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Flébil · 01-12-2009 , 17:38:04

RAFAEL
“Retrato de cardenal”, 1510 óleo sobre lienzo, 79- 61 cm. - Madrid, Museo del Prado

Retrato duro y descarnado, consecuente con la siniestra reputación del retratado, el cardenal Francesco Alidosi, figura temida y despiadada que acabaría asesinado el mismo año en que este retrato fue concluido. En un perfil de tres cuartos, la figura del joven cardenal se destaca sobremanera sobre el fondo oscuro merced a una intensa iluminación. El rostro adquiere así una importancia y una preponderancia excepcional a pesar del pequeño tamaño en relación al lienzo. La intensidad del conjunto, y la ausencia de artificios a la hora de retratar a una figura de tal importancia hacen de esta pintura uno de los grandes retratos de la historia del Arte.

MIGUEL ANGEL
“El juicio final”, 1537-41 1370- 1220 cm. - fresco en la Capilla Sixtina

Aunque tal título puede ser altamente disputado, es posible que Michelangelo Buonarroti sea el artista más importante de todos los tiempos. Prototipo de genio renacentista, vigoroso e incluso iracundo, abordó proyectos colosales en pintura, escultura y arquitectura, creando obras maestras en todos esos campos. Los frescos que Miguel Ángel realizó en la Capilla Sixtina constituyen una de las obras cumbre del Arte universal. El conjunto de “El juicio final”, en el que trabajó durante cuatro años, es una composición colosal en la que Michelangelo crea un universo de titanes vigorosos, formados por volúmenes casi escultóricos, que nos ayudan a comprender porqué el artista firmaba sus obras con un “Miguel Ángel, escultor”

BASAWAN
“Batalla de los ascéticos en Akbar" (miniatura del Akbar Nama), c.1570 miniatura sobre papel – Londres, Victoria & Albert Museum

Aunque no se conocen demasiados datos de su biografía, Basawan fue el principal renovador de las miniaturas mogolas durante el reinado de Akbar (1556-1605). Su obra cumbre son las miniaturas realizadas para la crónica del emperador –el "Akbar Nama" - de las que la “Batalla de los ascéticos” es el ejemplo más sobresaliente. "Leída" de arriba abajo, la composición es un crescendo dramático que comienza con un tranquilo paisaje de la arquitectura y los alrededores de Akbar, sigue con la representación de un personaje de importancia –quizás el emperador- acompañado de sus sirvientes y un par de elefantes, y empieza la representación de la batalla en la mitad inferior de la obra, alcanzando cotas terribles en las escenas en la que varios hombres son literalmente atravesados por las espadas enemigas.

REMBRANDT VAN RIJN
“La ronda de noche ( la ronda nocturna)” – 1641/42 óleo sobre lienzo, 359 – 438 cm. Ámsterdam, Rijksmuseum

“La ronda de noche” es una de las pinturas más importantes de la historia del Arte, y sin duda una de las más complejas. El análisis en profundidad de esta sensacional escena es una tarea que ha ocupado a cientos de estudiosos durante siglos, que han identificado a la casi totalidad de los 28 personajes (30 antes de un desafortunado recorte, además de tres niños y un perro), entre ellos el capitán Purmerlandt y su alférez von Vlaerdingen; rescatado copias del original cuando éste aún no había sido mutilado, y –sobre todo- intentar explicar los casi indescriptibles efectos de movimiento que hacen de esta pintura la culminación del Arte de Rembrandt. ¿Cómo se explica este efecto dinámico? Según parece, Rembrandt ha representado el momento exacto en el que el capitán de la compañía ha dado orden de avanzar, pero esta orden parece no haber llegado aún a sus subordinados. Esta tensión movimiento – estatismo otorga al cuadro un magnetismo irresistible. Uno casi espera que, si miramos la pintura durante unos minutos, el capitán y su alférez comenzarán la marcha, sus subordinados les seguirán en discutible orden, y el tambor de la derecha comenzará un rápido redoble acompañado por los ladridos del pequeño perro situado a su lado.
Y hay más, mucho más. Los geniales efectos de claroscuro, con una luz casi mística que destaca sobremanera la figura de la niña que porta una gallina y semioculta la arquitectura del fondo de la pintura. La manera en la que las lanzas y estandartes cierran la escena en el extremo superior (lo que sería más apreciable antes de que la pintura fuese cortada). El trazo rápido y espontáneo con el que se han representado los rostros… En definitiva, una obra imprescindible para la historia de la pintura occidental.

DIEGO DE VELÁZQUEZ
“La familia de Felipe IV (Las Meninas)” – 1656 óleo sobre lienzo, 321- 281 cm. Museo del Prado, Madrid.

