Cineclub de Denunciando

Gracias, Cazador, por la contribución. En efecto, "Salvando al soldado Ryan" es una de las grandes películas de guerra. Para complementar tu aporte, aprendamos un poco sobre la historia que sirvió de base a la película:

Cita:

La historia real que inspiró la película del soldado Ryan: cuatro hermanos combatientes y un giro inesperado Frederick “Fritz” Niland se llamaba el joven que en la ficción fue interpretado por Matt Damon. Cómo fue retirado realmente del frente de combate y qué pasó con sus hermanos durante la guerra Por Alberto Amato 22 Mar, 2024 10:33 p.m. CO Los hermanos Niland. Todos combatieron en la Segunda Guerra Mundial El soldado Ryan, aquel chico al que daba vida en el cine Matt Damon, y a quien el capitán John Miller, en la piel de Tom Hanks, busca con desesperación en Normandía porque sus tres hermanos habían muerto en combate y era imprescindible hacerlo volver a casa; aquel chico simple metido en una epopeya irrepetible, así son los personajes preferidos de Steven Spielberg, aquel soldado Ryan al que había que salvar a cualquier precio, existió de verdad. No se llamaba Ryan, sino Frederick “Fritz” Niland. No tenía tres hermanos muertos, pero durante toda la guerra se pensó que sí tenía tres hermanos muertos. No hubo ninguna epopeya para salvarlo, ningún capitán Miller, otro tipo común metido en una misión heroica, que le siguiera los pasos hasta Ramelle, una ciudad de Normandía que no existe, para que la guerra se terminara para él y para que volviera a casa. El enorme drama del soldado Ryan es el mismo del soldado Niland: sólo que esta vez, la realidad no estuvo por encima de la ficción. O casi. El 12 de junio de 1944, apenas seis días después de la invasión aliada a Francia, el sargento Frederick “Fritz” Niland, de la Compañía H, 501 de la legendaria 101 Airborne, había ganado ya su primera medalla. Era de los invasores poco conocidos: había formado parte de las tropas que pisaron Francia como paracaidistas en la noche del 5 y en las primeras horas del 6 de junio, horas antes del gran desembarco. No había sido un tipo afortunado. El avión en el que viajaba, un C-47, había sido alcanzado por fuego alemán y toda la tripulación debió saltar antes de tiempo: cayeron en Raffoville, al suroeste del sitio que tenían asignado, que era Carentan, en la baja Normandía. Toda la dotación se dispersó y pasaron algunos días hasta que, con la ayuda de Jean Kapitem, de la resistencia francesa, volvieron a unirse para llegar a tiempo y combatir en la gran batalla de Carentan, entre el 10 y el 14 de junio. Fritz logró abatir uno de los temibles cañones nazis Flak 88, que sembraban el terror en los tanques aliados porque los pulverizaban. Una idea de los temidos que eran aquellos cañones compactos y transportables la ofrece el historiador Stephen Ambrose que cita, en su fantástico libro sobre el Día D, el testimonio de un joven teniente de la 101 Airborne que afirmó: “Los cañones nazis del 88 convirtieron al cristianismo a más gente que San Pedro y San Pablo juntos”. La acción heroica de Fritz Niland le valió una estrella de bronce. Y a la condecoración le siguió una mala noticia: el jefe de la Compañía D del 505 Regimiento de Paracaidistas de la 82ª División Aerotransportada, le confió que su hermano Robert Niland, había caído el mismo día de la invasión, el 6 de junio. Como su hermano Fritz, Robert se había lanzado en paracaídas sobre territorio francés, detrás de las líneas alemanas, la noche del 5 al 6 de junio. Durante los terribles combates del 6, ya con las cabezas de playa en manos aliadas, en manos precarias, pero aliadas, y en su puesto de ametralladorista, Robert había cubierto la retirada de su pelotón, golpeado por el fuego de los morteros nazis en Neuville-au-Plain, un pueblo que integraba la comunidad de Saint Mere Eglise; se había quedado sin municiones y al salir para reaprovisionarse de su improvisada trinchera, un pozo superficial detrás de un seto de arbustos, había sido abatido por los alemanes. El jefe de la compañía D dijo a Fritz que su hermano Robert estaba enterrado en el cementerio de Saint-Mere Eglise, que luego pasaría a la fama porque fue el primero de los pueblos franceses en ser liberado, y porque de la punta del campanario de su iglesia quedó colgado de su paracaídas el soldado John M. Steele que debió cortar las correas para pisar tierra francesa. A ambos, soldado y paracaídas, los hizo famosos años después la película “El día más largo del Siglo”, sobre el legendario libro de Cornelius Ryan. Tom Hanks y Steven Spielberg durante la filmación de "Salvando al soldado Ryan" (foto Paramount) Fritz Niland quedó destrozado. La guerra ya había golpeado a su familia y a él mismo. Era el menor de cuatro hermanos, todos hijos, junto a dos mujeres, Clarissa y Margaret, de una pareja formada por Michael y Augusta Niland, que vivían en Tonawanda, en el estado de New York. Fritz era el más chico de los cuatro varones. Había nacido en 1920 y tenía veintitrés años en los días de la invasión a Normandía. El mayor, Edward Niland, había nacido en 1912, le seguían Preston, que había nacido en 1915, Robert, en 1919 y Fritz. Todos se habían integrado al ejército de Estados Unidos, Preston y Robert para cumplir con el servicio militar y Edward y Fritz como voluntarios luego del ataque japonés a Pearl Harbor. Los hermanos pidieron pelear juntos, pero fueron separados, o al menos intentaron separarlos, en distintas unidades porque la secretaría de guerra no quería que se repitiese otra tragedia flamante, la de los hermanos Sullivan, cinco muchachos de entre veintisiete y veinte años, nacidos en Waterloo, Iowa, que formaban parte de la tripulación del crucero ligero “Juneau”, torpedeado y hundido por los japoneses el 13 de noviembre de 1942, cerca de Guadalcanal. De toda la dotación del crucero sólo sobrevivieron diez marinos y ningún Sullivan. Matt Damon en su recordado papel del soldado Ryan Pero la tragedia parecía a punto de repetirse. En mayo de 1944, un mes antes del desembarco en Normandía, los Niland habían recibido una noticia terrible: Edward, de 31 años, había sido derribado por el fuego antiaéreo japonés en una misión sobre Birmania. Edward también era sargento del 12 Grupo de Bombarderos del 43º Escuadrón, y operador de radio de B-25 encargado de atacar las rutas japonesas de abastecimiento. Si bien había cierta confusión sobre la fecha exacta del derribo del avión, se presumía que había sido el 20 de mayo. Como ninguno de los tripulantes había sido hallado tras