. Algo así).
Y hablando de Fred Astaire, Michael Jackson constantemente decía de él que era una de sus más grandes inspiraciones. Y Fred dijo de Michael que era el más grande bailarín que había visto (o que al menos, le había superado. Algo así).
Heráclito
26-09-2024, 06:21:26
Las especulaciones sobre la muerte de Natalie Wood siguen vigentes. ¿Qué pasó aquella noche? Parece el guion de una película policíaca. Lo cierto es que murió en circunstancias que apuntan a un homicidio involuntario. Un misterio sin solución. La vida real en formato de cine.
"Quiero que se haga justicia con mi hermana, que Robert diga la verdad"
La muerte de la actriz sigue siendo uno de los grandes misterios de Hollywood. Cuando se cumplen 40 años, su hermana revisa el caso y aporta nuevas pistas. Ella misma nos lo cuenta.
https://www.abc.es/xlsemanal/wp-content/uploads/sites/5/2021/11/Natalie_Wood_Robert_Wagner_yate_splendour_investigacion_crim en.jpg
Por Mick Brown / Fotografía: Steve Schapiro
Domingo, 05 de Diciembre 2021 | Actualizado 20/06/2023, 09:11h
Natalie Wood tenía 42 años cuando murió. Había debutado en el cine a los 4 y se había convertido en una estrella tras West Side Story y Esplendor en la hierba. Pero en noviembre de 1981 se encontraba en ese lugar difícil para cualquier actriz, como dice su hermana Lana, «atrapada en la cruel transición entre ser una 'gran estrella' y que pregunten '¿quién era?'».
En la última semana de noviembre, Wood y su marido, Robert Wagner, junto con el actor Christopher Walken, salieron a navegar frente a la costa de California en el yate de la pareja, Splendour. A primera hora de la mañana del 29 de noviembre, el cuerpo de la actriz fue encontrado flotando en una cala de la isla de Catalina.
Han pasado cuatro décadas y la muerte de Wood ha sido una fuente de especulación permanente. Libros, documentales y cientos de artículos han girado en torno a la misma pregunta: ¿fue un accidente? ¿Se cayó o la empujaron? Estas cuestiones han atormentado a Lana Wood. La hermana de la estrella acaba de publicar un libro, Little sister, donde trata de averiguar qué ocurrió y expone nuevas pruebas que han salido a la luz.
https://www.abc.es/xlsemanal/wp-content/uploads/sites/5/2021/11/Lana_Wood_Libro_Little_Sister_Natalie_Wood_investigacion_cri men.jpg
¿Se cayó o la empujaron? Lana Wood, la hermana de la actriz, quien reclama que se aclare el caso en su libro Little Sister.
Lana ahora tiene 75 años, pero su rabia por la muerte de su hermana y por el hombre a quien cree responsable no ha disminuido.
Los padres de Natalie y Lana eran emigrantes rusos que se instalaron en Estados Unidos tras la revolución. Su padre, que trabajaba haciendo decorados en Hollywood, era un hombre atormentado por el exilio. Su madre, una mujer dominante que no se detenía ante nada con tal de convertir a Natalie en una estrella. Lana recuerda que, una noche, ella y su madre llevaron a Natalie al hotel Chateau Marmont. Mientras ellas esperaban en el coche, Natalie estuvo en una habitación donde la esperaba Kirk Douglas. Según Lana, su hermana volvió «despeinada y muy alterada». Años más tarde, Natalie le confesó que Douglas había abusado sexualmente de ella. Solo tenía 15 años.
Cuatro años después de esa sórdida noche, Natalie se casó con Robert Wagner. Corría el año 1957, y Los Angeles Times los describió como «la pareja más fotografiada y envidiada desde Wallis Simpson y Eduardo VIII». Un lustro más tarde, sin embargo, ella y Wagner se divorciaban después de que Natalie encontrara a su marido en lo que Lana describe como «una posición muy comprometida» con su mayordomo, una acusación que Wagner siempre ha negado.
Kirk Douglas abusó sexualmente de Natalie cuando tenía 15 años, según su hermana
Tras la ruptura, Natalie tuvo varias aventuras, hasta que en 1969 se casó con el productor Richard Gregson, con quien tuvo una hija y del que después se divorció.
En 1972, Natalie se casó por segunda vez con Wagner. «Cuando anunciaron que se volvían a casar, le dije a mi hermana: '¿Qué diablos está pasando?'. Y ella me contestó, con toda seriedad: 'A veces lo malo conocido es mejor que lo bueno por conocer'. Le dije: '¡Eso no es razón para casarse!'. Sentí que estaba cometiendo un terrible error».
https://www.abc.es/xlsemanal/wp-content/uploads/sites/5/2021/11/Natalie_Wood_Robert_Wagner_1972_casa_beverly_hills.jpg
Lo malo conocido. Robert y Natalie con sus dos hijas. La mayor es, en realidad, hija del anterior marido de la actriz. La pequeña nació cuando Natalie y Robert se casaron por segunda vez. Ante esas nuevas nupcias con él, Natalie le dijo a su hermana: «Más vale malo conocido...».
La noche de autos
El día de su muerte, el mar estaba agitado. También el ambiente a bordo. Por la noche, Natalie, Wagner, Walken y el patrón del barco –Dennis Davern– habían bajado a tierra para lo que, según se informó más tarde, fue una cena con mucho alcohol y mal humor. De vuelta al barco, Natalie y Wagner discutieron, supuestamente porque ella pasaba demasiado tiempo trabajando. Según el relato de Wagner, tras la pelea, Natalie se retiró a su camarote. Cuando él fue a buscarla, ella ya había desaparecido. También el bote auxiliar. La pequeña embarcación se encontró flotando cerca del cuerpo. La llave permanecía en el contacto y los remos, atados. Evidentemente, no se había utilizado.
Cuando se sacó el cuerpo del agua, Natalie llevaba un camisón de franela, calcetines de lana y un plumas rojo. El juez de Instrucción concluyó que Natalie, por la razón que fuera, había subido a cubierta y tratado de subir al bote, pero tropezó y cayó al agua. En menos de dos semanas, la investigación se cerró con la conclusión de «ahogamiento accidental».
https://www.abc.es/xlsemanal/wp-content/uploads/sites/5/2021/11/Natalie_Wood_Investigacion_asesinato_bote_inflable_costa.jpg
Barco a la deriva. El bote inflable que, presuntamente, habría utilizado Natalie Wood la noche que murió. Fue encontrado en la costa a unos 180 metros de su cuerpo.
Lana se enteró de la muerte de su hermana por la radio. Wagner no la llamó. De hecho, no habló con él hasta el funeral. «Fue un accidente –le dijo–. Tienes que creerme, por favor, créeme». Recuerda que, cuando le presionó para que le diera una explicación, alguien la cogió del brazo y la alejó. Durante años, Lana se esforzó por pasar página. Aunque la versión oficial de lo ocurrido era, según ella, absurda. «Natalie tuvo miedo a ahogarse toda la vida y era una mala nadadora; nunca habría intentado subirse a un bote con el mar agitado».
Tampoco entendía el comportamiento de Wagner. Él y Walken fueron trasladados en helicóptero a tierra y dejó que el patrón del barco identificara el cuerpo. «¡No identificar su cuerpo!». La voz de Lana se eleva con rabia. Pero, por aquel entonces, a Lana le resultaba imposible contemplar la posibilidad de que Wagner fuera responsable de la muerte de su hermana. «Pensar que alguien a quien Natalie amaba hubiera hecho algo así era devastador. No quería creerlo, así que lo acepté y mantuve la boca cerrada». Hasta que en 1992 Lana recibió la primera llamada del patrón del barco...
La mala conciencia del patrón del barco
Tras la muerte de Natalie, el patrón del Splendour corroboró el relato de Wagner. Durante mucho tiempo estuvo viviendo en casa del actor, y este le encontró algún que otro trabajo como intérprete. Pero parece que su conciencia empezó remorderle.
«Contó que hubo una pelea, que habían tirado a Natalie al suelo. Y yo decía: '¿Qué pasó, Dennis?', y él respondió: 'No puedo decírtelo, es terrible'. Y colgaba. Pasaba el tiempo y volvía a llamar».
Davern no es el testigo ideal. En estos años ha contado partes de su historia a diarios sensacionalistas, programas de televisión y en un libro publicado en 2009. Pero su versión, según Lana, es la siguiente: desde el principio, Wagner no estaba contento con que Natalie hubiera invitado a Walken al barco. Tras una «tensa» cena en tierra, Wagner estalló, rompiendo una botella y gritando a Walken: «¿Quieres follarte a mi mujer? ¿Es eso lo que quieres?».
https://www.abc.es/xlsemanal/wp-content/uploads/sites/5/2021/11/Natalie_Wood_Christopher_Walken_yate_splendour_investigacion _crimen.jpg
Amigos y colegas. Natalie Wood con Christopher Walken, el actor con el que estaba rodando la película de ciencia ficción Brainstorm cuando falleció. Walken estaba en el barco el día del incidente mortal.
El actor se retiró a su camarote, donde pasó el resto de la noche. Natalie huyó al camarote principal. Wagner la siguió. Davern oyó gritos y golpes en la habitación. A eso de las once, la discusión se trasladó a cubierta, tan fuerte que Davern subió la radio para que los barcos cercanos no oyeran los gritos.
Cuando volvió a ver a Wagner, explicó que el actor parecía «sudoroso, sonrojado, nervioso y desaliñado». Robert dijo: «Natalie ha desaparecido» y le ordenó que registrara el barco. Cuando el capitán regresó, Wagner le comentó que la embarcación auxiliar había desaparecido. Davern intentó pedir ayuda por radio, pero Wagner, sirviendo un par de copas, le ordenó que no lo hiciera, que «podía empañar su imagen». Davern tardó otras dos horas en convencer a Wagner de que pidiera ayuda. No fue hasta la una y media de la madrugada cuando se notificó al puerto local la desaparición, y hasta las tres y media no se informó a los guardacostas.
El recuerdo de Wagner de la noche es diferente. En un libro contó que discutió con Walken por la carrera de Natalie. Ella, aburrida, los había dejado. La última vez que la vio, ella se estaba peinando en el baño.
Wagner no informó a Lana de la muerte de su hermana. no lo vio hasta el funeral. "Fue un accidente -le dijo-. Tienes que creerme"
Se reabre la investigación
En 2011, tres décadas después de la muerte de Natalie, Lana se unió a una campaña para reabrir la investigación. Al año siguiente, una autopsia complementaria cambió la causa de la muerte de ahogamiento accidental a «ahogamiento y otros factores indeterminados».
Lana conoció a un policía retirado, al que solo identifica como Frank, que repasó el informe original de la autopsia, deteniéndose en un dato: la vejiga de Natalie contenía 300 centímetros cúbicos de orina, mucho para una mujer de su constitución. El impacto de la caída en el agua fría debería haber hecho que su vejiga se vaciara, pero estaba llena. La causa de la muerte fue ahogamiento, pero es posible, según Frank, que estuviera inconsciente antes de caer al agua.
https://www.abc.es/xlsemanal/wp-content/uploads/sites/5/2021/11/Natalie_Wood_Lana_Wood_1965.jpg
Hermanas de película. Natalie Wood con su hermana Lana, ocho años menor, en 1956. Hijas de inmigrantes rusos, su madre las introdujo en el mundo del espectáculo desde niñas. La carrera de Natalie fue más brillante, pero Lana participó en veinte películas –fue 'chica Bond' en Diamantes para la eternidad– y cientos de series, como El fugitivo o Bonanza.
En febrero de 2018, la Policía anunció que nuevas pruebas hacían reclasificar la muerte de Wood como «sospechosa». Nuevos testigos atracados cerca del Splendour afirmaban haber oído una discusión entre Wagner y Natalie. Wagner se negó a ser entrevistado para la nueva investigación.
La teoría de Lana sobre lo que ocurrió está en su libro. Cree que, tras la discusión con Walken, Wagner bajó furioso al camarote de Natalie. Ella huyó a cubierta y él la siguió. La discusión continuó, culminando con Wagner dándole un golpe y derribándola. Presa del pánico, tiró a Natalie al agua. Todo lo que hizo después, escribe Lana, fue para encubrir que «en un momento de embriaguez, celos y rabia había acabado con la vida de Natalie Wood».
Wagner tiene ahora 91 años. En 2020 apareció en un documental producido por Natasha Gregson Wagner (hija de Natalie con Richard Gregson, que fue criada por Wagner). En él, ambos intentaban desterrar la «tontería» de que Wagner pudiera haber sido el responsable. Lana se negó a aparecer en la cinta. «Todo el asunto es un intento de encubrimiento», dice.
La versión de los hechos de Christopher Walken ha sido la misma a lo largo de los años. Al volver al barco después de la cena, él y Wagner se enzarzaron en una discusión sobre la carrera de Natalie tras la cual él se retiró a su camarote. No supo más y la Policía nunca ha dudado de él.
Por su parte, Lana concluye: «Lo que quiero es que Wagner tenga el valor de contar la verdad. Me gustaría que fuera lo suficientemente fuerte como para decir: 'Esto es lo que hice y me arrepiento hasta el alma'. Me gustaría que se hiciera justicia».
Fuente: ABC
"Quiero que se haga justicia con mi hermana, que Robert diga la verdad"
La muerte de la actriz sigue siendo uno de los grandes misterios de Hollywood. Cuando se cumplen 40 años, su hermana revisa el caso y aporta nuevas pistas. Ella misma nos lo cuenta.
https://www.abc.es/xlsemanal/wp-content/uploads/sites/5/2021/11/Natalie_Wood_Robert_Wagner_yate_splendour_investigacion_crim en.jpg
Por Mick Brown / Fotografía: Steve Schapiro
Domingo, 05 de Diciembre 2021 | Actualizado 20/06/2023, 09:11h
Natalie Wood tenía 42 años cuando murió. Había debutado en el cine a los 4 y se había convertido en una estrella tras West Side Story y Esplendor en la hierba. Pero en noviembre de 1981 se encontraba en ese lugar difícil para cualquier actriz, como dice su hermana Lana, «atrapada en la cruel transición entre ser una 'gran estrella' y que pregunten '¿quién era?'».
En la última semana de noviembre, Wood y su marido, Robert Wagner, junto con el actor Christopher Walken, salieron a navegar frente a la costa de California en el yate de la pareja, Splendour. A primera hora de la mañana del 29 de noviembre, el cuerpo de la actriz fue encontrado flotando en una cala de la isla de Catalina.
Han pasado cuatro décadas y la muerte de Wood ha sido una fuente de especulación permanente. Libros, documentales y cientos de artículos han girado en torno a la misma pregunta: ¿fue un accidente? ¿Se cayó o la empujaron? Estas cuestiones han atormentado a Lana Wood. La hermana de la estrella acaba de publicar un libro, Little sister, donde trata de averiguar qué ocurrió y expone nuevas pruebas que han salido a la luz.
https://www.abc.es/xlsemanal/wp-content/uploads/sites/5/2021/11/Lana_Wood_Libro_Little_Sister_Natalie_Wood_investigacion_cri men.jpg
¿Se cayó o la empujaron? Lana Wood, la hermana de la actriz, quien reclama que se aclare el caso en su libro Little Sister.
Lana ahora tiene 75 años, pero su rabia por la muerte de su hermana y por el hombre a quien cree responsable no ha disminuido.
Los padres de Natalie y Lana eran emigrantes rusos que se instalaron en Estados Unidos tras la revolución. Su padre, que trabajaba haciendo decorados en Hollywood, era un hombre atormentado por el exilio. Su madre, una mujer dominante que no se detenía ante nada con tal de convertir a Natalie en una estrella. Lana recuerda que, una noche, ella y su madre llevaron a Natalie al hotel Chateau Marmont. Mientras ellas esperaban en el coche, Natalie estuvo en una habitación donde la esperaba Kirk Douglas. Según Lana, su hermana volvió «despeinada y muy alterada». Años más tarde, Natalie le confesó que Douglas había abusado sexualmente de ella. Solo tenía 15 años.
Cuatro años después de esa sórdida noche, Natalie se casó con Robert Wagner. Corría el año 1957, y Los Angeles Times los describió como «la pareja más fotografiada y envidiada desde Wallis Simpson y Eduardo VIII». Un lustro más tarde, sin embargo, ella y Wagner se divorciaban después de que Natalie encontrara a su marido en lo que Lana describe como «una posición muy comprometida» con su mayordomo, una acusación que Wagner siempre ha negado.
Kirk Douglas abusó sexualmente de Natalie cuando tenía 15 años, según su hermana
Tras la ruptura, Natalie tuvo varias aventuras, hasta que en 1969 se casó con el productor Richard Gregson, con quien tuvo una hija y del que después se divorció.
