Ayudante De Santa
06-11-2015, 22:19:08
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Heráclito
31-12-2024, 15:08:59
Clark Gable, "el Rey de Hollywood"
Javier Leal
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Clark Gable, el "Rey de Hollywood", era un hombre de carisma, misterio y presencia indomable, tanto en la pantalla como fuera de ella. En 1957, Gable asistió al estreno de El Espíritu de St. Louis con su quinta esposa, Kay Williams. En ese momento, Gable ya estaba entrado en sus cincuenta, después de haber consolidado su estatus como una de las mayores estrellas de Hollywood a través de papeles icónicos como Rhett Butler en Lo que el viento se llevó (1939) y Peter Warne en It Happened One Night (1934), lo que le valió un Oscar al Mejor Actor. La aparición de la pareja en el estreno fue una rara salida pública para Gable, quien, como admitió su esposa Kay, no era particularmente aficionado a los eventos sociales a pesar de su naturaleza amistosa.
En entrevistas sobre esa época, Kay compartió anécdotas sobre su matrimonio con el famoso Gable. Ella confesó que aunque su marido era de naturaleza afable y encantadora, él no era alguien que disfrutara de los focos o el constante circuito de fiestas que venía con ser una estrella de Hollywood. En 1957, Gable ya había "pasado esa fase" y había decidido que no era para él. Sin embargo, Kay, una socialité a la que le encantaba una buena fiesta y un poco de cotilleo, se las arreglaba para convencerlo para que asistiera a eventos aquí y allá, como el estreno de The Spirit of St. Louis. Sin embargo, incluso en estas reuniones, Gable prefirió permanecer en privado y a menudo se mantuvo alejado de los chismes que dominaban las conversaciones de Hollywood.
Los comentarios de Kay sobre la reticencia de Gable a los cotilleos revelaron un aspecto fascinante de su personalidad. Hollywood durante la década de 1950 estuvo plagado de historias, rumores y escándalo. La industria, basada en el glamour y el atractivo, prosperó con la especulación sobre sus estrellas. Gable, que había pasado más de tres décadas en el centro de atención en ese momento, había trabajado con algunas de las actrices más famosas de la época: Joan Crawford, Jean Harlow, y su gran amor, Carole Lombard. Sin embargo, a pesar de su rica historia de relaciones románticas y profesionales, mantenía los labios apretados cuando se trataba de hablar de su pasado, especialmente del de sus protagonistas. Según Kay, cada vez que ella intentaba burlarse de él para que compartiera detalles sobre sus experiencias con estas mujeres famosas, Gable mostraba su sonrisa característica, la que había capturado los corazones de millones, y respondía con un educado y sin compromiso "Es una buena chica. Una buena chica. ”
Esta moderación y conducta caballerosa fueron característicos de Gable, quien, a pesar de su robusta y a veces pícara persona en la pantalla, era profundamente respetuoso con la gente con la que trabajaba. Los chismes de Hollywood en ese momento a menudo se centraban en escándalos, y la resistencia de Gable a participar en esta cultura lo distingue de muchos de sus compañeros. En una industria que prosperó con la intriga, Gable mantuvo una distancia digna, mostrando respeto por sus antiguas co-estrellas y colegas al negarse a entretener una conversación chismosa.
La reticencia de Gable sobre sus relaciones pasadas fue particularmente interesante teniendo en cuenta la naturaleza de alto perfil de algunos de esos romances. Su aventura amorosa y matrimonio con Carole Lombard fue cosa de la leyenda de Hollywood. Los dos estaban profundamente enamorados, y su relación fue una de las más celebradas en la industria. Cuando Lombard murió trágicamente en un accidente de avión en 1942 mientras regresaba de una gira de bonos de guerra, Gable quedó devastado. Su muerte marcó un punto de inflexión en su vida, y poco después se alistó en las Fuerzas Aéreas del Ejército de los Estados Unidos, una decisión que muchos creían fue alimentada por su dolor. La pérdida de Lombard pesó mucho sobre él, y mientras Gable se casó dos veces después de su muerte, incluyendo a Kay, su relación con Lombard siguió siendo uno de los aspectos más definitorios de su vida personal.
Para cuando Gable conoció a Kay Williams, ya había experimentado varios matrimonios y relaciones, cada uno marcado por las presiones de la fama de Hollywood. Kay, una ex modelo y actriz, se convirtió en la quinta esposa de Gable en 1955, y su relación, aunque no sin sus desafíos, pareció darle una sensación de estabilidad en sus últimos años. Kay, con su vivaz personalidad y amor por socializar, fue un marcado contraste con la naturaleza más silenciosa e introvertida de Gable. Sin embargo, a pesar de sus diferencias, los dos compartían un fuerte vínculo.
El hecho de que Kay pudiera persuadir a Gable a asistir a eventos sociales habla de su influencia en su vida. Aunque prefería la tranquilidad de su rancho en Encino, California, donde podía escapar de las demandas del estrellato, Gable estaba dispuesto a comprometerse por el bien del disfrute de su esposa. De las anécdotas de Kay se desprende que ella lo adoraba, incluso lamentando juguetonamente su falta de voluntad para complacerla con chismes sobre su glamuroso pasado.
En el estreno de The Spirit of St. Louis, Gable y Kay representaron a una pareja de Hollywood que había logrado equilibrar los rigores de la fama con un sentido de normalidad. Aunque Gable había pasado por varios matrimonios y experimentado las intensas presiones de Hollywood, a finales de los 50, parecía haber encontrado un poco de paz. Su carrera, aunque todavía estaba activa, estaba terminando en el sentido de que ya no era el apuesto y joven protagonista. En cambio, había pasado a papeles más maduros que le permitieron llevar el peso de sus años de experiencia a la pantalla.
Su reticencia a participar en la escena social de Hollywood también podría haber surgido de su deseo de evitar las inevitables comparaciones con su yo anterior. En 1957, Gable ya no era el mismo hombre que había protagonizado Lo que el viento se llevó. La edad y la experiencia le habían cambiado, tanto física como emocionalmente. El Hollywood que conoció en los años 1930 y 1940 también estaba experimentando cambios significativos. El sistema de estudios, que había dominado la industria durante décadas, estaba empezando a derrumbarse, y la televisión estaba emergiendo como una nueva y poderosa fuerza en el entretenimiento. Para Gable, que había llegado a la fama bajo el ojo vigilante del sistema de estudios, esta nueva era probablemente se sintió muy diferente a la del Hollywood de su carrera temprana.
Sin embargo, Gable continuó trabajando, apareciendo en películas como Teacher’s Pet (1958) y It Started in Nápoles (1960), esta última con la estrella italiana Sophia Loren. Pero incluso a medida que envejecía y la industria a su alrededor cambiaba, el estatus de Gable como leyenda de Hollywood permaneció intacta. Su base de fans, tanto en los Estados Unidos como en el extranjero, continuó reverenciándolo como el epítome del clásico protagonista estadounidense: fuerte, encantador e inquebrantablemente masculino.
Fuente: No solo cine y solo clásico
Javier Leal
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Clark Gable, el "Rey de Hollywood", era un hombre de carisma, misterio y presencia indomable, tanto en la pantalla como fuera de ella. En 1957, Gable asistió al estreno de El Espíritu de St. Louis con su quinta esposa, Kay Williams. En ese momento, Gable ya estaba entrado en sus cincuenta, después de haber consolidado su estatus como una de las mayores estrellas de Hollywood a través de papeles icónicos como Rhett Butler en Lo que el viento se llevó (1939) y Peter Warne en It Happened One Night (1934), lo que le valió un Oscar al Mejor Actor. La aparición de la pareja en el estreno fue una rara salida pública para Gable, quien, como admitió su esposa Kay, no era particularmente aficionado a los eventos sociales a pesar de su naturaleza amistosa.
En entrevistas sobre esa época, Kay compartió anécdotas sobre su matrimonio con el famoso Gable. Ella confesó que aunque su marido era de naturaleza afable y encantadora, él no era alguien que disfrutara de los focos o el constante circuito de fiestas que venía con ser una estrella de Hollywood. En 1957, Gable ya había "pasado esa fase" y había decidido que no era para él. Sin embargo, Kay, una socialité a la que le encantaba una buena fiesta y un poco de cotilleo, se las arreglaba para convencerlo para que asistiera a eventos aquí y allá, como el estreno de The Spirit of St. Louis. Sin embargo, incluso en estas reuniones, Gable prefirió permanecer en privado y a menudo se mantuvo alejado de los chismes que dominaban las conversaciones de Hollywood.
Los comentarios de Kay sobre la reticencia de Gable a los cotilleos revelaron un aspecto fascinante de su personalidad. Hollywood durante la década de 1950 estuvo plagado de historias, rumores y escándalo. La industria, basada en el glamour y el atractivo, prosperó con la especulación sobre sus estrellas. Gable, que había pasado más de tres décadas en el centro de atención en ese momento, había trabajado con algunas de las actrices más famosas de la época: Joan Crawford, Jean Harlow, y su gran amor, Carole Lombard. Sin embargo, a pesar de su rica historia de relaciones románticas y profesionales, mantenía los labios apretados cuando se trataba de hablar de su pasado, especialmente del de sus protagonistas. Según Kay, cada vez que ella intentaba burlarse de él para que compartiera detalles sobre sus experiencias con estas mujeres famosas, Gable mostraba su sonrisa característica, la que había capturado los corazones de millones, y respondía con un educado y sin compromiso "Es una buena chica. Una buena chica. ”
Esta moderación y conducta caballerosa fueron característicos de Gable, quien, a pesar de su robusta y a veces pícara persona en la pantalla, era profundamente respetuoso con la gente con la que trabajaba. Los chismes de Hollywood en ese momento a menudo se centraban en escándalos, y la resistencia de Gable a participar en esta cultura lo distingue de muchos de sus compañeros. En una industria que prosperó con la intriga, Gable mantuvo una distancia digna, mostrando respeto por sus antiguas co-estrellas y colegas al negarse a entretener una conversación chismosa.
La reticencia de Gable sobre sus relaciones pasadas fue particularmente interesante teniendo en cuenta la naturaleza de alto perfil de algunos de esos romances. Su aventura amorosa y matrimonio con Carole Lombard fue cosa de la leyenda de Hollywood. Los dos estaban profundamente enamorados, y su relación fue una de las más celebradas en la industria. Cuando Lombard murió trágicamente en un accidente de avión en 1942 mientras regresaba de una gira de bonos de guerra, Gable quedó devastado. Su muerte marcó un punto de inflexión en su vida, y poco después se alistó en las Fuerzas Aéreas del Ejército de los Estados Unidos, una decisión que muchos creían fue alimentada por su dolor. La pérdida de Lombard pesó mucho sobre él, y mientras Gable se casó dos veces después de su muerte, incluyendo a Kay, su relación con Lombard siguió siendo uno de los aspectos más definitorios de su vida personal.
Para cuando Gable conoció a Kay Williams, ya había experimentado varios matrimonios y relaciones, cada uno marcado por las presiones de la fama de Hollywood. Kay, una ex modelo y actriz, se convirtió en la quinta esposa de Gable en 1955, y su relación, aunque no sin sus desafíos, pareció darle una sensación de estabilidad en sus últimos años. Kay, con su vivaz personalidad y amor por socializar, fue un marcado contraste con la naturaleza más silenciosa e introvertida de Gable. Sin embargo, a pesar de sus diferencias, los dos compartían un fuerte vínculo.
El hecho de que Kay pudiera persuadir a Gable a asistir a eventos sociales habla de su influencia en su vida. Aunque prefería la tranquilidad de su rancho en Encino, California, donde podía escapar de las demandas del estrellato, Gable estaba dispuesto a comprometerse por el bien del disfrute de su esposa. De las anécdotas de Kay se desprende que ella lo adoraba, incluso lamentando juguetonamente su falta de voluntad para complacerla con chismes sobre su glamuroso pasado.
En el estreno de The Spirit of St. Louis, Gable y Kay representaron a una pareja de Hollywood que había logrado equilibrar los rigores de la fama con un sentido de normalidad. Aunque Gable había pasado por varios matrimonios y experimentado las intensas presiones de Hollywood, a finales de los 50, parecía haber encontrado un poco de paz. Su carrera, aunque todavía estaba activa, estaba terminando en el sentido de que ya no era el apuesto y joven protagonista. En cambio, había pasado a papeles más maduros que le permitieron llevar el peso de sus años de experiencia a la pantalla.
Su reticencia a participar en la escena social de Hollywood también podría haber surgido de su deseo de evitar las inevitables comparaciones con su yo anterior. En 1957, Gable ya no era el mismo hombre que había protagonizado Lo que el viento se llevó. La edad y la experiencia le habían cambiado, tanto física como emocionalmente. El Hollywood que conoció en los años 1930 y 1940 también estaba experimentando cambios significativos. El sistema de estudios, que había dominado la industria durante décadas, estaba empezando a derrumbarse, y la televisión estaba emergiendo como una nueva y poderosa fuerza en el entretenimiento. Para Gable, que había llegado a la fama bajo el ojo vigilante del sistema de estudios, esta nueva era probablemente se sintió muy diferente a la del Hollywood de su carrera temprana.
Sin embargo, Gable continuó trabajando, apareciendo en películas como Teacher’s Pet (1958) y It Started in Nápoles (1960), esta última con la estrella italiana Sophia Loren. Pero incluso a medida que envejecía y la industria a su alrededor cambiaba, el estatus de Gable como leyenda de Hollywood permaneció intacta. Su base de fans, tanto en los Estados Unidos como en el extranjero, continuó reverenciándolo como el epítome del clásico protagonista estadounidense: fuerte, encantador e inquebrantablemente masculino.
Fuente: No solo cine y solo clásico
Ayudante De Santa
06-11-2015, 22:19:08
Heráclito
03-02-2025, 08:21:02
Tengo un poco olvidado este espacio. Prometo retomarlo este año con más energía. Por lo pronto les dejo esta historia:
Luciana Barroso era una joven camarera argentina. Tenía veinte años, era madre soltera y había sido abandonada por el padre de su única hija. En Estados Unidos, luchaba por llegar a fin de mes.
Un día, mientras trabajaba detrás del mostrador, un joven le preguntó si podía “unirse” a ella y “esconderse” allí. Luego le explicó que era actor y que en el restaurante había periodistas y gente que lo había reconocido.
Estaba molesto y un poco abrumado por la atención, ya que aún era bastante nuevo en el mundo de la fama. Luciana no tenía idea de quién era, pero le dijo:
“¡Puedes esconderte aquí, pero al menos tienes que ser útil!”
Así que él la ayudó a preparar cócteles, atender a los clientes y lavar y secar platos.
Luciana y el apuesto desconocido siguieron charlando. Al final de la noche, cuando terminó su turno, ella le preguntó cómo se llamaba.
“Matt Damon”, respondió el joven.
Están casados desde hace dieciocho años y tienen cuatro hijas; él también adoptó a la mayor.
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4530858&stc=1&d=1738588762
Luciana Barroso era una joven camarera argentina. Tenía veinte años, era madre soltera y había sido abandonada por el padre de su única hija. En Estados Unidos, luchaba por llegar a fin de mes.
Un día, mientras trabajaba detrás del mostrador, un joven le preguntó si podía “unirse” a ella y “esconderse” allí. Luego le explicó que era actor y que en el restaurante había periodistas y gente que lo había reconocido.
Estaba molesto y un poco abrumado por la atención, ya que aún era bastante nuevo en el mundo de la fama. Luciana no tenía idea de quién era, pero le dijo:
“¡Puedes esconderte aquí, pero al menos tienes que ser útil!”
Así que él la ayudó a preparar cócteles, atender a los clientes y lavar y secar platos.
Luciana y el apuesto desconocido siguieron charlando. Al final de la noche, cuando terminó su turno, ella le preguntó cómo se llamaba.
“Matt Damon”, respondió el joven.
Están casados desde hace dieciocho años y tienen cuatro hijas; él también adoptó a la mayor.
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Heráclito
04-02-2025, 08:14:38
Primer beso en el cine
En abril de 1896, el primer beso en la pantalla grande generó un gran revuelo. “The Kiss”, la obra protagonizada por May Irwin y John C. Rice, el momento y el film en su totalidad duraba apenas 18 segundos, pero fue suficiente para causar controversia en su momento.
Ese primer beso de la historia del cine se consideró tan obsceno que la iglesia, la policía, los periódicos y el público quisieron censurarlo a toda costa.
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4531670&stc=1&d=1738674800
En abril de 1896, el primer beso en la pantalla grande generó un gran revuelo. “The Kiss”, la obra protagonizada por May Irwin y John C. Rice, el momento y el film en su totalidad duraba apenas 18 segundos, pero fue suficiente para causar controversia en su momento.
Ese primer beso de la historia del cine se consideró tan obsceno que la iglesia, la policía, los periódicos y el público quisieron censurarlo a toda costa.
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Heráclito
14-03-2025, 08:28:52
Ingrid Bergman y Roberto Rossellini: el romance adúltero y la boda que enfurecieron al mundo
Ella estaba casada y tenía una hija. Él estaba casado, tenía una hija y mantenía una relación con Anna Magnani. Pero después de que la actriz sueca le mandara una carta la vida de ambos cambió para siempre.
Por Raquel Piñeiro
18 de mayo de 2019
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Ingrid Bergman y Roberto Rossellini en 1957. © Getty Images
Estaban metidos en tal embrollo que su boda tuvo que ser por poderes, a través de abogados y a miles de kilómetros de distancia de donde se encontraban. El romance entre la actriz Ingrid Bergman y el director Roberto Rossellini marca un antes y un después en la historia de los escándalos del siglo XX. Eran solo dos personas casadas que se habían enamorado y embarcado en una relación adúltera, nada que no se hubiese visto antes y más en la siempre agitada industria del cine, pero algo en ellos provocó que el resorte de la indignación internacional se encendiera con una virulencia pocas veces vista. Hubo condenas del Vaticano, quejas en el Senado de Estados Unidos, insultos de todo tipo y un interés de prensa y público ávido y destructivo. También hubo gloria, volcanes en erupción, platos de espaguetis volando por los aires, té y simpatía.
“Querido señor Rossellini: He visto sus dos filmes, Roma, ciudad abierta y Paisà, que me han gustado mucho. Si necesita una actriz sueca, que habla el inglés perfectamente, que no ha olvidado el alemán, a quien apenas se entiende en francés y que del italiano solo sabe decir “Ti amo”, estoy dispuesta a acudir para hacer una película con usted. Ingrid Bergman”*
Esta carta ya legendaria forma parte de la historia del cine. No es extraño que dos sensibilidades artísticas de la talla de Ingrid Bergman y Rossellini conectaran a través de las películas del segundo, obras capitales del neorrealismo italiano que provocaron en Ingrid un cataclismo emocional e intelectual. “El realismo la sencillez de Roma, ciudad abierta eran sobrecogedores”, recuerda ella en sus memorias. “Nadie parecía actor y nadie hablaba como tal. Había oscuridad y sombras, algunas veces no se oía, y otras resultaba imposible incluso ver. Pero así es la vida… No siempre se ve y se oye, y, no obstante, se sabe que acontece algo que está casi más allá de lo comprensible”. Ingrid salió conmovida del cine aquella noche de primavera de 1948. No lo sabía, pero su vida acaba de cambiar para siempre.
Como el mundo hace 70 años era muy distinto al de ahora, a la actriz le costó dar con las señas del director, casi desconocido en Hollywood. Cuando lo consiguió, comenzó una correspondencia de rendida admiración en la que resolvieron trabajar juntos en un guion que Rossellini estaba preparando, la futura Stromboli. La presencia de una persona de la fama y talento de Ingrid facilitaba, en teoría, la financiación de otra obra de un director tan arriesgado como el italiano. Ella era la exportación sueca más exitosa desde Greta Garbo, la Ilsa de Casablanca, galardonada con un Oscar por Luz que agoniza, admirada por su naturalidad y belleza en todo el mundo. Tan popular era que hasta se produjo un repunte de vocaciones después de su papel de monja en Las campanas de Santa María, para disgusto de un montón de padres que veían a sus hijas marcharse al convento inspiradas por aquella ficción. Por su parte, Roberto sería casi desconocido en la meca del cine, pero su revolucionaria forma de plasmar la realidad le había valido una Palma de oro en Cannes y la admiración de los más selectos círculos cinematográficos. También había protagonizado sus propias crónicas de los incipientes paparazzis de su país. Casado desde hacía más de una década, mantenía una relación sabida por todos con su amante y musa, la espectacular actriz Anna Magnani. Juntos formaban una tumultuosa y popular pareja. Hasta que apareció Ingrid con su carta.
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Anna Magnani y Roberto Rossellini en 1948 © Getty Images
La relación entre ambos era todavía epistolar, pero algo debían traslucir en lo que escribían porque al llegar al hotel Luna Convento en Amalfi junto a Anna, Roberto pidió que cualquier telegrama o carta con sello británico debería serle entregado a él con máxima discreción. Los empleados pensaron que esto no se aplicaba a su conocida pareja, así que cuando estaban en el comedor del hotel, un camarero se acercó y le dijo, a la vista de Anna: “Me encargó que si se recibía un telegrama de Inglaterra para usted, se lo diese en privado. Aquí lo tiene”. Anna ya había empezado a oír rumores sobre las conversaciones entre su amado y la famosa actriz sueca, a la que se decía que pensaba ofrecer un papel que había sido escrito para ella. “¿No te parece que ya está bien, Roberto?”, preguntó de forma amable sirviéndose más espaguetis con salsa de tomate. “Ah, sí, sí, grazie”, respondió él distraído. “Muy bien, tenlo entonces”, y le tiró la fuente de espaguetis encima.
La intuitiva Magnani no se equivocaba. Cuando Ingrid llegó a Roma por primera vez para recorrer el sur del país de camino hacia Estrómboli, la isla de las Lípari en la que iba a rodarse la película –que entonces se llamaba todavía Tierra de Dios–, Roberto y ella se convirtieron en amantes: “Me enamoré de él porque era tan singular. No había conocido a nadie como él, tan libre. Daba nuevas dimensiones a la vida, límites nuevos, emociones y horizontes nuevos. Y me proporcionó una valentía desconocida”. La actriz llevaba más de diez años casada con el médico sueco Petter Lindström, su primer amor, pero hacía tiempo que no era feliz, ni en su relación ni en la jungla de Hollywood. De hecho, le había pedido el divorcio tiempo atrás, él se negó a concedérselo y, como tenían una hija pequeña, Pia, y la convivencia se resolvía sin sobresaltos, siguieron viviendo juntos bajo el mismo techo y ejerciendo a ojos del mundo como marido y mujer. Pero poco antes de conocer a Roberto, Ingrid había mantenido un romance con otra personalidad artística atormentada, el fotógrafo Robert Capa. Como aquello no tuvo mayores consecuencias, Petter se hizo el sueco (nunca mejor dicho). La historia con Roberto iba a ser completamente diferente. En él vio una salida para huir de un matrimonio y una industria en la que se sentía atrapada. “Había pasado tantos años esperando a alguien que me obligara a partir. Roberto fue ese alguien. No pensé que trastocase el mundo…”.
Italia fue una revelación para Ingrid. Roberto le presentó a su círculo de amigos, personalidades como Fellini, y ejerció del mejor cicerone posible en su camino hacia Nápoles, Amalfi, Sorrento y Messina. En Amalfi la actriz resolvió que aquello era más que un affaire pasajero, que era un amor lo bastante intenso como para romper su matrimonio y dejar Estados Unidos. Escribió a Petter desde el mismo Albergo Luna Convento en el que Anna había dejado plantado a Roberto, contándole que se había enamorado y se quedaba a vivir en Italia. Su marido no lo aceptó. Le era imposible creerlo. De esa negación nacerían gran parte de los dramas que estaban a punto de ocurrir.
Mientras, la feliz pareja recorría en coche las carreteras del país, aún con las huellas de la segunda guerra mundial bien visibles, en lo que es quizá uno de los paisajes más espectaculares de la tierra. Por todas partes, al paso del equipo de rodaje, les aplaudían las multitudes, encantadas con que la actriz más famosa del mundo hubiese decidido hacer una película en su país. En uno de los hoteles en los que se alojaron, Ingrid tuvo que salir de la habitación para ir al baño, que se encontraba en el exterior. Los fans la aplaudieron tanto en el camino de ida como en el de vuelta del retrete.
Pronto quedó claro que aquellos dos tenían algo más que una mera asociación artística. La revista Life les fotografió cogidos de la mano y las imágenes dieron la vuelta al mundo. Para cuando llegaron a la pequeña isla de Estrómboli, a los pies de un volcán activo, su situación se parecía bastante al paisaje telúrico y mineral, casi extraterrestre que les rodeaba. El rodaje, complejo y con actores no profesionales, se llenó de prensa llegada de todas partes del mundo ansiosa por retratar a los amantes. El personaje de la refugiada que se casa sin amor buscando una salida y acaba atrapada en un mundo ajeno, tan opresivo como del que intenta huir, le sentaba como un guante a Ingrid y su estado presente, a medias entre la dicha de estar enamorada, la culpabilidad por dejar a su esposo y las dudas y el dolor por su hija Pia, de diez años de edad, que seguía en Estados Unidos. Relata en su biografía **“Estaba en el infierno. Lloré tanto que pensé que me quedaría sin lágrimas. Los periódicos tenían razón: había abandonado a mi marido y mi hija. Era una mala pécora, pero no había deseado serlo”. **
Existen unas imágenes del rodaje en las que se ve a Ingrid en primer plano bajo la sombra de varias mujeres enlutadas que funcionan como un elemento opresivo y amenazante. Eso es justo lo que le sucedió a ella. El mundo estalló, y lo hizo de forma violenta contra su antaño estrella favorita. Ahora era una mujer perdida, una puta y un insulto a toda la buena sociedad. El por qué aquel romance galvanizó tanto a la gente tiene que ver con la popularidad anterior de Ingrid y su imagen casi intachable, limpia, de recta moral luterana, de mujer sincera y honrada (Petter se despacharía años después diciendo que en realidad era una gran bebedora y fumadora, además de promiscua y de solo importarle su carrera, no su familia). Que esa presencia casi seráfica lo dejase todo para irse a retozar con un director poco atractivo, latino y tempestuoso, parecía un insulto a América y a toda lógica. Se le sumaba el morbo añadido de que ella fuera ahora su nueva musa, después de las películas capitales rodadas con Anna Magnani. También estaba, por supuesto, la compleja situación de Pia. Roberto impedía a Ingrid volver a Estados Unidos, temeroso de que no volviera con él, y Petter se negaba a que la niña fuese a Italia. El litigio por el divorcio y la custodia se volvió cruento, lleno de acusaciones cruzadas y de falta de colaboración entre ambos. La consecuencia fue que madre e hija pasaron dos años sin verse. Y luego otros seis. Así recordaría aquellos tiempos Pia, la principal damnificada de la historia de amor: “Yo me quedé con él (con su padre Petter Lindström) y mi madre se fue. Se le ofrecía una existencia dramática, llena de gloria, con unas relaciones amorosas románticas, maravillosas. Fue magnífico para ella. Pero no lo que se derivó de ello. Yo no conocí el aspecto espléndido de la situación, es decir, me dejaron con lo que abandonó. Por ello, tengo un criterio distinto. Fui parte de lo abandonado”.
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La famosa fotografía de Ingrid Bergman durante el rodaje de 'Stromboli'. © Getty Images
Por si eran pocos elementos de escándalo, pronto se sumó el hecho inaplazable de que tras tanta pasión adúltera, Ingrid estaba embarazada. Fue tal vez el pico de escándalo de su relación. El senador Edwin C. Johnson se refirió a ella en el Senado como “Una poderosa influencia en pro del mal”. Algunos de sus amigos salieron en su defensa: Ernest Hemingway apareció en portadas de periódicos declarando: “¿A qué viene tanta estupidez? Tendrá un hijo, de acuerdo. ¿Y qué? Las mujeres los tienen. Me enorgullezco de ella y me alegro. Ama a Roberto y Roberto la ama, y quieren un hijo. Deberíamos felicitarla en vez de condenarla”.
La noche en la que Ingrid se puso de parto coincidió con el estreno de Volcano, una película de argumento similar a Stromboli creada por Anna Magnani para competir con la de su ex, dirigida por un americano. En medio del pase, la prensa comenzó a abandonar la sala al enterarse de que Ingrid estaba ingresada en una clínica para tener a su bebé. Anna se resignó, sabiendo que su película no podía competir contra aquel recién nacido en interés ante los demás. Volcano fue un fracaso de crítica y comercial. Así llegó al mundo en 1950 el niño, al que llamaron Robertino. El acoso de la prensa en el hospital era constante: hubo un fotógrafo que hizo pasar a su mujer embarazada por parturienta rellenándole más la barriga, otro que gateó por una cañería hasta el balcón de la actriz, otros intentaron sobornar a las monjas con un millón de liras y otros, resignados a no poder obtener la foto, hicieron montajes con las caras de Ingrid y Roberto y las publicaron sin más problemas.
