Ayudante De Santa
06-11-2015, 22:19:08
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Flébil
01-12-2009, 17:09:40
Las 50 Obras Maestras de la Pintura
Con total seguridad, las 50 obras expuestas aquí no son las 50 mejores pinturas de todos los tiempos, y es probable que el lector encuentre, junto a obras imprescindibles, otras que tal vez sorprendan y puedan abrir un debate. Sí, está La Gioconda . Sí , está La Ronda de noche . Sí, están Las señoritas de Avignon . Pero también están las maravillosas miniaturas de Basawan hablándonos de la india medieval, los sangrientos sacrificios descritos en el Códex Borgia o la luminosa California contemporánea de David Hockney. Son, simplemente, 50 obras maestras que conforman un viaje único por la historia de la pintura universal. Un viaje de 15,000 años que tiene usted a tan solo un clic de distancia.
AUTOR/ES DESCONOCIDO/S
Pinturas murales de las cuevas de Altamira (detalle y reconstrucción del conjunto), c.13,000- 11,000 a.c. Pintura mural, Altamira, España
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/_13000_11000_paleolithic_altamira_bison.jpg
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/paleolithic_altamira.jpg
A las pinturas murales de la cueva de Altamira se les ha llamado, de una manera un tanto entusiasta, “la Capilla Sixtina del Paleolítico”. Las pinturas, de rasgos extraordinariamente realistas, están realizadas mediante un contorno de manganeso negro y un relleno ocre y rojo, de tal manera que las figuras poseen ya una notable cualidad volumétrica.
Sean estas pinturas un primitivo “manual de caza” para enseñar a otros miembros de la tribu donde y como cazar las presas, sean una especie de conjuro mágico para atraer a los animales, está claro que el Arte paleolítico está indisolublemente ligado a la caza. Y en cuanto ésta deja de ser el recurso principal, el hombre abandona las cuevas, y estos primitivos dibujos permanecen ignorados por la humanidad hasta que, muchos miles de años después, una pequeña niña llamada María de Sautuola descubre maravillada la primera gran obra maestra de la historia del Arte. Arte de supervivencia, Arte sin intención de serlo, sin duda, pero Arte, al fin y al cabo.
AUTOR/ES DESCONOCIDO/S
“Friso de las ocas en Meidum” – c.2700- 2600 a .c. Pintura mural, 27- 172 cm. - Museo de El Cairo
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/_2600_meidum_ocas.jpg
Los murales de la mastaba de Atet, esposa de Nefermaat, en Meidum (comienzos de la IV dinastía) son un caso singular dentro del Arte egipcio, ya que se trata de una decoración exclusivamente pictórica. Del conjunto, que lamentablemente ha quedado muy dañado, destaca el célebre “friso de las ocas”, de prodigiosa naturalidad, que describe tres parejas de chenalopex (ocas del Nilo) en diferentes posturas. La exactitud y precisión de cada uno de los ejemplares de aves, contrastando con la ligereza con la que se dibujan los motivos vegetales, demuestran la familiaridad e incluso amor que los antiguos egipcios sentían por el mundo animal. Destaca la variedad de pigmentos utilizados, que incluyen la malaquita, azurita y óxido de hierro.
AUTOR/ES DESCONOCIDO/S
Fresco "de los delfines”, c.1800- 1400 a .c. Pintura mural, Palacio de Knossos, Creta (Grecia)
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/_1800_1400_knossos_dolphins.jpg
La restauración de los frescos de Knossos llevada a cabo por E. Gillieron y Piet de Jong a comienzos del pasado siglo recibió muchas críticas por el excesivo colorido empleado en los mismos, pero lo cierto es que no debe estar muy lejos del aspecto de las pinturas en pleno esplendor minoico.
Este fresco es un fabuloso ejemplo de la temprana pintura minoica, interesada en la representación fidedigna de la naturaleza sin presencia humana. Situado en la sala del baño –por lo que los motivos acuáticos cobran más sentido- el llamado “fresco de los delfines” es, al igual que el “fresco de las perdices”, una auténtica obra maestra por la valentía de representar un motivo tan poco corriente como los delfines, por su innegable valor decorativo y por su sobresaliente efecto de movimiento.
PHILOXENOS DE ERETRIA
(copia según) “La batalla de Issos”, c.170 a.c. Mosaico sobre pared – Museo Arqueológico, Nápoles.
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/issus_battle.jpg
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/_170_issus_battle_2.jpg
“La batalla de Issos” es la indiscutible obra maestra de la pintura de la Grecia clásica, conocida mediante una copia hallada en la Casa del Fauno en Pompeya. Con un dramatismo desgarrador y una sensación de profundidad notable, la escena narra el momento en el que Alejandro Magno –representado de perfil y con un rostro que emana fuerza y decisión- carga contra el Rey Darío, figura central de la composición. La fuerza del conjunto y la sensación de movimiento propiciada por los escorzos de los caballos y las lanzas inclinadas recuerdan inevitablemente a “La batalla de San Romano” pintada por Paolo Uccello muchos siglos después, aunque en este caso la sensación de profundidad no está generada por la perspectiva –que lógicamente es inexistente- sino por la complejidad en la disposición de las figuras en múltiples planos superpuestos.