el impacto, se lo consideraba “Missing in action”, desaparecido en acción, lo que equivalía a la muerte. Cuando supo que su hermano Robert estaba enterrado cerca de Saint-Mere-Eglise, Fritz quiso ver su tumba. Lo acompañó un capellán, el teniente coronel Francis Sampson, sacerdote católico de la Arquidiócesis de Servicios Militares y uno de los tipos más queridos en la 101 Airborne. Fue Sampson quien hizo las averiguaciones del caso, quien buscó en los registros el nombre de Robert Niland para ubicar su tumba. Regresó donde lo esperaba Fritz con lo que creyó que era una buena noticia: “El muerto no es tu hermano –le dijo- Es otro Niland, este se llama Preston”. Fritz le contestó: “Es otro Niland, pero también es mi hermano”. Sampson supo entonces la enorme tragedia de la que era testigo: tres Niland muertos y un solo sobreviviente. Decidió entonces sacar de la guerra a Fritz, que se convirtió sin saberlo en el soldado Ryan de la película que se filmaría medio siglo más tarde. Sobre la muerte de Preston Niland también hay confusión. Había desembarcado en la playa Utah, una de las cinco playas del desembarco junto a Omaha, Juno, Gold y Sword, como alférez, segundo teniente, del 22 Regimiento de la 4ta. División de Infantería. El gigantesco caudal humano destinado a invadir el continente europeo había tirado abajo el prurito de impedir que los hermanos pelearan en un mismo campo de batalla: todos fueron a parar a Normandía. Algunos testimonios afirmaron que Preston murió cuando intentaba ayudar a un camarada herido, el 7 de junio. Pero en su tumba del cementerio de Colleville-sur-Mer figura como fecha de su muerte el 6 de junio, el mismo día del desembarco y de la muerte de su hermano Robert. Fritz Niland no quiso volver a Estados Unidos. Se emperró en seguir en los campos de batalla. Según uno de sus compañeros, John Bacon, dijo que sólo volvería a casa esposado y que su intención era vengar la muerte de sus hermanos. Pero el padre Sampson, que además de impulsar la misericordia cristiana era militar, le dijo: “Si querés, podes enojarte con el general Eisenhower y con el presidente Roosevelt. Pero volvés a casa”. Para Niland-Ryan no hubo ningún capitán Miller, ninguna patrulla que dejara jirones de vida para hallarlo, sino un simple trámite burocrático que lo despachó de nuevo a Estados Unidos. No le fue fácil porque la burocracia es la burocracia aquí en la Tierra como en el Cielo, en la paz o en la guerra: el traslado de Niland se demoró por un papeleo indescifrable y el muchacho estuvo como candidato para tomar parte de la operación “Market Garden”, la toma por parte de los aliados de los puentes vitales en los Países Bajos que, se suponía, iba a acelerar la llegada a Berlín y la liberación de ese reino. Fue un desastre militar y, de haber integrado las fuerzas aliadas, Niland pudo morir en aquel disparate diseñado por el inefable mariscal británico Bernard Montgomery. Entre paréntesis, sobre Montgomery, “Monty” para la historia, sólo se ha contado lo bueno. El tipo cometió un par de chambonadas gordas incluso en África, donde puso más que en vereda a las huestes del mariscal Erwin Rommel. Pero en Francia, por ejemplo debió tomar la ciudad de Caen al tercer día de la invasión a Normandía y tardó diecisiete, lo que le hizo murmurar con feroz ironía al comandante supremo de los aliados, Dwight Eisenhower: “No estamos en condiciones de soportar un nuevo éxito militar de Monty”. El gran fracaso militar de la operación Market Garden fue recreado para el cine en el film “Un puente demasiado lejos”, filmada en 1977, cuando en el cine ni se hablaba de los héroes de Marvel. Fritz Niland dejó la guerra, a su pesar y pese a sus protestas. Primero fue retirado de Francia y enviado de regreso a Inglaterra, a un campamento levantado en Lamborne, al oeste de Londres. Cuando los eternos papeles de su regreso estuvieron firmados y listos, fue repatriado. No fue sino luego de que el presidente Franklin D. Roosevelt diera orden de repatriarlo de inmediato: un día y medio después, Fritz volaba de regreso a New York donde fue destinado a la Policía Militar. La historia todavía tenía pensado dar un giro imprevisto. Con la guerra acabada en Europa, el nazismo destruido y Alemania en ruinas, todavía quedaba terminar con la guerra en el Pacífico: Japón recién se iba a rendir en agosto de 1945, después del estallido de dos bombas atómicas en Hiroshima y Nagasaki. En mayo de 1945, las tropas británicas que reconquistaban los territorios de Birmania ocupada por los japoneses, encontraron en medio de la selva a un soldado a punto de morir de hambre, vestido con harapos y perdido en la bruma de la inanición: pesaba treinta y ocho kilos. Era Edward Niland, que no había muerto en mayo de 1944. Había saltado en paracaídas de su B-25, había vagado por la selva hasta dar con un poblado de pescadores que lo entregaron de inmediato a los japoneses; había pasado un año en un campo de concentración del que logró fugarse y se lanzó a la aventura de sobrevivir en la jungla, desafío que casi le cuesta la vida. Cuando estuvo repuesto y con mejor peso, el otro hermano Niland también regresó a casa. Su padre dijo que siempre había soñado que su hijo, desaparecido en acción, había saltado en paracaídas y que, en esos sueños, le decía: “Papá, estoy bien y vuelvo a casa”. La madre dijo, y la familia sostuvo, que siempre había puesto en la mesa un plato de comida en espera de su regreso. Vivió el resto de su vida en su Tonawanda natal y murió el 28 de febrero de 1984, a los setenta y un años. Frederick “Fritz” Niland se casó con Marilyn Batt, tuvo dos hijas, Catherine y Mary, y murió en San Francisco un año antes que su hermano, el 1 de diciembre de 1983, a los sesenta y tres años. La tumba de Preston Niland en el cementerio americano de Colleville-sur-Mer El cementerio americano de Colleville-sur-Mer guarda los restos de los más de diez mil soldados que cayeron en las duras batallas que llevaron a la liberación de Francia primero y de Europa después. Es en ese cementerio donde Spielberg filmó la conmovedora escena final de “Salven al soldado Ryan”, que muestra al Ryan de ficción, ya en el otoño de su vida, frente a la tumba del capitán Miller con un interrogante destinado a su familia: “Decíme que todo esto valió la pena. Decíme que fui un buen hombre”. En ese cementerio están enterrados los dos hermanos de Fritz Niland, Robert y Preston, caídos ambos en las horas que siguieron al desembarco aliado en Normandía. Son las tumbas 11 y 12, fila 15, parcela F.