El nacimiento del bebé era una cuestión peliaguda. Legalmente, el niño podía ser reclamado por Petter por no estar resuelto el divorcio de Ingrid, algo que hubiera enloquecido a Rossellini, así que lo registraron a su nombre y a nombre de “una madre cuya identidad se revelaría posteriormente”. El divorcio entre los suecos se resolvió al final en un juzgado de México, donde también decidieron casarse… por poderes. Un productor amigo de la pareja y un abogado representaron el papel, mientras en las afueras de Roma, los auténticos Ingrid y Roberto se acercaron una pequeña iglesia cerca de la Via Appia. “Me arrodillé en ella y Roberto me cogió de la mano. Volvimos a casa, comunicamos a nuestros amigos que nos habíamos casado y bebimos champaña”.
La pareja se había establecido en el Viale Bruno Buozi, en Roma, y pasaban los veranos en Santa Marinella. Después de hablar una mezcla de inglés y francés chapurreado, Ingrid logró aprender italiano. Llegaron las gemelas, Isotta-Ingrid e Isabella, y hubo momento de intensa felicidad. Pero no terminaron ahí los problemas, por supuesto. Nada podía opacar el hecho de que su hija mayor se estaba convirtiendo en adolescente con una relación con su madre solo por carta. La convivencia con Roberto tampoco era fácil. En los momentos de mayor tensión en el triángulo con Petter, el director había amenazado con suicidarse de un tiro o chocando alguno de sus coches deportivos contra un árbol. Además, era celoso, dominante (solo la dejaba trabajar con él) y en ocasiones, violento, en lo que Ingrid parecía disculpar como una característica del temperamento italiano. Así describe ella un episodio: “En su siguiente acceso de furor, cuando las cosas volaban por el aire, me abalancé sobre él, le rodeé con los brazos y empecé a suplicarle… ¡Bum! Me arrojó contra la pared con una fuerza que casi me deshizo. Era incorregible. Incluso ponerse en sus inmediaciones significaba arriesgar la integridad física”.
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Roberto Rossellini e Ingrid Bergman en 1956. © Getty Images
Y estaba el asunto del dinero. Roberto, criado en la abundancia, estaba acostumbrado a vivir a lo grande, pero todas y cada una de las películas en las que trabajó junto a su esposa Ingrid fueron fracasos comerciales. En el 56 apareció el director Jean Renoir para ofrecerle a la actriz un papel en Elena y los hombres. Rossellini admiraba tanto a Renoir que le permitió a su esposa rodar con él, en lo que acabó con la frustrante racha laboral en la que llevaba años inmersa. Después de eso le ofrecieron protagonizar una obra de teatro en francés, Té y simpatía. Así cuenta Bergman lo que sucedió: “Té y simpatía cuenta la historia de un estudiante interno que teme ser homosexual. La homosexualidad había preocupado siempre a mi marido. Cuando le propuse internar a Robertino en un colegio suizo o británico, estalló. “¿Qué? ¡En lo internados es donde empiezan esas cosas!”. La trama le repugnaba. No le molestaba ni el desarrollo, ni el autor, sino todo en general. Le encrespaba el hecho de que yo demostrase al muchacho que no era homosexual iniciándole en el conocimiento del sexo. Aquello trastornaba a mi marido”. Rossellini intentó prohibir a su esposa que interpretase la obra, pero ella se negó, esgrimiendo que había firmado un contrato y que a ella le encantaba el texto. Roberto contratacó machacándola con que se iban a reír de ella y que iba a ser un fracaso. La noche del estreno le espetó “Prepárate, porque en el primer entreacto, la mitad de los espectadores se irá de la sala”. No sucedió así. Fue aplaudida con una ovación estruendosa. “El público había enloquecido. No había manera de interrumpirle. Puesto en pie, gritaba, aplaudía y vitoreaba. Me incliné sola en el centro de la escena y, al doblar el cuerpo, volví la cabeza para mirar a Roberto. Nuestros ojos se encontraron. Nos observamos de hito en hito. Supe entonces que nuestro matrimonio se había deshecho, aunque continuáramos viviendo juntos”.
Él, por su parte, declaró: “Me separé de Ingrid Bergman porque me era imposible continuar. Nos queríamos mucho, teníamos tres hijos… ella podía volver a la industria, pero yo no me sentía cómodo en el papel del hombre cuya mujer trae el dinero a casa. Decidimos separarnos y por eso me fui a la India, lo más lejos posible de ella”. En la India Roberto inició un romance con la mujer del productor de su película, Sonali Dasgupta. Ingrid no se indignó al saberlo, sino que le propuso el divorcio con tranquilidad. Roberto exigió dos condiciones: que los niños no viajasen a Estados Unidos y que Ingrid no volviese a casarse. Ella se río ante lo absurdo de la petición, y se negó con un “así era Roberto” (al poco inició una relación con el productor teatral también sueco Lars Schmidt, con el que se casó en el 58). La custodia de los niños Rossellini también fue violenta, casi tanto como la de Pia. Hubo acusaciones de secuestro y mala fe mutuas, y al final ella le cedió la custodia a Rossellini. Los niños vivían entre Roma y París e Ingrid se desplazaba con frecuencia entre ambas ciudades para estar con sus hijos. Nunca salieron del todo uno de la vida del otro, unidos por algunos problemas de salud de Isabella (una operación de espalda que estuvo a punto de dejarla parapléjica) y el lazo mutuo que les unía.
Fuente; Vanity Fair
Continúa...
Ella estaba casada y tenía una hija. Él estaba casado, tenía una hija y mantenía una relación con Anna Magnani. Pero después de que la actriz sueca le mandara una carta la vida de ambos cambió para siempre.
Por Raquel Piñeiro
18 de mayo de 2019
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Ingrid Bergman y Roberto Rossellini en 1957. © Getty Images
Estaban metidos en tal embrollo que su boda tuvo que ser por poderes, a través de abogados y a miles de kilómetros de distancia de donde se encontraban. El romance entre la actriz Ingrid Bergman y el director Roberto Rossellini marca un antes y un después en la historia de los escándalos del siglo XX. Eran solo dos personas casadas que se habían enamorado y embarcado en una relación adúltera, nada que no se hubiese visto antes y más en la siempre agitada industria del cine, pero algo en ellos provocó que el resorte de la indignación internacional se encendiera con una virulencia pocas veces vista. Hubo condenas del Vaticano, quejas en el Senado de Estados Unidos, insultos de todo tipo y un interés de prensa y público ávido y destructivo. También hubo gloria, volcanes en erupción, platos de espaguetis volando por los aires, té y simpatía.
“Querido señor Rossellini: He visto sus dos filmes, Roma, ciudad abierta y Paisà, que me han gustado mucho. Si necesita una actriz sueca, que habla el inglés perfectamente, que no ha olvidado el alemán, a quien apenas se entiende en francés y que del italiano solo sabe decir “Ti amo”, estoy dispuesta a acudir para hacer una película con usted. Ingrid Bergman”*
Esta carta ya legendaria forma parte de la historia del cine. No es extraño que dos sensibilidades artísticas de la talla de Ingrid Bergman y Rossellini conectaran a través de las películas del segundo, obras capitales del neorrealismo italiano que provocaron en Ingrid un cataclismo emocional e intelectual. “El realismo la sencillez de Roma, ciudad abierta eran sobrecogedores”, recuerda ella en sus memorias. “Nadie parecía actor y nadie hablaba como tal. Había oscuridad y sombras, algunas veces no se oía, y otras resultaba imposible incluso ver. Pero así es la vida… No siempre se ve y se oye, y, no obstante, se sabe que acontece algo que está casi más allá de lo comprensible”. Ingrid salió conmovida del cine aquella noche de primavera de 1948. No lo sabía, pero su vida acaba de cambiar para siempre.
Como el mundo hace 70 años era muy distinto al de ahora, a la actriz le costó dar con las señas del director, casi desconocido en Hollywood. Cuando lo consiguió, comenzó una correspondencia de rendida admiración en la que resolvieron trabajar juntos en un guion que Rossellini estaba preparando, la futura Stromboli. La presencia de una persona de la fama y talento de Ingrid facilitaba, en teoría, la financiación de otra obra de un director tan arriesgado como el italiano. Ella era la exportación sueca más exitosa desde Greta Garbo, la Ilsa de Casablanca, galardonada con un Oscar por Luz que agoniza, admirada por su naturalidad y belleza en todo el mundo. Tan popular era que hasta se produjo un repunte de vocaciones después de su papel de monja en Las campanas de Santa María, para disgusto de un montón de padres que veían a sus hijas marcharse al convento inspiradas por aquella ficción. Por su parte, Roberto sería casi desconocido en la meca del cine, pero su revolucionaria forma de plasmar la realidad le había valido una Palma de oro en Cannes y la admiración de los más selectos círculos cinematográficos. También había protagonizado sus propias crónicas de los incipientes paparazzis de su país. Casado desde hacía más de una década, mantenía una relación sabida por todos con su amante y musa, la espectacular actriz Anna Magnani. Juntos formaban una tumultuosa y popular pareja. Hasta que apareció Ingrid con su carta.
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Anna Magnani y Roberto Rossellini en 1948 © Getty Images
La relación entre ambos era todavía epistolar, pero algo debían traslucir en lo que escribían porque al llegar al hotel Luna Convento en Amalfi junto a Anna, Roberto pidió que cualquier telegrama o carta con sello británico debería serle entregado a él con máxima discreción. Los empleados pensaron que esto no se aplicaba a su conocida pareja, así que cuando estaban en el comedor del hotel, un camarero se acercó y le dijo, a la vista de Anna: “Me encargó que si se recibía un telegrama de Inglaterra para usted, se lo diese en privado. Aquí lo tiene”. Anna ya había empezado a oír rumores sobre las conversaciones entre su amado y la famosa actriz sueca, a la que se decía que pensaba ofrecer un papel que había sido escrito para ella. “¿No te parece que ya está bien, Roberto?”, preguntó de forma amable sirviéndose más espaguetis con salsa de tomate. “Ah, sí, sí, grazie”, respondió él distraído. “Muy bien, tenlo entonces”, y le tiró la fuente de espaguetis encima.
La intuitiva Magnani no se equivocaba. Cuando Ingrid llegó a Roma por primera vez para recorrer el sur del país de camino hacia Estrómboli, la isla de las Lípari en la que iba a rodarse la película –que entonces se llamaba todavía Tierra de Dios–, Roberto y ella se convirtieron en amantes: “Me enamoré de él porque era tan singular. No había conocido a nadie como él, tan libre. Daba nuevas dimensiones a la vida, límites nuevos, emociones y horizontes nuevos. Y me proporcionó una valentía desconocida”. La actriz llevaba más de diez años casada con el médico sueco Petter Lindström, su primer amor, pero hacía tiempo que no era feliz, ni en su relación ni en la jungla de Hollywood. De hecho, le había pedido el divorcio tiempo atrás, él se negó a concedérselo y, como tenían una hija pequeña, Pia, y la convivencia se resolvía sin sobresaltos, siguieron viviendo juntos bajo el mismo techo y ejerciendo a ojos del mundo como marido y mujer. Pero poco antes de conocer a Roberto, Ingrid había mantenido un romance con otra personalidad artística atormentada, el fotógrafo Robert Capa. Como aquello no tuvo mayores consecuencias, Petter se hizo el sueco (nunca mejor dicho). La historia con Roberto iba a ser completamente diferente. En él vio una salida para huir de un matrimonio y una industria en la que se sentía atrapada. “Había pasado tantos años esperando a alguien que me obligara a partir. Roberto fue ese alguien. No pensé que trastocase el mundo…”.
Italia fue una revelación para Ingrid. Roberto le presentó a su círculo de amigos, personalidades como Fellini, y ejerció del mejor cicerone posible en su camino hacia Nápoles, Amalfi, Sorrento y Messina. En Amalfi la actriz resolvió que aquello era más que un affaire pasajero, que era un amor lo bastante intenso como para romper su matrimonio y dejar Estados Unidos. Escribió a Petter desde el mismo Albergo Luna Convento en el que Anna había dejado plantado a Roberto, contándole que se había enamorado y se quedaba a vivir en Italia. Su marido no lo aceptó. Le era imposible creerlo. De esa negación nacerían gran parte de los dramas que estaban a punto de ocurrir.
Mientras, la feliz pareja recorría en coche las carreteras del país, aún con las huellas de la segunda guerra mundial bien visibles, en lo que es quizá uno de los paisajes más espectaculares de la tierra. Por todas partes, al paso del equipo de rodaje, les aplaudían las multitudes, encantadas con que la actriz más famosa del mundo hubiese decidido hacer una película en su país. En uno de los hoteles en los que se alojaron, Ingrid tuvo que salir de la habitación para ir al baño, que se encontraba en el exterior. Los fans la aplaudieron tanto en el camino de ida como en el de vuelta del retrete.
Pronto quedó claro que aquellos dos tenían algo más que una mera asociación artística. La revista Life les fotografió cogidos de la mano y las imágenes dieron la vuelta al mundo. Para cuando llegaron a la pequeña isla de Estrómboli, a los pies de un volcán activo, su situación se parecía bastante al paisaje telúrico y mineral, casi extraterrestre que les rodeaba. El rodaje, complejo y con actores no profesionales, se llenó de prensa llegada de todas partes del mundo ansiosa por retratar a los amantes. El personaje de la refugiada que se casa sin amor buscando una salida y acaba atrapada en un mundo ajeno, tan opresivo como del que intenta huir, le sentaba como un guante a Ingrid y su estado presente, a medias entre la dicha de estar enamorada, la culpabilidad por dejar a su esposo y las dudas y el dolor por su hija Pia, de diez años de edad, que seguía en Estados Unidos. Relata en su biografía **“Estaba en el infierno. Lloré tanto que pensé que me quedaría sin lágrimas. Los periódicos tenían razón: había abandonado a mi marido y mi hija. Era una mala pécora, pero no había deseado serlo”. **
Existen unas imágenes del rodaje en las que se ve a Ingrid en primer plano bajo la sombra de varias mujeres enlutadas que funcionan como un elemento opresivo y amenazante. Eso es justo lo que le sucedió a ella. El mundo estalló, y lo hizo de forma violenta contra su antaño estrella favorita. Ahora era una mujer perdida, una puta y un insulto a toda la buena sociedad. El por qué aquel romance galvanizó tanto a la gente tiene que ver con la popularidad anterior de Ingrid y su imagen casi intachable, limpia, de recta moral luterana, de mujer sincera y honrada (Petter se despacharía años después diciendo que en realidad era una gran bebedora y fumadora, además de promiscua y de solo importarle su carrera, no su familia). Que esa presencia casi seráfica lo dejase todo para irse a retozar con un director poco atractivo, latino y tempestuoso, parecía un insulto a América y a toda lógica. Se le sumaba el morbo añadido de que ella fuera ahora su nueva musa, después de las películas capitales rodadas con Anna Magnani. También estaba, por supuesto, la compleja situación de Pia. Roberto impedía a Ingrid volver a Estados Unidos, temeroso de que no volviera con él, y Petter se negaba a que la niña fuese a Italia. El litigio por el divorcio y la custodia se volvió cruento, lleno de acusaciones cruzadas y de falta de colaboración entre ambos. La consecuencia fue que madre e hija pasaron dos años sin verse. Y luego otros seis. Así recordaría aquellos tiempos Pia, la principal damnificada de la historia de amor: “Yo me quedé con él (con su padre Petter Lindström) y mi madre se fue. Se le ofrecía una existencia dramática, llena de gloria, con unas relaciones amorosas románticas, maravillosas. Fue magnífico para ella. Pero no lo que se derivó de ello. Yo no conocí el aspecto espléndido de la situación, es decir, me dejaron con lo que abandonó. Por ello, tengo un criterio distinto. Fui parte de lo abandonado”.
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La famosa fotografía de Ingrid Bergman durante el rodaje de 'Stromboli'. © Getty Images
Por si eran pocos elementos de escándalo, pronto se sumó el hecho inaplazable de que tras tanta pasión adúltera, Ingrid estaba embarazada. Fue tal vez el pico de escándalo de su relación. El senador Edwin C. Johnson se refirió a ella en el Senado como “Una poderosa influencia en pro del mal”. Algunos de sus amigos salieron en su defensa: Ernest Hemingway apareció en portadas de periódicos declarando: “¿A qué viene tanta estupidez? Tendrá un hijo, de acuerdo. ¿Y qué? Las mujeres los tienen. Me enorgullezco de ella y me alegro. Ama a Roberto y Roberto la ama, y quieren un hijo. Deberíamos felicitarla en vez de condenarla”.
La noche en la que Ingrid se puso de parto coincidió con el estreno de Volcano, una película de argumento similar a Stromboli creada por Anna Magnani para competir con la de su ex, dirigida por un americano. En medio del pase, la prensa comenzó a abandonar la sala al enterarse de que Ingrid estaba ingresada en una clínica para tener a su bebé. Anna se resignó, sabiendo que su película no podía competir contra aquel recién nacido en interés ante los demás. Volcano fue un fracaso de crítica y comercial. Así llegó al mundo en 1950 el niño, al que llamaron Robertino. El acoso de la prensa en el hospital era constante: hubo un fotógrafo que hizo pasar a su mujer embarazada por parturienta rellenándole más la barriga, otro que gateó por una cañería hasta el balcón de la actriz, otros intentaron sobornar a las monjas con un millón de liras y otros, resignados a no poder obtener la foto, hicieron montajes con las caras de Ingrid y Roberto y las publicaron sin más problemas.
El nacimiento del bebé era una cuestión peliaguda. Legalmente, el niño podía ser reclamado por Petter por no estar resuelto el divorcio de Ingrid, algo que hubiera enloquecido a Rossellini, así que lo registraron a su nombre y a nombre de “una madre cuya identidad se revelaría posteriormente”. El divorcio entre los suecos se resolvió al final en un juzgado de México, donde también decidieron casarse… por poderes. Un productor amigo de la pareja y un abogado representaron el papel, mientras en las afueras de Roma, los auténticos Ingrid y Roberto se acercaron una pequeña iglesia cerca de la Via Appia. “Me arrodillé en ella y Roberto me cogió de la mano. Volvimos a casa, comunicamos a nuestros amigos que nos habíamos casado y bebimos champaña”.
La pareja se había establecido en el Viale Bruno Buozi, en Roma, y pasaban los veranos en Santa Marinella. Después de hablar una mezcla de inglés y francés chapurreado, Ingrid logró aprender italiano. Llegaron las gemelas, Isotta-Ingrid e Isabella, y hubo momento de intensa felicidad. Pero no terminaron ahí los problemas, por supuesto. Nada podía opacar el hecho de que su hija mayor se estaba convirtiendo en adolescente con una relación con su madre solo por carta. La convivencia con Roberto tampoco era fácil. En los momentos de mayor tensión en el triángulo con Petter, el director había amenazado con suicidarse de un tiro o chocando alguno de sus coches deportivos contra un árbol. Además, era celoso, dominante (solo la dejaba trabajar con él) y en ocasiones, violento, en lo que Ingrid parecía disculpar como una característica del temperamento italiano. Así describe ella un episodio: “En su siguiente acceso de furor, cuando las cosas volaban por el aire, me abalancé sobre él, le rodeé con los brazos y empecé a suplicarle… ¡Bum! Me arrojó contra la pared con una fuerza que casi me deshizo. Era incorregible. Incluso ponerse en sus inmediaciones significaba arriesgar la integridad física”.
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Roberto Rossellini e Ingrid Bergman en 1956. © Getty Images
Y estaba el asunto del dinero. Roberto, criado en la abundancia, estaba acostumbrado a vivir a lo grande, pero todas y cada una de las películas en las que trabajó junto a su esposa Ingrid fueron fracasos comerciales. En el 56 apareció el director Jean Renoir para ofrecerle a la actriz un papel en Elena y los hombres. Rossellini admiraba tanto a Renoir que le permitió a su esposa rodar con él, en lo que acabó con la frustrante racha laboral en la que llevaba años inmersa. Después de eso le ofrecieron protagonizar una obra de teatro en francés, Té y simpatía. Así cuenta Bergman lo que sucedió: “Té y simpatía cuenta la historia de un estudiante interno que teme ser homosexual. La homosexualidad había preocupado siempre a mi marido. Cuando le propuse internar a Robertino en un colegio suizo o británico, estalló. “¿Qué? ¡En lo internados es donde empiezan esas cosas!”. La trama le repugnaba. No le molestaba ni el desarrollo, ni el autor, sino todo en general. Le encrespaba el hecho de que yo demostrase al muchacho que no era homosexual iniciándole en el conocimiento del sexo. Aquello trastornaba a mi marido”. Rossellini intentó prohibir a su esposa que interpretase la obra, pero ella se negó, esgrimiendo que había firmado un contrato y que a ella le encantaba el texto. Roberto contratacó machacándola con que se iban a reír de ella y que iba a ser un fracaso. La noche del estreno le espetó “Prepárate, porque en el primer entreacto, la mitad de los espectadores se irá de la sala”. No sucedió así. Fue aplaudida con una ovación estruendosa. “El público había enloquecido. No había manera de interrumpirle. Puesto en pie, gritaba, aplaudía y vitoreaba. Me incliné sola en el centro de la escena y, al doblar el cuerpo, volví la cabeza para mirar a Roberto. Nuestros ojos se encontraron. Nos observamos de hito en hito. Supe entonces que nuestro matrimonio se había deshecho, aunque continuáramos viviendo juntos”.
Él, por su parte, declaró: “Me separé de Ingrid Bergman porque me era imposible continuar. Nos queríamos mucho, teníamos tres hijos… ella podía volver a la industria, pero yo no me sentía cómodo en el papel del hombre cuya mujer trae el dinero a casa. Decidimos separarnos y por eso me fui a la India, lo más lejos posible de ella”. En la India Roberto inició un romance con la mujer del productor de su película, Sonali Dasgupta. Ingrid no se indignó al saberlo, sino que le propuso el divorcio con tranquilidad. Roberto exigió dos condiciones: que los niños no viajasen a Estados Unidos y que Ingrid no volviese a casarse. Ella se río ante lo absurdo de la petición, y se negó con un “así era Roberto” (al poco inició una relación con el productor teatral también sueco Lars Schmidt, con el que se casó en el 58). La custodia de los niños Rossellini también fue violenta, casi tanto como la de Pia. Hubo acusaciones de secuestro y mala fe mutuas, y al final ella le cedió la custodia a Rossellini. Los niños vivían entre Roma y París e Ingrid se desplazaba con frecuencia entre ambas ciudades para estar con sus hijos. Nunca salieron del todo uno de la vida del otro, unidos por algunos problemas de salud de Isabella (una operación de espalda que estuvo a punto de dejarla parapléjica) y el lazo mutuo que les unía.
Fuente; Vanity Fair
Continúa...
Heráclito
14-03-2025, 08:34:29
Continuación:
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Roberto Rossellini e Ingrid Bergman en Nápoles en 1953. © Getty Images
El mundo cambió muy rápido y la anterior persona non grata obtenía en el 56 un segundo Oscar por su papel en Anastasia, recogido por su amigo Cary Grant. Ingrid se enteró por la radio, mientras se bañaba en su hotel de París donde vivía mientras representaba Té y simpatía. Lloró de felicidad ante su hijo Robertino y al poco regresó a Estados Unidos para volver a rodar. Su rehabilitación ante la industria fue total. Se convirtió en uno de los nombres respetados del cine en varios idiomas y nacionalidades, en una leyenda viva. Llegó también la rectificación del Senado, que le pidió disculpas por lo allí dicho en su contra. Declaró ella “Cuando me marché a Italia, un senador pronunció un discurso contra mí y lo concluyó asegurando que de las cenizas de Hollywood resurgiría un Hollywood mejor”… se había equivocado. En vez de “las cenizas de Hollywood habría tenido que decir “de las cenizas de Ingrid Berman”. No se dio cuenta hasta escuchar la grabación, que la hizo estallar en carcajadas y soltar: “Espero veintidós años para vengarme y me equivoco”.
La venganza tampoco formó parte de la vida de Anna Magnani más allá del plato de pasta. Continuó su carrera trabajando con los mejores directores italianos e incluso ganó un Oscar el año antes de que Ingrid consiguiese su segunda estatuilla; cuando enfermó de cáncer, Roberto le envió flores pese a los años transcurridos, ella le escribió pidiéndole que fuese a verla y desde entonces volvieron a verse con regularidad. Recuerda Ingrid “Cuando lo supe, le llamé para comunicarle que me alegraba de lo que hacía. El círculo se había cerrado: tuvo cerca al hombre al que había querido por encima de todo”. Cuando Anna murió en el 73, Roberto aceptó que fuese enterrada en su panteón familiar, y ahí reposa todavía, en compañía de Roberto, que falleció en el 77.
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Ingrid Bergman junto a sus cuatro hijos, Isabella e Isotta, Pia y Robertino. © Getty Images
Con el tiempo, Ingrid también recuperaría a Pia tras tantos años alejadas. A los veinte años y tras un matrimonio fallido, la joven, perdida y sin saber qué hacer con su vida, se fue a París a vivir con su madre y Lars. “Llegué a conocer a mamá bajo otra luz y me enamoré de ella. Pocas jóvenes tienen una madre tan extraordinaria, alegre, divertida, dispuesta a salir y actuar, ver esto o aquello, asistir al cine y el teatro, cenar fuera de casa, corretear, madrugar e ir de compras. Le sobraban energías. Asombraba”. Poco después de esto, murió la abuela de sus hermanos, Ingrid, Isabella (la futura actriz) y Robin (Robertino), así que decidió ir a Roma sin hablar una palabra de italiano y hacerse cargo de la casa con cocinera e institutriz, para conocerles y encontrarse a sí misma. “Así haría algo e importaría a alguien. Estuve tres años con ellos. Mamá me enviaba dinero, yo pagaba los sueldos y llevaba a mis hermanos al dentista, a montar a caballo y a estudiar. Fue una buenísima experiencia que, en cierto modo, necesitaba. No tenía sitio preciso en el mundo, no concebía una profesión para la que me sintiera llamada, me hallaba desorientada. Debía echar raíces, descubrir un lugar en que vivir, convencerme de que era útil, ayudar a alguien y llevar a cabo algo que no fuese gratuito”. Roberto les visitaba a la hora de comer, se ponía a hablar por teléfono sobre negocios, películas y dinero y se iba repartiendo besos a todos. Prosigue Pia: “Me agradaba Italia. Me alegraba de estar en ella. Me felicitaba de haberlos conocido, de haber conocido a Roberto con mis propios ojos, sin depender de las opiniones o ideas ajenas sobre cómo él era; me felicito de haber conocido a Sonali y a todos, porque me benefició observar y comprender cuanto ocurría, para tener una noción de cómo había sucedido lo anterior”.
Y sobre lo anterior, concluye Ingrid Bergman en su biografía: “Se ha escrito sobre mi vida con Roberto que junto a él descubrí un mundo mucho mejor que el que conoce la mayor parte de la gente. Es cierto. Mi dicha a su lado fue tan intensa como los disgustos. Pero las penas componen también nuestra existencia. Nadie paladea la felicidad continuamente. El individuo en estado constante de felicidad debe de ser un latazo. Y Roberto desde luego no lo era”.
Fuente; Vanity Fair
En este enlace se puede ver Stromboli: https://m.ok.ru/video/4914494048905
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Roberto Rossellini e Ingrid Bergman en Nápoles en 1953. © Getty Images
El mundo cambió muy rápido y la anterior persona non grata obtenía en el 56 un segundo Oscar por su papel en Anastasia, recogido por su amigo Cary Grant. Ingrid se enteró por la radio, mientras se bañaba en su hotel de París donde vivía mientras representaba Té y simpatía. Lloró de felicidad ante su hijo Robertino y al poco regresó a Estados Unidos para volver a rodar. Su rehabilitación ante la industria fue total. Se convirtió en uno de los nombres respetados del cine en varios idiomas y nacionalidades, en una leyenda viva. Llegó también la rectificación del Senado, que le pidió disculpas por lo allí dicho en su contra. Declaró ella “Cuando me marché a Italia, un senador pronunció un discurso contra mí y lo concluyó asegurando que de las cenizas de Hollywood resurgiría un Hollywood mejor”… se había equivocado. En vez de “las cenizas de Hollywood habría tenido que decir “de las cenizas de Ingrid Berman”. No se dio cuenta hasta escuchar la grabación, que la hizo estallar en carcajadas y soltar: “Espero veintidós años para vengarme y me equivoco”.