AUTOR DESCONOCIDO
“Retrato de poetisa (la poetisa de Pompeya)”, siglo I d.c. Pintura mural – Museo Arqueológico, Nápoles.
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/0050_pompeya_safu.jpg
Retrato de una sensibilidad extraordinaria, donde muchos han querido ver el rostro de Safu, poetisa de trágica vida que acabó suicidándose por amor. Sea quien sea la frágil mujer de rostro delicado, lo cierto es que esta pintura constituye la obra maestra de la sensacional pintura de Pompeya.
La pose de la mujer, con la mirada perdida mientras acerca el cálamo a sus labios, es de una delicadeza extrema, que muestra como la sensibilidad griega llegó a calar en la civilización romana. El rostro, bellísimo a pesar de los lógicos fallos de dibujo, parece hacer ver una expresión de reflexión, en busca de inspiración. El colorido, pese a los daños sufridos por la obra a lo largo de los siglos, es sereno y apropiado, alcanzando cotas extraordinarias en los bucles de la cabeza y los dedos que sostienen las tablillas. Tendríamos que esperar casi un milenio y medio para encontrar, en toda la pintura occidental, un retrato de una penetración psicológica comparable a este.
LI CHENG
“Templo solitario”, 960-1127 tinta sobre papel – Nelson-Atkins Museum, Kansas City
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/960_1127_li_cheng_budist.jpg
La dinastía Song (960-1279) marcó un renacer en el arte chino tras el periodo de las Cinco Dinastías y los Diez Estados (907-960) caracterizado por la inestabilidad causada por las invasiones bárbaras. Los nuevos emperadores se interesan por la expresión artística y comienza un nuevo mecenazgo. Por otro lado, la popularización del rollo vertical permite nuevos avances en la representación del paisaje y los elementos naturales, y la investigación de los efectos espaciales y volumétricos. Esta obra de Li Cheng es una buena muestra de todo esto. El templo budista se ha representado desde una distancia considerable que permita apreciar la grandiosidad del paisaje montañoso circundante. La evidente verticalidad se ve enfatizada por las tres poderosas cataratas que rodean el templo y alimentan el caudaloso río que dos hombres se disponen a cruzar por el pequeño puente, representado con un naturalismo excepcional. La composición es una verdadera obra maestra, y su pequeño formato no le resta fuerza ni efectividad.
Con total seguridad, las 50 obras expuestas aquí no son las 50 mejores pinturas de todos los tiempos, y es probable que el lector encuentre, junto a obras imprescindibles, otras que tal vez sorprendan y puedan abrir un debate. Sí, está La Gioconda . Sí , está La Ronda de noche . Sí, están Las señoritas de Avignon . Pero también están las maravillosas miniaturas de Basawan hablándonos de la india medieval, los sangrientos sacrificios descritos en el Códex Borgia o la luminosa California contemporánea de David Hockney. Son, simplemente, 50 obras maestras que conforman un viaje único por la historia de la pintura universal. Un viaje de 15,000 años que tiene usted a tan solo un clic de distancia.
AUTOR/ES DESCONOCIDO/S
Pinturas murales de las cuevas de Altamira (detalle y reconstrucción del conjunto), c.13,000- 11,000 a.c. Pintura mural, Altamira, España
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/_13000_11000_paleolithic_altamira_bison.jpg
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/paleolithic_altamira.jpg
A las pinturas murales de la cueva de Altamira se les ha llamado, de una manera un tanto entusiasta, “la Capilla Sixtina del Paleolítico”. Las pinturas, de rasgos extraordinariamente realistas, están realizadas mediante un contorno de manganeso negro y un relleno ocre y rojo, de tal manera que las figuras poseen ya una notable cualidad volumétrica.
Sean estas pinturas un primitivo “manual de caza” para enseñar a otros miembros de la tribu donde y como cazar las presas, sean una especie de conjuro mágico para atraer a los animales, está claro que el Arte paleolítico está indisolublemente ligado a la caza. Y en cuanto ésta deja de ser el recurso principal, el hombre abandona las cuevas, y estos primitivos dibujos permanecen ignorados por la humanidad hasta que, muchos miles de años después, una pequeña niña llamada María de Sautuola descubre maravillada la primera gran obra maestra de la historia del Arte. Arte de supervivencia, Arte sin intención de serlo, sin duda, pero Arte, al fin y al cabo.
AUTOR/ES DESCONOCIDO/S
“Friso de las ocas en Meidum” – c.2700- 2600 a .c. Pintura mural, 27- 172 cm. - Museo de El Cairo
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/_2600_meidum_ocas.jpg
Los murales de la mastaba de Atet, esposa de Nefermaat, en Meidum (comienzos de la IV dinastía) son un caso singular dentro del Arte egipcio, ya que se trata de una decoración exclusivamente pictórica. Del conjunto, que lamentablemente ha quedado muy dañado, destaca el célebre “friso de las ocas”, de prodigiosa naturalidad, que describe tres parejas de chenalopex (ocas del Nilo) en diferentes posturas. La exactitud y precisión de cada uno de los ejemplares de aves, contrastando con la ligereza con la que se dibujan los motivos vegetales, demuestran la familiaridad e incluso amor que los antiguos egipcios sentían por el mundo animal. Destaca la variedad de pigmentos utilizados, que incluyen la malaquita, azurita y óxido de hierro.