Fuente: Infobae

Detalles técnicos y críticas de "Salvando al soldado Ryan"

Antes que nada el link para verla subtitulada al español:

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Cita:

Título original: Saving Private Ryan Año: 1998 Duración: 170 min. País: Estados Unidos Dirección: Steven Spielberg Guion: Robert Rodat Música: John Williams Fotografía: Janusz Kaminski Protagonistas: Tom Hanks, Tom Sizemore, Edward Burns, Matt Damon, Jeremy Davies, Adam Goldberg, Barry Pepper, Giovanni Ribisi, Vin Diesel Sinopsis Segunda Guerra Mundial, 1944. Tras el desembarco de los Aliados en Normandía, a un grupo de soldados americanos se le encomienda una peligrosa misión: poner a salvo al soldado James Ryan. Los hombres de la patrulla del capitán John Miller deben arriesgar sus vidas para encontrar a este soldado, cuyos tres hermanos han muerto en la guerra. Lo único que se sabe del soldado Ryan es que se lanzó con su escuadrón de paracaidistas detrás de las líneas enemigas. Premios: 1998: 5 Oscars: Director, fotografía, montaje, sonido, efectos sonoros. 11 nom. 1998: 2 Globos de Oro: Mejor película: Drama, director. 5 nominaciones 1998: 2 premios BAFTA: Mejores efectos visuales y sonido. 10 nom. 1998: Nominada al Cesar: Mejor película extranjera 1998: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película. 2 nominaciones 1998: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor película, dirección y fotografía Críticas: Desde el momento en que vuelan las primeras balas, toda una generación de cinéfilos fuimos abatidos ante la pérdida de la inocencia del género bélico. La escena inicial en la que se abren las compuertas de la lancha y las primeras filas de soldados caen traspasadas por las ráfagas de metralletas alemanas supone un pequeño punto y aparte en el séptimo arte. Sin darnos cuenta estábamos asistiendo al despliegue de las tropas aliadas en las playas de Normandía... y al desembarco de la hiperrealidad en las escenas de acción en el cine. La principal novedad eran esos sonidos secos. Los disparos atravesando marines como mantequilla no sonaban como silbidos agudos, sino como graves y secos estallidos: los del plomo entrando en la carne, destrozando cuerpos y vidas. Y esa minúscula diferencia magnificaba el asombro hasta convencerte de no estabas en una película bélica más, sino ante un espectáculo inédito, nunca visto. Nada en el cine de guerra volverá a ser lo mismo. Y poco en las secuencias de acción tendría credibilidad si no se copiaba este formato hiperrealista, que salpicaba autenticidad. Nunca estuvimos tan cerca de contemplar qué es la guerra, cómo de sucia y aterradora, ni qué angustiosa puede ser la muerte en combate -brutal la escena de la pelea a cuchillo-. Poco más que decir sobre esta descomunal obra maestra, una batería de escenas deslumbrantes que marcan a fuego el legado de Spielberg... por enésima vez. De nuevo el maestro entrega otra obra colosal, innovadora y al tiempo enormemente entretenida. Ni siquiera su final sentimentaloide y patriótico consigue estropearla. Finalmente resaltar el hecho de que el Oscar a la mejor película a la modesta "Shakespeare In Love" aquel año, por no volver a premiar al ganador de "La lista de Schindler" (1993), sólo es equiparable a cuando, en 1979, "Kramer contra Kramer" se impuso a "Apocalypse Now"; ambos forman parte de los errores imperdonables de la Academia de Hollywood, en este caso levemente compensado con varios de los Oscars técnicos más incontestables de todos los tiempos: la fotografía, el montaje, el sonido, los citados efectos sonoros y por supuesto la dirección hicieron de la primera media hora de "Saving Private Ryan" quizá el comienzo más impactante de la historia del cine. Pablo Kurt: FilmAffinity "Una de las grandes producciones bélicas de la historia del cine. (...) profunda reflexión sobre la II Guerra Mundial siguiendo la mejor tradición del cine bélico de profundas convicciones antibelicistas. Espléndido reparto" Fernando Morales: Diario El País "Tres horas de gran cine, rodado con audacia y precisión, con secuencias inolvidables (la búsqueda con las chapas). Todo hasta un epílogo blandito" Javier Ocaña: Cinemanía "Una de las mejores películas de la década" Omar Khan: Diario El País "Ofrece un potencial de espectáculo inigualable (...) Una obra compleja a la que es imposible asistir sin sentirse removido por la ferocidad de sus imágenes. (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" Daniel Monzón: Fotogramas "La película que mejor y más conmovedoramente nos muestra lo que es ese infierno llamado guerra" Vicente Molina Foix: Cinemanía "'Saving Private Ryan' es una obra maestra. Consolida la reputación de Spielberg como uno de los cineastas fundamentales de esta era" Rex Reed: The New York Observer