En 1972, Natalie se casó por segunda vez con Wagner. «Cuando anunciaron que se volvían a casar, le dije a mi hermana: '¿Qué diablos está pasando?'. Y ella me contestó, con toda seriedad: 'A veces lo malo conocido es mejor que lo bueno por conocer'. Le dije: '¡Eso no es razón para casarse!'. Sentí que estaba cometiendo un terrible error».
https://www.abc.es/xlsemanal/wp-content/uploads/sites/5/2021/11/Natalie_Wood_Robert_Wagner_1972_casa_beverly_hills.jpg
Lo malo conocido. Robert y Natalie con sus dos hijas. La mayor es, en realidad, hija del anterior marido de la actriz. La pequeña nació cuando Natalie y Robert se casaron por segunda vez. Ante esas nuevas nupcias con él, Natalie le dijo a su hermana: «Más vale malo conocido...».
La noche de autos
El día de su muerte, el mar estaba agitado. También el ambiente a bordo. Por la noche, Natalie, Wagner, Walken y el patrón del barco –Dennis Davern– habían bajado a tierra para lo que, según se informó más tarde, fue una cena con mucho alcohol y mal humor. De vuelta al barco, Natalie y Wagner discutieron, supuestamente porque ella pasaba demasiado tiempo trabajando. Según el relato de Wagner, tras la pelea, Natalie se retiró a su camarote. Cuando él fue a buscarla, ella ya había desaparecido. También el bote auxiliar. La pequeña embarcación se encontró flotando cerca del cuerpo. La llave permanecía en el contacto y los remos, atados. Evidentemente, no se había utilizado.
Cuando se sacó el cuerpo del agua, Natalie llevaba un camisón de franela, calcetines de lana y un plumas rojo. El juez de Instrucción concluyó que Natalie, por la razón que fuera, había subido a cubierta y tratado de subir al bote, pero tropezó y cayó al agua. En menos de dos semanas, la investigación se cerró con la conclusión de «ahogamiento accidental».
https://www.abc.es/xlsemanal/wp-content/uploads/sites/5/2021/11/Natalie_Wood_Investigacion_asesinato_bote_inflable_costa.jpg
Barco a la deriva. El bote inflable que, presuntamente, habría utilizado Natalie Wood la noche que murió. Fue encontrado en la costa a unos 180 metros de su cuerpo.
Lana se enteró de la muerte de su hermana por la radio. Wagner no la llamó. De hecho, no habló con él hasta el funeral. «Fue un accidente –le dijo–. Tienes que creerme, por favor, créeme». Recuerda que, cuando le presionó para que le diera una explicación, alguien la cogió del brazo y la alejó. Durante años, Lana se esforzó por pasar página. Aunque la versión oficial de lo ocurrido era, según ella, absurda. «Natalie tuvo miedo a ahogarse toda la vida y era una mala nadadora; nunca habría intentado subirse a un bote con el mar agitado».
Tampoco entendía el comportamiento de Wagner. Él y Walken fueron trasladados en helicóptero a tierra y dejó que el patrón del barco identificara el cuerpo. «¡No identificar su cuerpo!». La voz de Lana se eleva con rabia. Pero, por aquel entonces, a Lana le resultaba imposible contemplar la posibilidad de que Wagner fuera responsable de la muerte de su hermana. «Pensar que alguien a quien Natalie amaba hubiera hecho algo así era devastador. No quería creerlo, así que lo acepté y mantuve la boca cerrada». Hasta que en 1992 Lana recibió la primera llamada del patrón del barco...
La mala conciencia del patrón del barco
Tras la muerte de Natalie, el patrón del Splendour corroboró el relato de Wagner. Durante mucho tiempo estuvo viviendo en casa del actor, y este le encontró algún que otro trabajo como intérprete. Pero parece que su conciencia empezó remorderle.
«Contó que hubo una pelea, que habían tirado a Natalie al suelo. Y yo decía: '¿Qué pasó, Dennis?', y él respondió: 'No puedo decírtelo, es terrible'. Y colgaba. Pasaba el tiempo y volvía a llamar».
Davern no es el testigo ideal. En estos años ha contado partes de su historia a diarios sensacionalistas, programas de televisión y en un libro publicado en 2009. Pero su versión, según Lana, es la siguiente: desde el principio, Wagner no estaba contento con que Natalie hubiera invitado a Walken al barco. Tras una «tensa» cena en tierra, Wagner estalló, rompiendo una botella y gritando a Walken: «¿Quieres follarte a mi mujer? ¿Es eso lo que quieres?».
https://www.abc.es/xlsemanal/wp-content/uploads/sites/5/2021/11/Natalie_Wood_Christopher_Walken_yate_splendour_investigacion _crimen.jpg
Amigos y colegas. Natalie Wood con Christopher Walken, el actor con el que estaba rodando la película de ciencia ficción Brainstorm cuando falleció. Walken estaba en el barco el día del incidente mortal.
El actor se retiró a su camarote, donde pasó el resto de la noche. Natalie huyó al camarote principal. Wagner la siguió. Davern oyó gritos y golpes en la habitación. A eso de las once, la discusión se trasladó a cubierta, tan fuerte que Davern subió la radio para que los barcos cercanos no oyeran los gritos.
Cuando volvió a ver a Wagner, explicó que el actor parecía «sudoroso, sonrojado, nervioso y desaliñado». Robert dijo: «Natalie ha desaparecido» y le ordenó que registrara el barco. Cuando el capitán regresó, Wagner le comentó que la embarcación auxiliar había desaparecido. Davern intentó pedir ayuda por radio, pero Wagner, sirviendo un par de copas, le ordenó que no lo hiciera, que «podía empañar su imagen». Davern tardó otras dos horas en convencer a Wagner de que pidiera ayuda. No fue hasta la una y media de la madrugada cuando se notificó al puerto local la desaparición, y hasta las tres y media no se informó a los guardacostas.
El recuerdo de Wagner de la noche es diferente. En un libro contó que discutió con Walken por la carrera de Natalie. Ella, aburrida, los había dejado. La última vez que la vio, ella se estaba peinando en el baño.
Wagner no informó a Lana de la muerte de su hermana. no lo vio hasta el funeral. "Fue un accidente -le dijo-. Tienes que creerme"
Se reabre la investigación
En 2011, tres décadas después de la muerte de Natalie, Lana se unió a una campaña para reabrir la investigación. Al año siguiente, una autopsia complementaria cambió la causa de la muerte de ahogamiento accidental a «ahogamiento y otros factores indeterminados».
Lana conoció a un policía retirado, al que solo identifica como Frank, que repasó el informe original de la autopsia, deteniéndose en un dato: la vejiga de Natalie contenía 300 centímetros cúbicos de orina, mucho para una mujer de su constitución. El impacto de la caída en el agua fría debería haber hecho que su vejiga se vaciara, pero estaba llena. La causa de la muerte fue ahogamiento, pero es posible, según Frank, que estuviera inconsciente antes de caer al agua.
https://www.abc.es/xlsemanal/wp-content/uploads/sites/5/2021/11/Natalie_Wood_Lana_Wood_1965.jpg
Hermanas de película. Natalie Wood con su hermana Lana, ocho años menor, en 1956. Hijas de inmigrantes rusos, su madre las introdujo en el mundo del espectáculo desde niñas. La carrera de Natalie fue más brillante, pero Lana participó en veinte películas –fue 'chica Bond' en Diamantes para la eternidad– y cientos de series, como El fugitivo o Bonanza.
En febrero de 2018, la Policía anunció que nuevas pruebas hacían reclasificar la muerte de Wood como «sospechosa». Nuevos testigos atracados cerca del Splendour afirmaban haber oído una discusión entre Wagner y Natalie. Wagner se negó a ser entrevistado para la nueva investigación.
La teoría de Lana sobre lo que ocurrió está en su libro. Cree que, tras la discusión con Walken, Wagner bajó furioso al camarote de Natalie. Ella huyó a cubierta y él la siguió. La discusión continuó, culminando con Wagner dándole un golpe y derribándola. Presa del pánico, tiró a Natalie al agua. Todo lo que hizo después, escribe Lana, fue para encubrir que «en un momento de embriaguez, celos y rabia había acabado con la vida de Natalie Wood».
Wagner tiene ahora 91 años. En 2020 apareció en un documental producido por Natasha Gregson Wagner (hija de Natalie con Richard Gregson, que fue criada por Wagner). En él, ambos intentaban desterrar la «tontería» de que Wagner pudiera haber sido el responsable. Lana se negó a aparecer en la cinta. «Todo el asunto es un intento de encubrimiento», dice.
La versión de los hechos de Christopher Walken ha sido la misma a lo largo de los años. Al volver al barco después de la cena, él y Wagner se enzarzaron en una discusión sobre la carrera de Natalie tras la cual él se retiró a su camarote. No supo más y la Policía nunca ha dudado de él.
Por su parte, Lana concluye: «Lo que quiero es que Wagner tenga el valor de contar la verdad. Me gustaría que fuera lo suficientemente fuerte como para decir: 'Esto es lo que hice y me arrepiento hasta el alma'. Me gustaría que se hiciera justicia».
Fuente: ABC
Heráclito
27-09-2024, 09:20:24
Muere la actriz Maggie Smith, Minerva McGonagall en Harry Potter, a los 89 años
Septiembre 27, 2024
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4432157&stc=1&d=1727447541
https://imagenes.elpais.com/resizer/v2/VUPHXM2B64K5YCSDZJW4V2OQMI.jpg?auth=b1f85b395d512e41ace9bb57 83087e1cdb5dcbde1de675a1e983a19b9dfd6606&width=1960&height=1470&smart=true
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4432156&stc=1&d=1727447430
Por:Agencia EFE
Ha fallecido la grandísima actriz británica Maggie Smith a los 89 años. Una de las mejores actrices de la historia en cualquier medio, su carrera empezó en los 50 y del teatro paso al cine y a la televisión y en su larga carrera de 70 años se incluyen títulos como La saga de Harry Potter, la serie "Downton Abbey", "Un cadáver a los postres", "Godsford park", "Hook", "Una habitación con vista", "Muerte bajo el sol", "Othelo", "Sister act", "Hotel internacional", "Muerte en el Nilo" y un larguísimo etc.
Estuvo casada con el también actor Robert Stephens y era madre del actor Toby Stephens. Además de cientos de premios, ganó dos Óscar por "Los mejores años de Mrs. Brodie" y por "California Suite".
Una actriz portentosa, dama del imperio británico, sería imposible condensar en unas líneas la importancia de Maggie Smith en la escena británica y fuera de ella. Una pérdida inmensa para el mundo del teatro y el cine.
Fuente: No solo cine y solo cásico (Facebook)
Septiembre 27, 2024
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4432157&stc=1&d=1727447541
https://imagenes.elpais.com/resizer/v2/VUPHXM2B64K5YCSDZJW4V2OQMI.jpg?auth=b1f85b395d512e41ace9bb57 83087e1cdb5dcbde1de675a1e983a19b9dfd6606&width=1960&height=1470&smart=true
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4432156&stc=1&d=1727447430
Por:Agencia EFE
Ha fallecido la grandísima actriz británica Maggie Smith a los 89 años. Una de las mejores actrices de la historia en cualquier medio, su carrera empezó en los 50 y del teatro paso al cine y a la televisión y en su larga carrera de 70 años se incluyen títulos como La saga de Harry Potter, la serie "Downton Abbey", "Un cadáver a los postres", "Godsford park", "Hook", "Una habitación con vista", "Muerte bajo el sol", "Othelo", "Sister act", "Hotel internacional", "Muerte en el Nilo" y un larguísimo etc.
Estuvo casada con el también actor Robert Stephens y era madre del actor Toby Stephens. Además de cientos de premios, ganó dos Óscar por "Los mejores años de Mrs. Brodie" y por "California Suite".
Una actriz portentosa, dama del imperio británico, sería imposible condensar en unas líneas la importancia de Maggie Smith en la escena británica y fuera de ella. Una pérdida inmensa para el mundo del teatro y el cine.
Fuente: No solo cine y solo cásico (Facebook)
Heráclito
27-09-2024, 22:15:21
Maggie Smith: 10 películas esenciales de la fallecida actriz
La actriz, conocida por sus papeles de Violet Crawley en Downton Abbey o Minerva McGonagall en la saga Harry Potter, falleció a los 89 años.
27 de septiembre de 2024 - 08:38 p. m.
Nacida el 28 de diciembre de 1934 en Essex (Inglaterra), Smith tuvo una dilatada carrera tanto en el teatro como frente a las cámaras, e incluso ganó dos premios Oscar. Fue nominada al galardón de la Academia en otras cuatro ocasiones y se hizo con siete premios BAFTA. Para recordar a la actriz, a continuación enumeramos algunos de los papeles más emblemáticos de su carrera.
JEAN BRODIE (LOS MEJORES AÑOS DE MISS BRODIE, 1969)
Enlace para verla: https://ok.ru/video/3235278621309
En Los mejores años de Miss Brodie, Smith dio vida a Jean Brodie, profesora de un colegio femenino. Ronald Neame dirigió la cinta, que le valió a la actriz el Oscar a mejor actriz y el BAFTA.
DIANA BARRIE (CALIFORNIA SUITE, 1978)
Enlace para verfla: https://ok.ru/video/1968351742581
Smith se llevó su segundo Oscar, en este caso a mejor actriz secundaria, por California Suite. La británica encarnó a una actriz que aspira a ganar el premio de la Academia mientras lidia con su complicado matrimonio. En este filme de Herbert Ross también aparecieron Jane Fonda y Alan Alda, entre otros.
JUDITH HEARNE (LA PASIÓN SOLITARIA DE JUDITH HEARNE, 1987)
Enlace para verla: https://ok.ru/video/3023801813671
La pasión solitaria de Judith Hearne de Jack Clayton le dio otro papel icónico a Maggie Smith. La artista deslumbró en el rol de una mujer que se siente cohibida sexualmente por su educación católica, una interpretación por la que se llevó otro BAFTA.
MADRE SUPERIORA (SISTER ACT, 1992)
Enlace para verla: https://ok.ru/video/7123662867008
Sister Act (Una monja de cuidado) es una comedia clásica de los años 90 protagonizada por Whoopi Goldberg. Smith dio vida a la madre superiora, quien inicialmente es una especie de antagonista, pero termina acercándose al personaje de Goldberg, la hermana Mary Clarence. Smith repitió este rol en 1993 en Sister Act 2: De vuelta al convento.
MABEL PETTIGREW (SCREEN TWO: MEMENTO MORI, 1992)
Los personajes de Maggie Smith han variado mucho de heroína a villana. Quizás un gran ejemplo de su trabajo como villana es el papel de Mabel Pettigrew en la serie Screen Two. Apareció en un episodio titulado Memento Mori y su personaje era una maestra de la manipulación con la que pudo demostrar una vez más su amplitud de registros.
LADY MYRA (THE LAST SEPTEMBER, 1999)
The Last September es una película dramática que cuenta con Maggie Smith interpretando a la copropietaria de una finca irlandesa. Deborah Warner dirigió la cinta, basada en una novela de Elizabeth Bowen.
MINERVA MCGONAGALL (SAGA HARRY POTTER)
Smith debutó como Minerva McGonagall en 2001 en Harry Potter y la piedra filosofal, un papel que siguió interpretando hasta el final de la saga en 2011. Se podría decir que, gracias a este papel, Smith se hizo conocida entre un público más joven.
CONSTANCE TRENTHAM (GOSFORD PARK, 2001)
Enlace para verla: https://ok.ru/video/3235278621309
Gosford Park es una película de misterio y asesinato al estilo Agatha Christie protagonizada por Maggie Smith como la intimidante Lady Trentham. La película fue muy elogiada por la crítica y el público, que quedaron absortos en el misterio de la trama. Clive Owen, Kelly McDonald o Kristin Scott Thomas también forman parte del reparto.
VIOLET CRAWLEY (DOWNTON ABBEY, 2010-2015)
Downton Abbey es una serie dramática británica que sumó 52 episodios y ha recibido numerosos premios y reconocimientos. Fue tan popular que incluso dio pie a una película en 2019. El personaje de Smith, Violet Crawley, condesa viuda de Grantham, es uno de los más populares de la serie, que llegó a su fin en 2015.
MURIEL DONNELLY (EL EXÓTICO HOTEL MARIGOLD, 2011)
Enlace para verla: https://ok.ru/video/29174074038
El exótico Hotel Marigold se estrenó en 2011, superando todas las expectativas con su recaudación de taquilla. La película sigue la vida de los ancianos en el hotel y Maggie Smith interpreta a Muriel Donnelly, una exama de llaves que va al hotel para someterse a una operación de cadera. Su personaje experimenta un importante desarrollo a lo largo de la película y ella es fundamental para evitar que el hotel cierre. En el filme compartió planos con Judi Dench y Bill Nighy, entre otros.