La venganza tampoco formó parte de la vida de Anna Magnani más allá del plato de pasta. Continuó su carrera trabajando con los mejores directores italianos e incluso ganó un Oscar el año antes de que Ingrid consiguiese su segunda estatuilla; cuando enfermó de cáncer, Roberto le envió flores pese a los años transcurridos, ella le escribió pidiéndole que fuese a verla y desde entonces volvieron a verse con regularidad. Recuerda Ingrid “Cuando lo supe, le llamé para comunicarle que me alegraba de lo que hacía. El círculo se había cerrado: tuvo cerca al hombre al que había querido por encima de todo”. Cuando Anna murió en el 73, Roberto aceptó que fuese enterrada en su panteón familiar, y ahí reposa todavía, en compañía de Roberto, que falleció en el 77.
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Ingrid Bergman junto a sus cuatro hijos, Isabella e Isotta, Pia y Robertino. © Getty Images
Con el tiempo, Ingrid también recuperaría a Pia tras tantos años alejadas. A los veinte años y tras un matrimonio fallido, la joven, perdida y sin saber qué hacer con su vida, se fue a París a vivir con su madre y Lars. “Llegué a conocer a mamá bajo otra luz y me enamoré de ella. Pocas jóvenes tienen una madre tan extraordinaria, alegre, divertida, dispuesta a salir y actuar, ver esto o aquello, asistir al cine y el teatro, cenar fuera de casa, corretear, madrugar e ir de compras. Le sobraban energías. Asombraba”. Poco después de esto, murió la abuela de sus hermanos, Ingrid, Isabella (la futura actriz) y Robin (Robertino), así que decidió ir a Roma sin hablar una palabra de italiano y hacerse cargo de la casa con cocinera e institutriz, para conocerles y encontrarse a sí misma. “Así haría algo e importaría a alguien. Estuve tres años con ellos. Mamá me enviaba dinero, yo pagaba los sueldos y llevaba a mis hermanos al dentista, a montar a caballo y a estudiar. Fue una buenísima experiencia que, en cierto modo, necesitaba. No tenía sitio preciso en el mundo, no concebía una profesión para la que me sintiera llamada, me hallaba desorientada. Debía echar raíces, descubrir un lugar en que vivir, convencerme de que era útil, ayudar a alguien y llevar a cabo algo que no fuese gratuito”. Roberto les visitaba a la hora de comer, se ponía a hablar por teléfono sobre negocios, películas y dinero y se iba repartiendo besos a todos. Prosigue Pia: “Me agradaba Italia. Me alegraba de estar en ella. Me felicitaba de haberlos conocido, de haber conocido a Roberto con mis propios ojos, sin depender de las opiniones o ideas ajenas sobre cómo él era; me felicito de haber conocido a Sonali y a todos, porque me benefició observar y comprender cuanto ocurría, para tener una noción de cómo había sucedido lo anterior”.
Y sobre lo anterior, concluye Ingrid Bergman en su biografía: “Se ha escrito sobre mi vida con Roberto que junto a él descubrí un mundo mucho mejor que el que conoce la mayor parte de la gente. Es cierto. Mi dicha a su lado fue tan intensa como los disgustos. Pero las penas componen también nuestra existencia. Nadie paladea la felicidad continuamente. El individuo en estado constante de felicidad debe de ser un latazo. Y Roberto desde luego no lo era”.
Fuente; Vanity Fair
En este enlace se puede ver Stromboli: https://m.ok.ru/video/4914494048905
Heráclito
23-03-2025, 13:12:28
Solo deben brillar las estrellas, pero...
Hay una regla tácita en Hollywood: cuando compartes la pantalla con una estrella importante, interpretas tu parte y la dejas brillar. Pero de vez en cuando, un actor menos conocido entra en una escena y, ya sea por puro talento, presencia magnética o carisma innegable, gana la escena , a menudo para disgusto de los principales protagonistas. Uno de los ejemplos más fascinantes de este hecho ocurrió durante la realización de The Big Sleep (1946), donde una joven y relativamente desconocida Martha Vickers se encontró involuntariamente eclipsando no sólo a una, sino a dos de las mayores estrellas de la época: Humphrey Bogart y Lauren Bacall.
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4569668&stc=1&d=1742753238
Vickers interpretó a Carmen Sternwood, la coqueta y problemática hermana menor del personaje de Bacall, Vivian. Desde el momento en que apareció en la pantalla, emanó una seducción sin esfuerzo, una mezcla de inocencia y peligro que encarnaba perfectamente el mundo moralmente oscuro de la ficción detectivesca de Raymond Chandler. Su química con el Philip Marlowe de Bogart era eléctrica, cada línea goteaba una mezcla de bromas juguetonas y amenaza finamente velada. De hecho, la actuación de Vickers fue tan convincente que comenzó a alejar el foco de Bacall, cuyo papel como la principal femme fatale de la película estaba destinado a ser el centro de la historia.
Lauren Bacall, ya una estrella en ascenso y el interés amoroso real de Bogart, estaba furiosa por la situación. No era solo que Vickers fuera buena, es que era demasiado buena. En lugar de ser un personaje menor que se desvanecia en el fondo, Vickers estaba dejando una gran impresión, su presencia perduraba en la mente tanto de la audiencia como de los cineastas. El mismo Bogart, siempre el profesional, tampoco estaba emocionado. Entendió el delicado equilibrio de la presencia en la pantalla y sabía que el magnetismo natural de Vickers estaba cambiando sutilmente la dinámica de la película. Incluso Raymond Chandler, el escritor de la novela, comentó que Vickers "hizo que robar escenas pareciera fácil. ”
Esto presentaba un serio problema para Warner Bros. , especialmente desde que la carrera de Bacall todavía estaba siendo cuidadosamente moldeada por el estudio. Ya la habían posicionado como una sensual y dominante presencia en la pantalla en To Have and Have Not (1944), donde ella y el romance chisporroteante en la pantalla (y fuera de la pantalla) de Bogart había cautivado al público. El éxito de Bacall fue importante, y su papel en The Big Sleep necesitaba reforzar su poder de estrella, no disminuirlo. Así que, en un movimiento que fue estratégico y despiadado, el estudio tomó medidas drásticas.
Durante la postproducción, varias de las escenas clave de Vickers fueron cortadas o recortadas para asegurar que Bacall siguiera siendo la presencia femenina dominante de la película. La edición final dejó a su personaje todavía memorable, pero ni de cerca tan poderoso como lo había sido originalmente. Esta decisión no se trataba sólo de la narrativa, sino de la política de Hollywood, el poder de las estrellas y la cuidadosa ingeniería de la carrera de una actriz principal.
A pesar de las ediciones, aquellos que han visto la película, incluso en su versión teatral, todavía reconocen el impacto de Vickers. Los académicos y entusiastas del cine clásico a menudo señalan su actuación como uno de los elementos más cautivadores de The Big Sleep. En la década de 1990, cuando una versión más completa de la película fue restaurada, algunos de los momentos perdidos de Vickers fueron restablecidos, permitiendo que el público moderno viera con qué esfuerzo ella cobraba atención.
Lo que hace que esta historia sea tan convincente no es sólo el drama detrás de las escenas, sino lo que revela sobre la dinámica de poder de Hollywood. No era suficiente que un actor principal fuera grande, también tenían que ser los más grandes en cualquier escena. Un artista de apoyo, sin importar el talento que tuviera, tenía que conocer su lugar. Y sin embargo, momentos como estos nos recuerdan que la verdadera presencia en la pantalla no siempre puede ser contenida por una sala de edición.
Martha Vickers nunca se convirtió en un nombre habitual como Bacall, pero su breve e inolvidable giro en The Big Sleep sigue siendo uno de los mejores ejemplos de un "robador de escenas" en el clásico Hollywood. Incluso décadas después, su actuación sigue fascinando al público, demostrando que a veces, no importa cuánto el sistema de estudio intente moldear el legado de una película, el poder crudo de una gran actuación todavía puede brillar.
Fuente: No solo cine y solo clásico
La pueden ver en el siguiente enlace: https://m.ok.ru/video/5011528092291
Hay una regla tácita en Hollywood: cuando compartes la pantalla con una estrella importante, interpretas tu parte y la dejas brillar. Pero de vez en cuando, un actor menos conocido entra en una escena y, ya sea por puro talento, presencia magnética o carisma innegable, gana la escena , a menudo para disgusto de los principales protagonistas. Uno de los ejemplos más fascinantes de este hecho ocurrió durante la realización de The Big Sleep (1946), donde una joven y relativamente desconocida Martha Vickers se encontró involuntariamente eclipsando no sólo a una, sino a dos de las mayores estrellas de la época: Humphrey Bogart y Lauren Bacall.
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4569668&stc=1&d=1742753238
Vickers interpretó a Carmen Sternwood, la coqueta y problemática hermana menor del personaje de Bacall, Vivian. Desde el momento en que apareció en la pantalla, emanó una seducción sin esfuerzo, una mezcla de inocencia y peligro que encarnaba perfectamente el mundo moralmente oscuro de la ficción detectivesca de Raymond Chandler. Su química con el Philip Marlowe de Bogart era eléctrica, cada línea goteaba una mezcla de bromas juguetonas y amenaza finamente velada. De hecho, la actuación de Vickers fue tan convincente que comenzó a alejar el foco de Bacall, cuyo papel como la principal femme fatale de la película estaba destinado a ser el centro de la historia.
Lauren Bacall, ya una estrella en ascenso y el interés amoroso real de Bogart, estaba furiosa por la situación. No era solo que Vickers fuera buena, es que era demasiado buena. En lugar de ser un personaje menor que se desvanecia en el fondo, Vickers estaba dejando una gran impresión, su presencia perduraba en la mente tanto de la audiencia como de los cineastas. El mismo Bogart, siempre el profesional, tampoco estaba emocionado. Entendió el delicado equilibrio de la presencia en la pantalla y sabía que el magnetismo natural de Vickers estaba cambiando sutilmente la dinámica de la película. Incluso Raymond Chandler, el escritor de la novela, comentó que Vickers "hizo que robar escenas pareciera fácil. ”
Esto presentaba un serio problema para Warner Bros. , especialmente desde que la carrera de Bacall todavía estaba siendo cuidadosamente moldeada por el estudio. Ya la habían posicionado como una sensual y dominante presencia en la pantalla en To Have and Have Not (1944), donde ella y el romance chisporroteante en la pantalla (y fuera de la pantalla) de Bogart había cautivado al público. El éxito de Bacall fue importante, y su papel en The Big Sleep necesitaba reforzar su poder de estrella, no disminuirlo. Así que, en un movimiento que fue estratégico y despiadado, el estudio tomó medidas drásticas.
Durante la postproducción, varias de las escenas clave de Vickers fueron cortadas o recortadas para asegurar que Bacall siguiera siendo la presencia femenina dominante de la película. La edición final dejó a su personaje todavía memorable, pero ni de cerca tan poderoso como lo había sido originalmente. Esta decisión no se trataba sólo de la narrativa, sino de la política de Hollywood, el poder de las estrellas y la cuidadosa ingeniería de la carrera de una actriz principal.
A pesar de las ediciones, aquellos que han visto la película, incluso en su versión teatral, todavía reconocen el impacto de Vickers. Los académicos y entusiastas del cine clásico a menudo señalan su actuación como uno de los elementos más cautivadores de The Big Sleep. En la década de 1990, cuando una versión más completa de la película fue restaurada, algunos de los momentos perdidos de Vickers fueron restablecidos, permitiendo que el público moderno viera con qué esfuerzo ella cobraba atención.
Lo que hace que esta historia sea tan convincente no es sólo el drama detrás de las escenas, sino lo que revela sobre la dinámica de poder de Hollywood. No era suficiente que un actor principal fuera grande, también tenían que ser los más grandes en cualquier escena. Un artista de apoyo, sin importar el talento que tuviera, tenía que conocer su lugar. Y sin embargo, momentos como estos nos recuerdan que la verdadera presencia en la pantalla no siempre puede ser contenida por una sala de edición.
Martha Vickers nunca se convirtió en un nombre habitual como Bacall, pero su breve e inolvidable giro en The Big Sleep sigue siendo uno de los mejores ejemplos de un "robador de escenas" en el clásico Hollywood. Incluso décadas después, su actuación sigue fascinando al público, demostrando que a veces, no importa cuánto el sistema de estudio intente moldear el legado de una película, el poder crudo de una gran actuación todavía puede brillar.
Fuente: No solo cine y solo clásico
La pueden ver en el siguiente enlace: https://m.ok.ru/video/5011528092291
Heráclito
24-03-2025, 10:09:17
Aquiles Vs. Héctor (Troya), uno de los mejores duelos del cine
La escena de lucha entre Aquiles (Brad Pitt) y Héctor (Eric Bana) en la película "Troy" es una de las mejores batallas en la historia del cine, y muchos críticos la han clasificado como una de las mejores peleas individuales en la historia del cine.
Brad Pitt y Eric Bana se sometieron a un entrenamiento intensivo de seis meses bajo la supervisión de entrenadores de combate con espadas. La escena fue diseñada en un estilo de "combate samurái" con un enfoque en la velocidad y precisión.
Ambos actores decidieron hacer la pelea por sí mismos sin usar dobles, y acordaron una regla poco común: si uno de ellos lastimaba al otro, no se disculparían, sino que le pagarían una compensación económica. ¡100 dólares por cada lesión leve y 200 dólares por una lesión grave! Brad Pitt nunca lastimó a Eric Bana, pero Brad recibió tres lesiones, por las cuales Bana pagó 600 dólares.
Antes de rodar la escena, Brad Pitt sufrió una lesión en el tendón de Aquiles, lo cual es irónico porque interpretaba a Aquiles. La lesión retrasó el rodaje durante varias semanas hasta que se recuperó parcialmente.
No se usó "fast motion" (movimiento rápido) ni cortes excesivos, sino que se filmó la pelea con planos largos para mostrar las habilidades de combate. Casi todos los golpes fueron reales, excepto los puñetazos muy cercanos.
El resultado fue impresionante, y el director de la película, Wolfgang Petersen, comentó: "Esta fue la pelea más realista que he filmado en toda mi carrera".
S2wyM5DOWJU
La escena de lucha entre Aquiles (Brad Pitt) y Héctor (Eric Bana) en la película "Troy" es una de las mejores batallas en la historia del cine, y muchos críticos la han clasificado como una de las mejores peleas individuales en la historia del cine.
Brad Pitt y Eric Bana se sometieron a un entrenamiento intensivo de seis meses bajo la supervisión de entrenadores de combate con espadas. La escena fue diseñada en un estilo de "combate samurái" con un enfoque en la velocidad y precisión.
Ambos actores decidieron hacer la pelea por sí mismos sin usar dobles, y acordaron una regla poco común: si uno de ellos lastimaba al otro, no se disculparían, sino que le pagarían una compensación económica. ¡100 dólares por cada lesión leve y 200 dólares por una lesión grave! Brad Pitt nunca lastimó a Eric Bana, pero Brad recibió tres lesiones, por las cuales Bana pagó 600 dólares.
Antes de rodar la escena, Brad Pitt sufrió una lesión en el tendón de Aquiles, lo cual es irónico porque interpretaba a Aquiles. La lesión retrasó el rodaje durante varias semanas hasta que se recuperó parcialmente.
No se usó "fast motion" (movimiento rápido) ni cortes excesivos, sino que se filmó la pelea con planos largos para mostrar las habilidades de combate. Casi todos los golpes fueron reales, excepto los puñetazos muy cercanos.
El resultado fue impresionante, y el director de la película, Wolfgang Petersen, comentó: "Esta fue la pelea más realista que he filmado en toda mi carrera".
S2wyM5DOWJU
Heráclito
25-03-2025, 08:20:33
Marcello Mastroianni y Anita Ekberg en La Dolce Vita (Federico Fellini, 1960)
Para muchos críticos, ésta sigue siendo una de las mejores escenas del cine.
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4571845&stc=1&d=1742908367
Federico Fellini filmó "La dolce vita" en 1959 y la presentó en el Festival de Cannes, donde ganó la Palma de Oro.
La escena en cuestión es sinónimo de cine (literalmente hablando) y es difícil encontrar un fotograma mas romántico que este.
Nunca quedó claro si este hermoso momento del séptimo arte se filmó en enero (como aseguró Anita Eckberg) o en marzo (como siempre dijo Fellini).
Pero hay algo en lo que los dos estaban de acuerdo y era en que, en ese momento que quedaría en la historia, hacía un frío increíble.
Anita Eckberg iba con un vestido de noche y Marcello llevaba traje. Y, vaya uno a saber como, la actriz sueca aguantó el frío sin problemas pero Mastroianni no, lo sufría a pleno y temblaba como una hoja. Le trajeron una segunda muda de ropa para que se la pusiera debajo del traje pero eso tampoco lo ayudó. Al final, lo que lo terminó salvando fue la aparición de una noble botella de vodka que se bebió casi entera.
Y esta primera imagen que enamoró a todos y vimos una y mil veces, fue rodada por un Marcello totalmente borracho (pero que, por lo menos, ya no tenía frío).
Fuente: Miriam Baños (Facebbok)
-mRT6Z58W0E
Para muchos críticos, ésta sigue siendo una de las mejores escenas del cine.
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4571845&stc=1&d=1742908367
Federico Fellini filmó "La dolce vita" en 1959 y la presentó en el Festival de Cannes, donde ganó la Palma de Oro.
La escena en cuestión es sinónimo de cine (literalmente hablando) y es difícil encontrar un fotograma mas romántico que este.
Nunca quedó claro si este hermoso momento del séptimo arte se filmó en enero (como aseguró Anita Eckberg) o en marzo (como siempre dijo Fellini).
Pero hay algo en lo que los dos estaban de acuerdo y era en que, en ese momento que quedaría en la historia, hacía un frío increíble.
Anita Eckberg iba con un vestido de noche y Marcello llevaba traje. Y, vaya uno a saber como, la actriz sueca aguantó el frío sin problemas pero Mastroianni no, lo sufría a pleno y temblaba como una hoja. Le trajeron una segunda muda de ropa para que se la pusiera debajo del traje pero eso tampoco lo ayudó. Al final, lo que lo terminó salvando fue la aparición de una noble botella de vodka que se bebió casi entera.
Y esta primera imagen que enamoró a todos y vimos una y mil veces, fue rodada por un Marcello totalmente borracho (pero que, por lo menos, ya no tenía frío).
Fuente: Miriam Baños (Facebbok)
-mRT6Z58W0E
Heráclito
16-04-2025, 07:07:44
Chaplin
Stephanie Ducasse }
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4587058&stc=1&d=1744805229
Cuando ganó suficiente dinero, sacó a su Madre del asilo para enfermos mentales donde se encontraba, en las cercanías de Londres, para que pasara sus últimos años en una lujosa mansión en California con todos los cuidados.
Cuando la visitaba, muchas veces ella ni siquiera le reconocía, otras, su Madre le metía en los zapatos trozos de pan envuelto en periódico, tal vez un eco del hambre atroz que pasó de niño.
Un 16 de abril de 1889 nacía Charles Chaplin, en un carromato de Black Path Pork, un campamento gitano de Smethwick cerca de Birmingham, Inglaterra.
Así, desde muy pequeño estuvo vinculado al mundo de la interpretación, sus padres fueron artistas ambulantes de music-hall y él debutó a los 5 años.
Su padre alcohólico los abandonó, y poco después murió con 37 años.
Su madre, Hannah, debió sacar adelante a sus hijos, pero fracasó en su profesión y la falta de dinero y la mala alimentación, hicieron mella en su salud mental.
Debió ser internada, y Charlie junto a su hermano Sydney pasaron dos años en el Asilo para Pobres de Lambeth, por un grave cuadro de desnutrición.
Ingresó en 1907 en la Compañía de mimos de Fred Karno, donde coincidió con Stan Laurel, actor cómico del famoso dúo El Gordo y el Flaco.
Con el grupo llegó a EEUU en 1910 y en 1913 finalmente a Hollywood.
Un año más tarde, en los estudios de la Keystone, durante el rodaje de la película Aventuras extraordinarias de Mabel, nació su personaje de Charlot, y con él la leyenda.
El director Mack Sennett, en medio de la peli le dijo; "Vé, maquíllate y ponte un disfraz cómico”. Chaplin fue al guardarropa y eligió lo primero que encontró; una levita estrecha, pantalones holgados, zapatones, bastón y sombrero hongo. Luego le añadió un bigotito “para parecer algo mayor”. Había nacido el que acabaríamos conociendo como Charlot.
El personaje apareció por primera vez en la película Carreras sofocantes, estrenada en febrero de ese mismo año.
El éxito fue inmediato.
En docenas de películas, este eterno vagabundo, a través de su personaje sin palabras, denunció las desigualdades sociales de su época, con dignidad, humor e ingenio, siempre con un espacio para el romance y la aventura.
Fue fundador de la productora United Artists, que consiguió que el trabajo de los actores sea reconocido y mejor pago, en una época en que sus derechos eran inexistentes.
Tiempos Modernos constituye un gran alegato contra el Capitalismo, y su mítico discurso final en el Gran Dictador, donde por primera vez habla, se ha convertido a través del tiempo, en un llamamiento Universal, a la Paz, la Libertad y la Tolerancia, a la altura de los de Gandhi o Martin Luther King.
Por el mensaje social de sus películas, fue uno de los grandes perseguidos por la infame Caza de Brujas del senador Joseph McCarthy entre 1950 y 1956, e incluido en sus "listas negras" por ser sospechoso de comunista.
Debió abandonar el país y se radicó en Suiza.
Regresó 20 años después, y en 1972 le fue otorgado un Óscar Honorífico por su trayectoria, recibiendo la ovación más grande en la historia de la Academia.
Partió mientras dormía, la noche de Navidad de 1977.
Chaplin fue Mimo, Músico, Escritor y Poeta, pero sobre todo un Mago, que con el Lenguaje Universal de su Arte único, definió un nuevo concepto de Humanismo, el de la Solidaridad, el que hoy más necesitamos.
"Recuerdo a esos Bailarines callejeros, que bailaban temblando de frío y de hambre. Yo era como ellos...
Y en las noches, en esas noches mágicas, cuando me quedaba dormido, arrullado por mis cuentos de hadas, esperaba el día para volver a verlos..."
Fuente: HISTORIA, ARTE, CULTURA Y MÚSICA (Facebook)
Stephanie Ducasse }
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4587058&stc=1&d=1744805229
Cuando ganó suficiente dinero, sacó a su Madre del asilo para enfermos mentales donde se encontraba, en las cercanías de Londres, para que pasara sus últimos años en una lujosa mansión en California con todos los cuidados.
Cuando la visitaba, muchas veces ella ni siquiera le reconocía, otras, su Madre le metía en los zapatos trozos de pan envuelto en periódico, tal vez un eco del hambre atroz que pasó de niño.
Un 16 de abril de 1889 nacía Charles Chaplin, en un carromato de Black Path Pork, un campamento gitano de Smethwick cerca de Birmingham, Inglaterra.
Así, desde muy pequeño estuvo vinculado al mundo de la interpretación, sus padres fueron artistas ambulantes de music-hall y él debutó a los 5 años.
Su padre alcohólico los abandonó, y poco después murió con 37 años.
Su madre, Hannah, debió sacar adelante a sus hijos, pero fracasó en su profesión y la falta de dinero y la mala alimentación, hicieron mella en su salud mental.
Debió ser internada, y Charlie junto a su hermano Sydney pasaron dos años en el Asilo para Pobres de Lambeth, por un grave cuadro de desnutrición.
Ingresó en 1907 en la Compañía de mimos de Fred Karno, donde coincidió con Stan Laurel, actor cómico del famoso dúo El Gordo y el Flaco.
Con el grupo llegó a EEUU en 1910 y en 1913 finalmente a Hollywood.
Un año más tarde, en los estudios de la Keystone, durante el rodaje de la película Aventuras extraordinarias de Mabel, nació su personaje de Charlot, y con él la leyenda.
El director Mack Sennett, en medio de la peli le dijo; "Vé, maquíllate y ponte un disfraz cómico”. Chaplin fue al guardarropa y eligió lo primero que encontró; una levita estrecha, pantalones holgados, zapatones, bastón y sombrero hongo. Luego le añadió un bigotito “para parecer algo mayor”. Había nacido el que acabaríamos conociendo como Charlot.
El personaje apareció por primera vez en la película Carreras sofocantes, estrenada en febrero de ese mismo año.
El éxito fue inmediato.
En docenas de películas, este eterno vagabundo, a través de su personaje sin palabras, denunció las desigualdades sociales de su época, con dignidad, humor e ingenio, siempre con un espacio para el romance y la aventura.
Fue fundador de la productora United Artists, que consiguió que el trabajo de los actores sea reconocido y mejor pago, en una época en que sus derechos eran inexistentes.
Tiempos Modernos constituye un gran alegato contra el Capitalismo, y su mítico discurso final en el Gran Dictador, donde por primera vez habla, se ha convertido a través del tiempo, en un llamamiento Universal, a la Paz, la Libertad y la Tolerancia, a la altura de los de Gandhi o Martin Luther King.
Por el mensaje social de sus películas, fue uno de los grandes perseguidos por la infame Caza de Brujas del senador Joseph McCarthy entre 1950 y 1956, e incluido en sus "listas negras" por ser sospechoso de comunista.
Debió abandonar el país y se radicó en Suiza.
Regresó 20 años después, y en 1972 le fue otorgado un Óscar Honorífico por su trayectoria, recibiendo la ovación más grande en la historia de la Academia.
Partió mientras dormía, la noche de Navidad de 1977.
Chaplin fue Mimo, Músico, Escritor y Poeta, pero sobre todo un Mago, que con el Lenguaje Universal de su Arte único, definió un nuevo concepto de Humanismo, el de la Solidaridad, el que hoy más necesitamos.
"Recuerdo a esos Bailarines callejeros, que bailaban temblando de frío y de hambre. Yo era como ellos...
Y en las noches, en esas noches mágicas, cuando me quedaba dormido, arrullado por mis cuentos de hadas, esperaba el día para volver a verlos..."
Fuente: HISTORIA, ARTE, CULTURA Y MÚSICA (Facebook)
Heráclito
27-04-2025, 08:24:37
La bofetada
En 1958, Natalie Wood pasó delante de la mesa de Frank Sinatra en Romanoff's en Beverly Hills cuando hizo un comentario fuerte y crudo dirigido a ella.
Sin dudarlo un momento, ella se dio la vuelta, caminó directamente a su mesa y le dio una bofetada en la cara a plena vista de la multitud de élite del restaurante. El sonido agudo de su palma contra su mejilla cortó conversaciones y congeló los tenedores en el aire. La sonrisa de Sinatra desapareció. Natalie no dijo una palabra. Ella lo miró fijamente, luego se alejó como si nada hubiera pasado.
Ese momento no llegó a los titulares en los periódicos, pero se convirtió en una historia que todo el mundo en Hollywood conocía. Romanoff no era un restaurante ordinario. Era un potente patio de recreo para actores, productores y jefes de estudio. Sinatra, para entonces, era intocable. Con un Grammy bajo su cinturón y una reputación que combinaba encanto con peligro, comandaba cada habitación en la que entró. Su palabra podría hacer o romper las carreras de la gente. Sin embargo, en un rápido gesto, Natalie Wood había trazado una línea que nadie esperaba que ella dibujara.
Ella había crecido dentro del sistema de estudios. A la edad de diez años, ya había trabajado con Orson Welles y protagonizó "Miracle on 34. "Hollywood la había tratado como a una muñeca de porcelana con una cara lista para la cámara y una actitud satisfactoria. A finales de la década de 1950, Natalie había trabajado con James Dean en "Rebel Without a Cause", jugó complejos papeles emocionales, y había comenzado a hacer retroceder la forma en que la industria moldeaba a las mujeres
La gente a su alrededor notó un cambio. Natalie se había vuelto más asertiva, más selectiva con sus papeles, y mucho más vocal acerca de la forma en que las mujeres eran tratadas detrás de las escenas. La bofetada no fue un arrebato. Fue la expresión física de una mujer hecha que no toleraba la falta de respeto, sin importar quién lo manifetara.