Fuente:; Filmaffinnity

Les uns et les autres (Melodía de la vida)

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(Los unos y los otros en España y Venezuela y Melodía de la vida en México y Colombia)

Película francesa (1981), dirigida por Claude Lelouch.

Es un musical épico, generalmente considerada como la obra maestra de Lelouch, junto con Un hombre y una mujer. Ha ganado el Gran Premio a la Técnica en el Festival de Cannes de 1981.1​ Fue la sexta película más vista del año de su estreno, con 3 234 549 espectadores.




Argumento

La película sigue la historia de cuatro familias de diferentes nacionalidades (rusa, alemana, francesa y estadounidense) con la misma pasión por la música, desde los años 30 hasta la década de 1980. Sus historias se cruzan varias veces en diferentes lugares y tiempos; la historia se ve principalmente marcada por las vivencias de las familias durante la Segunda Guerra Mundial

En 1936, en Moscú, una bailarina llamada Tatiana se casa con Boris, quien le da un hijo justo antes de morir durante la guerra. En Berlín, el pianista Karl Kremer alcanza el éxito tras recibir elogios de parte de Hitler. En París, la joven violinista Anne se enamora de Simon Meyer, un pianista judío, con quien se casa y tienen un hijo, pero terminan en un tren camino a un campo de concentración nazi; en un alto, el niño es abandonado para que escape de la muerte. En Nueva York, Jack Glenn se ha hecho un nombre con su banda de jazz.

Veinte años más tarde, los hijos de estas familias reviven la historia de sus padres; por su parte, Anne continúa la búsqueda del niño que abandonara en camino al campo de concentración. El final de la película reúne a todas las familias en un espectáculo de danza clásica musicalizado por Bolero, de Maurice Ravel.

Aunque todos los personajes son ficticios, varios de ellos están basados en la historia de íconos musicales como Édith Piaf, Joséphine Baker, Herbert von Karajan, Glenn Miller y Rudolf Nuréyev.

Premios:

1981: Festival de Cannes: Premio técnico
1981: Premios César: 4 nominaciones incluyendo Película
1982: Japan Academy Awards: Nominada a Mejor film de habla extranjera.

Cita:

La alternativa | Los unos y los otros (Claude Lelouch) Pablo Vázquez Pérez Esta frase resulta perfecta para definir gran parte de los rasgos de conducta en la especie humana. También sirve como resumen, semilla e introducción de Los unos y los otros, un drama épico de trasfondo musical que transcurre desde los prolegómenos de la Segunda Guerra Mundial hasta el año 1980. La cita es de la escritora norteamericana Willa Cather, una sentencia que aparece sobreimpresionada y manuscrita en la pantalla, con el fondo de un bailarín ruso que danza a los compases del Bolero de Ravel. Del mismo modo, los títulos de crédito finales del film se suceden con esos caracteres espontáneos que muestran la caligrafía del responsable, tanto en la escritura del guión como de la dirección, Claude Lelouch, un reputado cineasta francés recuperado recientemente con Los años más bellos de una vida, la tercera parte de su obra más conocida, Un hombre y una mujer. La veteranía del director galo se cimienta en una filmografía de unas cincuenta películas de índole comercial, repartidas entre géneros como el drama, la comedia, el suspense, las aventuras y algunas aproximaciones al musical como la que trata esta gran historia en magnitud narrativa. Un metraje de tres horas para contar las vidas de cuatro familias formadas por músicos, bailarines y estrellas de variedades en Francia, Rusia, Alemania y Estados Unidos. Unas trayectorias vitales que transcurren paralelas desde poco antes de la invasión de Polonia por las tropas nazis, los contraataques rusos, la intervención estadounidense en la Guerra y la ocupación de París. Las cuatro acciones simultáneas y consecutivas saltan desde un matrimonio entre los Itovich, formado por la bailarina Tatiana y su mentor Boris. Una pareja que da paso a la formada por los músicos Simon y Anne Meyer, de origen judío y que serán deportados a campos de concentración. Al mismo tiempo se desarrolla la carrera de Karl Kremer, un director de orquesta que formará parte del ejército nazi durante la ocupación francesa. Y fuera de Europa vive el director de una famosa ‹big band›, Jack Glenn junto a su mujer, la cantante francesa Sara, ambos padres de la futura cantante Suzan. Los unos y los otros tiene a su favor la vocación de ser una obra más grande que la vida por la envergadura de un presupuesto que no escatima gastos en una producción que abarca cuatro décadas cruciales del siglo veinte. La más detallada es la que se desarrolla durante toda la contienda bélica, desde 1939 hasta 1945. Después los saltos temporales llegan hasta el final de la Guerra de Argelia, en los sesenta. Y un nuevo avance temporal que llega al presente, situado al inicio de los ochenta. Esa magnitud histórica, global, plagada de familias y personajes de diversas procedencias, clases y latitudes —aunque unidos por sus profesiones musicales o artíticas— sugiere más el envoltorio propio de una miniserie televisiva. No significa que todo el metraje presente fisuras en los encuentros fortuitos o el interés de unas familias sobre las otras. Eso sí, las mejor retratadas son las que atañen a los franceses —los Meyer— y a los norteamericanos —los Glenn— que, además, son interpretados por Nicole Garcia, Robert Hossein, Geraldine Chaplin y James Caan. Es decir, las estrellas en cuestión de un reparto internacional que también incluye actrices emergentes como Fanny Ardant o Sharon Stone —apenas unos segundos—. La epopeya está servida con un tratamiento espectacular en el diseño de producción, los cambios de escenarios, las actuaciones musicales, sin regatear en el vestuario o ambientación. Con la fuerza melódica de las canciones, piezas de música clásica elegidas y una partitura de los emocionales compositores Michel Legrand junto a Francis Lai completan el repertorio del film, claramente preparado para asaltar taquillas y premios de cine. Una vez se ha enumerado esta lista elogiosa del apartado técnico y artístico podemos preguntar ¿porqué se ha olvidado una película como Los unos y los otros casi cuarenta años después? Desde mi punto de vista quizás su mayor lastre sean las ambiciones de un director empeñado en crear una historia llena de clímax que redobla al final de cada secuencia. Su concepto de la puesta en escena lo basa en unos planos secuencia rodados con arnés, sobre ‹steadycam›, que resultan apabullantes, siempre certeros, pero excesivos en su cantidad y duración. Y a pesar de lo criticado es evidente que Los unos y los otros puede ser un producto entretenido para pasar la tarde, tal vez no apasionante, pero sí consumible. Acredita escenas mayores como esa revisión por un oficial nazi, de los niños circuncidados en una escuela francesa, para comprobar si son judíos. El viaje en tren hacia los campos de exterminio, un trágico momento en el que Simon Meyer abandona a su bebé en las vías con todo su dinero, para que sea encontrado y liberarlo de los alemanes, una tragedia tratada de la manera más sobria posible. Por supuesto el concierto del antiguo oficial germano al que solo acuden dos periodistas y que termina con una lluvia de fotos de Hitler junto al director de orquesta sobre el escenario. O algunos encadenados narrativos entre números musicales que dotan de agilidad al conjunto.