Fuente: El Espectador
La actriz, conocida por sus papeles de Violet Crawley en Downton Abbey o Minerva McGonagall en la saga Harry Potter, falleció a los 89 años.
27 de septiembre de 2024 - 08:38 p. m.
Nacida el 28 de diciembre de 1934 en Essex (Inglaterra), Smith tuvo una dilatada carrera tanto en el teatro como frente a las cámaras, e incluso ganó dos premios Oscar. Fue nominada al galardón de la Academia en otras cuatro ocasiones y se hizo con siete premios BAFTA. Para recordar a la actriz, a continuación enumeramos algunos de los papeles más emblemáticos de su carrera.
JEAN BRODIE (LOS MEJORES AÑOS DE MISS BRODIE, 1969)
Enlace para verla: https://ok.ru/video/3235278621309
En Los mejores años de Miss Brodie, Smith dio vida a Jean Brodie, profesora de un colegio femenino. Ronald Neame dirigió la cinta, que le valió a la actriz el Oscar a mejor actriz y el BAFTA.
DIANA BARRIE (CALIFORNIA SUITE, 1978)
Enlace para verfla: https://ok.ru/video/1968351742581
Smith se llevó su segundo Oscar, en este caso a mejor actriz secundaria, por California Suite. La británica encarnó a una actriz que aspira a ganar el premio de la Academia mientras lidia con su complicado matrimonio. En este filme de Herbert Ross también aparecieron Jane Fonda y Alan Alda, entre otros.
JUDITH HEARNE (LA PASIÓN SOLITARIA DE JUDITH HEARNE, 1987)
Enlace para verla: https://ok.ru/video/3023801813671
La pasión solitaria de Judith Hearne de Jack Clayton le dio otro papel icónico a Maggie Smith. La artista deslumbró en el rol de una mujer que se siente cohibida sexualmente por su educación católica, una interpretación por la que se llevó otro BAFTA.
MADRE SUPERIORA (SISTER ACT, 1992)
Enlace para verla: https://ok.ru/video/7123662867008
Sister Act (Una monja de cuidado) es una comedia clásica de los años 90 protagonizada por Whoopi Goldberg. Smith dio vida a la madre superiora, quien inicialmente es una especie de antagonista, pero termina acercándose al personaje de Goldberg, la hermana Mary Clarence. Smith repitió este rol en 1993 en Sister Act 2: De vuelta al convento.
MABEL PETTIGREW (SCREEN TWO: MEMENTO MORI, 1992)
Los personajes de Maggie Smith han variado mucho de heroína a villana. Quizás un gran ejemplo de su trabajo como villana es el papel de Mabel Pettigrew en la serie Screen Two. Apareció en un episodio titulado Memento Mori y su personaje era una maestra de la manipulación con la que pudo demostrar una vez más su amplitud de registros.
LADY MYRA (THE LAST SEPTEMBER, 1999)
The Last September es una película dramática que cuenta con Maggie Smith interpretando a la copropietaria de una finca irlandesa. Deborah Warner dirigió la cinta, basada en una novela de Elizabeth Bowen.
MINERVA MCGONAGALL (SAGA HARRY POTTER)
Smith debutó como Minerva McGonagall en 2001 en Harry Potter y la piedra filosofal, un papel que siguió interpretando hasta el final de la saga en 2011. Se podría decir que, gracias a este papel, Smith se hizo conocida entre un público más joven.
CONSTANCE TRENTHAM (GOSFORD PARK, 2001)
Enlace para verla: https://ok.ru/video/3235278621309
Gosford Park es una película de misterio y asesinato al estilo Agatha Christie protagonizada por Maggie Smith como la intimidante Lady Trentham. La película fue muy elogiada por la crítica y el público, que quedaron absortos en el misterio de la trama. Clive Owen, Kelly McDonald o Kristin Scott Thomas también forman parte del reparto.
VIOLET CRAWLEY (DOWNTON ABBEY, 2010-2015)
Downton Abbey es una serie dramática británica que sumó 52 episodios y ha recibido numerosos premios y reconocimientos. Fue tan popular que incluso dio pie a una película en 2019. El personaje de Smith, Violet Crawley, condesa viuda de Grantham, es uno de los más populares de la serie, que llegó a su fin en 2015.
MURIEL DONNELLY (EL EXÓTICO HOTEL MARIGOLD, 2011)
Enlace para verla: https://ok.ru/video/29174074038
El exótico Hotel Marigold se estrenó en 2011, superando todas las expectativas con su recaudación de taquilla. La película sigue la vida de los ancianos en el hotel y Maggie Smith interpreta a Muriel Donnelly, una exama de llaves que va al hotel para someterse a una operación de cadera. Su personaje experimenta un importante desarrollo a lo largo de la película y ella es fundamental para evitar que el hotel cierre. En el filme compartió planos con Judi Dench y Bill Nighy, entre otros.
Fuente: El Espectador
Heráclito
28-09-2024, 08:02:35
Imitando a Marilyn Monroe. Madrid 1970
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4432764&stc=1&d=1727528492
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4432764&stc=1&d=1727528492
Heráclito
09-10-2024, 20:27:53
El graduado
https://scontent.fbog3-1.fna.fbcdn.net/v/t39.30808-6/462295021_8465640120187406_5500563760977376808_n.jpg?stp=dst-jpg_s720x720&_nc_cat=108&ccb=1-7&_nc_sid=127cfc&_nc_eui2=AeEVn41P1mXyA6jyAGPmVOU_HnSbLVgMWKoedJstWAxYqnFxJaI U4uvBSBjqjhAUdqA&_nc_ohc=q24POqg5T14Q7kNvgH6hibP&_nc_ht=scontent.fbog3-1.fna&_nc_gid=AB-YdtiGaL8OjxIpPycW8iA&oh=00_AYDlYRZgu00Ii4b7ftGQaUhD6rhLRL0okyETM5575xIIGw&oe=670D06FD
El 24 de enero de 1968, el mundo fue testigo del estreno de “El Graduado,” una película que cambiaría para siempre el panorama del cine estadounidense. Dirigida por Mike Nichols, esta icónica historia de crecimiento catapultó a Dustin Hoffman a la categoría de superestrella interpretando a Benjamin Braddock, un reciente graduado universitario que se encuentra en una compleja relación amorosa con la Sra. Robinson, interpretada por Anne Bancroft. El guion de la película, escrito por Buck Henry y Calder Willingham, ofrece una mirada aguda y satírica de la desilusión de la generación de posguerra, combinando humor con los temas profundos de alienación y rebeldía.
Con una duración de 106 minutos, “El Graduado” explora la crisis existencial de Benjamin mientras navega por las traicioneras aguas de la vida adulta. La trama se complica cuando se enreda con la Sra. Robinson, una mujer casada que lo seduce, sumergiéndolo en un romance secreto que complica sus sentimientos por su hija, Elaine, interpretada por Katharine Ross. Esta historia de amor triangular se desarrolla en el contexto de los años 60, un período marcado por la agitación social y el cambio de normas culturales, convirtiéndola no solo en un relato personal, sino en un reflejo de la lucha de una generación.
La cinematografía del filme, realizada por Robert Surtees, captura la esencia de la época, utilizando técnicas inventivas que realzan su narrativa. El uso de primeros planos, colores contrastantes y encuadres únicos sumerge al público en el mundo de Benjamin, reflejando su confusión y anhelo. Además, la icónica banda sonora de la película, que cuenta con la música de Simon & Garfunkel, añade una capa adicional de profundidad. Canciones como “Mrs. Robinson” y “The Sound of Silence” encapsulan los sentimientos de desconexión y anhelo que prevalecen a lo largo de la película, convirtiendo la banda sonora en un personaje por derecho propio.
“El Graduado” no solo recibió aclamación crítica tras su estreno, sino que también logró un éxito comercial, recaudando más de $104 millones contra un presupuesto modesto de alrededor de $3 millones. Su impacto en la cultura popular ha sido profundo, inspirando innumerables referencias en otras películas, programas de televisión e incluso comerciales. La combinación única de comedia, drama y romance resonó profundamente con el público, convirtiéndola en un clásico atemporal.
En 1968, "El Graduado" se convirtió en un símbolo del cambiante paisaje estadounidense, abordando cuestiones de clase, moralidad e identidad de una manera que se sentía tanto relatable como revolucionaria. Su exploración de las complejidades del amor y los desafíos de crecer tocó una fibra sensible en los espectadores, convirtiéndola en un hito cultural que sigue resonando hoy en día. Al finalizar los créditos, los espectadores se quedan reflexionando sobre las incertidumbres de la vida y la a menudo incómoda transición hacia la adultez, un tema que sigue siendo tan relevante ahora como lo fue hace más de cincuenta años.
En resumen, “El Graduado” es una obra maestra que continúa hablando a los corazones de nuevas generaciones, recordándonos las luchas universales de la juventud, el amor y la búsqueda de un lugar en el mundo. Con su ingenioso guion, actuaciones estelares y estilo visual impactante, la película ocupa un lugar destacado en el panteón del cine estadounidense, asegurando su legado por muchos años más.
Fuente: Edi Libedinsky (Facebook)
Enlace para verla: https://m.ok.ru/video/2637900483129
https://scontent.fbog3-1.fna.fbcdn.net/v/t39.30808-6/462295021_8465640120187406_5500563760977376808_n.jpg?stp=dst-jpg_s720x720&_nc_cat=108&ccb=1-7&_nc_sid=127cfc&_nc_eui2=AeEVn41P1mXyA6jyAGPmVOU_HnSbLVgMWKoedJstWAxYqnFxJaI U4uvBSBjqjhAUdqA&_nc_ohc=q24POqg5T14Q7kNvgH6hibP&_nc_ht=scontent.fbog3-1.fna&_nc_gid=AB-YdtiGaL8OjxIpPycW8iA&oh=00_AYDlYRZgu00Ii4b7ftGQaUhD6rhLRL0okyETM5575xIIGw&oe=670D06FD
El 24 de enero de 1968, el mundo fue testigo del estreno de “El Graduado,” una película que cambiaría para siempre el panorama del cine estadounidense. Dirigida por Mike Nichols, esta icónica historia de crecimiento catapultó a Dustin Hoffman a la categoría de superestrella interpretando a Benjamin Braddock, un reciente graduado universitario que se encuentra en una compleja relación amorosa con la Sra. Robinson, interpretada por Anne Bancroft. El guion de la película, escrito por Buck Henry y Calder Willingham, ofrece una mirada aguda y satírica de la desilusión de la generación de posguerra, combinando humor con los temas profundos de alienación y rebeldía.
Con una duración de 106 minutos, “El Graduado” explora la crisis existencial de Benjamin mientras navega por las traicioneras aguas de la vida adulta. La trama se complica cuando se enreda con la Sra. Robinson, una mujer casada que lo seduce, sumergiéndolo en un romance secreto que complica sus sentimientos por su hija, Elaine, interpretada por Katharine Ross. Esta historia de amor triangular se desarrolla en el contexto de los años 60, un período marcado por la agitación social y el cambio de normas culturales, convirtiéndola no solo en un relato personal, sino en un reflejo de la lucha de una generación.
La cinematografía del filme, realizada por Robert Surtees, captura la esencia de la época, utilizando técnicas inventivas que realzan su narrativa. El uso de primeros planos, colores contrastantes y encuadres únicos sumerge al público en el mundo de Benjamin, reflejando su confusión y anhelo. Además, la icónica banda sonora de la película, que cuenta con la música de Simon & Garfunkel, añade una capa adicional de profundidad. Canciones como “Mrs. Robinson” y “The Sound of Silence” encapsulan los sentimientos de desconexión y anhelo que prevalecen a lo largo de la película, convirtiendo la banda sonora en un personaje por derecho propio.
“El Graduado” no solo recibió aclamación crítica tras su estreno, sino que también logró un éxito comercial, recaudando más de $104 millones contra un presupuesto modesto de alrededor de $3 millones. Su impacto en la cultura popular ha sido profundo, inspirando innumerables referencias en otras películas, programas de televisión e incluso comerciales. La combinación única de comedia, drama y romance resonó profundamente con el público, convirtiéndola en un clásico atemporal.
En 1968, "El Graduado" se convirtió en un símbolo del cambiante paisaje estadounidense, abordando cuestiones de clase, moralidad e identidad de una manera que se sentía tanto relatable como revolucionaria. Su exploración de las complejidades del amor y los desafíos de crecer tocó una fibra sensible en los espectadores, convirtiéndola en un hito cultural que sigue resonando hoy en día. Al finalizar los créditos, los espectadores se quedan reflexionando sobre las incertidumbres de la vida y la a menudo incómoda transición hacia la adultez, un tema que sigue siendo tan relevante ahora como lo fue hace más de cincuenta años.
En resumen, “El Graduado” es una obra maestra que continúa hablando a los corazones de nuevas generaciones, recordándonos las luchas universales de la juventud, el amor y la búsqueda de un lugar en el mundo. Con su ingenioso guion, actuaciones estelares y estilo visual impactante, la película ocupa un lugar destacado en el panteón del cine estadounidense, asegurando su legado por muchos años más.
Fuente: Edi Libedinsky (Facebook)
Enlace para verla: https://m.ok.ru/video/2637900483129
Heráclito
10-10-2024, 10:30:23
Considerado un decálogo para construir un buen matrimonio, Paul Newman antes de casarse (29 de enero,1958) le escribió a su segunda esposa, Joanne Woodward, esta carta:
"La felicidad en el matrimonio no es algo que simplemente sucede. Un buen matrimonio debe crearse. En el arte del matrimonio, las pequeñas cosas son las cosas grandes. Nunca se es demasiado viejo para tomarse de las manos. Es recordar decir "Te amo" al menos una vez al día. Es jamás ir a dormir enojados. Es no dar nada por sentado, el noviazgo no debe terminar con la luna de miel, sino que debe continuar a través de todos los años. Es tener objetivos comunes, es estar de pie juntos frente al mundo. Es formar un círculo de amor que se acumula en toda la familia. Es hacer cosas por los demás, no en la actitud de servicio o sacrificio, sino con alegría. Es decir, palabras de aprecio y demostrar gratitud de maneras bien pensadas.
No está por esperar que el marido sea el hombre perfecto o que la mujer sea la esposa soñada. No es la busca de la perfección en sí. Es cultivar la flexibilidad, la paciencia, la comprensión y el sentido del humor. Es tener la capacidad de perdonar y olvidar. Se trata de una búsqueda común de lo bueno y lo bello. Se está estableciendo una relación en la que la independencia es igual, la dependencia es mutua y la obligación es recíproca. No se trata sólo de casarse con la pareja adecuada, es ser el socio adecuado.
Con amor, Paul".
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4440768&stc=1&d=1728573708
Fuente: HISTORIA, ARTE, CULTURA Y MÚSICA
Luis Enrique Huertas Mora (Facebook)
"La felicidad en el matrimonio no es algo que simplemente sucede. Un buen matrimonio debe crearse. En el arte del matrimonio, las pequeñas cosas son las cosas grandes. Nunca se es demasiado viejo para tomarse de las manos. Es recordar decir "Te amo" al menos una vez al día. Es jamás ir a dormir enojados. Es no dar nada por sentado, el noviazgo no debe terminar con la luna de miel, sino que debe continuar a través de todos los años. Es tener objetivos comunes, es estar de pie juntos frente al mundo. Es formar un círculo de amor que se acumula en toda la familia. Es hacer cosas por los demás, no en la actitud de servicio o sacrificio, sino con alegría. Es decir, palabras de aprecio y demostrar gratitud de maneras bien pensadas.
No está por esperar que el marido sea el hombre perfecto o que la mujer sea la esposa soñada. No es la busca de la perfección en sí. Es cultivar la flexibilidad, la paciencia, la comprensión y el sentido del humor. Es tener la capacidad de perdonar y olvidar. Se trata de una búsqueda común de lo bueno y lo bello. Se está estableciendo una relación en la que la independencia es igual, la dependencia es mutua y la obligación es recíproca. No se trata sólo de casarse con la pareja adecuada, es ser el socio adecuado.
Con amor, Paul".
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4440768&stc=1&d=1728573708
Fuente: HISTORIA, ARTE, CULTURA Y MÚSICA
Luis Enrique Huertas Mora (Facebook)
Heráclito
17-10-2024, 05:54:22
La maravillosa Audrey Hepburn mostrando todo su cariño a un homenajeado Cary Grant... ¿se puede ser más bella, elegante y adorable?