Los cercanos a Sinatra esperaban una reacción violenta. Era conocido por guardar rencor y por usar su influencia para cerrar silenciosamente puertas a las personas que lo cruzaron. Pero sucedió algo inusual. Según se informa, Sinatra se inclinó hacia atrás en su asiento después del shock inicial y murmuró: "Tiene agallas. Ésa chica va a durar". Nunca sacó el tema del incidente de nuevo y nunca mostró resentimiento público hacia Natalie. De hecho, algunos dijeron que después llevó un silencioso respeto por ella.
En pocos días, la historia se abrió camino por la ciudad. Fue repetido por artistas del maquillaje, susurrado sobre los atrasos, y hecho referencia casualmente durante las negociaciones del contrato.
El nombre de Natalie Wood de repente tenía un peso diferente. Ella todavía era una belleza, todavía una estrella de carpa, pero ahora también era vista como alguien que no seguiría el juego con las reglas tácitas de Hollywood.
En privado, algunas actrices la elogiaron. Todos habían soportado situaciones similares, muchos en silencio, preocupados de que hablar les costara sus carreras. Natalie había hecho lo que más se soñaba hacer. Se había dado la vuelta y dijo no, no con palabras, sino con una acción que dejó sin palabras a una habitación llena de hombres.
Ella nunca mencionó el evento públicamente. No había cita, ni anécdota de talk show, ni entrevista de revista. Ella no necesitaba explicarlo. Ese era el estilo de Natalie. Acero tranquilo detrás de características suaves. El tipo de fuerza que no requiere atención.
Sinatra, rodeado de poder y fama, había sido desafiado por alguien más joven, más pequeño y socialmente menor en el orden jerárquico de la industria. Y no lo olvidó. Tampoco nadie más que estuviera presente esa noche.
Esa bofetada no era por venganza. Se trataba de recuperar el control en una industria que a menudo exigía obediencia de sus estrellas, especialmente de sus mujeres.
Ella no gritó. Ella no discutió. Ella se fue con todos los ojos de la habitación mirándola, y nadie se atrevió a seguirla. Ese acto se hizo eco más tiempo que cualquier discurso que ella podría haber hecho.
Fue su forma de pedir respeto y empatía en un mundo de hombres.
Carlos Raggi Figueroa
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4594341&stc=1&d=1745760201
Fuente; Lee, piensa y escribe / Facebook
En 1958, Natalie Wood pasó delante de la mesa de Frank Sinatra en Romanoff's en Beverly Hills cuando hizo un comentario fuerte y crudo dirigido a ella.
Sin dudarlo un momento, ella se dio la vuelta, caminó directamente a su mesa y le dio una bofetada en la cara a plena vista de la multitud de élite del restaurante. El sonido agudo de su palma contra su mejilla cortó conversaciones y congeló los tenedores en el aire. La sonrisa de Sinatra desapareció. Natalie no dijo una palabra. Ella lo miró fijamente, luego se alejó como si nada hubiera pasado.
Ese momento no llegó a los titulares en los periódicos, pero se convirtió en una historia que todo el mundo en Hollywood conocía. Romanoff no era un restaurante ordinario. Era un potente patio de recreo para actores, productores y jefes de estudio. Sinatra, para entonces, era intocable. Con un Grammy bajo su cinturón y una reputación que combinaba encanto con peligro, comandaba cada habitación en la que entró. Su palabra podría hacer o romper las carreras de la gente. Sin embargo, en un rápido gesto, Natalie Wood había trazado una línea que nadie esperaba que ella dibujara.
Ella había crecido dentro del sistema de estudios. A la edad de diez años, ya había trabajado con Orson Welles y protagonizó "Miracle on 34. "Hollywood la había tratado como a una muñeca de porcelana con una cara lista para la cámara y una actitud satisfactoria. A finales de la década de 1950, Natalie había trabajado con James Dean en "Rebel Without a Cause", jugó complejos papeles emocionales, y había comenzado a hacer retroceder la forma en que la industria moldeaba a las mujeres
La gente a su alrededor notó un cambio. Natalie se había vuelto más asertiva, más selectiva con sus papeles, y mucho más vocal acerca de la forma en que las mujeres eran tratadas detrás de las escenas. La bofetada no fue un arrebato. Fue la expresión física de una mujer hecha que no toleraba la falta de respeto, sin importar quién lo manifetara.
Los cercanos a Sinatra esperaban una reacción violenta. Era conocido por guardar rencor y por usar su influencia para cerrar silenciosamente puertas a las personas que lo cruzaron. Pero sucedió algo inusual. Según se informa, Sinatra se inclinó hacia atrás en su asiento después del shock inicial y murmuró: "Tiene agallas. Ésa chica va a durar". Nunca sacó el tema del incidente de nuevo y nunca mostró resentimiento público hacia Natalie. De hecho, algunos dijeron que después llevó un silencioso respeto por ella.
En pocos días, la historia se abrió camino por la ciudad. Fue repetido por artistas del maquillaje, susurrado sobre los atrasos, y hecho referencia casualmente durante las negociaciones del contrato.
El nombre de Natalie Wood de repente tenía un peso diferente. Ella todavía era una belleza, todavía una estrella de carpa, pero ahora también era vista como alguien que no seguiría el juego con las reglas tácitas de Hollywood.
En privado, algunas actrices la elogiaron. Todos habían soportado situaciones similares, muchos en silencio, preocupados de que hablar les costara sus carreras. Natalie había hecho lo que más se soñaba hacer. Se había dado la vuelta y dijo no, no con palabras, sino con una acción que dejó sin palabras a una habitación llena de hombres.
Ella nunca mencionó el evento públicamente. No había cita, ni anécdota de talk show, ni entrevista de revista. Ella no necesitaba explicarlo. Ese era el estilo de Natalie. Acero tranquilo detrás de características suaves. El tipo de fuerza que no requiere atención.
Sinatra, rodeado de poder y fama, había sido desafiado por alguien más joven, más pequeño y socialmente menor en el orden jerárquico de la industria. Y no lo olvidó. Tampoco nadie más que estuviera presente esa noche.
Esa bofetada no era por venganza. Se trataba de recuperar el control en una industria que a menudo exigía obediencia de sus estrellas, especialmente de sus mujeres.
Ella no gritó. Ella no discutió. Ella se fue con todos los ojos de la habitación mirándola, y nadie se atrevió a seguirla. Ese acto se hizo eco más tiempo que cualquier discurso que ella podría haber hecho.
Fue su forma de pedir respeto y empatía en un mundo de hombres.
Carlos Raggi Figueroa
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4594341&stc=1&d=1745760201
Fuente; Lee, piensa y escribe / Facebook
Casanova33
29-04-2025, 09:21:22
No quiero a Chaplin, quiero a Bruno Ganz interpretando al Führer!
Jajajajaja
Jajajajaja
Casanova33
29-04-2025, 09:23:38
Moachos, me ayudan a acordarme cómo es que se incrusta un video aquí? Lo hice en anteriores post pero no recuerdo. Gracias, no dejemos morir el cineforo.
Estoy haciendo la prueba con un video que grabé hace siglos, cuando estaba en el colegio, sobre las vidas paralelas de Andrés Caicedo y Gonzalo Arango.
Caicedo es para mi un referente de cine ineludible.
https://archive.org/download/VTS011_20180808/VTS_01_1.mp4
Estoy haciendo la prueba con un video que grabé hace siglos, cuando estaba en el colegio, sobre las vidas paralelas de Andrés Caicedo y Gonzalo Arango.
Caicedo es para mi un referente de cine ineludible.
https://archive.org/download/VTS011_20180808/VTS_01_1.mp4
Soyado
04-05-2025, 20:32:31
Fuente: Miriam Baños (Facebbok)
-mRT6Z58W0E
Y bueno... Vuelvo a tener 'La Dolce Vita' de avatar.
Qué peliculón. Y ahora que he vuelto a revisitar esta escena traída de quién sabe Olimpo de la cinematografía, cuando Marcelo dice 'Sí, Silvia', le pude notar en el hablado la libación extrema a la que tuvo que someterse. ¡Ja, ja, ja! Afortunadamente, como que pudo mantener el equilibrio... Y bien lo valía por estar con esa diosa sueca.
Parce: uno a veces sí es muy chimbo. Lo digo porque mantenés este cine foro, a pesar de la casi indiferencia a la que lamentablemente lo tienen sometido (a excepción del compañero Casanova33, fiel escudero de este hilo). Mejor no prometo y, simplemente, te agradezco.
-mRT6Z58W0E
Y bueno... Vuelvo a tener 'La Dolce Vita' de avatar.
Qué peliculón. Y ahora que he vuelto a revisitar esta escena traída de quién sabe Olimpo de la cinematografía, cuando Marcelo dice 'Sí, Silvia', le pude notar en el hablado la libación extrema a la que tuvo que someterse. ¡Ja, ja, ja! Afortunadamente, como que pudo mantener el equilibrio... Y bien lo valía por estar con esa diosa sueca.
Parce: uno a veces sí es muy chimbo. Lo digo porque mantenés este cine foro, a pesar de la casi indiferencia a la que lamentablemente lo tienen sometido (a excepción del compañero Casanova33, fiel escudero de este hilo). Mejor no prometo y, simplemente, te agradezco.
Soyado
04-05-2025, 21:24:44
Fuente: Newsner
Qué gran artículo. Lo que a mí más me impresionó del mismo, fue encontrarme dizque con Rebecca De Mornay, según el pie de foto en inglés. Lo digo porque ella se me ha quedado en la memoria gracias a 'Negocios riesgosos' (1983), la película que a mi juicio hizo conocer a Tom Cruise, y por 'Runaway Train', trepidante película de acción y drama de la compañía Cannon que estelarizó junto a Jon Voight (el papá de Angelina Jolie) y Eric Roberts (hermano de Julia Roberts).
Rebecca para esos Oscar era una niña, o preadolescente, de 12 años, así que... Me da por pensar que se equivocaron en ese pie de foto, pana Heráclito. ¡¿Protestas por 'Harry el sucio'?! ¡Bueno!... No se puede tener contento a todo el mundo, y estamos hablando de una de las películas de acción más espectaculares de la historia del séptimo arte. Yo la adoro dentro de las de este género, como lo hago con 'Scarface', la de Brian de Palma, Tony Montana, en fin...
Y ver a Gene Hackman, reciente, y tristemente fallecido por cómo lo encontraron muerto. Y a Jane Fonda, toda una fuerza natural en mi opinión, y a la exuberante Raquel Welch, una de las mujeres más sensuales del mundo del espectáculo... Y a Chaplin, monstruo del séptimo arte, y al viejo Jack, con su cara de fiestero empedernido, ja, ja, ja. Maravilloso, maravilloso.
Qué gran artículo. Lo que a mí más me impresionó del mismo, fue encontrarme dizque con Rebecca De Mornay, según el pie de foto en inglés. Lo digo porque ella se me ha quedado en la memoria gracias a 'Negocios riesgosos' (1983), la película que a mi juicio hizo conocer a Tom Cruise, y por 'Runaway Train', trepidante película de acción y drama de la compañía Cannon que estelarizó junto a Jon Voight (el papá de Angelina Jolie) y Eric Roberts (hermano de Julia Roberts).
Rebecca para esos Oscar era una niña, o preadolescente, de 12 años, así que... Me da por pensar que se equivocaron en ese pie de foto, pana Heráclito. ¡¿Protestas por 'Harry el sucio'?! ¡Bueno!... No se puede tener contento a todo el mundo, y estamos hablando de una de las películas de acción más espectaculares de la historia del séptimo arte. Yo la adoro dentro de las de este género, como lo hago con 'Scarface', la de Brian de Palma, Tony Montana, en fin...
Y ver a Gene Hackman, reciente, y tristemente fallecido por cómo lo encontraron muerto. Y a Jane Fonda, toda una fuerza natural en mi opinión, y a la exuberante Raquel Welch, una de las mujeres más sensuales del mundo del espectáculo... Y a Chaplin, monstruo del séptimo arte, y al viejo Jack, con su cara de fiestero empedernido, ja, ja, ja. Maravilloso, maravilloso.
Casanova33
05-05-2025, 16:26:13
A todas estas muchachos pregunta: alguien de Cali o de acá tiene de casualidad tomos de la revista OJO AL CINE? De nuestro ídolo Andrés Caicedo? No sé dónde conseguirlas y me encantaría. Gracias.
Casanova33
12-05-2025, 21:40:47
Réquiem por un sueño (Requiem for a Dream) (2000) es una película de Darren Aronofsky sobre la adicción y la muerte de los sueños. Está basada en un libro del mismo título del escritor Hubert Selby Jr., publicado en 1978.
Sobresale en ella el tratamiento que hace el director del tema de la adicción, la pericia para recrear estados de alucinación, la vista distorsionada a partir de orificios y cámaras de vigilancia, y la maestría narrativa para mostrar diferentes planos de manera simultánea dividiendo la pantalla.
Cabe preguntarnos a qué se refiere su título, que en español podemos traducir como Réquiem por un sueño. Si un réquiem es el canto que se entona por un difunto, entonces ¿a qué honras fúnebres estamos asistiendo? ¿Qué ha muerto y por qué?
https://cdn.culturagenial.com/es/imagenes/requiem.jpg?class=article
Cartel de la película Requiem for a Dream (2000)Resumen de la película
https://cdn.culturagenial.com/es/imagenes/requiem-for-a-dream-779633930-large-cke.jpg?class=article
https://cdn.culturagenial.com/es/imagenes/mv5bmjjhmzy0nzatndjkns00mtq4lwezyzgtmmvjzgnlngyxzdqwxkeyxkfq cgdeqxvynjuxmjc1otm-v1-sx1777-cr0-0-1777-962-al-cke.jpg?class=article
https://cdn.culturagenial.com/es/imagenes/0e6a0f37b44973791a684bce68ae85e3-cke.jpg?class=article
https://cdn.culturagenial.com/es/imagenes/maxresdefault-cke.jpg?class=article
Sara Goldfarb recibe shocks eléctricos
Análisis de la película
El réquiem es el canto destinado para las ceremonias de los difuntos. En la tradición, cumple la función de honrar a los muertos y ofrecer paz y reposo al alma y a los seres queridos. El título, Requiem for a dream (Réquiem por un sueño), centra la atención en la intención tras la obra.
Se trata, entonces, de la representación de la "muerte" de los sueños. ¿A qué tipo de sueños se refiere? La película trata de dar una respuesta entretejida con la problemática de la adicción y enmarcada en el contexto del ambiente de la sociedad actual: los reality shows, la popularidad, las soluciones fáciles vendidas por el marketing, lo que es percibido como éxito.
Los sueños destruidos son tan complejos como los personajes que sueñan y sus historias personales.
https://cdn.culturagenial.com/es/imagenes/requiem-for-a-dream-edit.jpg?class=article
Cuadro final de los cuatro protagonistas de la película.Sara Goldfarb y la adicción
La vida de Sara Goldfarb, una viuda solitaria, cambia cuando recibe una invitación para aparecer como concursante en la televisión. Esto le da un nuevo propósito a su vida. Ahora sueña con aparecer ante un gran público. Sueña con verse tan hermosa como aparece en la fotografía del grado de su hijo, cuando era mucho más joven, su esposo aún vivía y su hijo había logrado graduarse de la secundaria.
Sara sueña con verse hermosa, pero tras esta imagen hay una asociación mucho más profunda. Ella sueña con volver a sentirse tan feliz y segura como en el momento de la fotografía. Sueña también con poderse sentir apreciada y amada. En ese momento su esposo la miraba como a la mujer más hermosa del mundo. Ella sentía que importaba, que tenía un propósito, mientras que hoy en día su hijo ni siquiera la visita: solo aparece para robar su televisor y obtener así algún dinero para las drogas, aunque no por esto se puede decir que él no la ame.
Como Sara misma dice, aparecer en la televisión le da una razón para vivir: Sara Goldfarb: Es una razón para levantarse en la mañana. Es una razón para perder peso, para que el vestido rojo me quede bueno. Es una razón para sonreír. Hace que el mañana esté bien. ¿Qué más tengo Harry, ah? ¿Porque debería incluso tender la cama o lavar los platos? Los hago, pero ¿por qué debería hacerlos?
Pero también, aparecer en la televisión es para Sara una posibilidad de ser vista por muchos y ganar así popularidad. Existe una idea en la cultura que asocia la popularidad con ser importante y sentirse amada: Sara Goldfarb: Ahora soy alguien, Harry. Todos me aprecian. Pronto, millones de personas me verán y todos me apreciarán. Les contaré de ti y de tu padre, cómo nos quería. ¿Recuerdas?
Además de llevar una vida vacía, solitaria y sin propósito, otro factor que contribuye a la adicción de Sara es su propia incapacidad para enfrentar sus problemas. El primer diálogo de Sara muestra su intención de negar por completo su realidad, esperando que al final todo funcione: Sara Goldfarb: Esto no está pasando, y si estuviera pasando saldría bien. Entonces no te preocupes, Seymour. Todo saldrá bien. Ya lo verás. Al final todo es lindo.
Al igual que muchos, Sara sueña con recuperar su figura esbelta. Esta imagen es asociada de manera falsa con la belleza, la aprobación, el éxito y el amor. Perder peso es celebrado en la cultura y siempre es asociado con un mejor estado de salud. La delgadez como enfermedad es asociada incluso a otras cualidades sin ninguna justificación real, como ser especial y único.
Sara representa la creencia mágica frecuente de que al perder peso y cambiar de imagen, también otros aspecto de la vida cambiaran y lo que no funcionaba ahora resultará. El uso de pastillas para la dieta por parte de Sara, además de ser celebrado socialmente como un acto constructivo, tiene el aval de la autoridad del médico, quien las formula como un "medicamento". Por supuesto, en este caso se trata de un médico sin escrúpulos.
Por otra parte, tomar pastillas provee a Sara de una estructura que ordena su vida con una fórmula simple, de manera que ella puede conseguir un tipo de éxito: Sara Goldfarb: Morado en la mañana, azul al mediodía, naranja en la noche. Ahí están mis tres comidas Mr. Smartypants. Y verde en la noche. Así nada más. Uno, dos, tres, cuatro.
Este video recrea de la historia de Sara, con las imágenes más importantes de la película:
Marion, Harry y Tyrone: otro tipo de adicción
No sabemos qué tipo de drogas consumen estos personajes. Sabemos que toman una combinación de todo: a veces son pastillas, fuman o se inyectan. Sin embargo, son personajes complejos que trascienden el estigma con el cual podríamos encasillarlos como adictos.
Por una parte, los vicios otorgan a los personajes de algo que no tienen. Marion dice a Harry mientras ambos están drogados que él la hace sentir como a una persona y como si fuera ella. Esto lo dice porque está acompañada por Harry, pero también por la influencia de las drogas.
Marion busca la aventura y la emoción en su vida, como demuestra al activar la alarma del edificio que invade, aunque había pasado desapercibida por los guardias. También, Marión tiene un vacío, tal vez afectivo, dado que su familia solo le ofrece dinero.
Harry y Tyrone sueñan con la prosperidad y el éxito. Buscan una solución fácil que los llene de dinero rápidamente, vendiendo drogas: Harry Goldfarb: Podríamos doblar la plata fácil. (...) Espere, Ty, vea. Esta es nuestra oportunidad de ganar en grande. Hacemos lo correcto y podemos conseguir una libra pura. Pero si nos trabamos, la cagamos.
Marion además tiene talento para el diseño de modas: su casa está llena de los dibujos de figurines y prendas que quisiera confeccionar. En este sueño, se suma Harry, quien le propone poner su propio almacén con su ayuda.
En el fondo, Marion y Harry, como cualquier pareja, sueñan con un futuro en el que puedan compartir juntos, tener prosperidad y sumar logros, prestando un servicio a la sociedad, lejos del mundo de las drogas.
En este video podemos ver con profundidad la conexión emocional de los momentos de intimidad de la pareja:
Ruptura del estereotipo del adicto
La película muestra con maestría la situación de Sara Goldfarb. No es el tipo de persona que asociamos normalmente con la adicción, al contrarío, se mantiene siempre en el margen de la ley; va a un doctor quien le receta pastillas, y su ideal está dentro de lo que es asociado como una meta constructiva; perder peso cuando ella es una mujer mayor con sobrepeso.
La película muestra cómo su situación es completamente desesperada, desde mucho antes de empezar a tomar pastillas, no tiene ninguna razón para vivir y ningún propósito en su vida. Además, ya cumplió con la meta de formar un hogar que tuvo en su juventud. Viuda y con un hijo adicto que no la visita, no tiene ningún motor de vida. Solo sobrevive con la rutina de su programa de televisión y la compañía de las vecinas.
En el fondo, Sara, tras su meta de perder peso y aparecer en la televisión, mucho más allá de la fama o la aceptación de las masas, solo quiere lo mismo que todos queremos: el bienestar y la prosperidad de su hijo, con el cual quiere compartir su vida. Por esta razón en la escena final de la película aparece Sara, ya en el hospital, soñando despierta que abraza a su hijo, y le dice que lo ama. Harry aparece en su sueño con un traje de saco y corbata, y el presentador anuncia que Harry a puesto su negocio propio, y está comprometido para casarse en el verano. Harry, abrazando a su madre, responde que él también la ama.
También tras el sueño de dinero fácil y rápido de Harry y Tyrone, estos muchachos solo quieren estabilidad económica. Y Harry y Marion solo buscan su prosperidad como pareja y continuar juntos.
La cultura ha estigmatizado a los adictos. Continúa la creencia de qué solo "otros", quizás los que son considerados débiles o disfuncionales son susceptibles ante las adicciones. Pero Requiem for a Dream muestra que sus personajes también sueñan con un futuro mejor, también quieren luchar y compartir con sus seres queridos. En el fondo solo quieren lo mismo que todos queremos: seguridad, estabilidad, amor, compañía y que los seres que aman y que ellos mismos sean felices.
Como reflexión queda la pregunta que Sara Goldfarb hace a la audiencia de televisión que se burla de ella, en medio de su alucinación, y ella les responde si ellos estando en sus zapatos podrían vivir su situación y manejarla de una mejor manera.
Visualización de los estados de conciencia alterados
La película muestra con maestría los estados de conciencia asociados a la locura, la paranoia, la drogadicción y permite que el espectador pueda percibir la misma sensación visual que el personaje. Así, sabemos que Sara solo puede pensar en comida porque mira a su alrededor y convierte la decoración y los objetos de la casa en deliciosas hamburguesas y pasteles.
Como espectadores no sabemos y con frecuencia dudamos si Sara está alucinando, o si solo está imaginando. Así, cuando Sara está más afectada por las pastillas, la luz parpadea; hay un sonido permanente como si hubiera un teléfono descolgado; los colores aparecen distorsionados; en algunos lugares es como si todo estuviera iluminado por una luz roja, o por una luz verde, y Sara se asoma al ojo de la puerta temiendo que alguien más la aseche, no solo la nevera.
La película desdibuja los límites entre la imaginación y la alucinación, pero como espectadores retenemos el estado de confusión, y la sensación de alteración de los sentidos que están asociados a la enfermedad.
Crítica a la sociedad y al sueño americano
La película critica las tendencias de la sociedad actual que son asociadas al éxito; los reality shows, la popularidad, las soluciones fáciles vendidas por el marketing.
El programa de televisión predilecto de Sara es un infomercial en el que los concursantes, que no sabemos qué hacen para merecer estar en el programa, son aclamados por una audiencia que grita "Be excited" (mantente contento, motivado) y que les otorga el título de ganadores, mientras que todos aplauden y gritan con aprobación.
Son programas que venden fórmulas fáciles que otorgan el éxito. Así, el presentador del programa emociona a la masa anunciando: "3 cosas que puede hacer para cambiar su vida". O el libro que usa Sara para su dieta se llama: "Pierda 10 libras en 10 días".
La película denuncia un marketing sin escrúpulos, que solo le interesa vender prometiendo mucho más de lo que en realidad entrega a sus usuarios. Las fórmulas son tan sencillas y atractivas que todos caen en la tentación de creer que problemas complejos tienen soluciones inmediatas.
Hay una fuerte crítica a las nociones de popularidad asociadas al éxito que es más relevante hoy en día debido a la influencia de las redes sociales y de los reality shows. Sara tiene la creencia de la sociedad americana de que alcanzar la fama equivale a "ser alguien", a ser amada y a alcanzar el éxito. También la figura esbelta está ligada al mundo de la televisión, la fama y Hollywood.
En el fondo son formulas de éxito que la sociedad prefiere no cuestionar. Es más fácil pensar como dice Sara al comienzo de la película: "que lo que es malo no está pasando y al final todo sale bien".
Personajes
Sara Goldfarb (Ellen Burstyn)
https://cdn.culturagenial.com/es/imagenes/ellen-burstyn-cke.jpg?class=article
Es una mujer viuda, solitaria y de edad cuya única compañía son las vecinas. Sueña con aparecer en la televisión para ganar popularidad, y lucir el hermoso vestido rojo que uso en la graduación de su hijo, cuando su esposo aún vivía. Este es el primer diálogo de Sara en la película: Sara Goldfarb: Esto no está pasando, y si estuviera pasando saldría bien. Entonces no te preocupes, Seymour. Todo saldrá bien. Ya lo verás. Al final todo es lindo.
Harry Goldfarb (Jared Leto)
https://cdn.culturagenial.com/es/imagenes/aliq5nnmlzldq88vrqltrvezkhc-cke.jpg?class=articleHijo de Sara Goldfarb. Es un joven adicto que tiende a soñar despierto. Para costear su adicción, frecuentemente roba el televisor de su madre para venderlo. Vive de la venta de drogas, junto con su novia, Marion Silver, y su mejor amigo y cómplice, Tyrone C. Love.
Marion Silver (Jennifer Connelly)
https://cdn.culturagenial.com/es/imagenes/large-jennifer-connelly-cke.jpg?class=article
Novia de Harry Goldfarb. Proviene de una familia adinerada, quienes la mantienen y le costean un apartamento. Ella los rechaza porque solo le ofrecen dinero y no lo que ella quisiera. Es adicta a las drogas y frecuenta a un siquiatra quien la invita a salir y a cambio, el siquiatra mantiene la apariencia de armonía en la relación de Marion con su familia. Sueña con ser diseñadora de modas. Esta cita pertenece a uno de los diálogos de Marion, mientras usa drogas con Harry: Marion Silver: Te amo, Harry. Me haces sentir como una persona. Como si fuera yo... y yo fuera hermosa.
Tyrone C. Love (Marlon Wayans)
https://cdn.culturagenial.com/es/imagenes/fhd000dfr-marlon-wayans-003-cke.jpg?class=article
Amigo y cómplice de Harry Goldfarb. Tiene contactos y conoce el bajo mundo del tráfico de drogas. Es un joven adicto y vendedor. Sueña con su madre, quien le ofreció cariño, cuidado y seguridad cuando apenas era un niño.
Darren Aronofsky
https://cdn.culturagenial.com/es/imagenes/darren-aronofsky-cke.jpg?class=article
Director de origen estadounidense, nacido en New York en 1969. Estudió Cine y Antropología Social en Harvard y después Dirección en el American Film Institute. Darren Aronofsky es reconocido por dirigir películas surreales, dramáticas y perturbadoras. Fue nominado en la categoría de Mejor Director en el 2011 en los premios de la academia Oscar, Golden Globe y Bafta. Sus películas más conocidas son Réquiem por un sueño (2000), El cisne negro (2010) y El luchador (2008).
Otras películas dirigidas por Darren Aronofsky
Protozoa, 1992
Pi: El orden del caos, 1998
Réquiem por un sueño, 2000
La fuente de la vida, 2006
El luchador, 2008
Black Swan, 2010
Noé, 2014
Mother!, 2017
Réquiem Por un Sueño \\ PELÃCULA COMPLETA DE DRAMA CON JARED LETO | NetMovies - PelÃ*culas En Español - YouTube
Sobresale en ella el tratamiento que hace el director del tema de la adicción, la pericia para recrear estados de alucinación, la vista distorsionada a partir de orificios y cámaras de vigilancia, y la maestría narrativa para mostrar diferentes planos de manera simultánea dividiendo la pantalla.