Fuente: Cine Maldito

40 años sin Richard Burton



Richard Burton (nacido Richard Walter Jenkins; Pontrhydyfen, Gales, 10 de noviembre de 1925-Céligny, Suiza, 5 de agosto de 1984), fallecido a los 58 años por hemorragia cerebral, fue un actor británico, nominado en siete ocasiones al premio Óscar. Otro damnificado de la Academia de Hollywood.

Admirado por su presencia física, atractiva e hipnótica, de voz grave y mirada penetrante, además de ser marido dos veces de Elizabeth Taylor.



Interpretó multitud de personajes en cine y teatro, Hamlet, Alejandro Magno, Marco Antonio, Enrique VIII, Leon Trotsky, pero yo quiero reseñar esta película poco comercial o conocida, de una categoría descomunal, donde encarna a Thomas Becket junto al gran Peter O´Toole, "Becket" de 1964.

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Film excepcional que profundiza principalmente sobre la soledad de los poderosos, erigidos en símbolos de grandes instituciones, que han de renunciar a todo lo demás, amistad incluida. Así, ambos personajes tienen clara cuál es su misión, su deber, y el concepto del honor del que están imbuidos les impide dar marcha atrás o transigir en exceso.

Sin olvidar esa lucha fratricida entre Iglesia y Estado durante el siglo XII, en plena Edad Media, dirigido por Peter Glenville, especialista en grandes montajes escénicos, a partir de una obra del francés Jean Anouilh.

Una excelente ambientación con una sobria puesta en escena presiden este mano a mano impresionante entre Richard Burton (Becket) y Peter O´Toole (Henry II).



El drama histórico de Becket había sido representado con éxito anteriormente en Broadway, siendo Laurence Olivier (Becket) y Anthony Quinn (Henry II).



Con guion adaptado por Edward Anhalt (el único Oscar que tiene la película, de 12 nominaciones), plantea abiertamente una reflexión en torno a los límites del poder, la tentación absolutista y la necesidad de clarificación y de delimitación de los poderes eclesial y político.

Sin preocuparse en demasía por ocultar su origen teatral, la cinta se inscribe de lleno en esa tradición británica del cine histórico que tantos títulos reseñables dará en los años siguientes (Un hombre para la eternidad, 1966; Cromwell, 1970), tradición caracterizada por ese respeto a la fuente escénica, por esos diálogos brillantes y rebosantes de ironía, con una perfecta dicción verbal, por una irreprochable profesionalidad y una realización pulcra, de una belleza formal, sobria y academicista.



Narrada en un extenso “flashback”, conoceremos la influencia de Becket, un leal y fiel sirviente sajón del rey Henry II de Inglaterra, amigos inseparables de correrías alcohólicas y mujeriegas, que provoca recelos en la nobleza dominante, los normandos y mantiene una larga disputa por un viejo conflicto entre la Iglesia y el Estado.

Becket, inflexible seguidor de las directrices de Roma, es nombrado por el rey arzobispo de Canterbury, en un intento estratégico de alterar la situación. Pero el nuevo arzobispo, que antes se sentía vacío, ha encontrado en Dios, la luz interior y se seguirá oponiendo con todas sus fuerzas a los deseos del monarca de poner coto al incremento del poder papal en Inglaterra.