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4448186&stc=1&d=1729162399
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4448186&stc=1&d=1729162399
Heráclito
17-10-2024, 06:58:13
Rita Hayworth
Un día como hoy, hace 106 años, nació Margarita Carmen Cansino. Más de cien años de mito cinematográfico. Más de cien años de Rita Hayworth. Eterna.
https://imagenes.eldebate.com/files/new_main_image/files/fp/uploads/2024/03/25/6601a9ace4b54.r_d.1366-631-3985.jpeg.webp
La trágica vida de Rita Hayworth, la segunda actriz de origen español que triunfó en Hollywood
La vida de la protagonista de Gilda estuvo marcada por los abusos de su padre
Bernard Durán
07/04/2024 Actualizada 04:30
En la historia del cine occidental hay algunas escenas icónicas que forman parte de nuestra propia cultura visual, como el «toca As Time Goes By, Sam» de Casablanca, la falda de Marilyn Monroe en La tentación vive arriba, o el «nadie es perfecto» con el que concluye Con faldas y a lo loco. En este selecto grupo de escenas inmortales habría que incluir un baile, una canción, un guante y una bofetada. Se trata de una película de 1946 que dirigió Charles Vidor. En ella, una bellísima actriz enfundada en un largo, ajustado y elegante vestido negro canta Put the Blame on Mame, lo que se podría traducir como 'Échale las culpas a Mame'. Durante la actuación, la cantante se despoja de su largo guante dejando al descubierto su brazo derecho, en una escena que resultaba especialmente sensual para los tiempos de la posguerra.
La actriz se llamaba Margarita Carmen Cansino, más conocida por su nombre artístico de Rita Hayworth; la película era, efectivamente, Gilda; y la canción, que había sido especialmente compuesta para esa cinta por Allan Roberts y Doris Fisher y doblada por Anita Kert Ellis, trata sobre una mujer llamada Mame a la que, como una Eva bíblica, se le atribuyen todo tipo de catástrofes e infortunios acontecidos en la historia de los Estados Unidos. En el contexto de la película en el que Gilda, el personaje que interpreta Rita, representa el prototipo de mujer fatal, Mame vendría a ser la propia Gilda advirtiendo a los presentes y especialmente al personaje que interpreta Glenn Ford que es una mujer que les hará profundamente desgraciados.
https://imagenes.eldebate.com/files/vertical_composte_image/uploads/2024/03/25/6601aa474650a.jpeg.webp
Rita Hayworth, en Gilda - GTRES
¿Fue Rita en la vida real como su más famoso personaje? ¿Quién era, en realidad, esa mujer que llegó a ser una de las actrices más célebres de su tiempo? ¿Por qué era de origen español?
En ocasiones, los sobrenombres pueden resultar paradójicos y sangrantes. Fernando de Aragón, excelente Rey, pero como buen monarca renacentista, despiadado y sin muchos escrúpulos, recibió el título de Rey Católico por parte del Papa Borgia, por el que es mundialmente conocido. El Rey más depresivo de nuestra historia, Felipe V, fue apodado «el Rey animoso» y así, Rita fue conocida como «la Reina del amor», siendo, posiblemente, la celebridad del siglo XX que menos suerte tuvo con los hombres, comenzando por su padre.
Aunque empezaré esta historia un poco antes, con un sevillano de Paradas, hijo de un criador de caballos de origen sefardí, que se volvió un enamorado del flamenco. Se llamaba Juan Antonio Anselmo de los Dolores Cansino Avecilla y fue el primero de su familia en dedicarse profesionalmente al baile. De hecho, llegó a abrir dos academias. Una en Sevilla y otra en Madrid. Antonio Cansino, aparte de emprendedor fue también un buen guitarrista y, de hecho, tocó para algunos de los más célebres artistas flamencos de su época. Antonio se casó con una paisana llamada Carmen Reina Montero con la que tuvieron nada menos que nueve hijos. El tercero de los cuales nacido en Castillejo de la Cuesta, en 1895, fue Eduardo, que seguiría los pasos de su padre y que junto con su hermana Elisa formaría un dúo de baile flamenco, con el que probaron suerte en Estados Unidos con el nombre de The Dancing Cansinos. En torno a 1919 Eduardo rehace el dúo con su pareja sentimental, con la que posteriormente se casaría, Volga Haworth, una atractiva corista de ascendencia británico-irlandesa, con la que tendrían tres hijos. La mayor, Margarita, nace en Nueva York en 1918. Curiosamente esta ascendencia hispano-irlandesa coincide con la de otro de los grandes actores actuales. Ramón Antonio Gerardo Estévez, más conocido como Martin Sheen.
https://imagenes.eldebate.com/files/vertical_composte_image/uploads/2024/03/25/6601ab7ae8aa8.jpeg.webp
Rita Hayworth, con su hija Rebecca WellesGTRES
Pero volviendo a los Cansinos, alrededor de 1927 se trasladan a California. Con el inicio de la gran depresión tendrán graves problemas financieros por lo que se vuelven a trasladar, esta vez, a Tijuana, donde Eduardo inicia a su hija Carmen, con solo trece años, en el mundo del espectáculo. Será este un periodo especialmente turbio en la biografía de la futura diva del celuloide por las relaciones incestuosas y los malos tratos por parte de un progenitor ambicioso y sin escrúpulos, que, en vez de escolarizarla, le obligaba a tener maratonianas sesiones de baile y le prohibía que le llamase padre en público.
Tampoco tuvo suerte con su primer marido, Edward C. Judson, un habitual de la noche angelina que se había dedicado a la venta de coches. Una jovencísima Margarita vio en él la oportunidad de escapar de su horrendo padre y Judson, consciente de la belleza y el talento artístico de su esposa vio en ella una inversión. Judson es quien convierte su melena castaña en pelirroja y quien le transforma el nombre utilizando el diminutivo de Margarita y cambiando el apellido paterno por el materno, al que añadirá una 'y'. También utilizará sus contactos para introducirla en el mundo del cine. Aunque ella, a través de su padre, ya había conocido alguna gente de esta industria que visitaba Tijuana, como el productor Darryl F. Zanuck y a españoles, como Conchita Montenegro, la primera actriz patria que triunfó en Hollywood, al diplomático y director de cine Edgar Neville o a Xavier Cugat, con los que siempre mantendría una buena relación. Todo ello desembocó en un contrato con la Columbia. A partir de entonces la joven bailadora Margarita Cansino se convierte en la estrella internacional Rita Hayworth y ello, a pesar de negarse a pasar por los aposentos de los Zanuck, los Cohn y demás 'Weinsteins' de la época, que no pudieron sabotear su carrera porque como dijo Frank Sinatra: «Rita Hayworth es la Columbia».
https://imagenes.eldebate.com/files/vertical_composte_image/uploads/2024/03/25/6601ab9d8898b.jpeg.webp
Gene Kelly y Rita Hayworth - GTRES
Su carrera brilló de manera fulgurante en los 40 y en los 50, para declinar luego, en parte por un prematuro alzheimer que le impediría recordar los guiones y que la llevaría a la tumba en 1987. Aunque sus principales papeles fueron dramáticos, su pasado como bailarina le permitió hacer también excelentes musicales. De hecho, Fred Astaire diría que, de todas las personas con las que había trabajado «nadie se aprendía los pases de baile más rápido que Rita». Pal Joey (1957) con Sinatra sería su último musical. Algunas de sus películas fueron rodadas en España, como Último chantaje (1961) o El fabuloso mundo del circo (1964). País que decía adorar, porque era, en sus propias palabras, «la fuerza de la sangre».
Pero, en su vida personal, Rita fue el caso opuesto al de Gilda. Fue ella, una persona tímida y cariñosa, aunque traumatizada por un padre tiránico y depravado, la que sufrió a hombres «fatales». Aparte del inmoral Judson, se casó cuatro veces más y tuvo dos hijas con dos de sus maridos, Rebeca con Orson Welles y Yasmine con el príncipe Alí Khan. También tuvo numerosos amantes como Kirk Douglas, Glenn Ford, Victor Mature o David Niven, pero como ella mismo decía, «los hombres que conozco se acuestan con Gilda, pero se levantan con Rita».
Fuente: El debate
Gilda
TRFHoHi2hZM
Esta escena es de Gilda (1946) película de cine negro en blanco y negro dirigida por Charles Vidor. Está protagonizada por Glenn Ford y Rita Hayworth en su papel característico de la femme fatale por excelencia. La película se destacó por la exuberante fotografía del director de fotografía Rudolph Mate, el vestuario del diseñador de vestuario Jean Louis para Hayworth (en particular para los números de baile) y la puesta en escena del coreógrafo Jack Cole de "Put the Blame on Mame" y "Amado Mio", cantada por Anita Ellis.
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4448187&stc=1&d=1729165193
Sinopsis:
Johnny Farrell (Glenn Ford), un aventurero que vive de hacer trampas en el juego recala en Buenos Aires. Allí lo saca de un apuro Ballin Mundson, el propietario de un lujoso casino, que acaba haciendo de él su hombre de confianza. Un día, Mundson le presenta a su esposa Gilda. Su sorpresa no tiene límites: fue ella precisamente quien lo convirtió en lo que es: un ser cínico y amargado.
Curiosidades:
En enero de 1948, el Obispo de Canarias, Antonio de Pildain y Zapiáin, escribió esto:
“Enterados con profundo dolor de nuestra alma de que durante estos últimos días se ha venido proyectando en el Cine Cuyás de Las Palmas la película “Gilda”, gravemente escandalosa; ante las noticias que a Nos nos llegan de que existe el propósito de exhibirla en otros cines, tanto de pueblos como de la capital, velando por atajar el gravísimo mal espiritual que amenaza a muchas almas de nuestros ciudadanos, y en cumplimiento de uno de los más sagrados deberes de nuestro cargo pastoral, prohibimos la dicha película “Gilda” y os amonestamos, amadísimos hijos, haciendo saber a los empresarios que no la pueden exhibir, y a los fieles que no podrán presenciarla sin gravar su conciencia con pecado mortal. Si alguno hubiera que se mostrara rebelde, sepan que habrán de dar cuenta de su conducta ante el Tribunal de Dios”
Enlace para verla: https://m.ok.ru/video/92896889416
Un día como hoy, hace 106 años, nació Margarita Carmen Cansino. Más de cien años de mito cinematográfico. Más de cien años de Rita Hayworth. Eterna.
https://imagenes.eldebate.com/files/new_main_image/files/fp/uploads/2024/03/25/6601a9ace4b54.r_d.1366-631-3985.jpeg.webp
La trágica vida de Rita Hayworth, la segunda actriz de origen español que triunfó en Hollywood
La vida de la protagonista de Gilda estuvo marcada por los abusos de su padre
Bernard Durán
07/04/2024 Actualizada 04:30
En la historia del cine occidental hay algunas escenas icónicas que forman parte de nuestra propia cultura visual, como el «toca As Time Goes By, Sam» de Casablanca, la falda de Marilyn Monroe en La tentación vive arriba, o el «nadie es perfecto» con el que concluye Con faldas y a lo loco. En este selecto grupo de escenas inmortales habría que incluir un baile, una canción, un guante y una bofetada. Se trata de una película de 1946 que dirigió Charles Vidor. En ella, una bellísima actriz enfundada en un largo, ajustado y elegante vestido negro canta Put the Blame on Mame, lo que se podría traducir como 'Échale las culpas a Mame'. Durante la actuación, la cantante se despoja de su largo guante dejando al descubierto su brazo derecho, en una escena que resultaba especialmente sensual para los tiempos de la posguerra.
La actriz se llamaba Margarita Carmen Cansino, más conocida por su nombre artístico de Rita Hayworth; la película era, efectivamente, Gilda; y la canción, que había sido especialmente compuesta para esa cinta por Allan Roberts y Doris Fisher y doblada por Anita Kert Ellis, trata sobre una mujer llamada Mame a la que, como una Eva bíblica, se le atribuyen todo tipo de catástrofes e infortunios acontecidos en la historia de los Estados Unidos. En el contexto de la película en el que Gilda, el personaje que interpreta Rita, representa el prototipo de mujer fatal, Mame vendría a ser la propia Gilda advirtiendo a los presentes y especialmente al personaje que interpreta Glenn Ford que es una mujer que les hará profundamente desgraciados.
https://imagenes.eldebate.com/files/vertical_composte_image/uploads/2024/03/25/6601aa474650a.jpeg.webp
Rita Hayworth, en Gilda - GTRES
¿Fue Rita en la vida real como su más famoso personaje? ¿Quién era, en realidad, esa mujer que llegó a ser una de las actrices más célebres de su tiempo? ¿Por qué era de origen español?
En ocasiones, los sobrenombres pueden resultar paradójicos y sangrantes. Fernando de Aragón, excelente Rey, pero como buen monarca renacentista, despiadado y sin muchos escrúpulos, recibió el título de Rey Católico por parte del Papa Borgia, por el que es mundialmente conocido. El Rey más depresivo de nuestra historia, Felipe V, fue apodado «el Rey animoso» y así, Rita fue conocida como «la Reina del amor», siendo, posiblemente, la celebridad del siglo XX que menos suerte tuvo con los hombres, comenzando por su padre.
Aunque empezaré esta historia un poco antes, con un sevillano de Paradas, hijo de un criador de caballos de origen sefardí, que se volvió un enamorado del flamenco. Se llamaba Juan Antonio Anselmo de los Dolores Cansino Avecilla y fue el primero de su familia en dedicarse profesionalmente al baile. De hecho, llegó a abrir dos academias. Una en Sevilla y otra en Madrid. Antonio Cansino, aparte de emprendedor fue también un buen guitarrista y, de hecho, tocó para algunos de los más célebres artistas flamencos de su época. Antonio se casó con una paisana llamada Carmen Reina Montero con la que tuvieron nada menos que nueve hijos. El tercero de los cuales nacido en Castillejo de la Cuesta, en 1895, fue Eduardo, que seguiría los pasos de su padre y que junto con su hermana Elisa formaría un dúo de baile flamenco, con el que probaron suerte en Estados Unidos con el nombre de The Dancing Cansinos. En torno a 1919 Eduardo rehace el dúo con su pareja sentimental, con la que posteriormente se casaría, Volga Haworth, una atractiva corista de ascendencia británico-irlandesa, con la que tendrían tres hijos. La mayor, Margarita, nace en Nueva York en 1918. Curiosamente esta ascendencia hispano-irlandesa coincide con la de otro de los grandes actores actuales. Ramón Antonio Gerardo Estévez, más conocido como Martin Sheen.
https://imagenes.eldebate.com/files/vertical_composte_image/uploads/2024/03/25/6601ab7ae8aa8.jpeg.webp
Rita Hayworth, con su hija Rebecca WellesGTRES
Pero volviendo a los Cansinos, alrededor de 1927 se trasladan a California. Con el inicio de la gran depresión tendrán graves problemas financieros por lo que se vuelven a trasladar, esta vez, a Tijuana, donde Eduardo inicia a su hija Carmen, con solo trece años, en el mundo del espectáculo. Será este un periodo especialmente turbio en la biografía de la futura diva del celuloide por las relaciones incestuosas y los malos tratos por parte de un progenitor ambicioso y sin escrúpulos, que, en vez de escolarizarla, le obligaba a tener maratonianas sesiones de baile y le prohibía que le llamase padre en público.
Tampoco tuvo suerte con su primer marido, Edward C. Judson, un habitual de la noche angelina que se había dedicado a la venta de coches. Una jovencísima Margarita vio en él la oportunidad de escapar de su horrendo padre y Judson, consciente de la belleza y el talento artístico de su esposa vio en ella una inversión. Judson es quien convierte su melena castaña en pelirroja y quien le transforma el nombre utilizando el diminutivo de Margarita y cambiando el apellido paterno por el materno, al que añadirá una 'y'. También utilizará sus contactos para introducirla en el mundo del cine. Aunque ella, a través de su padre, ya había conocido alguna gente de esta industria que visitaba Tijuana, como el productor Darryl F. Zanuck y a españoles, como Conchita Montenegro, la primera actriz patria que triunfó en Hollywood, al diplomático y director de cine Edgar Neville o a Xavier Cugat, con los que siempre mantendría una buena relación. Todo ello desembocó en un contrato con la Columbia. A partir de entonces la joven bailadora Margarita Cansino se convierte en la estrella internacional Rita Hayworth y ello, a pesar de negarse a pasar por los aposentos de los Zanuck, los Cohn y demás 'Weinsteins' de la época, que no pudieron sabotear su carrera porque como dijo Frank Sinatra: «Rita Hayworth es la Columbia».
https://imagenes.eldebate.com/files/vertical_composte_image/uploads/2024/03/25/6601ab9d8898b.jpeg.webp
Gene Kelly y Rita Hayworth - GTRES
Su carrera brilló de manera fulgurante en los 40 y en los 50, para declinar luego, en parte por un prematuro alzheimer que le impediría recordar los guiones y que la llevaría a la tumba en 1987. Aunque sus principales papeles fueron dramáticos, su pasado como bailarina le permitió hacer también excelentes musicales. De hecho, Fred Astaire diría que, de todas las personas con las que había trabajado «nadie se aprendía los pases de baile más rápido que Rita». Pal Joey (1957) con Sinatra sería su último musical. Algunas de sus películas fueron rodadas en España, como Último chantaje (1961) o El fabuloso mundo del circo (1964). País que decía adorar, porque era, en sus propias palabras, «la fuerza de la sangre».