Cabe preguntarnos a qué se refiere su título, que en español podemos traducir como Réquiem por un sueño. Si un réquiem es el canto que se entona por un difunto, entonces ¿a qué honras fúnebres estamos asistiendo? ¿Qué ha muerto y por qué?
https://cdn.culturagenial.com/es/imagenes/requiem.jpg?class=article
Cartel de la película Requiem for a Dream (2000)Resumen de la película
https://cdn.culturagenial.com/es/imagenes/requiem-for-a-dream-779633930-large-cke.jpg?class=article
https://cdn.culturagenial.com/es/imagenes/mv5bmjjhmzy0nzatndjkns00mtq4lwezyzgtmmvjzgnlngyxzdqwxkeyxkfq cgdeqxvynjuxmjc1otm-v1-sx1777-cr0-0-1777-962-al-cke.jpg?class=article
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https://cdn.culturagenial.com/es/imagenes/maxresdefault-cke.jpg?class=article
Sara Goldfarb recibe shocks eléctricos
Análisis de la película
El réquiem es el canto destinado para las ceremonias de los difuntos. En la tradición, cumple la función de honrar a los muertos y ofrecer paz y reposo al alma y a los seres queridos. El título, Requiem for a dream (Réquiem por un sueño), centra la atención en la intención tras la obra.
Se trata, entonces, de la representación de la "muerte" de los sueños. ¿A qué tipo de sueños se refiere? La película trata de dar una respuesta entretejida con la problemática de la adicción y enmarcada en el contexto del ambiente de la sociedad actual: los reality shows, la popularidad, las soluciones fáciles vendidas por el marketing, lo que es percibido como éxito.
Los sueños destruidos son tan complejos como los personajes que sueñan y sus historias personales.
https://cdn.culturagenial.com/es/imagenes/requiem-for-a-dream-edit.jpg?class=article
Cuadro final de los cuatro protagonistas de la película.Sara Goldfarb y la adicción
La vida de Sara Goldfarb, una viuda solitaria, cambia cuando recibe una invitación para aparecer como concursante en la televisión. Esto le da un nuevo propósito a su vida. Ahora sueña con aparecer ante un gran público. Sueña con verse tan hermosa como aparece en la fotografía del grado de su hijo, cuando era mucho más joven, su esposo aún vivía y su hijo había logrado graduarse de la secundaria.
Sara sueña con verse hermosa, pero tras esta imagen hay una asociación mucho más profunda. Ella sueña con volver a sentirse tan feliz y segura como en el momento de la fotografía. Sueña también con poderse sentir apreciada y amada. En ese momento su esposo la miraba como a la mujer más hermosa del mundo. Ella sentía que importaba, que tenía un propósito, mientras que hoy en día su hijo ni siquiera la visita: solo aparece para robar su televisor y obtener así algún dinero para las drogas, aunque no por esto se puede decir que él no la ame.
Como Sara misma dice, aparecer en la televisión le da una razón para vivir: Sara Goldfarb: Es una razón para levantarse en la mañana. Es una razón para perder peso, para que el vestido rojo me quede bueno. Es una razón para sonreír. Hace que el mañana esté bien. ¿Qué más tengo Harry, ah? ¿Porque debería incluso tender la cama o lavar los platos? Los hago, pero ¿por qué debería hacerlos?
Pero también, aparecer en la televisión es para Sara una posibilidad de ser vista por muchos y ganar así popularidad. Existe una idea en la cultura que asocia la popularidad con ser importante y sentirse amada: Sara Goldfarb: Ahora soy alguien, Harry. Todos me aprecian. Pronto, millones de personas me verán y todos me apreciarán. Les contaré de ti y de tu padre, cómo nos quería. ¿Recuerdas?
Además de llevar una vida vacía, solitaria y sin propósito, otro factor que contribuye a la adicción de Sara es su propia incapacidad para enfrentar sus problemas. El primer diálogo de Sara muestra su intención de negar por completo su realidad, esperando que al final todo funcione: Sara Goldfarb: Esto no está pasando, y si estuviera pasando saldría bien. Entonces no te preocupes, Seymour. Todo saldrá bien. Ya lo verás. Al final todo es lindo.
Al igual que muchos, Sara sueña con recuperar su figura esbelta. Esta imagen es asociada de manera falsa con la belleza, la aprobación, el éxito y el amor. Perder peso es celebrado en la cultura y siempre es asociado con un mejor estado de salud. La delgadez como enfermedad es asociada incluso a otras cualidades sin ninguna justificación real, como ser especial y único.
Sara representa la creencia mágica frecuente de que al perder peso y cambiar de imagen, también otros aspecto de la vida cambiaran y lo que no funcionaba ahora resultará. El uso de pastillas para la dieta por parte de Sara, además de ser celebrado socialmente como un acto constructivo, tiene el aval de la autoridad del médico, quien las formula como un "medicamento". Por supuesto, en este caso se trata de un médico sin escrúpulos.
Por otra parte, tomar pastillas provee a Sara de una estructura que ordena su vida con una fórmula simple, de manera que ella puede conseguir un tipo de éxito: Sara Goldfarb: Morado en la mañana, azul al mediodía, naranja en la noche. Ahí están mis tres comidas Mr. Smartypants. Y verde en la noche. Así nada más. Uno, dos, tres, cuatro.
Este video recrea de la historia de Sara, con las imágenes más importantes de la película:
Marion, Harry y Tyrone: otro tipo de adicción
No sabemos qué tipo de drogas consumen estos personajes. Sabemos que toman una combinación de todo: a veces son pastillas, fuman o se inyectan. Sin embargo, son personajes complejos que trascienden el estigma con el cual podríamos encasillarlos como adictos.
Por una parte, los vicios otorgan a los personajes de algo que no tienen. Marion dice a Harry mientras ambos están drogados que él la hace sentir como a una persona y como si fuera ella. Esto lo dice porque está acompañada por Harry, pero también por la influencia de las drogas.
Marion busca la aventura y la emoción en su vida, como demuestra al activar la alarma del edificio que invade, aunque había pasado desapercibida por los guardias. También, Marión tiene un vacío, tal vez afectivo, dado que su familia solo le ofrece dinero.
Harry y Tyrone sueñan con la prosperidad y el éxito. Buscan una solución fácil que los llene de dinero rápidamente, vendiendo drogas: Harry Goldfarb: Podríamos doblar la plata fácil. (...) Espere, Ty, vea. Esta es nuestra oportunidad de ganar en grande. Hacemos lo correcto y podemos conseguir una libra pura. Pero si nos trabamos, la cagamos.
Marion además tiene talento para el diseño de modas: su casa está llena de los dibujos de figurines y prendas que quisiera confeccionar. En este sueño, se suma Harry, quien le propone poner su propio almacén con su ayuda.
En el fondo, Marion y Harry, como cualquier pareja, sueñan con un futuro en el que puedan compartir juntos, tener prosperidad y sumar logros, prestando un servicio a la sociedad, lejos del mundo de las drogas.
En este video podemos ver con profundidad la conexión emocional de los momentos de intimidad de la pareja:
Ruptura del estereotipo del adicto
La película muestra con maestría la situación de Sara Goldfarb. No es el tipo de persona que asociamos normalmente con la adicción, al contrarío, se mantiene siempre en el margen de la ley; va a un doctor quien le receta pastillas, y su ideal está dentro de lo que es asociado como una meta constructiva; perder peso cuando ella es una mujer mayor con sobrepeso.
La película muestra cómo su situación es completamente desesperada, desde mucho antes de empezar a tomar pastillas, no tiene ninguna razón para vivir y ningún propósito en su vida. Además, ya cumplió con la meta de formar un hogar que tuvo en su juventud. Viuda y con un hijo adicto que no la visita, no tiene ningún motor de vida. Solo sobrevive con la rutina de su programa de televisión y la compañía de las vecinas.
En el fondo, Sara, tras su meta de perder peso y aparecer en la televisión, mucho más allá de la fama o la aceptación de las masas, solo quiere lo mismo que todos queremos: el bienestar y la prosperidad de su hijo, con el cual quiere compartir su vida. Por esta razón en la escena final de la película aparece Sara, ya en el hospital, soñando despierta que abraza a su hijo, y le dice que lo ama. Harry aparece en su sueño con un traje de saco y corbata, y el presentador anuncia que Harry a puesto su negocio propio, y está comprometido para casarse en el verano. Harry, abrazando a su madre, responde que él también la ama.
También tras el sueño de dinero fácil y rápido de Harry y Tyrone, estos muchachos solo quieren estabilidad económica. Y Harry y Marion solo buscan su prosperidad como pareja y continuar juntos.
La cultura ha estigmatizado a los adictos. Continúa la creencia de qué solo "otros", quizás los que son considerados débiles o disfuncionales son susceptibles ante las adicciones. Pero Requiem for a Dream muestra que sus personajes también sueñan con un futuro mejor, también quieren luchar y compartir con sus seres queridos. En el fondo solo quieren lo mismo que todos queremos: seguridad, estabilidad, amor, compañía y que los seres que aman y que ellos mismos sean felices.
Como reflexión queda la pregunta que Sara Goldfarb hace a la audiencia de televisión que se burla de ella, en medio de su alucinación, y ella les responde si ellos estando en sus zapatos podrían vivir su situación y manejarla de una mejor manera.
Visualización de los estados de conciencia alterados
La película muestra con maestría los estados de conciencia asociados a la locura, la paranoia, la drogadicción y permite que el espectador pueda percibir la misma sensación visual que el personaje. Así, sabemos que Sara solo puede pensar en comida porque mira a su alrededor y convierte la decoración y los objetos de la casa en deliciosas hamburguesas y pasteles.
Como espectadores no sabemos y con frecuencia dudamos si Sara está alucinando, o si solo está imaginando. Así, cuando Sara está más afectada por las pastillas, la luz parpadea; hay un sonido permanente como si hubiera un teléfono descolgado; los colores aparecen distorsionados; en algunos lugares es como si todo estuviera iluminado por una luz roja, o por una luz verde, y Sara se asoma al ojo de la puerta temiendo que alguien más la aseche, no solo la nevera.
La película desdibuja los límites entre la imaginación y la alucinación, pero como espectadores retenemos el estado de confusión, y la sensación de alteración de los sentidos que están asociados a la enfermedad.
Crítica a la sociedad y al sueño americano
La película critica las tendencias de la sociedad actual que son asociadas al éxito; los reality shows, la popularidad, las soluciones fáciles vendidas por el marketing.
El programa de televisión predilecto de Sara es un infomercial en el que los concursantes, que no sabemos qué hacen para merecer estar en el programa, son aclamados por una audiencia que grita "Be excited" (mantente contento, motivado) y que les otorga el título de ganadores, mientras que todos aplauden y gritan con aprobación.
Son programas que venden fórmulas fáciles que otorgan el éxito. Así, el presentador del programa emociona a la masa anunciando: "3 cosas que puede hacer para cambiar su vida". O el libro que usa Sara para su dieta se llama: "Pierda 10 libras en 10 días".
La película denuncia un marketing sin escrúpulos, que solo le interesa vender prometiendo mucho más de lo que en realidad entrega a sus usuarios. Las fórmulas son tan sencillas y atractivas que todos caen en la tentación de creer que problemas complejos tienen soluciones inmediatas.
Hay una fuerte crítica a las nociones de popularidad asociadas al éxito que es más relevante hoy en día debido a la influencia de las redes sociales y de los reality shows. Sara tiene la creencia de la sociedad americana de que alcanzar la fama equivale a "ser alguien", a ser amada y a alcanzar el éxito. También la figura esbelta está ligada al mundo de la televisión, la fama y Hollywood.
En el fondo son formulas de éxito que la sociedad prefiere no cuestionar. Es más fácil pensar como dice Sara al comienzo de la película: "que lo que es malo no está pasando y al final todo sale bien".
Personajes
Sara Goldfarb (Ellen Burstyn)
https://cdn.culturagenial.com/es/imagenes/ellen-burstyn-cke.jpg?class=article
Es una mujer viuda, solitaria y de edad cuya única compañía son las vecinas. Sueña con aparecer en la televisión para ganar popularidad, y lucir el hermoso vestido rojo que uso en la graduación de su hijo, cuando su esposo aún vivía. Este es el primer diálogo de Sara en la película: Sara Goldfarb: Esto no está pasando, y si estuviera pasando saldría bien. Entonces no te preocupes, Seymour. Todo saldrá bien. Ya lo verás. Al final todo es lindo.
Harry Goldfarb (Jared Leto)
https://cdn.culturagenial.com/es/imagenes/aliq5nnmlzldq88vrqltrvezkhc-cke.jpg?class=articleHijo de Sara Goldfarb. Es un joven adicto que tiende a soñar despierto. Para costear su adicción, frecuentemente roba el televisor de su madre para venderlo. Vive de la venta de drogas, junto con su novia, Marion Silver, y su mejor amigo y cómplice, Tyrone C. Love.
Marion Silver (Jennifer Connelly)
https://cdn.culturagenial.com/es/imagenes/large-jennifer-connelly-cke.jpg?class=article
Novia de Harry Goldfarb. Proviene de una familia adinerada, quienes la mantienen y le costean un apartamento. Ella los rechaza porque solo le ofrecen dinero y no lo que ella quisiera. Es adicta a las drogas y frecuenta a un siquiatra quien la invita a salir y a cambio, el siquiatra mantiene la apariencia de armonía en la relación de Marion con su familia. Sueña con ser diseñadora de modas. Esta cita pertenece a uno de los diálogos de Marion, mientras usa drogas con Harry: Marion Silver: Te amo, Harry. Me haces sentir como una persona. Como si fuera yo... y yo fuera hermosa.
Tyrone C. Love (Marlon Wayans)
https://cdn.culturagenial.com/es/imagenes/fhd000dfr-marlon-wayans-003-cke.jpg?class=article
Amigo y cómplice de Harry Goldfarb. Tiene contactos y conoce el bajo mundo del tráfico de drogas. Es un joven adicto y vendedor. Sueña con su madre, quien le ofreció cariño, cuidado y seguridad cuando apenas era un niño.
Darren Aronofsky
https://cdn.culturagenial.com/es/imagenes/darren-aronofsky-cke.jpg?class=article
Director de origen estadounidense, nacido en New York en 1969. Estudió Cine y Antropología Social en Harvard y después Dirección en el American Film Institute. Darren Aronofsky es reconocido por dirigir películas surreales, dramáticas y perturbadoras. Fue nominado en la categoría de Mejor Director en el 2011 en los premios de la academia Oscar, Golden Globe y Bafta. Sus películas más conocidas son Réquiem por un sueño (2000), El cisne negro (2010) y El luchador (2008).
Otras películas dirigidas por Darren Aronofsky
Protozoa, 1992
Pi: El orden del caos, 1998
Réquiem por un sueño, 2000
La fuente de la vida, 2006
El luchador, 2008
Black Swan, 2010
Noé, 2014
Mother!, 2017
Réquiem Por un Sueño \\ PELÃCULA COMPLETA DE DRAMA CON JARED LETO | NetMovies - PelÃ*culas En Español - YouTube
Casanova33
12-05-2025, 21:47:02
Moachos, no supe cómo insertar el video. Es un link de Youtube. Me ayudan?
(sería bacanísimo que todas las películas que reseñamos acá se pudieran insertar y ver aquí mismo dentro del foro, sin salir). Gracias, este espacio no lo vamos a dejar morir. Saludos.
UPDATE: Solucionado
(sería bacanísimo que todas las películas que reseñamos acá se pudieran insertar y ver aquí mismo dentro del foro, sin salir). Gracias, este espacio no lo vamos a dejar morir. Saludos.
UPDATE: Solucionado
Heráclito
14-05-2025, 07:54:23
Una ovación que parecía no tener fin, un mar de aplausos y emoción para Robert De Niro, quien recibió la Palma de Oro Honorífica en el Festival de Cannes… de manos de Leonardo Di Caprio
Un momento histórico para celebrar a una leyenda viva del cine. De Niro no solo actuó, nos marcó con personajes inolvidables, y una carrera que es puro arte.
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4604806&stc=1&d=1747227176
Un momento histórico para celebrar a una leyenda viva del cine. De Niro no solo actuó, nos marcó con personajes inolvidables, y una carrera que es puro arte.
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4604806&stc=1&d=1747227176
Casanova33
15-05-2025, 10:45:06
Una ovación que parecía no tener fin, un mar de aplausos y emoción para Robert De Niro, quien recibió la Palma de Oro Honorífica en el Festival de Cannes… de manos de Leonardo Di Caprio
Un momento histórico para celebrar a una leyenda viva del cine. De Niro no solo actuó, nos marcó con personajes inolvidables, y una carrera que es puro arte.
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4604806&stc=1&d=1747227176
Robert de Niro, un imprescindible!
Un momento histórico para celebrar a una leyenda viva del cine. De Niro no solo actuó, nos marcó con personajes inolvidables, y una carrera que es puro arte.
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4604806&stc=1&d=1747227176
Robert de Niro, un imprescindible!
Casanova33
15-05-2025, 11:03:36
Revista Ojo al Cine fundada por el gran Andrés Caicedo. Estoy seguro que esto le gustaría al señor Heráclito.
https://http2.mlstatic.com/D_NQ_NP_2X_923846-MCO70077873770_062023-F.webp
https://http2.mlstatic.com/D_NQ_NP_2X_923846-MCO70077873770_062023-F.webp
Casanova33
24-05-2025, 12:03:33
Cuando al cine le sobraban huevos. ROBOCOP.
ROBOCOP: Cuando al cine le sobraban Huevos y Talento - YouTube
ROBOCOP: Cuando al cine le sobraban Huevos y Talento - YouTube
Soyado
24-05-2025, 21:50:13
Revista Ojo al Cine fundada por el gran Andrés Caicedo. Estoy seguro que esto le gustaría al señor Heráclito.
https://http2.mlstatic.com/D_NQ_NP_2X_923846-MCO70077873770_062023-F.webp
Apenas me he pillado 'Bonnie y Clyde', 'El bebé de Rosemary' y 'Serpico' de las que nombran los títulos en esta página. Las tres, en mi opinión, excelentes largometrajes, pero a los dos primeros los considero imprescindibles en la historia de la cinematografía universal.
Creo que el término 'irreverante', ja, ja, ja, es un gazapo que se logró colar en la impresión. Sin embargo, este pequeño dislate me parece que le brinda un cariz especial de todos modos.
https://http2.mlstatic.com/D_NQ_NP_2X_923846-MCO70077873770_062023-F.webp
Apenas me he pillado 'Bonnie y Clyde', 'El bebé de Rosemary' y 'Serpico' de las que nombran los títulos en esta página. Las tres, en mi opinión, excelentes largometrajes, pero a los dos primeros los considero imprescindibles en la historia de la cinematografía universal.
Creo que el término 'irreverante', ja, ja, ja, es un gazapo que se logró colar en la impresión. Sin embargo, este pequeño dislate me parece que le brinda un cariz especial de todos modos.
Soyado
24-05-2025, 22:09:49
Una ovación que parecía no tener fin, un mar de aplausos y emoción para Robert De Niro, quien recibió la Palma de Oro Honorífica en el Festival de Cannes… de manos de Leonardo Di Caprio
Un momento histórico para celebrar a una leyenda viva del cine. De Niro no solo actuó, nos marcó con personajes inolvidables, y una carrera que es puro arte.
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4604806&stc=1&d=1747227176
Tantos momentos cinéfilos que agradecerle al viejo Bob. Yo lo considero a él, junto a Dustin Hoffman y Al Pacino, como el trío dorado del Nuevo Hollywood en cuanto a actores masculinos (recordar que el Nuevo Hollywood, es específicamente el periodo de los años 70 en el cine estadounidense que vino con directores como Spielberg, Scorsese, Coppola, Lucas, De Palma, Bogdanovich...)
¿Mi personaje favorito de Robert? Indudablemente, Travis Bickle, papá: aquel veterano de Vietnam que recorre desencantado las calles de Nueva York laburando como taxista insomne, matando el tiempo libre en cines porno, e ilusionado bajo una cuota adorable de majadería con ese ángel llamado Betsy. El podio lo completarían, bajo mi criterio, 'Noodles' Aaronson de 'Érase una vez en América', y "Ace" Rothstein de 'Casino'.
Algo importante: De Niro ayudó a impulsar la carrera de nadie menos que Meryl Streep, después de que esta perdiera a su pareja de entonces, el también actor John Cazale, por una penosa enfermedad. De las tres en donde han actuado juntos Meryl y Robert, solo me he pillado 'El francotirador'.
Un momento histórico para celebrar a una leyenda viva del cine. De Niro no solo actuó, nos marcó con personajes inolvidables, y una carrera que es puro arte.
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4604806&stc=1&d=1747227176
Tantos momentos cinéfilos que agradecerle al viejo Bob. Yo lo considero a él, junto a Dustin Hoffman y Al Pacino, como el trío dorado del Nuevo Hollywood en cuanto a actores masculinos (recordar que el Nuevo Hollywood, es específicamente el periodo de los años 70 en el cine estadounidense que vino con directores como Spielberg, Scorsese, Coppola, Lucas, De Palma, Bogdanovich...)
¿Mi personaje favorito de Robert? Indudablemente, Travis Bickle, papá: aquel veterano de Vietnam que recorre desencantado las calles de Nueva York laburando como taxista insomne, matando el tiempo libre en cines porno, e ilusionado bajo una cuota adorable de majadería con ese ángel llamado Betsy. El podio lo completarían, bajo mi criterio, 'Noodles' Aaronson de 'Érase una vez en América', y "Ace" Rothstein de 'Casino'.
Algo importante: De Niro ayudó a impulsar la carrera de nadie menos que Meryl Streep, después de que esta perdiera a su pareja de entonces, el también actor John Cazale, por una penosa enfermedad. De las tres en donde han actuado juntos Meryl y Robert, solo me he pillado 'El francotirador'.
Soyado
25-05-2025, 10:53:06
Cuando al cine le sobraban huevos. ROBOCOP.
ROBOCOP: Cuando al cine le sobraban Huevos y Talento - YouTube (https://www.youtube.com/watch?v=ckYsftdWeos)
¡Ja, ja, ja! Estos argentinos para hacer estos videos son de puta madre, parce: me cagaba de la risa, y a la vez, me daba nostalgia y admiración por este tipo de cine que tuve la suerte de ver primero en VHS.
Toda la acción que sacan ahora, para mí, es una severenda mierda comparada con esta joya. O con 'Scarface'; o 'Harry El Sucio', o 'Arma Mortal', 'Duro de matar', 'Shaft', 'The French Connection', en fin: los ochentas y parte de los setentas, fueron la reputería en el género de las balas y los maleantes combinado con drama.
P.D. Me quedo con el término 'roboculiar', ja, ja, ja. ¡Grosso!
ROBOCOP: Cuando al cine le sobraban Huevos y Talento - YouTube (https://www.youtube.com/watch?v=ckYsftdWeos)
¡Ja, ja, ja! Estos argentinos para hacer estos videos son de puta madre, parce: me cagaba de la risa, y a la vez, me daba nostalgia y admiración por este tipo de cine que tuve la suerte de ver primero en VHS.
Toda la acción que sacan ahora, para mí, es una severenda mierda comparada con esta joya. O con 'Scarface'; o 'Harry El Sucio', o 'Arma Mortal', 'Duro de matar', 'Shaft', 'The French Connection', en fin: los ochentas y parte de los setentas, fueron la reputería en el género de las balas y los maleantes combinado con drama.
P.D. Me quedo con el término 'roboculiar', ja, ja, ja. ¡Grosso!
Heráclito
02-06-2025, 06:14:31
Esta escena, que con el correr de los años se convirtió en un clásico, nos muestra en estos pocos segundos hasta dónde puede llegar la estupidez humana. Nos esforzamos, pero lo conseguimos, la destrucción de lo que pomposamente llamamos civilización. Quizás el final más oscuro de todos los tiempos. ¿A qué película me refiero, amigos cinéfilos?
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4618513&stc=1&d=1748862806
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4618513&stc=1&d=1748862806
Soyado
02-06-2025, 09:48:11
Esta escena, que con el correr de los años se convirtió en un clásico, nos muestra en estos pocos segundos hasta dónde puede llegar la estupidez humana. Nos esforzamos, pero lo conseguimos, la destrucción de lo que pomposamente llamamos civilización. Quizás el final más oscuro de todos los tiempos. ¿A qué película me refiero, amigos cinéfilos?
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4618513&stc=1&d=1748862806
En la escena final de la película de ciencia ficción "El planeta de los simios", protagonizada por Charlton Heston, su personaje George Taylor descubre las ruinas de la Estatua de la Libertad enterradas en la arena, revelando que ha estado en una Tierra postapocalíptica todo el tiempo. La escena fue filmada en Point Dume State Beach en 1968, con una réplica a escala de la Estatua de la Libertad.
Esto me lo sapió Copilot, je, je, je, así que no hay mérito alguno de mi parte. No me he visto 'El planeta de los simios', pero supe que se trataba de Heston apenas verlo. Y algo más que puedo decir de esta escena es que me encantan esos tonos en Technicolor. Y el look de los sesentas de la actriz.
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4618513&stc=1&d=1748862806
En la escena final de la película de ciencia ficción "El planeta de los simios", protagonizada por Charlton Heston, su personaje George Taylor descubre las ruinas de la Estatua de la Libertad enterradas en la arena, revelando que ha estado en una Tierra postapocalíptica todo el tiempo. La escena fue filmada en Point Dume State Beach en 1968, con una réplica a escala de la Estatua de la Libertad.
Esto me lo sapió Copilot, je, je, je, así que no hay mérito alguno de mi parte. No me he visto 'El planeta de los simios', pero supe que se trataba de Heston apenas verlo. Y algo más que puedo decir de esta escena es que me encantan esos tonos en Technicolor. Y el look de los sesentas de la actriz.
Heráclito
02-06-2025, 10:38:07
En la escena final de la película de ciencia ficción "El planeta de los simios", protagonizada por Charlton Heston, su personaje George Taylor descubre las ruinas de la Estatua de la Libertad enterradas en la arena, revelando que ha estado en una Tierra postapocalíptica todo el tiempo. La escena fue filmada en Point Dume State Beach en 1968, con una réplica a escala de la Estatua de la Libertad.
Esto me lo sapió Copilot, je, je, je, así que no hay mérito alguno de mi parte. No me he visto 'El planeta de los simios', pero supe que se trataba de Heston apenas verlo. Y algo más que puedo decir de esta escena es que me encantan esos tonos en Technicolor. Y el look de los sesentas de la actriz.
Te invito a verla. Es la primera de una secuela. Luego vino una versión moderna, también en forma de secuela. Me las he visto todas.
Enlace: https://m.ok.ru/video/1628677737092
Esto me lo sapió Copilot, je, je, je, así que no hay mérito alguno de mi parte. No me he visto 'El planeta de los simios', pero supe que se trataba de Heston apenas verlo. Y algo más que puedo decir de esta escena es que me encantan esos tonos en Technicolor. Y el look de los sesentas de la actriz.
Te invito a verla. Es la primera de una secuela. Luego vino una versión moderna, también en forma de secuela. Me las he visto todas.
Enlace: https://m.ok.ru/video/1628677737092
Casanova33
05-06-2025, 09:22:19
Esta escena, que con el correr de los años se convirtió en un clásico, nos muestra en estos pocos segundos hasta dónde puede llegar la estupidez humana. Nos esforzamos, pero lo conseguimos, la destrucción de lo que pomposamente llamamos civilización. Quizás el final más oscuro de todos los tiempos. ¿A qué película me refiero, amigos cinéfilos?
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4618513&stc=1&d=1748862806
El planeta de los simios, creo.
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4618513&stc=1&d=1748862806
El planeta de los simios, creo.
Heráclito
11-06-2025, 06:56:53
Una anécdota de Roger Moore, el inolvidable James Bond, que seguramente encantará a todos los que nos divertimos de niños y luego, ya adultos con las venturas de este espía, seductor y letal, capaz de salvar el mundo casi sin despeinarse y luego, quedarse con la más linda de todas como justo premio.
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4626589&stc=1&d=1749642927
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4626589&stc=1&d=1749642927
Heráclito
17-06-2025, 08:22:51
Hace 65 años, "Psicosis" creó el modo de exhibición actual en los cines, al introducir un sistema de horarios fijos para las proyecciones y eliminar las sesiones continuas de aquella época, donde la gente entraba en cualquier momento sin saber por dónde iba la película.
Tal fue la novedad revolucionaria que los cines y Paramount tuvieron que lanzar una campaña publicitaria explicando y justificando la nueva política de exhibición.
Este documento histórico cuenta cómo #Hitchcock sentaría las bases de lo que acabaría siendo un estándar en la industria de la exhibición cinematográfica.
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4631777&stc=1&d=1750166251
Tal fue la novedad revolucionaria que los cines y Paramount tuvieron que lanzar una campaña publicitaria explicando y justificando la nueva política de exhibición.
Este documento histórico cuenta cómo #Hitchcock sentaría las bases de lo que acabaría siendo un estándar en la industria de la exhibición cinematográfica.