Fuente: Hablemos de cine clásico (Facebbok)

Cita:

Yul Bryner Yul Brynner, nacido el 11 de julio de 1920 en Vladivostok, Rusia, fue un actor distinguido conocido por su imponente presencia, su característica calva y sus actuaciones carismáticas tanto en el escenario como en la pantalla. Su carrera se extendió por varias décadas y abarcó una amplia gama de papeles, lo que lo convirtió en una figura destacada en Hollywood y el cine internacional. El papel decisivo de Brynner llegó en 1951 cuando protagonizó el musical teatral "El rey y yo", que le valió elogios de la crítica y un premio de la Academia al mejor actor cuando repitió el papel en la adaptación cinematográfica de 1956. Su interpretación del orgulloso y complejo rey sigue siendo una de sus actuaciones más emblemáticas, que muestra su talento para aportar profundidad y emoción a sus personajes. Además de "El rey y yo", Brynner fue conocido por sus papeles en películas épicas como "Los diez mandamientos" (1956), donde interpretó al faraón Ramsés II junto a Charlton Heston, y "Los siete magníficos" (1960), donde interpretó al pistolero estoico Chris Adams. Sus papeles a menudo mostraban su imponente presencia y su capacidad para dominar la pantalla con su mirada intensa y su comportamiento autoritario. Enlace para ver "Los diez mandamientos" (Hablada en español, excepto la introducción: Solo los usarios con mas de 1000 puntos de reputacion o los usuarios con membresia Gold, pueden ver este link Que es la reputacion? - Membresias Pagas Además de su carrera cinematográfica, Brynner también fue un talentoso actor de teatro, que apareció en numerosas producciones en Broadway e internacionalmente. Era conocido por su dedicación a su oficio y su distintiva voz, que se sumaba a su carisma en pantalla.

Fuente: Fanáticos de series retro (Facebook)

Título original: Herz aus Glas (Corazón de cristal)



Año: 1976
Duración: 90 min.
País: Alemania del Oeste (RFA) Alemania del Oeste (RFA)
Dirección: Werner Herzog
Guion: Werner Herzog, Herbert Achternbusch
Elenco: Josef Bierbichler, Stefan Güttler, Clemens Scheitz, Sonja Skiba

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Siglo XVIII. En un pequeño pueblo de Baviera cuya población vive de la fama del cristal de rubí elaborado con una antigua técnica secreta, muere el maestro cristalero sin revelar el secreto a su aprendiz. El nuevo encargado de la factoría acude entonces a un pastor con fama de visionario para que le desvele el secreto.



Biografía del director: Werner Herzog



Nació en Werner Stipetić el 5 de septiembre de 1942 en Múnich, Alemania. Director, documentalista, guionista, productor y actor alemán. Creció en un entorno rural sin acceso a medios como la radio o el cine, lo que influyó en su visión única del mundo.

Herzog comenzó su carrera cinematográfica a los 19 años con su primer cortometraje. Desde entonces, ha dirigido más de 60 largometrajes y documentales, explorando temas como la naturaleza humana, la locura y la lucha contra la naturaleza.

Películas Destacadas

1. Aguirre, la cólera de Dios (1972): Una de sus obras más emblemáticas, protagonizada por Klaus Kinski, que narra la expedición de Lope de Aguirre en busca de El Dorado.
2. Nosferatu, vampiro de la noche (1979): Una reinterpretación del clásico de F.W. Murnau.
3. Fitzcarraldo (1982): La historia de un hombre obsesionado con construir una ópera en la selva amazónica.
4. Grizzly Man (2005): Un documental sobre la vida y muerte de Timothy Treadwell, un entusiasta de los osos grizzly.
5. Encounters at the End of the World (2007): Un documental que explora la vida en la Antártida.

Importancia y Contribución al Cine

Herzog es una figura clave en el "Nuevo Cine Alemán", junto con directores como Rainer Werner Fassbinder y Wim Wenders. Su trabajo se caracteriza por su enfoque en personajes extremos y situaciones límite, así como por su capacidad para mezclar realidad y ficción de manera innovadora.

Su influencia se extiende más allá del cine, habiendo dirigido también óperas y escrito libros. Herzog ha sido reconocido con numerosos premios, incluyendo el Premio del Sindicato de Directores y el European Film Academy Lifetime Achievement Award.


Éxitos:

- Aguirre, la cólera de Dios y Fitzcarraldo son considerados clásicos del cine mundial.
- Grizzly Man recibió aclamación crítica por su enfoque único y su narrativa poderosa.

Fracasos:

- Algunas de sus películas, como Heart of Glass (1976), no lograron el éxito comercial esperado, aunque han sido revalorizadas con el tiempo.
- Herzog ha enfrentado desafíos significativos durante sus rodajes, como en "Fitzcarraldo", donde tuvo que superar enormes dificultades logísticas y personales.

Conclusión

Werner Herzog es un cineasta visionario cuya obra ha dejado una marca indeleble en el cine mundial. Su capacidad para explorar los límites de la experiencia humana y su enfoque único en la narrativa lo han convertido en una figura icónica y respetada en la industria cinematográfica.

Bailar en la oscuridad

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Dinamarca: 2000
Dirección: Lars Von Trier
Elenco: Bjork, Catherine Deneuve, David Morse



Selma, inmigrante checa y madre soltera, trabaja en la fábrica de un pueblo de los Estados Unidos. La única vía de escape a tan rutinaria vida es su pasión por la música, especialmente por las canciones y los números de baile de los musicales clásicos de Hollywood. Selma esconde un triste secreto: está perdiendo la vista, pero lo peor es que su hijo también se quedará ciego, si ella no consigue, a tiempo, el dinero suficiente para que se opere. Tercera película de la trilogía “Corazón dorado” de Lars Von Trier.