“La teología de la pintura”. Así se conoce a esta pintura ya desde el siglo XIX. Théopile Gautier fue más allá, y en frente de la misma se preguntó ¿pero dónde está el cuadro? Y es que Gautier estaba frente a la que es –junto a la obra precedente- una de las dos cumbres de la pintura barroca. La obra es un complejísimo juego de planos y líneas de composición. Velázquez se autorretrata pintando el retrato de los Reyes Felipe IV y Mariana de Austria, cuando la aparición de la Infanta Margarita obliga a interrumpir la sesión. De esta manera, los Reyes, que aparecen reflejados en un espejo en el fondo de la estancia, estarían situados en el mismo plano y situación que el espectador, estableciendo una magistral trama de dentro-fuera en el que el observador siente el impulso de avanzar hacia dentro del cuadro. Cuenta la leyenda –probablemente más falsa que cierta- que cuando Velázquez presentó la pintura al Rey, este le dijo: “le falta un último detalle”. Y tomando el pincel, pintó sobre el pecho de la figura de Velázquez la cruz de la orden de Santiago. Leyendas aparte, ésta es una de las mejores pinturas de la historia de la humanidad.

JOHANNES VERMEER
“Vista de Delft”, 1661 óleo sobre lienzo, 98- 117.5 cm. – La Haya, Mauritshuis

De esta pintura se ha dicho que es la primera obra impresionista de la historia de la pintura. Marcel Proust llegó incluso a asegurar que era “el más bello cuadro del mundo”. Elogios al margen, la pintura es la cumbre del paisajismo holandés del siglo XVII y, por consiguiente, uno de los grandes paisajes de todos los tiempos.
La composición aparentemente sencilla encierra algunos elementos excepcionalmente interesantes: en primer lugar, destaca la claridad, casi pureza, con la que Vermeer representa los edificios de la ciudad, para lo cual ha tenido sin duda que eliminar varias embarcaciones que sin duda vararían en el puerto de la ciudad. Esto permite resaltar la visión de la arquitectura de Delft, que a su vez constituye una barrera visual que impide la visión más allá de la profundidad decidida por el pintor. Esto divide la composición claramente en tres planos: el superior, que ocupa aproximadamente tres quintas partes de la pintura, representando el cielo; un intermedio que corresponde a la muralla visual arquitectónica, y un inferior, en el que, junto al agua –que actúa como espejo del plano anterior- aparece un pequeño grupo de figuras, pintadas –a diferencia de en otros muchos paisajes de la época- por el mismo pintor. La pintura, increíblemente precisa, hizo suponer a muchos críticos el uso de una cámara oscura, aunque dicho extremo no ha sido confirmado.