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4631777&stc=1&d=1750166251
Heráclito
19-06-2025, 21:14:05
“Cine para imbéciles” y “basura pomposa”: aquel primer guion de ‘Star Wars’ que no gustó absolutamente a nadie
En el verano de 1975 George Lucas presentó a amigos como Francis Ford Coppola y Brian de Palma un guion que había escrito “para niños de entre 10 y 12 años”
https://imagenes.elpais.com/resizer/v2/H2QI5LVZB5BBVA32A6WUOVNTRU.jpg?auth=f54d791b05a2e338c024fea1 ff2f056715cf4bc553c24899a162d5a17c49827a&width=1200
Anthony Daniels (que daba vida a C-3PO) con George Lucas en el rodaje de 'La guerra de las galaxias', titulada posteriormente 'Star Wars: Episodio IV - Una nueva esperanza'.
Sunset Boulevard (Corbis via Getty Images)
Miquel Echarri
Barcelona - 18 JUN 2025 - 22:30 COT
Francis Ford Coppola, una de las primeras personas en leerlo, consideraba que aquel guion era una basura pomposa e indigesta. El 1 de agosto de 1975, hace ahora casi 50 años, George Lucas dio carpetazo al que consideraba el primer borrador viable de la futura Star Wars. Desde su punto de vista, ya solo quedaba cerrar los últimos flecos del acuerdo de producción con Fox y empezar a rodar en el área de Los Ángeles a finales de diciembre. Pero a su esposa, Marcia Griffin, y a su socio y amigo, Coppola, aquello les seguía pareciendo una jerigonza incomprensible.
A Marcia, montadora de profesión, colaboradora habitual de Martin Scorsese, le preocupaba especialmente que el gran proyecto de George tras el éxito de American Graffiti se basase en un guion falto de pulso narrativo y deficiente en lo literario. Incluso recomendó a su marido, no sin cierta crueldad, que intentase “leer un poco más” para comprobar por sí mismo cómo se construye una buena historia.
Literatura de urracas
Pero la falta de referentes no era el problema. Adventures of the Starkiller, Episode One: The Star Wars, título provisional del proyecto, había sido fruto de muchas horas de lectura voraz y digestión problemática. Para empezar, Lucas se había inspirado en Las enseñanzas de Don Juan, evangelio new age del escritor (y chamán) peruano Carlos Castaneda, y en los cuentos de hadas del mitólogo neoyorquino Joseph Campbell.
Ese par de autores le inspiraron un primer balbuceo narrativo, apenas un puñado de párrafos, escritos en febrero de 1972, en los que podía leerse la siguiente frase: “Esta es la historia de Mace Windu, venerable Jedi bendu del planeta Opuchi, y de su pariente y aprendiz padawaan Usby C.J. Thape". A continuación, empezó a enriquecer el guiso con ingredientes literarios tan heterogéneos como los cómics de Flash Gordon y Buck Rogers, las sagas de Tolkien, los tratados sobre religión comparada del antropólogo James George Frazer, el ciclo de novelas sobre el explorador John Carter que escribió Edgard Rice Burroughs, Los viajes de Gulliver o los romances galácticos de Edwin Arnold.
https://imagenes.elpais.com/resizer/v2/TXFQYB4PBZBRTCJA5XFHZXTEX4.jpg?auth=4c8d930190275818d83c7441 7a45b27ac6e5489c20542c2712e58c63cf29bee5&width=1960
Alec Guinness y George Lucas en el rodaje de 'La guerra de las galaxias', titulada posteriormente 'Star Wars: Episodio IV - Una nueva esperanza'.
Sunset Boulevard (Corbis via Getty Images)
Lucas, según propia confesión, abordó todo ese material con instinto de urraca, decidido a apropiarse sin complejos de todo lo que brillase. Eso sí, las influencias literarias convivieron en todo momento con las cinematográficas. En mayo de 1973, cuando todo lo que podía exhibir era un lánguido borrador de 13 páginas repleto de nombres extraños, Lucas explicó al director de Universal Pictures, Lew Wasserman, que su película iba a ser un cruce entre los hermanos Grimm y 2001: Un odisea del espacio y que su esquema narrativo básico (una princesa adolescente custodiada por dos secuaces, uno alto, escuálido y parlanchín y otro bajito, rechoncho y parco en palabras) iba a ser muy similar al de La fortaleza escondida, de Akira Kurosawa, una de sus películas de cabecera.
Decisiones complejas
Lucas creía tanto en el proyecto, había invertido tanto tiempo y esfuerzo, que incluso renunció a dirigir Apocalypse Now, una epopeya bélica con guion de John Milius en la que Coppola y él tenían puestas grandes esperanzas desde su etapa como productores independientes a finales de los sesenta. Para Coppola se trataba de una renuncia incomprensible: Lucas estaba dando la espalda a la película que iba a consagrarle como un director serio, un verdadero auteur en la incipiente tradición del nuevo Hollywood, para dedicar los próximos tres años de su vida a hacer “cine para imbéciles”.
“No aspiro a recaudar mucho dinero, pero fabricaremos juguetes inspirados en los personajes y muchos de los niños que vean la película querrán comprarlos”
George Lucas a Brian de Palma
Pero Lucas estaba harto de la paternal tutela de Coppola, de las pretensiones intelectuales de su esposa Marcia y de los consejos condescendientes de miembros de la camarilla del cine de autor como Scorsese o William Friedkin. Con el primer borrador en la mano en el verano de 1975 y el presupuesto de cinco millones de dólares que le garantizaba Fox, estaba resuelto a encontrar su propio camino, que era también el de Steven Spielberg y Brian de Palma, otro par de jóvenes con voluntad de restauradores del cine tradicional.
A De Palma, su mejor confidente, le dijo que la suya iba a ser una película “para niños de entre 10 y 12 años”, y que por tanto no cabía exigirle al guion coherencia narrativa ni profundidad psicológica. A los niños les entusiasman los detalles, así que se trataba, sobre todo, de construir para ellos un universo de fantasía ricamente amueblado, con estímulos múltiples para su imaginación, como las atracciones de un parque temático: “No aspiro a recaudar mucho dinero”, confesó a De Palma en un rapto de clarividencia que, pese a todo, se quedó muy corto, “pero fabricaremos juguetes inspirados en los personajes y muchos de los niños que vean la película querrán comprarlos”.
Más aún: el guion de 110 páginas que había suscitado el rechazo incondicional de Marcia y Francis no era más que la punta del iceberg. George contaba con otros 250 folios que iban a dar pie a un par de secuelas casi inmediatas, de manera que, tal y como recordaba años después su confidente, De Palma, una vez consolidado el impacto inicial, la segunda película recaudaría el doble que la primera y la tercera el doble de la segunda. “Era un plan quinquenal”, concluía De Palma. Y fue ejecutado con una precisión y una eficacia muy por encima de las expectativas.
https://imagenes.elpais.com/resizer/v2/XU5SUOCOLVCGRIPDG67K2ESVGM.jpg?auth=7d426f4f533acc892521ec94 b710cdb9c9841c7cb6b8bb8a02db6c886490af72&width=1960
George Lucas y la Estrella de la Muerte.
Sunset Boulevard (Corbis via Getty Images)
Lucas se estaba anticipando al signo de los tiempos, pero contaba ya con un precedente poderoso: pocas semanas antes de que su guion estuviese listo, a finales de junio de 1975, Spielberg acababa de estrenar Tiburón, el manifiesto contrarrevolucionario del cine comercial, la prueba de que una película de género de factura clásica y sin ínfulas de ningún tipo podía recaudar más de 100 millones de dólares.
Peter Biskind explica en Moteros tranquilos, toros salvajes cómo se gestaron las tres versiones de The Adventures of Luke Starkiller que Lucas pergeñó en solitario. El cineasta se encerró en el desván de su casa de San Anselmo, en California, “en una habitación que compartía con un estridente piano eléctrico Wurlitzer” y en cuya pared, justo detrás del escritorio, había pegado una foto de otro de sus héroes, el director soviético Serguéi Einsenstein. Aunque dedicaba largas jornadas a trabajar en el guion, muchas de ellas estaban destinadas a la lectura de biografías de astronautas y novelas de ciencia ficción barata de los años treinta.
Biskind explica que una de sus principales preocupaciones era “introducir en el guion material de sensibilidad contemporánea, pero evitando el sexo y rebajando todo lo posible la dosis de violencia”. Para el personaje del Emperador, un sombrío burócrata corrompido por el poder, se inspiró en el presidente Richard Nixon. A Darth Vader, por entonces un personaje secundario, lo concibió desde el principio como un cruce entre el sacerdote de un culto esotérico, uno de los brujos de Castaneda, y un oficial nazi. El resto del material fluía y oscilaba con una intensidad alarmante: “Primero había demasiados personajes; después, demasiado pocos. El argumento empezó siendo demasiado sencillo para volverse, en las sucesivas reescrituras, demasiado complejo. El papel de la princesa Leia crecía y menguaba”.
“Primero había demasiados personajes; después, demasiado pocos. El argumento empezó siendo demasiado sencillo para volverse, en las sucesivas reescrituras, demasiado complejo. El papel de la princesa Leia crecía y menguaba”
Peter Biskind en 'Moteros tranquilos, toros salvajes'
Obi-Wan, que inicialmente era el mismo personaje que Darth Vader, se convirtió en su némesis. “La Fuerza pasó a tener un Lado Bueno (Ashlan) y otro malo (Bogan)”. Anakin Starkiller se fue transformando gradualmente en Luke Skywalker y, en el proceso, dejó de ser un alto oficial retirado que se unía a una milicia rebelde para transformarse en la Nueva Esperanza, un joven Mesías atascado en un planeta desértico al que los caballeros Jedi, la secta de nostálgicos partidarios del Viejo Imperio (pronto la Vieja República) instruían en el uso de la Fuerza, que por entonces era más un arte marcial que una corriente espiritual con base genética.
Con un poco de ayuda de mis amigos
En aquellos borradores, Han Solo seguía siendo una criatura de repulsivo aspecto reptiliano que traicionaba a la Resistencia para convertirse, poco más tarde, en lo que Marcia Griffin describía como “una rana con chaleco de cuero” y un aliado reticente del protagonista. Chewbacca iba a ser otro batracio con disfraz de Halloween hasta que Lucas decidió darle el aspecto de su propio perro, Indiana, un malamute de Alaska, el único ser vivo al que permitía acceder al desván durante sus más de dos años de casi continuo encierro. Personajes como Kiber Crystal, llamados a desempeñar un papel crucial en los primeros borradores, acabaron desapareciendo a medida que Obi-Wan los suplantaba asumiendo cada vez más funciones, del ermitaño loco al antiguo instructor de Darth Vader, el tío y mentor de Luke, el infiltrado de la princesa Leia en la periferia imperial.
Lucas se había extenuado escribiendo. Sufría frecuentes dolores de cabezas, molestias lumbares y gástricas y había sucumbido a las supersticiones del escritor solitario: solo utilizaba lápices del número 2 y papel rayado de color azul y verde, se cortaba mechones de pelo y los envolvía en el papel que arrojaba a la papelera, se alimentaba de manera anárquica y precaria. Cuando dio la tarea por concluida, aquel 1 de agosto de hace medio siglo, estaba solo en casa. Marcia había empezado a trabajar en lo que ella consideraba una verdadera película, Taxi Driver, no la fábula pueril en que estaba embarcado su marido. Aun así, dio a Brian De Palma instrucciones muy precisas: “Si George te lee su guion, dile, por favor, que te parece genial y que tiene mucho talento. Yo no lo creo, pero él está pasando una crisis de autoconfianza y tu opinión es la única que respeta”.
https://imagenes.elpais.com/resizer/v2/IZL3BIT4KJGFXJ7X4QIPZADNMU.jpg?auth=289879173deade8ecc36225e 7f034be26622bb8af8f5c544db977136b6343425&width=1960
Steven Spielberg y George Lucas en 1978.
Frank Edwards (Getty Images)
Esta historia tiene un final feliz. Aunque el departamento creativo continuó considerando que la versión de agosto de Episode One: The Star Wars seguía siendo un desastre, reconocía que era bastante mejor que los anteriores y podía rescatarse del oprobio con un poco de trabajo adicional. Sugirieron a Lucas que lo pusiese en manos de un equipo de guionistas profesionales, y él, por una vez, decidió seguir su consejo.
Aunque solo a medias. No estaba dispuesto a contratar a ninguno de los juntaletras a sueldo que le ofrecía el estudio, profesionales adocenados que no le inspiraban más que desprecio, pero sí estuvo dispuesto a mostrárselo a dos buenos amigos, el tándem de guionistas que formaban Gloria Katz y Willard Huyck. Fueron ellos, según diversos testimonios, los que dieron al guion final la concreción y la coherencia narrativa que, en opinión de Lucas, ni siquiera necesitaba.
El poderoso amigo fue bastante cicatero con Katz y Huyck. Aceptó la mayoría de sus sugerencias, compró a precio de ganga sus líneas de diálogo sencillas pero certeras y, una vez concluido su trabajo, les explicó que había decidido firmar el guion en solitario, porque Star Wars era “la obra de su vida” y no le parecía lógico compartirla con nadie.
Eso sí, como compensación, les ofreció un pequeño porcentaje de los futuros beneficios. Katz y Huyck estuvieron de acuerdo, satisfechos, según explicaban años después, de haber contribuido a rescatar a un buen amigo que padecía un atasco creativo.
El guion final estuvo listo en marzo de 1976 y la huella de Katz y Huyck resulta evidente para cualquiera que haya echado un vistazo a las versiones anteriores, tan míticas hoy como torpes y absurdas parecieron en su día a la estrecha élite de sus primeros lectores. Han Solo nunca fue un batracio con chaleco, Leia Organa pasó de mujer florero a líder de un movimiento de resistencia democrática contra un Imperio del Mal, Luke no fue un vetusto general y Chewbacca acabó encarnando la versión galáctica del mejor amigo del hombre.
Para Marcia Griffin, tal vez la lectora menos indulgente que tuvo jamás Lucas, “Star Wars acabó siendo un enorme imperio audiovisual con forma de pirámide invertida: en su base había un guisante, el guion de George”. La historia de héroes y villanos de una galaxia lejana que a Coppola le pareció pomposa e indigesta.
Fuente: El País de España
En el verano de 1975 George Lucas presentó a amigos como Francis Ford Coppola y Brian de Palma un guion que había escrito “para niños de entre 10 y 12 años”
https://imagenes.elpais.com/resizer/v2/H2QI5LVZB5BBVA32A6WUOVNTRU.jpg?auth=f54d791b05a2e338c024fea1 ff2f056715cf4bc553c24899a162d5a17c49827a&width=1200
Anthony Daniels (que daba vida a C-3PO) con George Lucas en el rodaje de 'La guerra de las galaxias', titulada posteriormente 'Star Wars: Episodio IV - Una nueva esperanza'.
Sunset Boulevard (Corbis via Getty Images)
Miquel Echarri
Barcelona - 18 JUN 2025 - 22:30 COT
Francis Ford Coppola, una de las primeras personas en leerlo, consideraba que aquel guion era una basura pomposa e indigesta. El 1 de agosto de 1975, hace ahora casi 50 años, George Lucas dio carpetazo al que consideraba el primer borrador viable de la futura Star Wars. Desde su punto de vista, ya solo quedaba cerrar los últimos flecos del acuerdo de producción con Fox y empezar a rodar en el área de Los Ángeles a finales de diciembre. Pero a su esposa, Marcia Griffin, y a su socio y amigo, Coppola, aquello les seguía pareciendo una jerigonza incomprensible.
A Marcia, montadora de profesión, colaboradora habitual de Martin Scorsese, le preocupaba especialmente que el gran proyecto de George tras el éxito de American Graffiti se basase en un guion falto de pulso narrativo y deficiente en lo literario. Incluso recomendó a su marido, no sin cierta crueldad, que intentase “leer un poco más” para comprobar por sí mismo cómo se construye una buena historia.
Literatura de urracas
Pero la falta de referentes no era el problema. Adventures of the Starkiller, Episode One: The Star Wars, título provisional del proyecto, había sido fruto de muchas horas de lectura voraz y digestión problemática. Para empezar, Lucas se había inspirado en Las enseñanzas de Don Juan, evangelio new age del escritor (y chamán) peruano Carlos Castaneda, y en los cuentos de hadas del mitólogo neoyorquino Joseph Campbell.
Ese par de autores le inspiraron un primer balbuceo narrativo, apenas un puñado de párrafos, escritos en febrero de 1972, en los que podía leerse la siguiente frase: “Esta es la historia de Mace Windu, venerable Jedi bendu del planeta Opuchi, y de su pariente y aprendiz padawaan Usby C.J. Thape". A continuación, empezó a enriquecer el guiso con ingredientes literarios tan heterogéneos como los cómics de Flash Gordon y Buck Rogers, las sagas de Tolkien, los tratados sobre religión comparada del antropólogo James George Frazer, el ciclo de novelas sobre el explorador John Carter que escribió Edgard Rice Burroughs, Los viajes de Gulliver o los romances galácticos de Edwin Arnold.
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Alec Guinness y George Lucas en el rodaje de 'La guerra de las galaxias', titulada posteriormente 'Star Wars: Episodio IV - Una nueva esperanza'.
Sunset Boulevard (Corbis via Getty Images)
Lucas, según propia confesión, abordó todo ese material con instinto de urraca, decidido a apropiarse sin complejos de todo lo que brillase. Eso sí, las influencias literarias convivieron en todo momento con las cinematográficas. En mayo de 1973, cuando todo lo que podía exhibir era un lánguido borrador de 13 páginas repleto de nombres extraños, Lucas explicó al director de Universal Pictures, Lew Wasserman, que su película iba a ser un cruce entre los hermanos Grimm y 2001: Un odisea del espacio y que su esquema narrativo básico (una princesa adolescente custodiada por dos secuaces, uno alto, escuálido y parlanchín y otro bajito, rechoncho y parco en palabras) iba a ser muy similar al de La fortaleza escondida, de Akira Kurosawa, una de sus películas de cabecera.
Decisiones complejas
Lucas creía tanto en el proyecto, había invertido tanto tiempo y esfuerzo, que incluso renunció a dirigir Apocalypse Now, una epopeya bélica con guion de John Milius en la que Coppola y él tenían puestas grandes esperanzas desde su etapa como productores independientes a finales de los sesenta. Para Coppola se trataba de una renuncia incomprensible: Lucas estaba dando la espalda a la película que iba a consagrarle como un director serio, un verdadero auteur en la incipiente tradición del nuevo Hollywood, para dedicar los próximos tres años de su vida a hacer “cine para imbéciles”.
“No aspiro a recaudar mucho dinero, pero fabricaremos juguetes inspirados en los personajes y muchos de los niños que vean la película querrán comprarlos”
George Lucas a Brian de Palma
Pero Lucas estaba harto de la paternal tutela de Coppola, de las pretensiones intelectuales de su esposa Marcia y de los consejos condescendientes de miembros de la camarilla del cine de autor como Scorsese o William Friedkin. Con el primer borrador en la mano en el verano de 1975 y el presupuesto de cinco millones de dólares que le garantizaba Fox, estaba resuelto a encontrar su propio camino, que era también el de Steven Spielberg y Brian de Palma, otro par de jóvenes con voluntad de restauradores del cine tradicional.
A De Palma, su mejor confidente, le dijo que la suya iba a ser una película “para niños de entre 10 y 12 años”, y que por tanto no cabía exigirle al guion coherencia narrativa ni profundidad psicológica. A los niños les entusiasman los detalles, así que se trataba, sobre todo, de construir para ellos un universo de fantasía ricamente amueblado, con estímulos múltiples para su imaginación, como las atracciones de un parque temático: “No aspiro a recaudar mucho dinero”, confesó a De Palma en un rapto de clarividencia que, pese a todo, se quedó muy corto, “pero fabricaremos juguetes inspirados en los personajes y muchos de los niños que vean la película querrán comprarlos”.
Más aún: el guion de 110 páginas que había suscitado el rechazo incondicional de Marcia y Francis no era más que la punta del iceberg. George contaba con otros 250 folios que iban a dar pie a un par de secuelas casi inmediatas, de manera que, tal y como recordaba años después su confidente, De Palma, una vez consolidado el impacto inicial, la segunda película recaudaría el doble que la primera y la tercera el doble de la segunda. “Era un plan quinquenal”, concluía De Palma. Y fue ejecutado con una precisión y una eficacia muy por encima de las expectativas.
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George Lucas y la Estrella de la Muerte.
Sunset Boulevard (Corbis via Getty Images)
Lucas se estaba anticipando al signo de los tiempos, pero contaba ya con un precedente poderoso: pocas semanas antes de que su guion estuviese listo, a finales de junio de 1975, Spielberg acababa de estrenar Tiburón, el manifiesto contrarrevolucionario del cine comercial, la prueba de que una película de género de factura clásica y sin ínfulas de ningún tipo podía recaudar más de 100 millones de dólares.
Peter Biskind explica en Moteros tranquilos, toros salvajes cómo se gestaron las tres versiones de The Adventures of Luke Starkiller que Lucas pergeñó en solitario. El cineasta se encerró en el desván de su casa de San Anselmo, en California, “en una habitación que compartía con un estridente piano eléctrico Wurlitzer” y en cuya pared, justo detrás del escritorio, había pegado una foto de otro de sus héroes, el director soviético Serguéi Einsenstein. Aunque dedicaba largas jornadas a trabajar en el guion, muchas de ellas estaban destinadas a la lectura de biografías de astronautas y novelas de ciencia ficción barata de los años treinta.
Biskind explica que una de sus principales preocupaciones era “introducir en el guion material de sensibilidad contemporánea, pero evitando el sexo y rebajando todo lo posible la dosis de violencia”. Para el personaje del Emperador, un sombrío burócrata corrompido por el poder, se inspiró en el presidente Richard Nixon. A Darth Vader, por entonces un personaje secundario, lo concibió desde el principio como un cruce entre el sacerdote de un culto esotérico, uno de los brujos de Castaneda, y un oficial nazi. El resto del material fluía y oscilaba con una intensidad alarmante: “Primero había demasiados personajes; después, demasiado pocos. El argumento empezó siendo demasiado sencillo para volverse, en las sucesivas reescrituras, demasiado complejo. El papel de la princesa Leia crecía y menguaba”.
“Primero había demasiados personajes; después, demasiado pocos. El argumento empezó siendo demasiado sencillo para volverse, en las sucesivas reescrituras, demasiado complejo. El papel de la princesa Leia crecía y menguaba”
Peter Biskind en 'Moteros tranquilos, toros salvajes'
Obi-Wan, que inicialmente era el mismo personaje que Darth Vader, se convirtió en su némesis. “La Fuerza pasó a tener un Lado Bueno (Ashlan) y otro malo (Bogan)”. Anakin Starkiller se fue transformando gradualmente en Luke Skywalker y, en el proceso, dejó de ser un alto oficial retirado que se unía a una milicia rebelde para transformarse en la Nueva Esperanza, un joven Mesías atascado en un planeta desértico al que los caballeros Jedi, la secta de nostálgicos partidarios del Viejo Imperio (pronto la Vieja República) instruían en el uso de la Fuerza, que por entonces era más un arte marcial que una corriente espiritual con base genética.
Con un poco de ayuda de mis amigos
En aquellos borradores, Han Solo seguía siendo una criatura de repulsivo aspecto reptiliano que traicionaba a la Resistencia para convertirse, poco más tarde, en lo que Marcia Griffin describía como “una rana con chaleco de cuero” y un aliado reticente del protagonista. Chewbacca iba a ser otro batracio con disfraz de Halloween hasta que Lucas decidió darle el aspecto de su propio perro, Indiana, un malamute de Alaska, el único ser vivo al que permitía acceder al desván durante sus más de dos años de casi continuo encierro. Personajes como Kiber Crystal, llamados a desempeñar un papel crucial en los primeros borradores, acabaron desapareciendo a medida que Obi-Wan los suplantaba asumiendo cada vez más funciones, del ermitaño loco al antiguo instructor de Darth Vader, el tío y mentor de Luke, el infiltrado de la princesa Leia en la periferia imperial.
Lucas se había extenuado escribiendo. Sufría frecuentes dolores de cabezas, molestias lumbares y gástricas y había sucumbido a las supersticiones del escritor solitario: solo utilizaba lápices del número 2 y papel rayado de color azul y verde, se cortaba mechones de pelo y los envolvía en el papel que arrojaba a la papelera, se alimentaba de manera anárquica y precaria. Cuando dio la tarea por concluida, aquel 1 de agosto de hace medio siglo, estaba solo en casa. Marcia había empezado a trabajar en lo que ella consideraba una verdadera película, Taxi Driver, no la fábula pueril en que estaba embarcado su marido. Aun así, dio a Brian De Palma instrucciones muy precisas: “Si George te lee su guion, dile, por favor, que te parece genial y que tiene mucho talento. Yo no lo creo, pero él está pasando una crisis de autoconfianza y tu opinión es la única que respeta”.
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Steven Spielberg y George Lucas en 1978.
Frank Edwards (Getty Images)
Esta historia tiene un final feliz. Aunque el departamento creativo continuó considerando que la versión de agosto de Episode One: The Star Wars seguía siendo un desastre, reconocía que era bastante mejor que los anteriores y podía rescatarse del oprobio con un poco de trabajo adicional. Sugirieron a Lucas que lo pusiese en manos de un equipo de guionistas profesionales, y él, por una vez, decidió seguir su consejo.
Aunque solo a medias. No estaba dispuesto a contratar a ninguno de los juntaletras a sueldo que le ofrecía el estudio, profesionales adocenados que no le inspiraban más que desprecio, pero sí estuvo dispuesto a mostrárselo a dos buenos amigos, el tándem de guionistas que formaban Gloria Katz y Willard Huyck. Fueron ellos, según diversos testimonios, los que dieron al guion final la concreción y la coherencia narrativa que, en opinión de Lucas, ni siquiera necesitaba.
El poderoso amigo fue bastante cicatero con Katz y Huyck. Aceptó la mayoría de sus sugerencias, compró a precio de ganga sus líneas de diálogo sencillas pero certeras y, una vez concluido su trabajo, les explicó que había decidido firmar el guion en solitario, porque Star Wars era “la obra de su vida” y no le parecía lógico compartirla con nadie.
Eso sí, como compensación, les ofreció un pequeño porcentaje de los futuros beneficios. Katz y Huyck estuvieron de acuerdo, satisfechos, según explicaban años después, de haber contribuido a rescatar a un buen amigo que padecía un atasco creativo.
El guion final estuvo listo en marzo de 1976 y la huella de Katz y Huyck resulta evidente para cualquiera que haya echado un vistazo a las versiones anteriores, tan míticas hoy como torpes y absurdas parecieron en su día a la estrecha élite de sus primeros lectores. Han Solo nunca fue un batracio con chaleco, Leia Organa pasó de mujer florero a líder de un movimiento de resistencia democrática contra un Imperio del Mal, Luke no fue un vetusto general y Chewbacca acabó encarnando la versión galáctica del mejor amigo del hombre.
Para Marcia Griffin, tal vez la lectora menos indulgente que tuvo jamás Lucas, “Star Wars acabó siendo un enorme imperio audiovisual con forma de pirámide invertida: en su base había un guisante, el guion de George”. La historia de héroes y villanos de una galaxia lejana que a Coppola le pareció pomposa e indigesta.