Premios:

2000: Premios Oscar: Nominada a mejor canción original
2000: Globos de Oro: Nominada a mejor canción y actriz - drama (Björk)
2000: Festival de Cannes: Palma de Oro, Mejor Actriz (Björk)
2000: National Board of Review: Mejor actriz dramática (Björk)
2000: Premios del Cine Europeo: Mejor película europea y actriz (Björk)
2000: Círculo de Críticos de Nueva York: Nominada a mejor actriz (Björk)

Críticas:

"Extraordinaria película (...) aterradora y genial (...) Desde 'Leolo' jamás me había impresionado tanto una obra de arte"

Carlos Boyero: Diario El Mundo

"Lars Von Trier inventa en un brote de genio un asombroso y arrollador drama musical"

Ángel Fernández Santos: Diario El País

"Estimula a nivel cinematográfico (...) Como canta Selma: 'lo he visto todo y no hay nada más que ver'. Tonterías. No has visto nada como 'Dancer in the Dark'."

Peter Travers: Rolling Stone

"Dos horas y media de egocentrismo autoral que artísticamente fracasa a todos los niveles"

Derek Elley: Variety

"No se parece a nada de lo que verás este año (...) Rompe todos los moldes habituales del cine. Regresa a lo fundamental. Adopta una postura atrevida y temeraria (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 4)"

Roger Ebert: rogerebert.com

"Es a la vez sorprendentemente mala y absolutamente poderosa. Una misma escena puede despertar asombro y repulsión al mismo tiempo"

A. O. Scott: The New York Times

Lars Von Trier

Lars von Trier, nacido como Lars Trier el 30 de abril de 1956 en Copenhague, Dinamarca, es un director de cine, guionista y productor conocido por su estilo provocador y su enfoque innovador en el cine1. Desde joven mostró interés por el cine, recibiendo su primera cámara a los 11 años. Estudió en la Escuela Nacional de Cine de Dinamarca y comenzó a ganar reconocimiento con sus películas de estudiante1.

Análisis de su cinematografía

Lars von Trier es conocido por su estilo distintivo y su capacidad para abordar temas oscuros y complejos. Su trabajo a menudo explora la naturaleza humana, el sufrimiento y la moralidad. Algunas de sus películas más destacadas incluyen:

“Breaking the Waves” (1996): Una historia de amor y sacrificio que le valió el Gran Premio del Jurado en Cannes1.

“Dancer in the Dark” (2000): Ganadora de la Palma de Oro en Cannes, esta película combina elementos de drama y musical1.

“Dogville” (2003): Una crítica social ambientada en un escenario minimalista.

Von Trier también es cofundador del movimiento Dogma 95, que promueve un cine más realista y menos dependiente de efectos especiales.

Contribución al cine

La contribución de Lars von Trier al cine es significativa. Ha desafiado las convenciones cinematográficas y ha influido en muchos cineastas con su enfoque audaz y su compromiso con la autenticidad. Su trabajo en Dogma 95 ha dejado una marca duradera en la industria, promoviendo un cine más puro y centrado en la narrativa.


Análisis de “Bailar en la oscuridad”

“Bailar en la oscuridad” (2000) es una de las películas más aclamadas de Lars von Trier. La película sigue a Selma, una inmigrante checa que trabaja en una fábrica en Estados Unidos y está perdiendo la vista. Su única esperanza es ahorrar suficiente dinero para una operación que evite que su hijo sufra el mismo destino.

La película es conocida por su estilo visual único y su enfoque emocionalmente intenso. Björk, quien interpreta a Selma, ofrece una actuación poderosa que le valió el premio a la Mejor Actriz en el Festival de Cannes3. La combinación de elementos de musical y drama crea una experiencia cinematográfica única que desafía las expectativas del público.

Von Trier utiliza la música y los números de baile para contrastar la dura realidad de Selma, creando una narrativa que es tanto desgarradora como visualmente innovadora3. La película aborda temas de sacrificio, injusticia y la lucha por la esperanza en medio de la adversidad.

La muerte de una gran actriz es pretexto para recordar no solo sus películas, sino momentos especiales que nos regala el cine. En el caso de Gena Rowlands, dos de sus películas (Gloria y Mujer balo la influencia) enriquecieron el relato cinematográfico bajo la particular mirada de John Cassavetes. Dentro del texto están los enlaces para verlas.

Cita:

Muere Gena Rowlands, diva del cine independiente y musa de John Cassavetes La actriz, que padecía alzhéimer, ha fallecido este miércoles a los 94 años en su casa de Indian Wells Gena Rowlands posa para un retrato en West Hollywood de Los Ángeles (California), el 4 de diciembre de 2014. Chris Pizzello (Invision/AP/Lapresse) Luis Pablo Beauregard Los Ángeles - 14 AGO 2024 - 21:59 COT Gena Rowlands ha muerto este miércoles en su casa de Indian Wells, California, a los 94 años. La actriz de Una mujer bajo la influencia, que padecía alzhéimer, fue una de las grandes divas del cine independiente estadounidense entre 1960 y 1980 y protagonizó una decena de cintas dirigidas por su marido, el también actor John Cassavetes, fallecido en 1989. Para las generaciones más jóvenes, Rowlands es un rostro familiar gracias a su papel en The Notebook (El diario de Noa), el taquillazo de 2004 protagonizado por Ryan Gosling y Rachel McAdams y que dirigió su hijo, Nick Cassavetes. La muerte ha sido confirmada por su familia, que estaba presente este miércoles en la casa de la prolífica actriz y de su segundo esposo, el empresario Robert Forrest. Nick Cassavetes ya había revelado en junio, durante una entrevista con Entertainment Weekly, que su madre padecía alzhéimer, enfermedad degenerativa que precisamente sufría su personaje en El diario de Noa. Gena Rowlands, junto a Peter Falk, en 'Una mujer bajo la influencia'. FilmPublicityArchive/United Archive/Getty “Logré que mi madre interpretara a una Allie mayor (el papel de Rachel McAdams), y pasamos mucho tiempo hablando del alzhéimer y de cómo su papel podría sentirse auténtico. Y ahora, en los últimos cinco años, ha sufrido esta enfermedad ella misma”, contaba Nick Cassavetes, dos décadas después del estreno del filme romántico. “Es increíble lo que vivimos, cómo lo interpretó, y ahora pesa sobre ella”, dijo a la revista el director, quien también dirigió a su madre en su ópera prima, Unhook the stars (Volver a vivir, 1996) y en otras dos películas, siendo la última Yellow, en 2012. James Garner y Gena Rowlands en una escena de 'The Notebook (El diario de Noa)' de 2004. Melissa Moseley (MPTV.net/CordonPress) Cassavetes y Rowlands comenzaron como pareja en 1954, se casaron tras salir durante cuatro meses y no se separaron hasta que el director murió de cirrosis en 1989. El matrimonio fue duro. Tenían una relación tempestuosa, llena de peleas y malentendidos, según contó el crítico estadounidense Ray Carney en el famoso libro Cassavetes por Cassavetes (Anagrama, 2004). “Teníamos fricciones en cuanto a estilo de vida y gustos. No estábamos de acuerdo absolutamente en nada”, admitió el director. La pareja dejó una considerable filmografía conjunta, una decena de títulos de una escuela de nuevo realismo que son material obligatorio para cualquier amante del cine. En la lista están, entre otras, Faces (Rostros), Opening Night (Noche de estreno), Love Streams (Corrientes de amor), Shadows (Sombras), Minnie and Moskowitz (Así habla el amor) y el clásico de 1974 A woman under the influence (Una mujer bajo la influencia), junto a Peter Falk, el actor que hizo famoso al detective Colombo y también amigo recurrente del cine de Cassavetes. Mención aparte merece Gloria, un thriller de 1980 que su marido escribió para Rowlands, pero que pensaba que dirigiría otra persona. El proyecto, de una madre perseguida por la mafia de Nueva York, finalmente cayó en sus manos y se convirtió en otra de sus películas más celebradas, con una gran acogida entre la crítica. Ganó el León de Oro de Venecia de aquel año. Enlace para verla: Solo los usarios con mas de 1000 puntos de reputacion o los usuarios con membresia Gold, pueden ver este link Que es la reputacion? - Membresias Pagas Rowlands fue nominada por Gloria a mejor actriz en los Oscar de 1981, pero lo perdió frente a Sissy Spacek por su papel en Quiero ser libre, la cinta biográfica de la cantante de country Loretta Lynn. Fue la segunda y última nominación para Rowlands, que aspiró antes a la estatuilla por Una mujer bajo la influencia, quizá la colaboración más famosa del dúo Rowlands-Cassavetes. En la película, un obrero de la construcción (Falk), se ve obligado a cancelar una cita con su mujer, Mabel (Rowlands), lo que pone en marcha las tensiones internas dentro del matrimonio y sus tres hijos. Enlace para verla: Solo los usarios con mas de 1000 puntos de reputacion o los usuarios con membresia Gold, pueden ver este link Que es la reputacion? - Membresias Pagas La actriz Gena Rowlands y John Cassavetes, en 1984. M. McKeown (Getty Images) “Me gustó mucho ese guion. Era un personaje muy difícil, pero me gustan los papeles difíciles”, aseguró Rowlands a Los Angeles Times en 2015, refiriéndose a Una mujer bajo la influencia, por la que Cassavetes también consiguió estar nominado a mejor director (también perdió). Su Mabel era una mujer mentalmente enferma e incontrolable, un papel que la llevó a ser venerada por muchos de sus compañeros de oficio. La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas entregó a Rowlands el Oscar de honor en 2015. Era un reconocimiento a su trayectoria, llena de personajes cotidianos con intensos mundos interiores, de manerismos y, en ocasiones, de formas exageradas. Una prolífica carrera que incluyó también trabajos con Paul Schrader (Rock Star, 1987), Woody Allen (Otra mujer, 1988), Jim Jarmusch (Noche en la tierra, 1991), Mira Nair (Ciegas de amor, 2001) y Frédéric Auburtin y Gérard Depardieu (Paris, je t’aime, 2006), en un capítulo donde se reencontró con Ben Gazzara, otro de los grandes amigos y fetiches del cine de su primer marido. La actriz recogió el premio en noviembre de aquel 2015 en una ceremonia en la que también fueron distinguidos el director Spike Lee y la actriz Debbie Reynolds. Rowlands, nacida en Minnesota, llegó a Nueva York en 1950 para estudiar en la Academia Americana de Artes Dramáticas, ubicada en Carnegie Hall. Pero la experiencia fue breve. La actriz abandonó la institución un año más tarde porque no podía pagarla. Su estancia fue suficiente para cambiar su vida, ya que fue ahí donde vio por primera vez a Cassavetes, aunque el romance llegaría cuatro años más tarde. Su debut en la pantalla grande fue en 1958 en la película del puertorriqueño José Ferrer Cómo superar el alto coste de la vida, y después el wéstern Los valientes andan solos (David Miller, 1962), junto a Kirk Douglas. A ellas siguieron obras de teatro, películas y series de televisión. Rowlands ganó tres premios Emmy y varias distinciones de la crítica nacional e internacional. “Siempre tuve mucha suerte, pero no me la merecía necesariamente”, aseguró humildemente la actriz en una entrevista de 2016 sobre su trayectoria.

Fuente: El País de España