01-12-2009 , 17:38:04	#4
Flébil Denunciante Bronce Me Gusta Estadisticas Mensajes: 11.023 Me Gusta Recibidos: 14274 Me Gustas Dados: 13756 Ingreso: 19 mar 2009 Temas Nominados a TDM Temas Nominados 46 Temas Ganadores: 0 Reputacion Poder de Credibilidad: 153 Puntos: 261038 Premios Recibidos Total De Premios: 5	Respuesta: Las 50 Obras Maestras de la Pintura RAFAEL “Retrato de cardenal”, 1510 óleo sobre lienzo, 79- 61 cm. - Madrid, Museo del Prado Retrato duro y descarnado, consecuente con la siniestra reputación del retratado, el cardenal Francesco Alidosi, figura temida y despiadada que acabaría asesinado el mismo año en que este retrato fue concluido. En un perfil de tres cuartos, la figura del joven cardenal se destaca sobremanera sobre el fondo oscuro merced a una intensa iluminación. El rostro adquiere así una importancia y una preponderancia excepcional a pesar del pequeño tamaño en relación al lienzo. La intensidad del conjunto, y la ausencia de artificios a la hora de retratar a una figura de tal importancia hacen de esta pintura uno de los grandes retratos de la historia del Arte. MIGUEL ANGEL “El juicio final”, 1537-41 1370- 1220 cm. - fresco en la Capilla Sixtina Aunque tal título puede ser altamente disputado, es posible que Michelangelo Buonarroti sea el artista más importante de todos los tiempos. Prototipo de genio renacentista, vigoroso e incluso iracundo, abordó proyectos colosales en pintura, escultura y arquitectura, creando obras maestras en todos esos campos. Los frescos que Miguel Ángel realizó en la Capilla Sixtina constituyen una de las obras cumbre del Arte universal. El conjunto de “El juicio final”, en el que trabajó durante cuatro años, es una composición colosal en la que Michelangelo crea un universo de titanes vigorosos, formados por volúmenes casi escultóricos, que nos ayudan a comprender porqué el artista firmaba sus obras con un “Miguel Ángel, escultor” BASAWAN “Batalla de los ascéticos en Akbar" (miniatura del Akbar Nama), c.1570 miniatura sobre papel – Londres, Victoria & Albert Museum Aunque no se conocen demasiados datos de su biografía, Basawan fue el principal renovador de las miniaturas mogolas durante el reinado de Akbar (1556-1605). Su obra cumbre son las miniaturas realizadas para la crónica del emperador –el "Akbar Nama" - de las que la “Batalla de los ascéticos” es el ejemplo más sobresaliente. "Leída" de arriba abajo, la composición es un crescendo dramático que comienza con un tranquilo paisaje de la arquitectura y los alrededores de Akbar, sigue con la representación de un personaje de importancia –quizás el emperador- acompañado de sus sirvientes y un par de elefantes, y empieza la representación de la batalla en la mitad inferior de la obra, alcanzando cotas terribles en las escenas en la que varios hombres son literalmente atravesados por las espadas enemigas. REMBRANDT VAN RIJN “La ronda de noche ( la ronda nocturna)” – 1641/42 óleo sobre lienzo, 359 – 438 cm. Ámsterdam, Rijksmuseum “La ronda de noche” es una de las pinturas más importantes de la historia del Arte, y sin duda una de las más complejas. El análisis en profundidad de esta sensacional escena es una tarea que ha ocupado a cientos de estudiosos durante siglos, que han identificado a la casi totalidad de los 28 personajes (30 antes de un desafortunado recorte, además de tres niños y un perro), entre ellos el capitán Purmerlandt y su alférez von Vlaerdingen; rescatado copias del original cuando éste aún no había sido mutilado, y –sobre todo- intentar explicar los casi indescriptibles efectos de movimiento que hacen de esta pintura la culminación del Arte de Rembrandt. ¿Cómo se explica este efecto dinámico? Según parece, Rembrandt ha representado el momento exacto en el que el capitán de la compañía ha dado orden de avanzar, pero esta orden parece no haber llegado aún a sus subordinados. Esta tensión movimiento – estatismo otorga al cuadro un magnetismo irresistible. Uno casi espera que, si miramos la pintura durante unos minutos, el capitán y su alférez comenzarán la marcha, sus subordinados les seguirán en discutible orden, y el tambor de la derecha comenzará un rápido redoble acompañado por los ladridos del pequeño perro situado a su lado. Y hay más, mucho más. Los geniales efectos de claroscuro, con una luz casi mística que destaca sobremanera la figura de la niña que porta una gallina y semioculta la arquitectura del fondo de la pintura. La manera en la que las lanzas y estandartes cierran la escena en el extremo superior (lo que sería más apreciable antes de que la pintura fuese cortada). El trazo rápido y espontáneo con el que se han representado los rostros… En definitiva, una obra imprescindible para la historia de la pintura occidental. DIEGO DE VELÁZQUEZ “La familia de Felipe IV (Las Meninas)” – 1656 óleo sobre lienzo, 321- 281 cm. Museo del Prado, Madrid. “La teología de la pintura”. Así se conoce a esta pintura ya desde el siglo XIX. Théopile Gautier fue más allá, y en frente de la misma se preguntó ¿pero dónde está el cuadro? Y es que Gautier estaba frente a la que es –junto a la obra precedente- una de las dos cumbres de la pintura barroca. La obra es un complejísimo juego de planos y líneas de composición. Velázquez se autorretrata pintando el retrato de los Reyes Felipe IV y Mariana de Austria, cuando la aparición de la Infanta Margarita obliga a interrumpir la sesión. De esta manera, los Reyes, que aparecen reflejados en un espejo en el fondo de la estancia, estarían situados en el mismo plano y situación que el espectador, estableciendo una magistral trama de dentro-fuera en el que el observador siente el impulso de avanzar hacia dentro del cuadro. Cuenta la leyenda –probablemente más falsa que cierta- que cuando Velázquez presentó la pintura al Rey, este le dijo: “le falta un último detalle”. Y tomando el pincel, pintó sobre el pecho de la figura de Velázquez la cruz de la orden de Santiago. Leyendas aparte, ésta es una de las mejores pinturas de la historia de la humanidad. JOHANNES VERMEER “Vista de Delft”, 1661 óleo sobre lienzo, 98- 117.5 cm. – La Haya, Mauritshuis De esta pintura se ha dicho que es la primera obra impresionista de la historia de la pintura. Marcel Proust llegó incluso a asegurar que era “el más bello cuadro del mundo”. Elogios al margen, la pintura es la cumbre del paisajismo holandés del siglo XVII y, por consiguiente, uno de los grandes paisajes de todos los tiempos. La composición aparentemente sencilla encierra algunos elementos excepcionalmente interesantes: en primer lugar, destaca la claridad, casi pureza, con la que Vermeer representa los edificios de la ciudad, para lo cual ha tenido sin duda que eliminar varias embarcaciones que sin duda vararían en el puerto de la ciudad. Esto permite resaltar la visión de la arquitectura de Delft, que a su vez constituye una barrera visual que impide la visión más allá de la profundidad decidida por el pintor. Esto divide la composición claramente en tres planos: el superior, que ocupa aproximadamente tres quintas partes de la pintura, representando el cielo; un intermedio que corresponde a la muralla visual arquitectónica, y un inferior, en el que, junto al agua –que actúa como espejo del plano anterior- aparece un pequeño grupo de figuras, pintadas –a diferencia de en otros muchos paisajes de la época- por el mismo pintor. La pintura, increíblemente precisa, hizo suponer a muchos críticos el uso de una cámara oscura, aunque dicho extremo no ha sido confirmado. __________________ "Ahora sólo hay una melancolía absoluta. No deseo nada. Dormir. Solamente dormir. Y soñar. Soñar que me quieren". - Alejandra Pizarnik