Fuente: El País de España
Heráclito
30-06-2025, 23:22:45
Pasado y presente
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4640191&stc=1&d=1751343673
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Heráclito
05-07-2025, 07:28:35
Lista de las 100 mejores películas del siglo XXI, según The New York Times
1. Parasite (2019)
2. Mulholland Drive (2001)
3. There Will Be Blood (2007)
4. In The Mood for Love (2001)
5. Moonlight (2016)
6. No Country for Old Men (2007)
7. Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2004)
8. Get Out (2017)
9. Spirited Away (2002)
10. The Social Network (2010)
11. Mad Max: Fury Road (2015)
12. The Zone of Interest (2023)
13. Children of Men (2006)
14. Inglourious Basterds (2009)
15. City of God (2003)
16. Crouching Tiger, Hidden Dragon (2000)
17. Brokeback Mountain (2005)
18. Y tu mamá también (2002)
19. Zodiac (2007)
20. The Wolf of Wall Street (2013)
21. The Royal Tenenbaums (2001)
22. The Grand Budapest Hotel (2014)
23. Boyhood (2014)
24. Her (2013)
25. Phantom Thread (2017)
26. Anatomy of a Fall (2023)
27. Adaptation (2002)
28. The Dark Knight (2008)
29. Arrival (2016)
30. Lost in Translation (2003)
31. The Departed (2006)
32. Bridesmaids (2011)
33. A Separation (2011)
34. Wall-E (2008)
35. A Prophet (2010)
36. A Serious Man (2009)
37. Call Me by Your Name (2017)
38. Portrait of a Lady on Fire (2019)
39. Lady Bird (2017)
40. Yi Yi (2000)
41. Amélie(2011)
42. The Master (2012)
43. Oldboy (2005)
43. Once Upon a Time … in Hollywood (2019)
44. Moneyball (2011)
45. Roma (2018)
46. Almost Famous (2000)
47. The Lives of Others (2007)
48. Before Sunset (2004)
49. Up (2009)
50. 12 Years a Slave (2013)
51. The Favourite (2018)
52. Borat: Cultural Learnings of America for 53. Make Benefit Glorious Nation of Kazakhstan (2006)
54. Pan’s Labyrinth (2006)
55. Inception (2010)
56. Punch-Drunk Love (2002)
57. Best in Show (2000)
58. Uncut Gems (2019)
59. Toni Erdmann (2016)
60. Whiplash (2014)
61. Kill Bill: Vol. 1 (2003)
62. Memento (2001)
63. Little Miss Sunshine’ (2006)
64. Gone Girl (2014)
65. Oppenheimer (2023)
66. Spotlight (2015)
67. Tár (2022)
68. The Hurt Locker (2009)
69. Under the Skin (2014)
70. Let the Right One In (2008)
71. Ocean’s Eleven (2001)
72. Carol (2015)
73. Ratatouille (2007)
74. The Florida Project (2017)
75. Amour (2012)
76. O Brother, Where Art Thou? (2000)
77. Everything Everywhere All at Once (2022)
78. Aftersun (2022)
79. The Tree of Life (2011)
80. Volver (2006)
81. Black Swan (2010)
82. The Act of Killing (2013)
83. Inside Llewyn Davis (2013)
84. Melancholia (2011)
85. Anchorman: The Legend of Ron Burgundy (2004)
86. Past Lives (2023)
87. The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring (2001)
88. The Gleaners & I (2001)
89. Interstellar (2014)
90. Frances Ha (2013)
91. Fish Tank (2010)
92. Gladiator (2000)
93. Michael Clayton (2007)
94. Minority Report (2002)
95. The Worst Person in the World (2021)
96. Black Panther (2018)
97. Gravity (2013)
98. Grizzly Man (2005)
99. Memories of Murder (2005)
100. Superbad (2007)
1. Parasite (2019)
2. Mulholland Drive (2001)
3. There Will Be Blood (2007)
4. In The Mood for Love (2001)
5. Moonlight (2016)
6. No Country for Old Men (2007)
7. Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2004)
8. Get Out (2017)
9. Spirited Away (2002)
10. The Social Network (2010)
11. Mad Max: Fury Road (2015)
12. The Zone of Interest (2023)
13. Children of Men (2006)
14. Inglourious Basterds (2009)
15. City of God (2003)
16. Crouching Tiger, Hidden Dragon (2000)
17. Brokeback Mountain (2005)
18. Y tu mamá también (2002)
19. Zodiac (2007)
20. The Wolf of Wall Street (2013)
21. The Royal Tenenbaums (2001)
22. The Grand Budapest Hotel (2014)
23. Boyhood (2014)
24. Her (2013)
25. Phantom Thread (2017)
26. Anatomy of a Fall (2023)
27. Adaptation (2002)
28. The Dark Knight (2008)
29. Arrival (2016)
30. Lost in Translation (2003)
31. The Departed (2006)
32. Bridesmaids (2011)
33. A Separation (2011)
34. Wall-E (2008)
35. A Prophet (2010)
36. A Serious Man (2009)
37. Call Me by Your Name (2017)
38. Portrait of a Lady on Fire (2019)
39. Lady Bird (2017)
40. Yi Yi (2000)
41. Amélie(2011)
42. The Master (2012)
43. Oldboy (2005)
43. Once Upon a Time … in Hollywood (2019)
44. Moneyball (2011)
45. Roma (2018)
46. Almost Famous (2000)
47. The Lives of Others (2007)
48. Before Sunset (2004)
49. Up (2009)
50. 12 Years a Slave (2013)
51. The Favourite (2018)
52. Borat: Cultural Learnings of America for 53. Make Benefit Glorious Nation of Kazakhstan (2006)
54. Pan’s Labyrinth (2006)
55. Inception (2010)
56. Punch-Drunk Love (2002)
57. Best in Show (2000)
58. Uncut Gems (2019)
59. Toni Erdmann (2016)
60. Whiplash (2014)
61. Kill Bill: Vol. 1 (2003)
62. Memento (2001)
63. Little Miss Sunshine’ (2006)
64. Gone Girl (2014)
65. Oppenheimer (2023)
66. Spotlight (2015)
67. Tár (2022)
68. The Hurt Locker (2009)
69. Under the Skin (2014)
70. Let the Right One In (2008)
71. Ocean’s Eleven (2001)
72. Carol (2015)
73. Ratatouille (2007)
74. The Florida Project (2017)
75. Amour (2012)
76. O Brother, Where Art Thou? (2000)
77. Everything Everywhere All at Once (2022)
78. Aftersun (2022)
79. The Tree of Life (2011)
80. Volver (2006)
81. Black Swan (2010)
82. The Act of Killing (2013)
83. Inside Llewyn Davis (2013)
84. Melancholia (2011)
85. Anchorman: The Legend of Ron Burgundy (2004)
86. Past Lives (2023)
87. The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring (2001)
88. The Gleaners & I (2001)
89. Interstellar (2014)
90. Frances Ha (2013)
91. Fish Tank (2010)
92. Gladiator (2000)
93. Michael Clayton (2007)
94. Minority Report (2002)
95. The Worst Person in the World (2021)
96. Black Panther (2018)
97. Gravity (2013)
98. Grizzly Man (2005)
99. Memories of Murder (2005)
100. Superbad (2007)
Heráclito
05-07-2025, 08:24:45
"Por unos dólares más", la maravillosa música de Ennio Morricone, todo un clásico.
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4643524&stc=1&d=1751721817
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4643524&stc=1&d=1751721817
bukosky
06-07-2025, 20:18:39
Del listado del New York times sacaría del top 10 a moonlight y a the social network y metería a el lobo del wall street y arrival..
Heráclito
19-07-2025, 09:36:46
¿Los recuerdan? ¿En qué película actuaron juntos?
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4655433&stc=1&d=1752935708
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4655433&stc=1&d=1752935708
Mande bucara
01-09-2025, 00:17:05
Al leer el título, empecé a echar mente y me decidí por una película, dudando en nombrarla pues últimamente la han mencionado mucho, y pues no me gusta como seguir pa donde va toda la gente, y luego leyendo la lista veo q la mencionan, es la 7.Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2004), El eterno resplandor de una mente sin recuerdo, con Jim Carrie, la Vi creo q en el 2009, y no es q precisamente sea mi favorita, sino q es una película demasiado sentida, se siente el dolor del abandono en pleno apego emocional, Joe q es el personaje (Jim Carrie) sufre pero sufre mucho, y lo demuestra como quizá cualquiera de nosotros lo demostraría en la vida real, como si no fuera actuado, lo más bravo es q todo el trama desprende de algo poco probable que es pagar para q le borren los recuerdos, ahora pienso q hay gente q actúa así como si le hubieran borrado de la mente los recuerdos, y pues lo q duele es el actuar,, y con recuerdos o sin recuerdos actúan o hemos actuado como si no hubiese existido ningún vínculo, y pues el formato de la película de ir saltando o mostrando escenas alternadas del presente y pasado, hace q sea algo enredada, por cierto hay buen elenco, la vaga del Titanic, el hombre increíble sin convertirse, Mary Jane del hombre araña, no les digo q se la vean, no es una película para compartir y comer crispeta, más bien es bastante aburrida.
Heráclito
21-09-2025, 07:45:40
Kramer Vs Kramer, fantasía real
Se llevaban mal en la película, peor en la vida real pero hicieron un éxito: la pareja que arrasó por única vez
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4700622&stc=1&d=1758458552
En Kramer vs. Kramer, Ted y Joanna Kramer luchan en pantalla por la custodia de su hijo tras un amargo divorcio. La ausencia de química romántica entre los personajes resulta perfectamente comprensible: se trata de una expareja que se enfrenta en los tribunales. Sin embargo, lo que el público no sabía en 1979 era que la frialdad entre Dustin Hoffman y Meryl Streep no se trataba solo actuación.
Detrás de las cámaras, los dos protagonizaron su propia batalla personal. Los métodos agresivos de actuación de Hoffman, que incluían violencia física no autorizada y ataques psicológicos deliberados, transformaron el set en un campo de guerra emocional.
Una joven promesa frente a una estrella consagrada
Meryl Streep tenía 29 años cuando fue elegida para interpretar a Joanna Kramer. Era prácticamente una desconocida en Hollywood, con solo unos pocos créditos cinematográficos en su haber. Esta era su primera película importante.
Por el contrario, Dustin Hoffman, a los 42 años, se encontraba en la cúspide de su carrera tras el éxito de El Graduado, Cowboy de Medianoche y Todos los hombres del presidente. La diferencia de estatus profesional estableció desde el primer momento una dinámica de poder desequilibrada.
Hoffman, reconocido por su intenso método de actuación, había desarrollado una reputación de ser extremadamente exigente en el set. Esta característica se intensificaría durante la producción de la película.
El primer día que marcó el tono
El incidente más comentado ocurrió durante las primeras jornadas de filmación. Según testimonios recogidos en la biografía Her Again: Becoming Meryl Streep de Michael Schulman, Hoffman abofeteó a Streep sin previo aviso durante una escena.
"Quiero a mi hijo": la escena quiebre en Kramer vs Kramer
El director Robert Benton escuchó la cachetada y vio a Meryl salir corriendo al pasillo. “Estamos muertos”, pensó. “La película está muerta. Nos va a presentar ante el Sindicato de Actores”, imaginó.
Sin embargo, Streep mantuvo su profesionalismo y continuó con la actuación. Años más tarde, en 2018, en una entrevista con The New York Times, la actriz confirmó el incidente. “Era mi primera película y era mi primera toma, y él simplemente me abofeteó. Y se ve en la película. Fue una extralimitación”, declaró.
El dolor personal como herramienta de actuación
Uno de los episodios más perturbadores involucra el uso que Hoffman hizo de la tragedia personal de Streep para provocar emociones en sus interpretaciones. La actriz había perdido a su novio, John Cazale, apenas unos meses antes del rodaje debido a un cáncer de pulmón.
Hoffman conocía esta información y decidió utilizarla como herramienta de actuación. Según el productor Richard Fischoff, Hoffman “la provocaba, usaba lo que sabía sobre su vida personal y sobre John para obtener la respuesta que creía que debía dar en la actuación”.
En una ocasión, antes de una escena crucial en el tribunal, Hoffman le susurró el nombre de Cazale al oído. Durante otra secuencia, se burló de ella con comentarios sobre el cáncer y la muerte de su novio. El productor describió estas acciones como una estrategia deliberada para obtener reacciones emocionales auténticas de Streep, sin importar el costo personal para la actriz.
Violencia improvisada en el set
Los episodios de violencia física no se limitaron a la bofetada inicial. Durante la filmación de una escena en un restaurante, Hoffman decidió improvisar nuevamente sin avisar a Streep ni al equipo: golpeó una copa de vino contra la pared. Los fragmentos de vidrio volaron hacia Streep, quien saltó de su silla, auténticamente sorprendida y asustada. Algunos pedazos de vidrio terminaron en su pelo.
Después del incidente, Streep le dijo claramente: “La próxima vez que hagas eso, te agradecería que me avisaras”. La cámara captó todo y la reacción genuina de shock de la actriz se mantuvo en la película final.
El método de Hoffman llevado al extremo
Dustin Hoffman era conocido por ser un practicante del método Stanislavski, pero en Kramer vs. Kramer llevó estas técnicas a extremos preocupantes. El actor permanecía en personaje entre tomas, lo que creaba un ambiente tenso para todo el equipo de producción.
Su comportamiento también afectó a otros miembros del reparto. Con el pequeño Justin Henry, quien interpretaba a Billy (el hijo en disputa), Hoffman utilizaba tácticas psicológicas para obtener reacciones emocionales auténticas.
Le decía al niño que imaginara perder a su perro o le explicaba que las familias de cine eran temporales y que probablemente nunca volvería a ver a sus amigos del set.
La respuesta profesional de Streep
A pesar de los abusos, Meryl Streep mantuvo una actitud profesional notable. El director Robert Benton comentó: “Nunca vi un solo momento de emoción en ella, excepto durante la actuación”.
“Para ella, la película era un trabajo, no un campo minado psicológico”, agregó el director. La actriz también logró influir creativamente en la película: escribió su propio discurso para la escena del tribunal, para transformar al personaje de Joanna de una villana unidimensional en una mujer compleja y vulnerable. Cuando Benton le pidió que reescribiera el diálogo, Streep entregó un texto que el director describió como “maravilloso”.
Esta contribución creativa demostró que, a pesar de las adversidades, Streep mantenía su compromiso artístico con el proyecto.
Las consecuencias a largo plazo
La experiencia traumática sirvió como catalizador para que Streep desarrollara mecanismos de protección profesional que la acompañarían durante el resto de su carrera. Aprendió a establecer límites claros con sus compañeros de reparto y a exigir el respeto que merece como artista.
Hoffman, por su parte, atravesaba su propio divorcio en la vida real durante el rodaje, lo que complicó aún más la dinámica en el set. En 2012, durante un evento de BAFTA, lloró en el escenario mientras hablaba de la película.
“Me estaba divorciando, había estado de fiesta con drogas y eso me agotó en todos los sentidos”, rememoró Hoffman. Esta revelación ayudó a explicar, aunque no justificar, su comportamiento agresivo durante el rodaje.
El éxito que eclipsó los problemas
Estas tensiones reales entre los actores contribuyeron a la autenticidad de sus interpretaciones en pantalla. La química tóxica entre Ted y Joanna Kramer reflejaba fielmente los conflictos que experimentaban Hoffman y Streep durante el rodaje.
La película se convirtió en un éxito rotundo, recaudó más de 173 millones de dólares a nivel mundial y ganó cinco premios Oscar. Estos incluían los de Mejor Actor para Hoffman y Mejor Actriz de Reparto para Streep.
Sin embargo, el triunfo profesional no logró sanar las heridas personales entre ambos intérpretes. Nunca volvieron a trabajar juntos en otra película.
Reconciliación tardía
En años posteriores, tanto Hoffman como Streep reflexionaron sobre aquella experiencia. En 2020, durante una aparición en Friday Night with Jonathan Ross, Streep declaró: “Todo está perdonado y realmente lo amo y creo que es un actor increíble, sí, pero ese día estaba muy enojada”.
Hoffman se disculpó públicamente por su comportamiento: “Tengo el máximo respeto por las mujeres y me siento terrible porque cualquier cosa que hice que la haya puesto en una situación incómoda. Lo siento. No refleja quién soy”.
Fuente: Eureka
Se llevaban mal en la película, peor en la vida real pero hicieron un éxito: la pareja que arrasó por única vez
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4700622&stc=1&d=1758458552
En Kramer vs. Kramer, Ted y Joanna Kramer luchan en pantalla por la custodia de su hijo tras un amargo divorcio. La ausencia de química romántica entre los personajes resulta perfectamente comprensible: se trata de una expareja que se enfrenta en los tribunales. Sin embargo, lo que el público no sabía en 1979 era que la frialdad entre Dustin Hoffman y Meryl Streep no se trataba solo actuación.
Detrás de las cámaras, los dos protagonizaron su propia batalla personal. Los métodos agresivos de actuación de Hoffman, que incluían violencia física no autorizada y ataques psicológicos deliberados, transformaron el set en un campo de guerra emocional.
Una joven promesa frente a una estrella consagrada
Meryl Streep tenía 29 años cuando fue elegida para interpretar a Joanna Kramer. Era prácticamente una desconocida en Hollywood, con solo unos pocos créditos cinematográficos en su haber. Esta era su primera película importante.
Por el contrario, Dustin Hoffman, a los 42 años, se encontraba en la cúspide de su carrera tras el éxito de El Graduado, Cowboy de Medianoche y Todos los hombres del presidente. La diferencia de estatus profesional estableció desde el primer momento una dinámica de poder desequilibrada.
Hoffman, reconocido por su intenso método de actuación, había desarrollado una reputación de ser extremadamente exigente en el set. Esta característica se intensificaría durante la producción de la película.
El primer día que marcó el tono
El incidente más comentado ocurrió durante las primeras jornadas de filmación. Según testimonios recogidos en la biografía Her Again: Becoming Meryl Streep de Michael Schulman, Hoffman abofeteó a Streep sin previo aviso durante una escena.
"Quiero a mi hijo": la escena quiebre en Kramer vs Kramer
El director Robert Benton escuchó la cachetada y vio a Meryl salir corriendo al pasillo. “Estamos muertos”, pensó. “La película está muerta. Nos va a presentar ante el Sindicato de Actores”, imaginó.
Sin embargo, Streep mantuvo su profesionalismo y continuó con la actuación. Años más tarde, en 2018, en una entrevista con The New York Times, la actriz confirmó el incidente. “Era mi primera película y era mi primera toma, y él simplemente me abofeteó. Y se ve en la película. Fue una extralimitación”, declaró.
El dolor personal como herramienta de actuación
Uno de los episodios más perturbadores involucra el uso que Hoffman hizo de la tragedia personal de Streep para provocar emociones en sus interpretaciones. La actriz había perdido a su novio, John Cazale, apenas unos meses antes del rodaje debido a un cáncer de pulmón.
Hoffman conocía esta información y decidió utilizarla como herramienta de actuación. Según el productor Richard Fischoff, Hoffman “la provocaba, usaba lo que sabía sobre su vida personal y sobre John para obtener la respuesta que creía que debía dar en la actuación”.
En una ocasión, antes de una escena crucial en el tribunal, Hoffman le susurró el nombre de Cazale al oído. Durante otra secuencia, se burló de ella con comentarios sobre el cáncer y la muerte de su novio. El productor describió estas acciones como una estrategia deliberada para obtener reacciones emocionales auténticas de Streep, sin importar el costo personal para la actriz.
Violencia improvisada en el set
Los episodios de violencia física no se limitaron a la bofetada inicial. Durante la filmación de una escena en un restaurante, Hoffman decidió improvisar nuevamente sin avisar a Streep ni al equipo: golpeó una copa de vino contra la pared. Los fragmentos de vidrio volaron hacia Streep, quien saltó de su silla, auténticamente sorprendida y asustada. Algunos pedazos de vidrio terminaron en su pelo.
Después del incidente, Streep le dijo claramente: “La próxima vez que hagas eso, te agradecería que me avisaras”. La cámara captó todo y la reacción genuina de shock de la actriz se mantuvo en la película final.
El método de Hoffman llevado al extremo
Dustin Hoffman era conocido por ser un practicante del método Stanislavski, pero en Kramer vs. Kramer llevó estas técnicas a extremos preocupantes. El actor permanecía en personaje entre tomas, lo que creaba un ambiente tenso para todo el equipo de producción.
Su comportamiento también afectó a otros miembros del reparto. Con el pequeño Justin Henry, quien interpretaba a Billy (el hijo en disputa), Hoffman utilizaba tácticas psicológicas para obtener reacciones emocionales auténticas.
Le decía al niño que imaginara perder a su perro o le explicaba que las familias de cine eran temporales y que probablemente nunca volvería a ver a sus amigos del set.
La respuesta profesional de Streep
A pesar de los abusos, Meryl Streep mantuvo una actitud profesional notable. El director Robert Benton comentó: “Nunca vi un solo momento de emoción en ella, excepto durante la actuación”.
“Para ella, la película era un trabajo, no un campo minado psicológico”, agregó el director. La actriz también logró influir creativamente en la película: escribió su propio discurso para la escena del tribunal, para transformar al personaje de Joanna de una villana unidimensional en una mujer compleja y vulnerable. Cuando Benton le pidió que reescribiera el diálogo, Streep entregó un texto que el director describió como “maravilloso”.
Esta contribución creativa demostró que, a pesar de las adversidades, Streep mantenía su compromiso artístico con el proyecto.
Las consecuencias a largo plazo
La experiencia traumática sirvió como catalizador para que Streep desarrollara mecanismos de protección profesional que la acompañarían durante el resto de su carrera. Aprendió a establecer límites claros con sus compañeros de reparto y a exigir el respeto que merece como artista.
Hoffman, por su parte, atravesaba su propio divorcio en la vida real durante el rodaje, lo que complicó aún más la dinámica en el set. En 2012, durante un evento de BAFTA, lloró en el escenario mientras hablaba de la película.
“Me estaba divorciando, había estado de fiesta con drogas y eso me agotó en todos los sentidos”, rememoró Hoffman. Esta revelación ayudó a explicar, aunque no justificar, su comportamiento agresivo durante el rodaje.
El éxito que eclipsó los problemas
Estas tensiones reales entre los actores contribuyeron a la autenticidad de sus interpretaciones en pantalla. La química tóxica entre Ted y Joanna Kramer reflejaba fielmente los conflictos que experimentaban Hoffman y Streep durante el rodaje.
La película se convirtió en un éxito rotundo, recaudó más de 173 millones de dólares a nivel mundial y ganó cinco premios Oscar. Estos incluían los de Mejor Actor para Hoffman y Mejor Actriz de Reparto para Streep.
Sin embargo, el triunfo profesional no logró sanar las heridas personales entre ambos intérpretes. Nunca volvieron a trabajar juntos en otra película.
Reconciliación tardía
En años posteriores, tanto Hoffman como Streep reflexionaron sobre aquella experiencia. En 2020, durante una aparición en Friday Night with Jonathan Ross, Streep declaró: “Todo está perdonado y realmente lo amo y creo que es un actor increíble, sí, pero ese día estaba muy enojada”.
Hoffman se disculpó públicamente por su comportamiento: “Tengo el máximo respeto por las mujeres y me siento terrible porque cualquier cosa que hice que la haya puesto en una situación incómoda. Lo siento. No refleja quién soy”.
Fuente: Eureka
Heráclito
23-09-2025, 19:54:21
Murió Claudia Cardinale
"Normalmente se vive únicamente una vez pero yo he vivido 151 veces, tantas como peliculas he hecho"
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4702055&stc=1&d=1758675115
Claudia Cardinale, emblema de italianidad y libertad ha fallecido rodeada de sus hijos en Paris a los 87 años. Fue calificada como un "marimacho" por John Wayne y como la "más bella invención italiana después de los spaghettis" por David Niven.
“Detesto la cirugía plástica, es algo ridículo. Hay que aceptar que el tiempo ha pasado. No me preocupa la belleza” declaró en su 80 cumpleaños . Entre las anécdotas de su vida excepcional, se encuenta la épica pelea entre Visconti y Fellini, quienes la querían como protagonista exactamente en las mismas fechas. “Rodé al final con los dos al mismo tiempo. Entonces tenía los cabellos largos hasta la cintura. Luchino me quería morena y silenciosa para el papel de Angelica en ‘El Gatopardo’. Federico rubia y etérea para ‘Ocho y medio’ ¡Cambiaba el color de mis cabellos cada dos semanas! Con Visconti era como hacer teatro. Con Fellini era todo improvisación”. Su nombre queda grabado en las páginas de oro del Cine.
Fuente: No solo cine y solo clásico (Facebook)
"Normalmente se vive únicamente una vez pero yo he vivido 151 veces, tantas como peliculas he hecho"
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4702055&stc=1&d=1758675115
Claudia Cardinale, emblema de italianidad y libertad ha fallecido rodeada de sus hijos en Paris a los 87 años. Fue calificada como un "marimacho" por John Wayne y como la "más bella invención italiana después de los spaghettis" por David Niven.
“Detesto la cirugía plástica, es algo ridículo. Hay que aceptar que el tiempo ha pasado. No me preocupa la belleza” declaró en su 80 cumpleaños . Entre las anécdotas de su vida excepcional, se encuenta la épica pelea entre Visconti y Fellini, quienes la querían como protagonista exactamente en las mismas fechas. “Rodé al final con los dos al mismo tiempo. Entonces tenía los cabellos largos hasta la cintura. Luchino me quería morena y silenciosa para el papel de Angelica en ‘El Gatopardo’. Federico rubia y etérea para ‘Ocho y medio’ ¡Cambiaba el color de mis cabellos cada dos semanas! Con Visconti era como hacer teatro. Con Fellini era todo improvisación”. Su nombre queda grabado en las páginas de oro del Cine.
Fuente: No solo cine y solo clásico (Facebook)
Heráclito
29-09-2025, 07:06:00
Redford es Gatsby
https://scontent.fbog4-1.fna.fbcdn.net/v/t39.30808-6/556104153_10234334332293956_3680961922091560163_n.jpg?stp=ds t-jpg_p526x296_tt6&_nc_cat=101&ccb=1-7&_nc_sid=aa7b47&_nc_eui2=AeHiXppSmsQszi9TJt2pXHhmTj67qbfILnZOPrupt8gudmgKd5a auJtVcCP_o4okgfk&_nc_ohc=Ahgt4ZTWBfwQ7kNvwF-jdD-&_nc_oc=AdmNF9BX_hkcwLs2IMff2gWP1T9Nak_zV9S-5CQDIpjwaAVoHrNGe8uq1MQ83NzgTDY&_nc_zt=23&_nc_ht=scontent.fbog4-1.fna&_nc_gid=YV0x_fcJLxw4Mhg1fDWiYg&oh=00_AfYuI7Z3SEJ46rfuORko7S_Gjece4gSe8I4y-fPOgchMjg&oe=68E04C67
Cuando Robert Redford asumió el papel de Jay Gatsby en El gran Gatsby (1974), el casting ya era un evento cultural. La novela de F. Scott Fitzgerald era venerada y las expectativas eran altísimas. Lo que poca gente sabe es que Redford inicialmente dudó. Le preocupaba que Gatsby pudiera parecer superficial en la pantalla, solo un hombre rico que daba fiestas. Para Redford, el corazón del personaje era el secretismo y la soledad, no el glamour. Aceptó hacerlo solo después de insistir en que la cualidad de "forastero" de Gatsby fuera central en la película.
El director Jack Clayton y el productor David Merrick estaban tan decididos a conseguir a Redford que se adaptaron a casi todas sus peticiones. El diseñador de vestuario Ralph Lauren fue contratado a instancias de Redford para darle a Gatsby un guardarropa que se sintiera icónico pero sobrio. Lauren dijo más tarde que Redford era Gatsby: elegante, distante, pero con una sensación de anhelo bajo la superficie.
Un incidente fascinante ocurrió durante el rodaje de la primera gran escena de la fiesta. Cientos de extras se apiñaron en el set de la propiedad de Long Island, bebiendo y bailando mientras las cámaras rodaban. Redford, en lugar de mezclarse, se mantuvo apartado, observando en silencio el espectáculo desde un balcón hasta su señal. Cuando terminó la toma, Clayton le preguntó por qué. Redford respondió: "Ese es Gatsby. Él organiza la fiesta, pero nunca está realmente en ella". Al director le encantó la elección, y se convirtió en un aspecto definitorio de su interpretación.
Aunque la película en sí recibió críticas mixtas, la actuación de Redford le dio a Gatsby el aura esquiva que Fitzgerald describió: un hombre a la vez deslumbrante y desesperadamente solo. Para Redford, el papel era un espejo de la fama en sí misma: cómo la adoración puede rodearte, pero el aislamiento vive en silencio en el centro.
Fuente; No solo cine y solo clásico (Facebook)
https://scontent.fbog4-1.fna.fbcdn.net/v/t39.30808-6/556104153_10234334332293956_3680961922091560163_n.jpg?stp=ds t-jpg_p526x296_tt6&_nc_cat=101&ccb=1-7&_nc_sid=aa7b47&_nc_eui2=AeHiXppSmsQszi9TJt2pXHhmTj67qbfILnZOPrupt8gudmgKd5a auJtVcCP_o4okgfk&_nc_ohc=Ahgt4ZTWBfwQ7kNvwF-jdD-&_nc_oc=AdmNF9BX_hkcwLs2IMff2gWP1T9Nak_zV9S-5CQDIpjwaAVoHrNGe8uq1MQ83NzgTDY&_nc_zt=23&_nc_ht=scontent.fbog4-1.fna&_nc_gid=YV0x_fcJLxw4Mhg1fDWiYg&oh=00_AfYuI7Z3SEJ46rfuORko7S_Gjece4gSe8I4y-fPOgchMjg&oe=68E04C67
Cuando Robert Redford asumió el papel de Jay Gatsby en El gran Gatsby (1974), el casting ya era un evento cultural. La novela de F. Scott Fitzgerald era venerada y las expectativas eran altísimas. Lo que poca gente sabe es que Redford inicialmente dudó. Le preocupaba que Gatsby pudiera parecer superficial en la pantalla, solo un hombre rico que daba fiestas. Para Redford, el corazón del personaje era el secretismo y la soledad, no el glamour. Aceptó hacerlo solo después de insistir en que la cualidad de "forastero" de Gatsby fuera central en la película.