Pero, en su vida personal, Rita fue el caso opuesto al de Gilda. Fue ella, una persona tímida y cariñosa, aunque traumatizada por un padre tiránico y depravado, la que sufrió a hombres «fatales». Aparte del inmoral Judson, se casó cuatro veces más y tuvo dos hijas con dos de sus maridos, Rebeca con Orson Welles y Yasmine con el príncipe Alí Khan. También tuvo numerosos amantes como Kirk Douglas, Glenn Ford, Victor Mature o David Niven, pero como ella mismo decía, «los hombres que conozco se acuestan con Gilda, pero se levantan con Rita».
Fuente: El debate
Gilda
TRFHoHi2hZM
Esta escena es de Gilda (1946) película de cine negro en blanco y negro dirigida por Charles Vidor. Está protagonizada por Glenn Ford y Rita Hayworth en su papel característico de la femme fatale por excelencia. La película se destacó por la exuberante fotografía del director de fotografía Rudolph Mate, el vestuario del diseñador de vestuario Jean Louis para Hayworth (en particular para los números de baile) y la puesta en escena del coreógrafo Jack Cole de "Put the Blame on Mame" y "Amado Mio", cantada por Anita Ellis.
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4448187&stc=1&d=1729165193
Sinopsis:
Johnny Farrell (Glenn Ford), un aventurero que vive de hacer trampas en el juego recala en Buenos Aires. Allí lo saca de un apuro Ballin Mundson, el propietario de un lujoso casino, que acaba haciendo de él su hombre de confianza. Un día, Mundson le presenta a su esposa Gilda. Su sorpresa no tiene límites: fue ella precisamente quien lo convirtió en lo que es: un ser cínico y amargado.
Curiosidades:
En enero de 1948, el Obispo de Canarias, Antonio de Pildain y Zapiáin, escribió esto:
“Enterados con profundo dolor de nuestra alma de que durante estos últimos días se ha venido proyectando en el Cine Cuyás de Las Palmas la película “Gilda”, gravemente escandalosa; ante las noticias que a Nos nos llegan de que existe el propósito de exhibirla en otros cines, tanto de pueblos como de la capital, velando por atajar el gravísimo mal espiritual que amenaza a muchas almas de nuestros ciudadanos, y en cumplimiento de uno de los más sagrados deberes de nuestro cargo pastoral, prohibimos la dicha película “Gilda” y os amonestamos, amadísimos hijos, haciendo saber a los empresarios que no la pueden exhibir, y a los fieles que no podrán presenciarla sin gravar su conciencia con pecado mortal. Si alguno hubiera que se mostrara rebelde, sepan que habrán de dar cuenta de su conducta ante el Tribunal de Dios”
Enlace para verla: https://m.ok.ru/video/92896889416
Heráclito
17-10-2024, 08:04:46
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4448193&stc=1&d=1729170233
Heráclito
29-10-2024, 14:34:16
Los olvidados
https://cinematecadebogota.gov.co/sites/default/files/styles/318_x_460/public/afiches/afiche_los_olvidados.jpg?itok=fOklA8uh
"Estuvo sólo tres días en cartelera, la prensa y la clase alta estaban vueltas locas, querían quemar a Luis Buñuel y todo lo que oliera a él.
Era 1950 y el cine mexicano estaba en su esplendor. El cineasta español Luis Buñuel ya tenía éxito, pero estaba enamorado de nuestro país. Grabada en Nonoalco, en lo que entonces eran los límites norteños de la Ciudad de México. Y tenía un propósito, una visión desgarradora de los niños de la calle en las grandes urbes. Aquellos de los que nadie habla, los que callan, los olvidados.
El poeta Octavio Paz escribió: “Pero Los Olvidados es algo´más que un filme realista. El sueño, el deseo, el horror, el delirio el azar, la porción nocturna de la vida, también tiene su parte. Y el peso de la realidad que nos muestra es de tal modo atroz, que acaba por parecernos imposible, insoportable. Y así es: la realidad es insoportable; y por eso, porque no la soporta, el hombre mata y muere, ama y crea”.
Su nombre original era La Manzana Podrida y en realidad, no tenía ningún nombre de peso, se tenía a Estela Inda, Miguel Inclán y Alfonso Mejía, además de un grupo de niños comandado por Roberto Cobo, un chico que había salido como extra en varias cintas y un día que audicionó para una película de Tin Tan se enteró que Buñuel estaba entrevistando para su nuevo filme. Hizo la audición y se quedó con el rol de “El Jaibo”.
Sin embargo, desde su inicio, la cinta tenía problemas, dentro y fuera. El productor Oscar Dancingers se opuso a que se incluyeran muchos detalles que resultaban amorales; Jorge Negrete, líder del Sindicato de Actores, quería evitar su grabación e instó a técnicos y camarógrafos a abandonarla; una de las peinadoras renunció por la escena en que la madre de Pedrito, le niega la comida.
Pedro de Urdimalas, escritor de la cinta al lado de Buñuel, pidió que su nombre no apareciera en los créditos y en la primera función privada que se hizo, Lupe Marí, esposa de Diego Rivera, y Bertha, esposa de León Felipe, reclamaron al director que era un miserable y lo que mostraba no era México. David Alfaro Siqueiros por su parte aplaudió el trabajo asegurando que Luis era un genio nacido para el cine.
Los Olvidados era la primera producción sería de Luis Buñuel y quería hacerlo todo al máximo de sus posibilidades. La filmó en 21 días entre el 6 de febrero y el 9 de marzo de 1950, pero aunque la cinta es posiblemente una de las más galardonadas de su cine, él solo recibió dos mil dólares por ella y no pudo participar en las ganancias de la misma.
Ante las críticas, Buñuel respondió durante una entrevista que estaba orgulloso de su filme “La libertad total no existe, yo jamás he sido libre, yo soy libre cuando cierro mis ojos y estoy conmigo mismo sin que sepa que ya estoy viejo. El sistema de inconformidad es esa tendencia a romperse la cabeza por recuperar la propia libertad, lo que es imposible, es por tanto una inconformidad permanente de la realidad exterior”.
En los albores de los 50, el presidente mexicano Miguel Alemán estaba planeando la industrialización en el país, para dejar atrás la agricultura como primera fuente de recursos de los nacionales, pero el cine estaba en su apogeo, por ello las reacciones ante la cinta eran tan violentas.
Se tiene registro de que algunos cines fueron destruidos por los asistentes al estreno en noviembre de ese 1950, los fanáticos salían furiosos. La llamada “Liga de la Decencia” intentó expulsar a Buñuel del país y aunque no lo lograron, el director si dejó el territorio.
A pesar de los múltiples problemas, Luis Buñuel estrenó su cinta en Europa y la crítica mexicana tuvo que aceptar la gran equivocación cuando el gran jurado del Festival de Cannes le dio el premio como Mejor Director en 1951.
¿Era para tanto?
La película tiene una trama dura, y a diferencia, por ejemplo de Nosotros los pobres no busca causar lástima sino presentar una realidad diferente a la que se creía que existía en el país.
La historia nos lleva por los barrios más pobres de la Ciudad de México, donde los niños de la calle son una plaga para las altas esferas de la sociedad. Jaibo (Roberto Cobo) es un adolescente que escapa de un correccional para reunirse con Pedro (Alfonso Mejía). En presencia de él, Jaibo mata a Julián, el muchacho que supuestamente le delató. También intenta robar a un ciego (Miguel Inclán) al que finalmente maltrata. Acompañados de Ojitos y Meche (Alma Delia Fuentes), el destino del Jaibo y Pedro están marcados por la muerte."
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4457844&stc=1&d=1730230119
Fuente: Chismeate (facebook)
Enlace para verla: https://ok.ru/video/1511910017694
https://cinematecadebogota.gov.co/sites/default/files/styles/318_x_460/public/afiches/afiche_los_olvidados.jpg?itok=fOklA8uh
"Estuvo sólo tres días en cartelera, la prensa y la clase alta estaban vueltas locas, querían quemar a Luis Buñuel y todo lo que oliera a él.
Era 1950 y el cine mexicano estaba en su esplendor. El cineasta español Luis Buñuel ya tenía éxito, pero estaba enamorado de nuestro país. Grabada en Nonoalco, en lo que entonces eran los límites norteños de la Ciudad de México. Y tenía un propósito, una visión desgarradora de los niños de la calle en las grandes urbes. Aquellos de los que nadie habla, los que callan, los olvidados.
El poeta Octavio Paz escribió: “Pero Los Olvidados es algo´más que un filme realista. El sueño, el deseo, el horror, el delirio el azar, la porción nocturna de la vida, también tiene su parte. Y el peso de la realidad que nos muestra es de tal modo atroz, que acaba por parecernos imposible, insoportable. Y así es: la realidad es insoportable; y por eso, porque no la soporta, el hombre mata y muere, ama y crea”.
Su nombre original era La Manzana Podrida y en realidad, no tenía ningún nombre de peso, se tenía a Estela Inda, Miguel Inclán y Alfonso Mejía, además de un grupo de niños comandado por Roberto Cobo, un chico que había salido como extra en varias cintas y un día que audicionó para una película de Tin Tan se enteró que Buñuel estaba entrevistando para su nuevo filme. Hizo la audición y se quedó con el rol de “El Jaibo”.
Sin embargo, desde su inicio, la cinta tenía problemas, dentro y fuera. El productor Oscar Dancingers se opuso a que se incluyeran muchos detalles que resultaban amorales; Jorge Negrete, líder del Sindicato de Actores, quería evitar su grabación e instó a técnicos y camarógrafos a abandonarla; una de las peinadoras renunció por la escena en que la madre de Pedrito, le niega la comida.
Pedro de Urdimalas, escritor de la cinta al lado de Buñuel, pidió que su nombre no apareciera en los créditos y en la primera función privada que se hizo, Lupe Marí, esposa de Diego Rivera, y Bertha, esposa de León Felipe, reclamaron al director que era un miserable y lo que mostraba no era México. David Alfaro Siqueiros por su parte aplaudió el trabajo asegurando que Luis era un genio nacido para el cine.
Los Olvidados era la primera producción sería de Luis Buñuel y quería hacerlo todo al máximo de sus posibilidades. La filmó en 21 días entre el 6 de febrero y el 9 de marzo de 1950, pero aunque la cinta es posiblemente una de las más galardonadas de su cine, él solo recibió dos mil dólares por ella y no pudo participar en las ganancias de la misma.
Ante las críticas, Buñuel respondió durante una entrevista que estaba orgulloso de su filme “La libertad total no existe, yo jamás he sido libre, yo soy libre cuando cierro mis ojos y estoy conmigo mismo sin que sepa que ya estoy viejo. El sistema de inconformidad es esa tendencia a romperse la cabeza por recuperar la propia libertad, lo que es imposible, es por tanto una inconformidad permanente de la realidad exterior”.
En los albores de los 50, el presidente mexicano Miguel Alemán estaba planeando la industrialización en el país, para dejar atrás la agricultura como primera fuente de recursos de los nacionales, pero el cine estaba en su apogeo, por ello las reacciones ante la cinta eran tan violentas.
Se tiene registro de que algunos cines fueron destruidos por los asistentes al estreno en noviembre de ese 1950, los fanáticos salían furiosos. La llamada “Liga de la Decencia” intentó expulsar a Buñuel del país y aunque no lo lograron, el director si dejó el territorio.
A pesar de los múltiples problemas, Luis Buñuel estrenó su cinta en Europa y la crítica mexicana tuvo que aceptar la gran equivocación cuando el gran jurado del Festival de Cannes le dio el premio como Mejor Director en 1951.
¿Era para tanto?
La película tiene una trama dura, y a diferencia, por ejemplo de Nosotros los pobres no busca causar lástima sino presentar una realidad diferente a la que se creía que existía en el país.
La historia nos lleva por los barrios más pobres de la Ciudad de México, donde los niños de la calle son una plaga para las altas esferas de la sociedad. Jaibo (Roberto Cobo) es un adolescente que escapa de un correccional para reunirse con Pedro (Alfonso Mejía). En presencia de él, Jaibo mata a Julián, el muchacho que supuestamente le delató. También intenta robar a un ciego (Miguel Inclán) al que finalmente maltrata. Acompañados de Ojitos y Meche (Alma Delia Fuentes), el destino del Jaibo y Pedro están marcados por la muerte."
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4457844&stc=1&d=1730230119
Fuente: Chismeate (facebook)
Enlace para verla: https://ok.ru/video/1511910017694
Heráclito
19-11-2024, 14:51:10
Annie “Ancho” Choi es una joven y brillante artista cuyas maravillosas animaciones le valieron un trabajo para el famoso Studio Ghibli. Esta es una breve recopilación.
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4473312&stc=1&d=1732045815
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4473312&stc=1&d=1732045815
Heráclito
22-11-2024, 21:26:59
Sean Connery, un amor de película
El viaje de ésta pareja comenzó en 1970 cuando se conocieron en un torneo de golf en Marruecos.
A pesar del desafío de estar junto un sex símbol, con muchos compromisos y una exposición pública permanente, Sean Connery y Micheline Roquebrune, se mantuvieron firmes, y se casaron en 1975.
Los unía el Amor, pese a ser tan diferentes.
Micheline, una talentosa pintora de ascendencia franco-marroquí, complementó la presencia carismática y legendaria de Connery con su propio espíritu creativo y naturaleza independiente.
Su relación de más de 45 años, fue de apoyo mutuo: ella estuvo a su lado durante su apogeo como James Bond y en sus últimos años cuando se retiró de la actuación. Connery a menudo hablaba de Micheline como su roca, y su amor se profundizó a lo largo de las décadas, incluso cuando envejecieron con gracia juntos
Imágenes de ellos en sus últimos años, sentados juntos en momentos tranquilos, cuentan la historia de una asociación que trascendió la fama y el tiempo.
Son imágenes de una pareja que irradia calidez y compañía, después del largo camino que recorrieron juntos.
Cuando Sean Connery murió en 2020, aquellos que lo admiraban recordaron la relación gentil y devota que compartía con Micheline, un testimonio del amor que se hizo más fuerte con la edad.
https://scontent.fbog4-3.fna.fbcdn.net/v/t39.30808-6/467810904_1940003279823843_4439322835971329315_n.jpg?stp=dst-jpg_s600x600&_nc_cat=104&ccb=1-7&_nc_sid=aa7b47&_nc_eui2=AeFOswQgFz3yzQKQ-GvCXeMMYYLnE1Qmf4lhgucTVCZ_idP6TjG8U9yG5ZYAPemUmeo&_nc_ohc=GYeP2_vxV4AQ7kNvgFTnZin&_nc_zt=23&_nc_ht=scontent.fbog4-3.fna&_nc_gid=ACRR47fcr2CUZtx4PT97Sk1&oh=00_AYDE5sY4XZ6GoHgcsyR-GnKkjqqODDEvGjS9cNfjNmkWeA&oe=6746F7BD
El viaje de ésta pareja comenzó en 1970 cuando se conocieron en un torneo de golf en Marruecos.
A pesar del desafío de estar junto un sex símbol, con muchos compromisos y una exposición pública permanente, Sean Connery y Micheline Roquebrune, se mantuvieron firmes, y se casaron en 1975.
Los unía el Amor, pese a ser tan diferentes.
Micheline, una talentosa pintora de ascendencia franco-marroquí, complementó la presencia carismática y legendaria de Connery con su propio espíritu creativo y naturaleza independiente.
Su relación de más de 45 años, fue de apoyo mutuo: ella estuvo a su lado durante su apogeo como James Bond y en sus últimos años cuando se retiró de la actuación. Connery a menudo hablaba de Micheline como su roca, y su amor se profundizó a lo largo de las décadas, incluso cuando envejecieron con gracia juntos
Imágenes de ellos en sus últimos años, sentados juntos en momentos tranquilos, cuentan la historia de una asociación que trascendió la fama y el tiempo.
Son imágenes de una pareja que irradia calidez y compañía, después del largo camino que recorrieron juntos.