El director Jack Clayton y el productor David Merrick estaban tan decididos a conseguir a Redford que se adaptaron a casi todas sus peticiones. El diseñador de vestuario Ralph Lauren fue contratado a instancias de Redford para darle a Gatsby un guardarropa que se sintiera icónico pero sobrio. Lauren dijo más tarde que Redford era Gatsby: elegante, distante, pero con una sensación de anhelo bajo la superficie.
Un incidente fascinante ocurrió durante el rodaje de la primera gran escena de la fiesta. Cientos de extras se apiñaron en el set de la propiedad de Long Island, bebiendo y bailando mientras las cámaras rodaban. Redford, en lugar de mezclarse, se mantuvo apartado, observando en silencio el espectáculo desde un balcón hasta su señal. Cuando terminó la toma, Clayton le preguntó por qué. Redford respondió: "Ese es Gatsby. Él organiza la fiesta, pero nunca está realmente en ella". Al director le encantó la elección, y se convirtió en un aspecto definitorio de su interpretación.
Aunque la película en sí recibió críticas mixtas, la actuación de Redford le dio a Gatsby el aura esquiva que Fitzgerald describió: un hombre a la vez deslumbrante y desesperadamente solo. Para Redford, el papel era un espejo de la fama en sí misma: cómo la adoración puede rodearte, pero el aislamiento vive en silencio en el centro.
Fuente; No solo cine y solo clásico (Facebook)
Heráclito
13-11-2025, 06:22:16
Contacto en Francia
Cómo se escogió a Gene Hackman para el icónico papel que asombraría al mundo del cine y la manera como Hackman se apropió del personaje de "Popeye"
https://m.media-amazon.com/images/M/MV5BZDAyZDU3OWUtNWQ3Zi00ZWRkLWI4MGEtNDFlZWIzZDk5ZTZkXkEyXkFq cGc@._V1_FMjpg_UX1000_.jpg
Cuando el director William Friedkin se preparaba para elegir al actor que interpretaría al detective Jimmy "Popeye" Doyle en "CONTACTO EN FRANCIA" (1971), GENE HACKMAN no era su primera opción. Los productores inicialmente querían un nombre con mayor proyección taquillera, alguien como Jackie Gleason o incluso Steve McQueen. Friedkin había considerado a Paul Newman y James Caan. Todos lo rechazaron. El productor Philip D'Antoni, que había trabajado con Hackman en "Fragmentado" (1968), lo sugirió, pero Friedkin seguía sin estar convencido, hasta que Hackman leyó el guion en voz alta con una energía cruda y sin filtros en una audición de última hora que lo cambió todo.
Gene Hackman tenía sus propias dudas. No se sentía cómodo con el papel. Le resultaba difícil identificarse con la personalidad agresiva y prejuiciosa de Jimmy Doyle. Friedkin tampoco ayudó. Durante los ensayos, el director presionó mucho a Hackman, a menudo reprendiendo su actuación y desafiándolo a profundizar más. Para prepararse, Hackman y su compañero de reparto, Roy Scheider, acompañaron a los agentes de narcóticos de la policía de Nueva York Eddie Egan y Sonny Grosso, cuya redada antidrogas de heroína en 1961 inspiró la película. Hackman pasó semanas en la parte trasera de los coches patrulla, presenciando redadas antidrogas, arrestos y vigilancia nocturna. Egan, quien era el verdadero «Popeye» Doyle, era duro, confrontativo y grosero, y Hackman encontró la experiencia agotadora. Egan a menudo se burlaba de Hackman por ser demasiado blando, diciéndole: «No conoces las calles. Nunca has vivido esto». La intensidad de los recorridos reales dejó a Hackman mental y emocionalmente agotado, pero también le ayudaron a dar forma a una interpretación cruda y auténtica.
El rodaje tuvo lugar en invierno en distintas zonas de Nueva York, a menudo en condiciones impredecibles. La famosa escena de persecución, contra un tren elevado del metro en coche, se rodó sin los permisos necesarios. Hackman tuvo que conducir a toda velocidad entre el tráfico de Brooklyn mientras Friedkin filmaba desde el asiento trasero con una cámara de mano. En un momento dado, Hackman casi atropella a un peatón. Más tarde lo describió como una de las cosas más peligrosas que había hecho como actor.
Fuera de cámara, la tensión entre Friedkin y Hackman se mantuvo alta durante todo el rodaje. En una ocasión, Friedkin abofeteó a Hackman antes de una toma, con la esperanza de provocar la ira adecuada. Hackman no le dirigió la palabra en todo el día. Pero la fricción dio sus frutos. Su interpretación de Doyle se sintió cruda e impredecible porque, en muchos sentidos, Hackman canalizaba su frustración, miedo e incomodidad reales con el personaje.
La transformación de Hackman en Doyle fue tan completa que, al final del rodaje, incluso Eddie Egan quedó impresionado. Le dijo al actor: «Puede que no hayas logrado mi forma de caminar o de hablar, pero captaste mi actitud. Eso es lo que cuenta». Friedkin admitió más tarde que la arriesgada elección del reparto resultó un éxito rotundo, calificando la interpretación de Hackman como «un milagro de tensión y control».
Los sentimientos de Hackman hacia el papel fueron contradictorios durante años. No disfrutó interpretando a Doyle, pero reconoció la importancia del personaje. Cuando le preguntaron sobre la preparación y el desgaste que le supuso, Hackman dijo en una ocasión: «Me enfadó, me cansó, me hizo cuestionarme por qué hago esto. Pero quizá por eso funcionó».
Lo que comenzó como una incómoda relación entre actor y personaje se convirtió en una de las interpretaciones más icónicas del cine estadounidense, nacida no de la comodidad, sino de la confrontación y la inmersión.
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4732634&stc=1&d=1763032371
Enlace para ver la película: https://m.ok.ru/video/2508153096761
Fuente: Club Cowboys de Medianoche EN LIBERTAD
Cómo se escogió a Gene Hackman para el icónico papel que asombraría al mundo del cine y la manera como Hackman se apropió del personaje de "Popeye"
https://m.media-amazon.com/images/M/MV5BZDAyZDU3OWUtNWQ3Zi00ZWRkLWI4MGEtNDFlZWIzZDk5ZTZkXkEyXkFq cGc@._V1_FMjpg_UX1000_.jpg
Cuando el director William Friedkin se preparaba para elegir al actor que interpretaría al detective Jimmy "Popeye" Doyle en "CONTACTO EN FRANCIA" (1971), GENE HACKMAN no era su primera opción. Los productores inicialmente querían un nombre con mayor proyección taquillera, alguien como Jackie Gleason o incluso Steve McQueen. Friedkin había considerado a Paul Newman y James Caan. Todos lo rechazaron. El productor Philip D'Antoni, que había trabajado con Hackman en "Fragmentado" (1968), lo sugirió, pero Friedkin seguía sin estar convencido, hasta que Hackman leyó el guion en voz alta con una energía cruda y sin filtros en una audición de última hora que lo cambió todo.
Gene Hackman tenía sus propias dudas. No se sentía cómodo con el papel. Le resultaba difícil identificarse con la personalidad agresiva y prejuiciosa de Jimmy Doyle. Friedkin tampoco ayudó. Durante los ensayos, el director presionó mucho a Hackman, a menudo reprendiendo su actuación y desafiándolo a profundizar más. Para prepararse, Hackman y su compañero de reparto, Roy Scheider, acompañaron a los agentes de narcóticos de la policía de Nueva York Eddie Egan y Sonny Grosso, cuya redada antidrogas de heroína en 1961 inspiró la película. Hackman pasó semanas en la parte trasera de los coches patrulla, presenciando redadas antidrogas, arrestos y vigilancia nocturna. Egan, quien era el verdadero «Popeye» Doyle, era duro, confrontativo y grosero, y Hackman encontró la experiencia agotadora. Egan a menudo se burlaba de Hackman por ser demasiado blando, diciéndole: «No conoces las calles. Nunca has vivido esto». La intensidad de los recorridos reales dejó a Hackman mental y emocionalmente agotado, pero también le ayudaron a dar forma a una interpretación cruda y auténtica.
El rodaje tuvo lugar en invierno en distintas zonas de Nueva York, a menudo en condiciones impredecibles. La famosa escena de persecución, contra un tren elevado del metro en coche, se rodó sin los permisos necesarios. Hackman tuvo que conducir a toda velocidad entre el tráfico de Brooklyn mientras Friedkin filmaba desde el asiento trasero con una cámara de mano. En un momento dado, Hackman casi atropella a un peatón. Más tarde lo describió como una de las cosas más peligrosas que había hecho como actor.
Fuera de cámara, la tensión entre Friedkin y Hackman se mantuvo alta durante todo el rodaje. En una ocasión, Friedkin abofeteó a Hackman antes de una toma, con la esperanza de provocar la ira adecuada. Hackman no le dirigió la palabra en todo el día. Pero la fricción dio sus frutos. Su interpretación de Doyle se sintió cruda e impredecible porque, en muchos sentidos, Hackman canalizaba su frustración, miedo e incomodidad reales con el personaje.
La transformación de Hackman en Doyle fue tan completa que, al final del rodaje, incluso Eddie Egan quedó impresionado. Le dijo al actor: «Puede que no hayas logrado mi forma de caminar o de hablar, pero captaste mi actitud. Eso es lo que cuenta». Friedkin admitió más tarde que la arriesgada elección del reparto resultó un éxito rotundo, calificando la interpretación de Hackman como «un milagro de tensión y control».
Los sentimientos de Hackman hacia el papel fueron contradictorios durante años. No disfrutó interpretando a Doyle, pero reconoció la importancia del personaje. Cuando le preguntaron sobre la preparación y el desgaste que le supuso, Hackman dijo en una ocasión: «Me enfadó, me cansó, me hizo cuestionarme por qué hago esto. Pero quizá por eso funcionó».
Lo que comenzó como una incómoda relación entre actor y personaje se convirtió en una de las interpretaciones más icónicas del cine estadounidense, nacida no de la comodidad, sino de la confrontación y la inmersión.
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4732634&stc=1&d=1763032371
Enlace para ver la película: https://m.ok.ru/video/2508153096761
Fuente: Club Cowboys de Medianoche EN LIBERTAD
Heráclito
16-11-2025, 07:11:38
Los dioses deben estar locos
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4733534&stc=1&d=1763294925
En los primeros años de la década de los ochenta, cuando Hollywood dominaba las salas con superproducciones como *El Imperio Contraataca*, *El Resplandor* o *Fama*, una pequeña película africana, sin efectos especiales ni estrellas reconocidas, comenzó a abrirse paso en silencio. *Los dioses deben estar locos* no tenía presupuesto ni respaldo internacional. Tenía algo más poderoso: una historia sencilla, contada desde la mirada de alguien que nunca había visto una cámara, ni sabía qué era actuar. Su protagonista, N!Xau, no era actor. Era un granjero bosquimano que vivía en el desierto del Kalahari y que, sin saberlo, estaba a punto de convertirse en el rostro más querido del cine mundial.
La película narraba cómo una botella de Coca-Cola, arrojada desde un avión, alteraba la vida de una comunidad indígena que la interpretaba como un regalo divino. Lo que para el mundo moderno era basura, para Xi —el personaje de N!Xau— era un objeto sagrado. Esa mirada inocente, sin cinismo, sin codicia, era también la de N!Xau fuera de cámara. No entendía por qué debía repetir tomas, ni por qué le daban dinero. Dormía en el suelo de su habitación de hotel, se negaba a usar la cama, y a pesar de todo lo recaudado por la cinta, tan solo le pagaron 300 dólares, los cuales dejó volar con el viento. No sabía qué hacer con los billetes. Mucho menos sabía que entraría en la historia del cine.
Mientras *Los dioses deben estar locos* se mantenía en cartelera durante casi dos años, compitiendo con películas que costaban millones, N!Xau regresaba a su poblado entre rodajes para evitar el choque cultural. El equipo lo protegía, pero también lo observaba con una mezcla de fascinación y desconcierto. ¿Cómo podía alguien tan ajeno al mundo moderno transmitir tanta verdad en pantalla? La respuesta estaba en su forma de ver el mundo. Para él, todo era magia. Los aviones, las cámaras, los hoteles. Nada lo impresionaba porque no lo juzgaba. Simplemente lo aceptaba. Como Xi, su personaje, que decide devolver la botella a los dioses porque no quiere que su comunidad se destruya por un objeto que no entiende.
Ese paralelismo entre ficción y realidad fue lo que convirtió a N!Xau en un fenómeno global. No actuaba. Era. Y eso bastaba. Su rostro transmitía una ternura que cautivaba al espectador. Nunca aprendió a contar más allá de veinte, pero supo negociar un contrato justo para la segunda película. Con ese dinero, construyó una casa para sus esposas e hijos, con agua corriente y electricidad. Compró un coche, pero se negó a conducirlo. Contrató a un chófer. No por capricho, sino porque no entendía por qué debía aprender algo que no necesitaba.
Viajó a Francia, a China, a Hong Kong. Filmó secuelas no oficiales que lo alejaron del director original, Jamie Uys, pero nunca perdió su esencia. Cuando terminó su carrera como actor, volvió al Kalahari. Allí vivió sus últimos años en paz cultivando y criando animales. Se convirtió al cristianismo, fue bautizado, y murió solo, en medio del desierto, tras salir a buscar leña. Tenía unos 59 años. Su muerte fue silenciosa, como su vida antes de la fama. Pero su legado sigue vivo. Porque N!Xau no fue una estrella. Fue un puente. Entre dos mundos. Entre el cine y la verdad. Entre la risa y la ternura.
Y aunque nunca entendió del todo qué era actuar, nos enseñó que a veces, para conmover al mundo, basta con mirar una botella como si fuera sagrada. Fue el rostro de una película que, sin pretensiones, logró lo imposible: competir con los titanes de Hollywood y recordarle al mundo que la risa, la ternura y la crítica pueden venir de los rincones más inesperados.
Enlace para ver la película: https://m.ok.ru/video/3138699725373
Fuente; Salud y bienestar (Facebook)
https://www.denunciando.com/attachment.php?attachmentid=4733534&stc=1&d=1763294925
En los primeros años de la década de los ochenta, cuando Hollywood dominaba las salas con superproducciones como *El Imperio Contraataca*, *El Resplandor* o *Fama*, una pequeña película africana, sin efectos especiales ni estrellas reconocidas, comenzó a abrirse paso en silencio. *Los dioses deben estar locos* no tenía presupuesto ni respaldo internacional. Tenía algo más poderoso: una historia sencilla, contada desde la mirada de alguien que nunca había visto una cámara, ni sabía qué era actuar. Su protagonista, N!Xau, no era actor. Era un granjero bosquimano que vivía en el desierto del Kalahari y que, sin saberlo, estaba a punto de convertirse en el rostro más querido del cine mundial.
La película narraba cómo una botella de Coca-Cola, arrojada desde un avión, alteraba la vida de una comunidad indígena que la interpretaba como un regalo divino. Lo que para el mundo moderno era basura, para Xi —el personaje de N!Xau— era un objeto sagrado. Esa mirada inocente, sin cinismo, sin codicia, era también la de N!Xau fuera de cámara. No entendía por qué debía repetir tomas, ni por qué le daban dinero. Dormía en el suelo de su habitación de hotel, se negaba a usar la cama, y a pesar de todo lo recaudado por la cinta, tan solo le pagaron 300 dólares, los cuales dejó volar con el viento. No sabía qué hacer con los billetes. Mucho menos sabía que entraría en la historia del cine.
Mientras *Los dioses deben estar locos* se mantenía en cartelera durante casi dos años, compitiendo con películas que costaban millones, N!Xau regresaba a su poblado entre rodajes para evitar el choque cultural. El equipo lo protegía, pero también lo observaba con una mezcla de fascinación y desconcierto. ¿Cómo podía alguien tan ajeno al mundo moderno transmitir tanta verdad en pantalla? La respuesta estaba en su forma de ver el mundo. Para él, todo era magia. Los aviones, las cámaras, los hoteles. Nada lo impresionaba porque no lo juzgaba. Simplemente lo aceptaba. Como Xi, su personaje, que decide devolver la botella a los dioses porque no quiere que su comunidad se destruya por un objeto que no entiende.
Ese paralelismo entre ficción y realidad fue lo que convirtió a N!Xau en un fenómeno global. No actuaba. Era. Y eso bastaba. Su rostro transmitía una ternura que cautivaba al espectador. Nunca aprendió a contar más allá de veinte, pero supo negociar un contrato justo para la segunda película. Con ese dinero, construyó una casa para sus esposas e hijos, con agua corriente y electricidad. Compró un coche, pero se negó a conducirlo. Contrató a un chófer. No por capricho, sino porque no entendía por qué debía aprender algo que no necesitaba.
Viajó a Francia, a China, a Hong Kong. Filmó secuelas no oficiales que lo alejaron del director original, Jamie Uys, pero nunca perdió su esencia. Cuando terminó su carrera como actor, volvió al Kalahari. Allí vivió sus últimos años en paz cultivando y criando animales. Se convirtió al cristianismo, fue bautizado, y murió solo, en medio del desierto, tras salir a buscar leña. Tenía unos 59 años. Su muerte fue silenciosa, como su vida antes de la fama. Pero su legado sigue vivo. Porque N!Xau no fue una estrella. Fue un puente. Entre dos mundos. Entre el cine y la verdad. Entre la risa y la ternura.
Y aunque nunca entendió del todo qué era actuar, nos enseñó que a veces, para conmover al mundo, basta con mirar una botella como si fuera sagrada. Fue el rostro de una película que, sin pretensiones, logró lo imposible: competir con los titanes de Hollywood y recordarle al mundo que la risa, la ternura y la crítica pueden venir de los rincones más inesperados.
Enlace para ver la película: https://m.ok.ru/video/3138699725373
Fuente; Salud y bienestar (Facebook)
Ocelote_77
11-12-2025, 09:50:53
Hola compas me pareció interesante este tema y me gustaría aportar con esta recomendación:
Kynódontas
Kynódontas (Dogtooth, 2009) es una inquietante y provocadora película dirigida por el griego Yorgos Lanthimos, uno de los cineastas más originales del cine contemporáneo. La historia sigue a una familia que vive completamente aislada del mundo exterior: los padres controlan cada aspecto de la vida de sus hijos adultos, desde el lenguaje hasta las costumbres más básicas, creando un universo extraño y opresivo. Con su estilo visual frío y minimalista y un humor negro que incomoda y provoca, Lanthimos explora temas como el control, la manipulación y el deseo humano de libertad.
Kynódontas es la obra que puso a Lanthimos en el mapa internacional y comparte el mismo enfoque provocador que sus otras películas más conocidas, como The Lobster (2015), The Killing of a Sacred Deer (2017) y Poor Things (2023), donde combina lo absurdo, lo inquietante y lo simbólico para cuestionar las normas sociales y la naturaleza humana. Es una película que desafía al espectador y deja una impresión duradera.
A mi personalmente me gusto mucho y realmente deja mucho material para reflexionar sobre como es la crianza de los hijos hoy en día.
Esta disponible en Mubi por si quieren verla
Kynódontas
Kynódontas (Dogtooth, 2009) es una inquietante y provocadora película dirigida por el griego Yorgos Lanthimos, uno de los cineastas más originales del cine contemporáneo. La historia sigue a una familia que vive completamente aislada del mundo exterior: los padres controlan cada aspecto de la vida de sus hijos adultos, desde el lenguaje hasta las costumbres más básicas, creando un universo extraño y opresivo. Con su estilo visual frío y minimalista y un humor negro que incomoda y provoca, Lanthimos explora temas como el control, la manipulación y el deseo humano de libertad.
Kynódontas es la obra que puso a Lanthimos en el mapa internacional y comparte el mismo enfoque provocador que sus otras películas más conocidas, como The Lobster (2015), The Killing of a Sacred Deer (2017) y Poor Things (2023), donde combina lo absurdo, lo inquietante y lo simbólico para cuestionar las normas sociales y la naturaleza humana. Es una película que desafía al espectador y deja una impresión duradera.
A mi personalmente me gusto mucho y realmente deja mucho material para reflexionar sobre como es la crianza de los hijos hoy en día.
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Casanova33
10-01-2026, 10:45:34
Hola compas me pareció interesante este tema y me gustaría aportar con esta recomendación:
Kynódontas
Kynódontas (Dogtooth, 2009) es una inquietante y provocadora película dirigida por el griego Yorgos Lanthimos, uno de los cineastas más originales del cine contemporáneo. La historia sigue a una familia que vive completamente aislada del mundo exterior: los padres controlan cada aspecto de la vida de sus hijos adultos, desde el lenguaje hasta las costumbres más básicas, creando un universo extraño y opresivo. Con su estilo visual frío y minimalista y un humor negro que incomoda y provoca, Lanthimos explora temas como el control, la manipulación y el deseo humano de libertad.
Kynódontas es la obra que puso a Lanthimos en el mapa internacional y comparte el mismo enfoque provocador que sus otras películas más conocidas, como The Lobster (2015), The Killing of a Sacred Deer (2017) y Poor Things (2023), donde combina lo absurdo, lo inquietante y lo simbólico para cuestionar las normas sociales y la naturaleza humana. Es una película que desafía al espectador y deja una impresión duradera.
A mi personalmente me gusto mucho y realmente deja mucho material para reflexionar sobre como es la crianza de los hijos hoy en día.
Esta disponible en Mubi por si quieren verla
Enviame el link que no voy a pagarle a Mubi.
Kynódontas
Kynódontas (Dogtooth, 2009) es una inquietante y provocadora película dirigida por el griego Yorgos Lanthimos, uno de los cineastas más originales del cine contemporáneo. La historia sigue a una familia que vive completamente aislada del mundo exterior: los padres controlan cada aspecto de la vida de sus hijos adultos, desde el lenguaje hasta las costumbres más básicas, creando un universo extraño y opresivo. Con su estilo visual frío y minimalista y un humor negro que incomoda y provoca, Lanthimos explora temas como el control, la manipulación y el deseo humano de libertad.
Kynódontas es la obra que puso a Lanthimos en el mapa internacional y comparte el mismo enfoque provocador que sus otras películas más conocidas, como The Lobster (2015), The Killing of a Sacred Deer (2017) y Poor Things (2023), donde combina lo absurdo, lo inquietante y lo simbólico para cuestionar las normas sociales y la naturaleza humana. Es una película que desafía al espectador y deja una impresión duradera.
A mi personalmente me gusto mucho y realmente deja mucho material para reflexionar sobre como es la crianza de los hijos hoy en día.
Esta disponible en Mubi por si quieren verla
Enviame el link que no voy a pagarle a Mubi.
Heráclito
10-01-2026, 11:06:41
Enviame el link que no voy a pagarle a Mubi.
Enlace: https://m.ok.ru/video/9063507692200
Enlace: https://m.ok.ru/video/9063507692200
Casanova33
10-01-2026, 12:09:11
Contacto en Francia
Cómo se escogió a Gene Hackman para el icónico papel que asombraría al mundo del cine y la manera como Hackman se apropió del personaje de "Popeye"
https://m.media-amazon.com/images/M/MV5BZDAyZDU3OWUtNWQ3Zi00ZWRkLWI4MGEtNDFlZWIzZDk5ZTZkXkEyXkFq cGc@._V1_FMjpg_UX1000_.jpg
Enlace para ver la película: https://m.ok.ru/video/2508153096761
Fuente: Club Cowboys de Medianoche EN LIBERTAD
Excelente Heráclito. Recuerdo ver a mi papá viendo esta película hace muchos años en la sala. Pero yo nunca le puse cuidado. Tal vez sea hora de verla completa.
Cómo se escogió a Gene Hackman para el icónico papel que asombraría al mundo del cine y la manera como Hackman se apropió del personaje de "Popeye"
https://m.media-amazon.com/images/M/MV5BZDAyZDU3OWUtNWQ3Zi00ZWRkLWI4MGEtNDFlZWIzZDk5ZTZkXkEyXkFq cGc@._V1_FMjpg_UX1000_.jpg
Enlace para ver la película: https://m.ok.ru/video/2508153096761
Fuente: Club Cowboys de Medianoche EN LIBERTAD
Excelente Heráclito. Recuerdo ver a mi papá viendo esta película hace muchos años en la sala. Pero yo nunca le puse cuidado. Tal vez sea hora de verla completa.
Casanova33
10-01-2026, 12:55:09
Fuente: Eureka
Y el link? Ya me dieron ganas de verla.
Y el link? Ya me dieron ganas de verla.
Heráclito
10-01-2026, 14:19:22
Y el link? Ya me dieron ganas de verla.
Enlace: https://m.ok.ru/video/3096966335000
Enlace: https://m.ok.ru/video/3096966335000
Casanova33
14-01-2026, 12:51:32
Enlace: https://m.ok.ru/video/9063507692200
Gracias Heracles.
Quisiera hacer una maratón de películas de Tarkovsky.
Gracias Heracles.
Quisiera hacer una maratón de películas de Tarkovsky.
Casanova33
14-01-2026, 12:52:00
Enlace: https://m.ok.ru/video/3096966335000
¿Qué seríamos sin los servidores rusos?
¿Qué seríamos sin los servidores rusos?
Soyado
02-04-2026, 23:14:02
Fuente; Salud y bienestar (Facebook)
Mirá que me acordé del Cine Club, al visitar recientemente tu maravilloso posteo de Belleza en Blanco y Negro. ¡Hombre! ¡Qué descuidado me he vuelto con estos contenidos artísticos! Con decirte que el año pasado, me suscribí por un año a La Tertulia, y... ¿Podés creer que no fui una sola vez? Ahora hace dos semanas volví a renovar mi vinculación anual, y espero en esta ocasión sacarle provecho...
Y así mismo me suele suceder con mis suscripciones anuales a El País de España y a El Espectador: poco los leo, ya sea dizque por falta de tiempo, o... falta de dedicación, más bien. Y disculpándome por este paréntesis quejumbroso, je, je, je, qué gran película esta de 'Los dioses...' Realmente, recuerdo más la segunda parte, con esa protagonista tan hermosa que al final del largometraje nos dejó ver unos segundos su ropa interior tratando de no caerse de una avioneta (esa escena recuerdo que era uno de los fotogramas en la caja donde venía la película, cuando iba yo a plan de alquiler. Qué épocas tan bellas).
Estas son las producciones que se quedan en el alma de muchos cinéfilos, como lo hacen realmente pocas ya sean comerciales, digamos, o no lo sean. Apasionante historia la de este hombre bosquimano, una especie de Forrest Gump de la sabana africana, uno de esos seres a los que a veces quisiera parecerme, pero mi arraigada occidentalidad aún me consume. Saludos, viejo Hera: buena Semana Santa para vos.
Mirá que me acordé del Cine Club, al visitar recientemente tu maravilloso posteo de Belleza en Blanco y Negro. ¡Hombre! ¡Qué descuidado me he vuelto con estos contenidos artísticos! Con decirte que el año pasado, me suscribí por un año a La Tertulia, y... ¿Podés creer que no fui una sola vez? Ahora hace dos semanas volví a renovar mi vinculación anual, y espero en esta ocasión sacarle provecho...
Y así mismo me suele suceder con mis suscripciones anuales a El País de España y a El Espectador: poco los leo, ya sea dizque por falta de tiempo, o... falta de dedicación, más bien. Y disculpándome por este paréntesis quejumbroso, je, je, je, qué gran película esta de 'Los dioses...' Realmente, recuerdo más la segunda parte, con esa protagonista tan hermosa que al final del largometraje nos dejó ver unos segundos su ropa interior tratando de no caerse de una avioneta (esa escena recuerdo que era uno de los fotogramas en la caja donde venía la película, cuando iba yo a plan de alquiler. Qué épocas tan bellas).
Estas son las producciones que se quedan en el alma de muchos cinéfilos, como lo hacen realmente pocas ya sean comerciales, digamos, o no lo sean. Apasionante historia la de este hombre bosquimano, una especie de Forrest Gump de la sabana africana, uno de esos seres a los que a veces quisiera parecerme, pero mi arraigada occidentalidad aún me consume. Saludos, viejo Hera: buena Semana Santa para vos.
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