Cuando Sean Connery murió en 2020, aquellos que lo admiraban recordaron la relación gentil y devota que compartía con Micheline, un testimonio del amor que se hizo más fuerte con la edad.
https://scontent.fbog4-3.fna.fbcdn.net/v/t39.30808-6/467810904_1940003279823843_4439322835971329315_n.jpg?stp=dst-jpg_s600x600&_nc_cat=104&ccb=1-7&_nc_sid=aa7b47&_nc_eui2=AeFOswQgFz3yzQKQ-GvCXeMMYYLnE1Qmf4lhgucTVCZ_idP6TjG8U9yG5ZYAPemUmeo&_nc_ohc=GYeP2_vxV4AQ7kNvgFTnZin&_nc_zt=23&_nc_ht=scontent.fbog4-3.fna&_nc_gid=ACRR47fcr2CUZtx4PT97Sk1&oh=00_AYDE5sY4XZ6GoHgcsyR-GnKkjqqODDEvGjS9cNfjNmkWeA&oe=6746F7BD
Heráclito
05-12-2024, 08:55:36
Grandes éxitos, épicos fracasos y presupuestos millonarios: la vertiginosa carrera de Ridley Scott a los 87
La etapa tardía del legendario director, que se ha apuntado uno de sus mayores éxitos con ‘Gladiator II’, ha dejado sus películas más grandiosas pero también las que más han dividido a la crítica y a su público
https://imagenes.elpais.com/resizer/v2/YWO6Y5YV2NBZXDBXEN7NQA33V4.jpg?auth=dc571c97ca48fb96bf8df2ef 5ce1fe96eb9d19a31ebc78d77fcc9621e4b5ed99&width=1200
El director Ridley Scott en 2024.
Karwai Tang (WireImage/Getty)
Jaime Lorite
Madrid - 04 DIC 2024 - 23:30 COT
Con 87 años recién cumplidos y un nuevo éxito de taquilla, el de Gladiator II, sumado a su imponente trayectoria, Ridley Scott (South Shields, Reino Unido) se puede permitir dar algún recado. Como Clint Eastwood, que también acaba de estrenar a los 94 otro largometraje en cines, Jurado nº 2, el cineasta británico ya ha dejado claro que seguirá rodando mientras viva y pueda, lo que en la gira de promoción de su último trabajo le ha servido, por ejemplo, para burlarse de Quentin Tarantino y decirle que debería “callarse y hacer otra película”, en respuesta al anuncio de su retirada (Tarantino tiene 61). El envite contra su colega no es lo más reseñable de la temporada 2024 de entrevistas de Scott. Después de terminar el año pasado proclamando que “los franceses no se gustan ni a sí mismos”, por las quejas galas hacia Napoleón (2023) o pidiendo a los historiadores “que se busquen una vida”, de la secuela de Gladiator (2000) ha confesado no saber si hubo tiburones en las nauas de Roma pero que decidió “ir adelante” de todas formas; o, a propósito de la escena de lucha de los númidas contra babuinos digitales, que se inspiró en el ataque de un babuino alopécico que presenció en Sudáfrica.
Sobre dirigir con casi noventa años, ha dicho que se siente como “en un coche de Fórmula 1″ yendo hacia adelante. Aunque quizá la más impactante declaración de la cosecha sea la de que considera Gladiator II “la mejor película” que ha firmado, como soltó en The Hollywood Reporter. Su último blockbuster se ha recibido con división de opiniones, pero hasta los más firmes entusiastas tendrán difícil no ver como una boutade la frase del director de Alien, el octavo pasajero. “Es una de las mejores”, retrocedía comedidamente después en la entrevista. “He hecho unas cuantas películas buenas”. Lo que no se le puede desmentir al británico es que, igual que el automóvil de competición con el que gusta de asemejarse, no para. En abril tiene previsto rodar en Italia una película de ciencia ficción con Paul Mescal que, desde su siempre hiperbólico prisma, asegura que cuenta con “el mejor guion” que ha leído en una década. En septiembre pondrá en marcha un biopic de los Bee Gees. Y ya habla de un tercer Gladiator, con un hipotético argumento inspirado en El Padrino: Parte II (1974).
https://imagenes.elpais.com/resizer/v2/CPRHHUEISZAX7L5PEZZARPZWNY.jpg?auth=b8f2a918030eb00a3664fee0 34683890c8883d635567321c4c2c9fc64ae27a31&width=980
Ridley Scott en el rodaje de 'Black Rain'.
Sunset Boulevard (Corbis via Getty Images)
Su ritmo prolífico, incluso intensificado en los últimos años, no se ha visto correspondido con brillantes críticas. Más bien al contrario. A las modernas películas de Scott –entre las que se encuentran algunas de las más caras de toda su carrera– no les falta ambición, aunque el carácter resolutivo del cineasta, tan dado a tirar por la calle del medio frente a cualquier duda, crea en estas superproducciones una extraña sensación por el desequilibrio entre la escala y el desdén con el que parecen acometidas. El propio director de fotografía de Gladiator II, John Mathieson, un viejo conocido de Scott con quien llevaba sin colaborar desde Robin Hood (2010), ha criticado su actitud: en el podcast The Doc Fix cargó contra su jefe acusándolo de “vago” e “impaciente”, por cubrir las escenas con multicámaras para rodar de golpe todos los planos en la menor cantidad de tomas posibles. “No es algo bueno para la fotografía, porque solo puedes iluminar desde un ángulo. Si ves sus películas antiguas, la profundidad [visual] se debía en gran parte a la iluminación. Pero él solo quiere quitárselo de encima”, lamentaba.
El escritor y ensayista cinematográfico Jorge Fonte, autor del monográfico Ridley Scott (Cátedra, 2016), comparte ese desencanto con su trabajo actual. “Sinceramente, no he visto Gladiator II porque me da miedo, respeto y mucha pereza. Tuve la suerte de concluir el libro con Marte [2015], que es, a grandes rasgos, la mejor de la última etapa”, reconoce a ICON. “Sí que vi la versión de Napoleón que estrenó en cines, no la extendida, que me dio también un poco de pereza, y me aburrió mucho. Cuando ves a Napoleón bombardeando las pirámides [de Egipto], desconectas. La historia no está bien contada y Joaquin Phoenix parece que se tomó un ácido antes de rodar. Entre batalla y batalla te duermes, te despiertas con los cañones”. Sobre el sonado disparo a las pirámides en Napoleón, Scott defendió que narrativamente “era una manera rápida de decir que tomó Egipto”.
Fonte señala que “a lo largo de su carrera, siempre ha tenido muchos altibajos, películas inmensas y otras que podría habernos ahorrado”, aunque le llama la atención el diálogo entre el Scott del presente y el actual ecosistema industrial. ¿Un maestro churrero de proyectos de 200 millones de dólares ideal para la era del contenido? “Hay un consumo cada vez más rápido de películas y series, tal es la avalancha que se nos viene encima. Se están produciendo a un ritmo excesivo, llegan a plataformas y las olvidamos. De Ridley Scott hay películas recientes suyas que es como si nunca las hubiese visto. Todo el dinero del mundo [2017] y La casa Gucci [2021] son casi iguales. Y El último duelo [2021] me pareció demasiada película para tan poca historia. No necesitaba dos horas y media para eso”.
Restaurando el sueño de Marco Aurelio
Ridley Scott, que comenzó su carrera como visionario director de ciencia ficción y hábil conocedor del lenguaje publicitario, ha visto su nombre mucho más asociado en la segunda mitad de su vida a las megaproducciones épicas. Aunque la ambientación histórica siempre le interesó, como prueba la película con la que debutó, Los duelistas (1977), o su defenestrado relato de la llegada de Colón a América en 1492 La conquista del paraíso (1992) –que, según ha revelado hace pocas semanas, quiere reestrenar con un nuevo montaje de cuatro horas–, el gigantesco éxito del primer Gladiator le convirtió en el hombre que refundó el péplum. Junto a El Señor de los Anillos (2001), la película de Scott sentó las bases del cine espectáculo del siglo XXI e inauguró una nueva edad de oro para la aventura épica, a la que volvería con desiguales resultados en El reino de los cielos (2005), Robin Hood (2010) o Exodus: Dioses y reyes (2014).
Andrew B.R. Elliott, investigador británico que estudia la representación del pasado en la ficción, coordinó y editó en 2014 The Return Of Epic Film: Genre, Aesthetics & History In The 21st Century (El retorno del cine épico: Género, estética e historia en el siglo XXI), libro donde indagaba en las razones de ese resurgimiento. “Scott consigue evocar el espíritu del pasado, no solo un mundo pasado. Su Coliseo trae a la vida la Antigua Roma de una manera que una visita real al auténtico Coliseo no puede lograr. El ojo pictórico de Scott tiene un gusto en la puesta en escena que hace difícil descartar lo que vemos como un pasado remoto, sino algo vivo, que respira y que está ahí”, explica a ICON. Elliott cree que las olas del cine épico de Hollywood representan el paso a la edad adulta de los directores de diferentes generaciones, aludiendo, en el caso del responsable de Gladiator, a la herencia de Anthony Mann, William Wyler, Giovanni Pastrone o Cecil B. DeMille: “Hay algo de autobiográfico en ese instinto. El retorno a la épica en los dos miles marca la madurez de directores que recrean las producciones épicas de su juventud en los cincuenta y sesenta, que a su vez homenajeaban las de los años veinte y treinta, y así sucesivamente”.
Además del consabido “eco en la eternidad” al que aludía el personaje de Russell Crowe, no es difícil detectar reflejos contemporáneos en las dos películas de Gladiator, crónicas del ocaso de un imperio decadente, marcado por la corrupción, las desigualdades, la tiranía y el panem et circenses. Elliott, no obstante, no cree que el sentido del zeitgeist sea la clave del triunfo de Scott. “Creo que ese tipo de afirmaciones yerran el blanco. El reino de los cielos es un buen ejemplo: por supuesto que una película de 2005 centrada en las Cruzadas inevitablemente tendrá que ver (y se consumirá) con los conflictos contemporáneos en Oriente Próximo, pero casi todas las películas anteriores sobre las Cruzadas tienen también resonancias con su tiempo. Cualquier reflexión sobre el pasado, si es buena, las tiene”. Para Jorge Fonte, la gran aportación del cineasta a la épica ha sido su celo en las recreaciones: “Antes veías a Richard Burton y parecía que venía del tren de lavado, ni se despeinaba peleando. Ese realismo en los elementos de las batallas, en las que te ensucias de barro, sangre, nieve… es algo que agradecerle. La visión que tenemos ahora de la Roma imperial viene muy marcada por él”, dice a ICON.
No se puede desligar de la identidad artística de Scott, asimismo, la del también británico Stanley Kubrick, cuyo Espartaco (1960) es una de las influencias más evidentes de Gladiator. Cuando se embarcó en Napoleón, hubo quien interpretó el movimiento como una enmienda al legendario cineasta, otro todoterreno capaz de abordar exitosamente producciones bélicas, históricas o de ciencia ficción que, sin embargo, nunca cumplió su sueño de sacar adelante un largo sobre Bonaparte. Crítica y público se sorprendieron (algunos, para muy mal) al encontrarse el pasado año una película de registro cercano a la comedia, un retrato ridículo del emperador que se vuelve todavía más grotesco en la superior versión extendida de tres horas y media. Para alguien que, paradójicamente, ha hecho de los presupuestos altísimos y los decorados monumentales un hábitat natural, Napoleón dejaba intuir que Ridley Scott no sentía nada especial por la ambición ni las gestas extraordinarias como fin en sí mismo, compatibles, al término del día, con ser un hombre tan patético y triste como su protagonista. En lo que casi podía leerse como un comentario intertextual, donde Kubrick o Abel Gance colapsaron antes de completar la empresa, Scott relativizaba su importancia.
Por la velocidad a la que despacha encargos y el desconocido grado de implicación en los guiones de sus películas (ha admitido que interviene, pero sin recibir crédito por no pertenecer al sindicato), sería osado apuntar a discursos autorales de los que extraer cómo y qué piensa Ridley Scott, aunque Napoleón ofrece una ventana sugerente a un cierto cinismo amargo. En un perfil en The New Yorker con motivo de su penúltima película, se aludía a otra cuestión fundamental para entender al cineasta en los últimos años: el suicidio de su hermano, el también director Tony Scott, en 2012. Momentos antes de que se quitase la vida, el hombre tras Alien y Blade Runner supuestamente había intentado animar por teléfono a su familiar para que trabajase en una nueva película, a fin de vencer el bache anímico. “Ridley me dijo una vez que toda su vida le ha perseguido una depresión profunda. La llama el perro negro, que es como la nombraba Churchill. Dice ‘Si paro, me hundo”, declaraba el biógrafo Paul Sammon.
Gladiator II le ha dado la mayor apertura comercial de su carrera en todo el mundo y supera los 320 millones de dólares acumulados. La nave sigue avanzando, lejos de sus críticos, lejos del perro negro. Y quien tenga reservas con la calidad de su última etapa siempre puede acudir a lo que recordaba en The Guardian el columnista Stuart Heritage: “La buena noticia de que tenga más proyectos es que habrá más entrevistas a Ridley Scott”.
Fuente: El País de España
La etapa tardía del legendario director, que se ha apuntado uno de sus mayores éxitos con ‘Gladiator II’, ha dejado sus películas más grandiosas pero también las que más han dividido a la crítica y a su público
https://imagenes.elpais.com/resizer/v2/YWO6Y5YV2NBZXDBXEN7NQA33V4.jpg?auth=dc571c97ca48fb96bf8df2ef 5ce1fe96eb9d19a31ebc78d77fcc9621e4b5ed99&width=1200
El director Ridley Scott en 2024.
Karwai Tang (WireImage/Getty)
Jaime Lorite
Madrid - 04 DIC 2024 - 23:30 COT
Con 87 años recién cumplidos y un nuevo éxito de taquilla, el de Gladiator II, sumado a su imponente trayectoria, Ridley Scott (South Shields, Reino Unido) se puede permitir dar algún recado. Como Clint Eastwood, que también acaba de estrenar a los 94 otro largometraje en cines, Jurado nº 2, el cineasta británico ya ha dejado claro que seguirá rodando mientras viva y pueda, lo que en la gira de promoción de su último trabajo le ha servido, por ejemplo, para burlarse de Quentin Tarantino y decirle que debería “callarse y hacer otra película”, en respuesta al anuncio de su retirada (Tarantino tiene 61). El envite contra su colega no es lo más reseñable de la temporada 2024 de entrevistas de Scott. Después de terminar el año pasado proclamando que “los franceses no se gustan ni a sí mismos”, por las quejas galas hacia Napoleón (2023) o pidiendo a los historiadores “que se busquen una vida”, de la secuela de Gladiator (2000) ha confesado no saber si hubo tiburones en las nauas de Roma pero que decidió “ir adelante” de todas formas; o, a propósito de la escena de lucha de los númidas contra babuinos digitales, que se inspiró en el ataque de un babuino alopécico que presenció en Sudáfrica.
Sobre dirigir con casi noventa años, ha dicho que se siente como “en un coche de Fórmula 1″ yendo hacia adelante. Aunque quizá la más impactante declaración de la cosecha sea la de que considera Gladiator II “la mejor película” que ha firmado, como soltó en The Hollywood Reporter. Su último blockbuster se ha recibido con división de opiniones, pero hasta los más firmes entusiastas tendrán difícil no ver como una boutade la frase del director de Alien, el octavo pasajero. “Es una de las mejores”, retrocedía comedidamente después en la entrevista. “He hecho unas cuantas películas buenas”. Lo que no se le puede desmentir al británico es que, igual que el automóvil de competición con el que gusta de asemejarse, no para. En abril tiene previsto rodar en Italia una película de ciencia ficción con Paul Mescal que, desde su siempre hiperbólico prisma, asegura que cuenta con “el mejor guion” que ha leído en una década. En septiembre pondrá en marcha un biopic de los Bee Gees. Y ya habla de un tercer Gladiator, con un hipotético argumento inspirado en El Padrino: Parte II (1974).
https://imagenes.elpais.com/resizer/v2/CPRHHUEISZAX7L5PEZZARPZWNY.jpg?auth=b8f2a918030eb00a3664fee0 34683890c8883d635567321c4c2c9fc64ae27a31&width=980
Ridley Scott en el rodaje de 'Black Rain'.
Sunset Boulevard (Corbis via Getty Images)
Su ritmo prolífico, incluso intensificado en los últimos años, no se ha visto correspondido con brillantes críticas. Más bien al contrario. A las modernas películas de Scott –entre las que se encuentran algunas de las más caras de toda su carrera– no les falta ambición, aunque el carácter resolutivo del cineasta, tan dado a tirar por la calle del medio frente a cualquier duda, crea en estas superproducciones una extraña sensación por el desequilibrio entre la escala y el desdén con el que parecen acometidas. El propio director de fotografía de Gladiator II, John Mathieson, un viejo conocido de Scott con quien llevaba sin colaborar desde Robin Hood (2010), ha criticado su actitud: en el podcast The Doc Fix cargó contra su jefe acusándolo de “vago” e “impaciente”, por cubrir las escenas con multicámaras para rodar de golpe todos los planos en la menor cantidad de tomas posibles. “No es algo bueno para la fotografía, porque solo puedes iluminar desde un ángulo. Si ves sus películas antiguas, la profundidad [visual] se debía en gran parte a la iluminación. Pero él solo quiere quitárselo de encima”, lamentaba.
El escritor y ensayista cinematográfico Jorge Fonte, autor del monográfico Ridley Scott (Cátedra, 2016), comparte ese desencanto con su trabajo actual. “Sinceramente, no he visto Gladiator II porque me da miedo, respeto y mucha pereza. Tuve la suerte de concluir el libro con Marte [2015], que es, a grandes rasgos, la mejor de la última etapa”, reconoce a ICON. “Sí que vi la versión de Napoleón que estrenó en cines, no la extendida, que me dio también un poco de pereza, y me aburrió mucho. Cuando ves a Napoleón bombardeando las pirámides [de Egipto], desconectas. La historia no está bien contada y Joaquin Phoenix parece que se tomó un ácido antes de rodar. Entre batalla y batalla te duermes, te despiertas con los cañones”. Sobre el sonado disparo a las pirámides en Napoleón, Scott defendió que narrativamente “era una manera rápida de decir que tomó Egipto”.
Fonte señala que “a lo largo de su carrera, siempre ha tenido muchos altibajos, películas inmensas y otras que podría habernos ahorrado”, aunque le llama la atención el diálogo entre el Scott del presente y el actual ecosistema industrial. ¿Un maestro churrero de proyectos de 200 millones de dólares ideal para la era del contenido? “Hay un consumo cada vez más rápido de películas y series, tal es la avalancha que se nos viene encima. Se están produciendo a un ritmo excesivo, llegan a plataformas y las olvidamos. De Ridley Scott hay películas recientes suyas que es como si nunca las hubiese visto. Todo el dinero del mundo [2017] y La casa Gucci [2021] son casi iguales. Y El último duelo [2021] me pareció demasiada película para tan poca historia. No necesitaba dos horas y media para eso”.
Restaurando el sueño de Marco Aurelio
Ridley Scott, que comenzó su carrera como visionario director de ciencia ficción y hábil conocedor del lenguaje publicitario, ha visto su nombre mucho más asociado en la segunda mitad de su vida a las megaproducciones épicas. Aunque la ambientación histórica siempre le interesó, como prueba la película con la que debutó, Los duelistas (1977), o su defenestrado relato de la llegada de Colón a América en 1492 La conquista del paraíso (1992) –que, según ha revelado hace pocas semanas, quiere reestrenar con un nuevo montaje de cuatro horas–, el gigantesco éxito del primer Gladiator le convirtió en el hombre que refundó el péplum. Junto a El Señor de los Anillos (2001), la película de Scott sentó las bases del cine espectáculo del siglo XXI e inauguró una nueva edad de oro para la aventura épica, a la que volvería con desiguales resultados en El reino de los cielos (2005), Robin Hood (2010) o Exodus: Dioses y reyes (2014).
Andrew B.R. Elliott, investigador británico que estudia la representación del pasado en la ficción, coordinó y editó en 2014 The Return Of Epic Film: Genre, Aesthetics & History In The 21st Century (El retorno del cine épico: Género, estética e historia en el siglo XXI), libro donde indagaba en las razones de ese resurgimiento. “Scott consigue evocar el espíritu del pasado, no solo un mundo pasado. Su Coliseo trae a la vida la Antigua Roma de una manera que una visita real al auténtico Coliseo no puede lograr. El ojo pictórico de Scott tiene un gusto en la puesta en escena que hace difícil descartar lo que vemos como un pasado remoto, sino algo vivo, que respira y que está ahí”, explica a ICON. Elliott cree que las olas del cine épico de Hollywood representan el paso a la edad adulta de los directores de diferentes generaciones, aludiendo, en el caso del responsable de Gladiator, a la herencia de Anthony Mann, William Wyler, Giovanni Pastrone o Cecil B. DeMille: “Hay algo de autobiográfico en ese instinto. El retorno a la épica en los dos miles marca la madurez de directores que recrean las producciones épicas de su juventud en los cincuenta y sesenta, que a su vez homenajeaban las de los años veinte y treinta, y así sucesivamente”.
Además del consabido “eco en la eternidad” al que aludía el personaje de Russell Crowe, no es difícil detectar reflejos contemporáneos en las dos películas de Gladiator, crónicas del ocaso de un imperio decadente, marcado por la corrupción, las desigualdades, la tiranía y el panem et circenses. Elliott, no obstante, no cree que el sentido del zeitgeist sea la clave del triunfo de Scott. “Creo que ese tipo de afirmaciones yerran el blanco. El reino de los cielos es un buen ejemplo: por supuesto que una película de 2005 centrada en las Cruzadas inevitablemente tendrá que ver (y se consumirá) con los conflictos contemporáneos en Oriente Próximo, pero casi todas las películas anteriores sobre las Cruzadas tienen también resonancias con su tiempo. Cualquier reflexión sobre el pasado, si es buena, las tiene”. Para Jorge Fonte, la gran aportación del cineasta a la épica ha sido su celo en las recreaciones: “Antes veías a Richard Burton y parecía que venía del tren de lavado, ni se despeinaba peleando. Ese realismo en los elementos de las batallas, en las que te ensucias de barro, sangre, nieve… es algo que agradecerle. La visión que tenemos ahora de la Roma imperial viene muy marcada por él”, dice a ICON.
No se puede desligar de la identidad artística de Scott, asimismo, la del también británico Stanley Kubrick, cuyo Espartaco (1960) es una de las influencias más evidentes de Gladiator. Cuando se embarcó en Napoleón, hubo quien interpretó el movimiento como una enmienda al legendario cineasta, otro todoterreno capaz de abordar exitosamente producciones bélicas, históricas o de ciencia ficción que, sin embargo, nunca cumplió su sueño de sacar adelante un largo sobre Bonaparte. Crítica y público se sorprendieron (algunos, para muy mal) al encontrarse el pasado año una película de registro cercano a la comedia, un retrato ridículo del emperador que se vuelve todavía más grotesco en la superior versión extendida de tres horas y media. Para alguien que, paradójicamente, ha hecho de los presupuestos altísimos y los decorados monumentales un hábitat natural, Napoleón dejaba intuir que Ridley Scott no sentía nada especial por la ambición ni las gestas extraordinarias como fin en sí mismo, compatibles, al término del día, con ser un hombre tan patético y triste como su protagonista. En lo que casi podía leerse como un comentario intertextual, donde Kubrick o Abel Gance colapsaron antes de completar la empresa, Scott relativizaba su importancia.
Por la velocidad a la que despacha encargos y el desconocido grado de implicación en los guiones de sus películas (ha admitido que interviene, pero sin recibir crédito por no pertenecer al sindicato), sería osado apuntar a discursos autorales de los que extraer cómo y qué piensa Ridley Scott, aunque Napoleón ofrece una ventana sugerente a un cierto cinismo amargo. En un perfil en The New Yorker con motivo de su penúltima película, se aludía a otra cuestión fundamental para entender al cineasta en los últimos años: el suicidio de su hermano, el también director Tony Scott, en 2012. Momentos antes de que se quitase la vida, el hombre tras Alien y Blade Runner supuestamente había intentado animar por teléfono a su familiar para que trabajase en una nueva película, a fin de vencer el bache anímico. “Ridley me dijo una vez que toda su vida le ha perseguido una depresión profunda. La llama el perro negro, que es como la nombraba Churchill. Dice ‘Si paro, me hundo”, declaraba el biógrafo Paul Sammon.
Gladiator II le ha dado la mayor apertura comercial de su carrera en todo el mundo y supera los 320 millones de dólares acumulados. La nave sigue avanzando, lejos de sus críticos, lejos del perro negro. Y quien tenga reservas con la calidad de su última etapa siempre puede acudir a lo que recordaba en The Guardian el columnista Stuart Heritage: “La buena noticia de que tenga más proyectos es que habrá más entrevistas a Ridley Scott”.
Fuente: El País de España
Heráclito
16-12-2024, 09:53:13
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4488806&stc=1&d=1734360730
Por qué los Oscar de 1972 siguen siendo uno de los mejores de la historia
Actualizado: Oct 11, 2024, 09:20
Echando la vista atrás, los Oscar de 1972 parecen una cápsula del tiempo de un Hollywood cambiante. Los Oscar de ese año fueron algo más que una ceremonia de entrega de premios, fue una deslumbrante celebración del cine que captó la esencia de una época pasada.
En los últimos años, he tenido la sensación de que los Oscar se han vuelto más sosos y aburridos. Parece que se trata más de presumir que de celebrar realmente a los demás y sus logros. La alegría genuina y el orgullo por el éxito de los demás parecen haberse desvanecido, haciendo que la ceremonia parezca menos auténtica y memorable de lo que solía ser.
https://cdn-main.newsner.com/wp-content/uploads/sites/11/2024/10/08085623/GettyImages-3438400.jpg
Raquel Welch and American football player Joe Namath attend the Academy Awards together, Los Angeles, California. (Photo by Fotos International/Getty Images)
En mi opinión, los Oscar de 1972 fueron algo completamente diferente. Esa noche tan especial estuvo llena de momentos inolvidables que pusieron el listón muy alto para todas las ceremonias de los Oscar posteriores. Volver a esa noche es como entrar en una cápsula del tiempo de la época dorada de Hollywood, y las fotos inéditas de esa noche cuentan una historia de puro glamour y poder de las estrellas. ¿Qué hizo que los Oscar de 1972 destacaran sobre los demás?
Un año histórico
Para empezar, la 44ª edición de los Premios de la Academia reconoció algunas de las mejores películas de la historia del cine. The French Connection dominó la noche, llevándose a casa cinco Oscar, entre ellos el de mejor película, mejor director para William Friedkin y mejor actor para Gene Hackman, quien encarnó al detective de la policía de Nueva York Jimmy «Popeye» Doyle.
El realismo descarnado de la película y sus intensas persecuciones automovilísticas establecieron un nuevo estándar para las películas de suspense, y su éxito en los Oscar consolidó su lugar en la historia del cine. Era una película real, con actores reales y una historia realmente buena, algo que se echa en falta hoy en día.
«La película era totalmente diferente a todo lo que había hecho hasta entonces. Nunca había rodado tanto en exteriores, y especialmente en invierno y en esas condiciones en las que estábamos todo el tiempo. Y creo que nunca me había sentido tan presionado por un director, lo que fue muy bueno para mí», dijo Gene Hackman.
https://cdn-main.newsner.com/wp-content/uploads/sites/11/2024/10/08085215/GettyImages-3309447.jpg
Gene Hackman estaba tan conmocionado al ganar el premio que ni siquiera recordaba haberse levantado de su asiento para dirigirse al podio. En el escenario, el actor expresó su gratitud a su primer profesor de arte dramático y a su madre, pero pronto se vio desbordado por la emoción.
Otra obra maestra, La naranja mecánica, también fue nominada ese año. La visión distópica de Stanley Kubrick suscitó controversia y admiración, lo que contribuyó a la importancia cultural de la ceremonia. Por su parte, El violinista en el tejado devolvió al público al género musical, encandilándolo con su arrolladora partitura y su conmovedora historia.
The Last Picture Show, la obra maestra de Peter Bogdanovich, cautivó al público y obtuvo ocho nominaciones al Oscar. Destaca su evocadora fotografía en blanco y negro y su nostálgico retrato de la vida en un pequeño pueblo. Cloris Leachman y Ben Johnson ofrecieron interpretaciones inolvidables y se llevaron sendos Oscar a la mejor actriz y actor de reparto.
Los Oscar de 1972 supusieron un deslumbrante retorno al brillo y el glamour de la época dorada de Hollywood.Atrás quedaron las plumas, los flecos y las diademas hippies que habían dominado las últimas ceremonias. La gala de este año mostró un impresionante despliegue de elegancia vintage, con estrellas ataviadas con vaporosos chifones y lujosos brocados, acentuados con diamantes y pieles.
https://cdn-main.newsner.com/wp-content/uploads/sites/11/2024/10/08085740/GettyImages-105918194.jpg
Rebecca De Mornay during 44th Annual Academy Awards at Dorothy Chandler Pavillion in Los Angeles, California, United States. (Photo by Ron Galella/Ron Galella Collection via Getty Images)
Como señalaron algunos periodistas, no hubo ni un solo traje de chaqueta a la vista, aunque Jane Fonda se atrevió con uno de los pocos trajes de pantalón de la alfombra roja. Un reportero también señaló que muchas de las damas mostraron «mucho escote», lo que contribuyó al glamour de la velada.
Protestas
Como siempre, la zona exterior del Music Center de Los Ángeles estaba repleta de aficionados deseosos de ver el desfile de estrellas que se dirigía a la ceremonia de entrega de premios. Sin embargo, la emoción estaba teñida de tensión, ya que se produjeron protestas en las inmediaciones, algo habitual en aquella época. Los manifestantes, bastante ruidosos, fueron contenidos por un cordón policial.
Ese año, las protestas se centraron en Harry el Sucio, de Clint Eastwood, que, a pesar de no estar nominada a ningún premio, fue criticada por glorificar supuestamente la violencia policial. Un cartel especialmente llamativo rezaba: «Harry el sucio es un huevo podrido».
https://cdn-main.newsner.com/wp-content/uploads/sites/11/2024/10/08085948/1021204446_62d337c752_z.jpg
Sin camiseta y cubierto de cadenas
La música desempeñó un papel importante para que los Oscar de 1972 fueran inolvidables. Isaac Hayes hizo historia como el primer afroamericano en ganar un Oscar a la mejor canción original por su éxito «Theme from Shaft», llevando la música soul a los Oscar de una forma que nunca antes se había hecho.
Su electrizante actuación en el escenario fue uno de los momentos culminantes de aquella noche de abril. El icono, descamisado y encadenado, dominó el escenario mientras tocaba el teclado, rodeado de un torbellino de bailarines. El espectáculo alcanzó su punto álgido cuando Hayes desapareció bajo el escenario en una nube de humo, dejando al público boquiabierto. Fue un momento que realmente definió la magia de los Oscar.
La despedida de Betty Grable
Uno de los momentos más destacados de la velada fue la última aparición en público de la legendaria actriz Betty Grable. Betty Grable fue -y sigue siendo- uno de los gigantes de Hollywood. Su icónico póster en traje de baño, de 1943, la catapultó a la fama como la mejor chica pin-up de la Segunda Guerra Mundial. Pero Grable era algo más que una cara bonita, fue una actriz de gran éxito, y sus 42 películas de los años 30 y 40 recaudaron más de 100 millones de dólares.
https://cdn-main.newsner.com/wp-content/uploads/sites/11/2024/10/08084955/poster.jpg
A mediados de los años 40, fue la mujer mejor pagada de Estados Unidos, con un famoso seguro para sus piernas de un millón de dólares. Reflexionando sobre su increíble trayectoria en el cine, Grable dijo una vez: «Me convertí en estrella por dos razones, y me mantengo en ellas».
Betty Grable llegó con un llamativo vestido turquesa, bellamente acentuado con lentejuelas plateadas y con un elegante escote. Lamentablemente, los Oscar de 1972 supusieron una de sus últimas apariciones públicas, un momento agridulce para los fans que la adoraban. Desgraciadamente, falleció un año más tarde de cáncer de pulmón, a la edad de 56 años.
Un pionero frágil y de pelo blanco
Entre el conjunto de estrellas de la 44ª edición de los Óscar, una figura destacó por encima de las demás. En el momento culminante de la entrega de premios, de casi tres horas de duración, hizo una aparición sorpresa un pionero del cine, frágil y de pelo blanco. No era otro que Charlie Chaplin, expulsado de Hollywood y de Estados Unidos dos décadas antes tras ser acusado de simpatizar con el comunismo.
El momento fue increíblemente emotivo, ya que Chaplin recibió un homenaje por su contribución al cine. El actor, de 82 años, subió al escenario con su característico bastón derby, arrancando un atronador aplauso de las 2.900 celebridades asistentes.
https://cdn-main.newsner.com/wp-content/uploads/sites/11/2024/10/08085119/GettyImages-642471985.jpg
Charlie Chaplin circa 1972 in New York City. (Photo by Images Press/IMAGES/Getty Images)
De hecho, la ovación duró 12 minutos, la más larga de la historia de los Oscar. Para los millones de espectadores, ver a este gigante del cine frente a ellos fue casi surrealista. Pero el momento más conmovedor lo protagonizó el propio Chaplin al recibir el premio especial de la Academia de Cine.
«Muchas gracias. Es un momento muy emotivo para mí. Y las palabras son tan débiles e inútiles. Gracias por el honor de invitarme aquí. Sois gente maravillosa y dulce», dijo el actor cómico inglés.
Veteranos y nuevos
Como ya se ha mencionado, la ceremonia de 1972 fue una celebración de la unión del viejo y el nuevo Hollywood. Estrellas legendarias como Jane Russell, Macdonald Carey y Jane Powell Kelly compartieron protagonismo con la generación emergente de actores como Jane Fonda, Jack Nicholson, Gene Hackman, Cloris Leachman y Raquel Welch.
La alfombra roja fue un despliegue de pura elegancia, con estrellas ataviadas con glamurosos vestidos y esmóquines que destilaban el encanto atemporal de la época dorada de Hollywood.
https://cdn-main.newsner.com/wp-content/uploads/sites/11/2024/10/08085714/GettyImages-2815292.jpg
Jack Nicholson, Sally Kellerman (L) and Michelle Phillips attend the Academy Awards ceremony at the Dorothy Chandler Pavilion of the L.A. Music Center, Los Angeles, California, April 1972. (Photo by Max Miller/Fotos International/Getty Images)
Hay sin duda muchas fotos de esa noche que captan la atmósfera eléctrizante que se respiraba. Pero hay una foto que me llamó mucho la atención, la de Raquel Welch, Cloris Leachman y Gene Hackman juntos.
Gene Hackman tenía motivos para sonreír y estar feliz en esta foto, Cloris Leachman había ganado el premio a la mejor actriz de reparto por The Last Picture Show, y Raquel Welch estaba radiante con su impresionante vestido. En los Oscar de 1972, Welch no solo fue la presentadora del premio a la mejor actriz de reparto, sino también una representación de los cambiantes ideales de feminidad en Hollywood. Su confianza y glamour en la foto simbolizan un momento en el que las mujeres empezaron a afirmar su influencia en la industria.
Detrás de la imagen
Para mí, la fotografía resume no sólo un momento en el tiempo, sino también las carreras y contribuciones de tres figuras fundamentales de la industria cinematográfica. Cada uno de ellos representa una faceta diferente de la evolución de Hollywood. Por ejemplo, la actuación de Leachman destaca como símbolo del cambiante panorama cinematográfico de la época. Su victoria representó un cambio hacia historias más matizadas y centradas en los personajes.
La imagen de Hackman, Leachman y Welch también refleja los cambios culturales que se estaban produciendo a principios de la década de 1970. La industria cinematográfica se alejaba de los relatos tradicionales y adoptaba una narrativa más diversa, lo que era evidente en las películas nominadas ese año.
https://cdn-main.newsner.com/wp-content/uploads/sites/11/2024/10/08084927/GettyImages-557708747.jpg
Raquel Welch, Gene Hackman and Cloris Leachman (holding her Best Supporting Actress Oscar) at the 44th Academy Awards in Hollywood, CA, April 17th 1972. (Photo by Keystone/Hulton Archive/Getty Images)
Ya sea a través del objetivo de la cámara o del eco de los aplausos, los Oscar de 1972 ocuparán para siempre un lugar especial en la historia del cine.
Fuente: Newsner
Por qué los Oscar de 1972 siguen siendo uno de los mejores de la historia
Actualizado: Oct 11, 2024, 09:20
Echando la vista atrás, los Oscar de 1972 parecen una cápsula del tiempo de un Hollywood cambiante. Los Oscar de ese año fueron algo más que una ceremonia de entrega de premios, fue una deslumbrante celebración del cine que captó la esencia de una época pasada.
En los últimos años, he tenido la sensación de que los Oscar se han vuelto más sosos y aburridos. Parece que se trata más de presumir que de celebrar realmente a los demás y sus logros. La alegría genuina y el orgullo por el éxito de los demás parecen haberse desvanecido, haciendo que la ceremonia parezca menos auténtica y memorable de lo que solía ser.
https://cdn-main.newsner.com/wp-content/uploads/sites/11/2024/10/08085623/GettyImages-3438400.jpg
Raquel Welch and American football player Joe Namath attend the Academy Awards together, Los Angeles, California. (Photo by Fotos International/Getty Images)
En mi opinión, los Oscar de 1972 fueron algo completamente diferente. Esa noche tan especial estuvo llena de momentos inolvidables que pusieron el listón muy alto para todas las ceremonias de los Oscar posteriores. Volver a esa noche es como entrar en una cápsula del tiempo de la época dorada de Hollywood, y las fotos inéditas de esa noche cuentan una historia de puro glamour y poder de las estrellas. ¿Qué hizo que los Oscar de 1972 destacaran sobre los demás?
Un año histórico
Para empezar, la 44ª edición de los Premios de la Academia reconoció algunas de las mejores películas de la historia del cine. The French Connection dominó la noche, llevándose a casa cinco Oscar, entre ellos el de mejor película, mejor director para William Friedkin y mejor actor para Gene Hackman, quien encarnó al detective de la policía de Nueva York Jimmy «Popeye» Doyle.
El realismo descarnado de la película y sus intensas persecuciones automovilísticas establecieron un nuevo estándar para las películas de suspense, y su éxito en los Oscar consolidó su lugar en la historia del cine. Era una película real, con actores reales y una historia realmente buena, algo que se echa en falta hoy en día.
«La película era totalmente diferente a todo lo que había hecho hasta entonces. Nunca había rodado tanto en exteriores, y especialmente en invierno y en esas condiciones en las que estábamos todo el tiempo. Y creo que nunca me había sentido tan presionado por un director, lo que fue muy bueno para mí», dijo Gene Hackman.
https://cdn-main.newsner.com/wp-content/uploads/sites/11/2024/10/08085215/GettyImages-3309447.jpg
Gene Hackman estaba tan conmocionado al ganar el premio que ni siquiera recordaba haberse levantado de su asiento para dirigirse al podio. En el escenario, el actor expresó su gratitud a su primer profesor de arte dramático y a su madre, pero pronto se vio desbordado por la emoción.
Otra obra maestra, La naranja mecánica, también fue nominada ese año. La visión distópica de Stanley Kubrick suscitó controversia y admiración, lo que contribuyó a la importancia cultural de la ceremonia. Por su parte, El violinista en el tejado devolvió al público al género musical, encandilándolo con su arrolladora partitura y su conmovedora historia.
The Last Picture Show, la obra maestra de Peter Bogdanovich, cautivó al público y obtuvo ocho nominaciones al Oscar. Destaca su evocadora fotografía en blanco y negro y su nostálgico retrato de la vida en un pequeño pueblo. Cloris Leachman y Ben Johnson ofrecieron interpretaciones inolvidables y se llevaron sendos Oscar a la mejor actriz y actor de reparto.
Los Oscar de 1972 supusieron un deslumbrante retorno al brillo y el glamour de la época dorada de Hollywood.Atrás quedaron las plumas, los flecos y las diademas hippies que habían dominado las últimas ceremonias. La gala de este año mostró un impresionante despliegue de elegancia vintage, con estrellas ataviadas con vaporosos chifones y lujosos brocados, acentuados con diamantes y pieles.
https://cdn-main.newsner.com/wp-content/uploads/sites/11/2024/10/08085740/GettyImages-105918194.jpg
Rebecca De Mornay during 44th Annual Academy Awards at Dorothy Chandler Pavillion in Los Angeles, California, United States. (Photo by Ron Galella/Ron Galella Collection via Getty Images)
Como señalaron algunos periodistas, no hubo ni un solo traje de chaqueta a la vista, aunque Jane Fonda se atrevió con uno de los pocos trajes de pantalón de la alfombra roja. Un reportero también señaló que muchas de las damas mostraron «mucho escote», lo que contribuyó al glamour de la velada.
Protestas
Como siempre, la zona exterior del Music Center de Los Ángeles estaba repleta de aficionados deseosos de ver el desfile de estrellas que se dirigía a la ceremonia de entrega de premios. Sin embargo, la emoción estaba teñida de tensión, ya que se produjeron protestas en las inmediaciones, algo habitual en aquella época. Los manifestantes, bastante ruidosos, fueron contenidos por un cordón policial.
Ese año, las protestas se centraron en Harry el Sucio, de Clint Eastwood, que, a pesar de no estar nominada a ningún premio, fue criticada por glorificar supuestamente la violencia policial. Un cartel especialmente llamativo rezaba: «Harry el sucio es un huevo podrido».
https://cdn-main.newsner.com/wp-content/uploads/sites/11/2024/10/08085948/1021204446_62d337c752_z.jpg
Sin camiseta y cubierto de cadenas
La música desempeñó un papel importante para que los Oscar de 1972 fueran inolvidables. Isaac Hayes hizo historia como el primer afroamericano en ganar un Oscar a la mejor canción original por su éxito «Theme from Shaft», llevando la música soul a los Oscar de una forma que nunca antes se había hecho.
Su electrizante actuación en el escenario fue uno de los momentos culminantes de aquella noche de abril. El icono, descamisado y encadenado, dominó el escenario mientras tocaba el teclado, rodeado de un torbellino de bailarines. El espectáculo alcanzó su punto álgido cuando Hayes desapareció bajo el escenario en una nube de humo, dejando al público boquiabierto. Fue un momento que realmente definió la magia de los Oscar.
La despedida de Betty Grable
Uno de los momentos más destacados de la velada fue la última aparición en público de la legendaria actriz Betty Grable. Betty Grable fue -y sigue siendo- uno de los gigantes de Hollywood. Su icónico póster en traje de baño, de 1943, la catapultó a la fama como la mejor chica pin-up de la Segunda Guerra Mundial. Pero Grable era algo más que una cara bonita, fue una actriz de gran éxito, y sus 42 películas de los años 30 y 40 recaudaron más de 100 millones de dólares.
https://cdn-main.newsner.com/wp-content/uploads/sites/11/2024/10/08084955/poster.jpg
A mediados de los años 40, fue la mujer mejor pagada de Estados Unidos, con un famoso seguro para sus piernas de un millón de dólares. Reflexionando sobre su increíble trayectoria en el cine, Grable dijo una vez: «Me convertí en estrella por dos razones, y me mantengo en ellas».
Betty Grable llegó con un llamativo vestido turquesa, bellamente acentuado con lentejuelas plateadas y con un elegante escote. Lamentablemente, los Oscar de 1972 supusieron una de sus últimas apariciones públicas, un momento agridulce para los fans que la adoraban. Desgraciadamente, falleció un año más tarde de cáncer de pulmón, a la edad de 56 años.
Un pionero frágil y de pelo blanco
Entre el conjunto de estrellas de la 44ª edición de los Óscar, una figura destacó por encima de las demás. En el momento culminante de la entrega de premios, de casi tres horas de duración, hizo una aparición sorpresa un pionero del cine, frágil y de pelo blanco. No era otro que Charlie Chaplin, expulsado de Hollywood y de Estados Unidos dos décadas antes tras ser acusado de simpatizar con el comunismo.
El momento fue increíblemente emotivo, ya que Chaplin recibió un homenaje por su contribución al cine. El actor, de 82 años, subió al escenario con su característico bastón derby, arrancando un atronador aplauso de las 2.900 celebridades asistentes.
https://cdn-main.newsner.com/wp-content/uploads/sites/11/2024/10/08085119/GettyImages-642471985.jpg
Charlie Chaplin circa 1972 in New York City. (Photo by Images Press/IMAGES/Getty Images)
De hecho, la ovación duró 12 minutos, la más larga de la historia de los Oscar. Para los millones de espectadores, ver a este gigante del cine frente a ellos fue casi surrealista. Pero el momento más conmovedor lo protagonizó el propio Chaplin al recibir el premio especial de la Academia de Cine.
«Muchas gracias. Es un momento muy emotivo para mí. Y las palabras son tan débiles e inútiles. Gracias por el honor de invitarme aquí. Sois gente maravillosa y dulce», dijo el actor cómico inglés.
Veteranos y nuevos
Como ya se ha mencionado, la ceremonia de 1972 fue una celebración de la unión del viejo y el nuevo Hollywood. Estrellas legendarias como Jane Russell, Macdonald Carey y Jane Powell Kelly compartieron protagonismo con la generación emergente de actores como Jane Fonda, Jack Nicholson, Gene Hackman, Cloris Leachman y Raquel Welch.
La alfombra roja fue un despliegue de pura elegancia, con estrellas ataviadas con glamurosos vestidos y esmóquines que destilaban el encanto atemporal de la época dorada de Hollywood.
https://cdn-main.newsner.com/wp-content/uploads/sites/11/2024/10/08085714/GettyImages-2815292.jpg
Jack Nicholson, Sally Kellerman (L) and Michelle Phillips attend the Academy Awards ceremony at the Dorothy Chandler Pavilion of the L.A. Music Center, Los Angeles, California, April 1972. (Photo by Max Miller/Fotos International/Getty Images)
Hay sin duda muchas fotos de esa noche que captan la atmósfera eléctrizante que se respiraba. Pero hay una foto que me llamó mucho la atención, la de Raquel Welch, Cloris Leachman y Gene Hackman juntos.
Gene Hackman tenía motivos para sonreír y estar feliz en esta foto, Cloris Leachman había ganado el premio a la mejor actriz de reparto por The Last Picture Show, y Raquel Welch estaba radiante con su impresionante vestido. En los Oscar de 1972, Welch no solo fue la presentadora del premio a la mejor actriz de reparto, sino también una representación de los cambiantes ideales de feminidad en Hollywood. Su confianza y glamour en la foto simbolizan un momento en el que las mujeres empezaron a afirmar su influencia en la industria.
Detrás de la imagen
Para mí, la fotografía resume no sólo un momento en el tiempo, sino también las carreras y contribuciones de tres figuras fundamentales de la industria cinematográfica. Cada uno de ellos representa una faceta diferente de la evolución de Hollywood. Por ejemplo, la actuación de Leachman destaca como símbolo del cambiante panorama cinematográfico de la época. Su victoria representó un cambio hacia historias más matizadas y centradas en los personajes.
La imagen de Hackman, Leachman y Welch también refleja los cambios culturales que se estaban produciendo a principios de la década de 1970. La industria cinematográfica se alejaba de los relatos tradicionales y adoptaba una narrativa más diversa, lo que era evidente en las películas nominadas ese año.
https://cdn-main.newsner.com/wp-content/uploads/sites/11/2024/10/08084927/GettyImages-557708747.jpg
Raquel Welch, Gene Hackman and Cloris Leachman (holding her Best Supporting Actress Oscar) at the 44th Academy Awards in Hollywood, CA, April 17th 1972. (Photo by Keystone/Hulton Archive/Getty Images)
Ya sea a través del objetivo de la cámara o del eco de los aplausos, los Oscar de 1972 ocuparán para siempre un lugar especial en la historia del cine.
Fuente: Newsner
patoruzyto
24-12-2024, 18:55:25
QUE VERDE ERA MI VALLE
f1a60JjcuAE
Que verde era mi valle es una obra maestra del cine. Rodada en blanco y negro en 1941 bajo la dirección de John Ford, fue galardonada con 5 oscars, derrotando a la famosa Ciudadano Kane.
Se trata de una obra costumbrista que describe las duras condicciones de vida de una comunidad galesa que padece la explotación económica minera tan frecuente de la época. El refugio que constituía la familia y los valores de la fe cristiana como base de la estructura social, se ven enfrentados a las nuevas corrientes auspiciadas en el cambio generacional y que producirá grietas irreparables. "¡Qué verde era mi valle! es una preciosa película, llena de humanidad, de amor familiar, de coraje, de determinación, una especie de oda a los valores morales. Una película que respira sensibilidad y ternura, que despierta admiración y un cierto hálito de nostalgia."
https://th.bing.com/th/id/OIP.h9iL0AJJr7f5lUANd-B_KQHaJ4?rs=1&pid=ImgDetMain https://i.pinimg.com/236x/8a/e4/70/8ae4706d5861485cbc194cb1ba473b63.jpg
f1a60JjcuAE
Que verde era mi valle es una obra maestra del cine. Rodada en blanco y negro en 1941 bajo la dirección de John Ford, fue galardonada con 5 oscars, derrotando a la famosa Ciudadano Kane.
Se trata de una obra costumbrista que describe las duras condicciones de vida de una comunidad galesa que padece la explotación económica minera tan frecuente de la época. El refugio que constituía la familia y los valores de la fe cristiana como base de la estructura social, se ven enfrentados a las nuevas corrientes auspiciadas en el cambio generacional y que producirá grietas irreparables. "¡Qué verde era mi valle! es una preciosa película, llena de humanidad, de amor familiar, de coraje, de determinación, una especie de oda a los valores morales. Una película que respira sensibilidad y ternura, que despierta admiración y un cierto hálito de nostalgia."
https://th.bing.com/th/id/OIP.h9iL0AJJr7f5lUANd-B_KQHaJ4?rs=1&pid=ImgDetMain https://i.pinimg.com/236x/8a/e4/70/8ae4706d5861485cbc194cb1ba473b63.jpg
Heráclito
25-12-2024, 11:47:25
Como anécdota, esta película derrotó al "Ciudadano Kane" ganando el Oscar a la mejor película de 1941. Quienes deseen disfrutar esta película "Qué verde era mi valle", pueden verla en el siguiente enlace: https://ok.ru/video/2328935139977 (en la parte de abajo deben activar los subtítulos en español)
vBulletin® v3.8.9, Derechos de autor ©2000-2026, Jelsoft Enterprises Ltd.
SEO by vBSEO
SEO by vBSEO