AUTOR/ES DESCONOCIDO/S
Fresco "de los delfines”, c.1800- 1400 a .c. Pintura mural, Palacio de Knossos, Creta (Grecia)
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/_1800_1400_knossos_dolphins.jpg
La restauración de los frescos de Knossos llevada a cabo por E. Gillieron y Piet de Jong a comienzos del pasado siglo recibió muchas críticas por el excesivo colorido empleado en los mismos, pero lo cierto es que no debe estar muy lejos del aspecto de las pinturas en pleno esplendor minoico.
Este fresco es un fabuloso ejemplo de la temprana pintura minoica, interesada en la representación fidedigna de la naturaleza sin presencia humana. Situado en la sala del baño –por lo que los motivos acuáticos cobran más sentido- el llamado “fresco de los delfines” es, al igual que el “fresco de las perdices”, una auténtica obra maestra por la valentía de representar un motivo tan poco corriente como los delfines, por su innegable valor decorativo y por su sobresaliente efecto de movimiento.
PHILOXENOS DE ERETRIA
(copia según) “La batalla de Issos”, c.170 a.c. Mosaico sobre pared – Museo Arqueológico, Nápoles.
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/issus_battle.jpg
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/_170_issus_battle_2.jpg
“La batalla de Issos” es la indiscutible obra maestra de la pintura de la Grecia clásica, conocida mediante una copia hallada en la Casa del Fauno en Pompeya. Con un dramatismo desgarrador y una sensación de profundidad notable, la escena narra el momento en el que Alejandro Magno –representado de perfil y con un rostro que emana fuerza y decisión- carga contra el Rey Darío, figura central de la composición. La fuerza del conjunto y la sensación de movimiento propiciada por los escorzos de los caballos y las lanzas inclinadas recuerdan inevitablemente a “La batalla de San Romano” pintada por Paolo Uccello muchos siglos después, aunque en este caso la sensación de profundidad no está generada por la perspectiva –que lógicamente es inexistente- sino por la complejidad en la disposición de las figuras en múltiples planos superpuestos.
AUTOR DESCONOCIDO
“Retrato de poetisa (la poetisa de Pompeya)”, siglo I d.c. Pintura mural – Museo Arqueológico, Nápoles.
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/0050_pompeya_safu.jpg
Retrato de una sensibilidad extraordinaria, donde muchos han querido ver el rostro de Safu, poetisa de trágica vida que acabó suicidándose por amor. Sea quien sea la frágil mujer de rostro delicado, lo cierto es que esta pintura constituye la obra maestra de la sensacional pintura de Pompeya.
La pose de la mujer, con la mirada perdida mientras acerca el cálamo a sus labios, es de una delicadeza extrema, que muestra como la sensibilidad griega llegó a calar en la civilización romana. El rostro, bellísimo a pesar de los lógicos fallos de dibujo, parece hacer ver una expresión de reflexión, en busca de inspiración. El colorido, pese a los daños sufridos por la obra a lo largo de los siglos, es sereno y apropiado, alcanzando cotas extraordinarias en los bucles de la cabeza y los dedos que sostienen las tablillas. Tendríamos que esperar casi un milenio y medio para encontrar, en toda la pintura occidental, un retrato de una penetración psicológica comparable a este.
LI CHENG
“Templo solitario”, 960-1127 tinta sobre papel – Nelson-Atkins Museum, Kansas City
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/960_1127_li_cheng_budist.jpg
La dinastía Song (960-1279) marcó un renacer en el arte chino tras el periodo de las Cinco Dinastías y los Diez Estados (907-960) caracterizado por la inestabilidad causada por las invasiones bárbaras. Los nuevos emperadores se interesan por la expresión artística y comienza un nuevo mecenazgo. Por otro lado, la popularización del rollo vertical permite nuevos avances en la representación del paisaje y los elementos naturales, y la investigación de los efectos espaciales y volumétricos. Esta obra de Li Cheng es una buena muestra de todo esto. El templo budista se ha representado desde una distancia considerable que permita apreciar la grandiosidad del paisaje montañoso circundante. La evidente verticalidad se ve enfatizada por las tres poderosas cataratas que rodean el templo y alimentan el caudaloso río que dos hombres se disponen a cruzar por el pequeño puente, representado con un naturalismo excepcional. La composición es una verdadera obra maestra, y su pequeño formato no le resta fuerza ni efectividad.
Ayudante De Santa
06-11-2015, 22:19:08
Flébil
01-12-2009, 17:14:14
MA YUAN
“Paseo por el sendero de una montaña en primavera”, 1127 – 1279 tinta sobre papel. Taipei, Museo del Palacio Nacional.
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1180_ma_yuan_walking_on_path_in_spring.jpg
“Fuera, se ha levantado la niebla, las oscuras montañas se han difuminado, el murmullo del raudo río resuena en ti y eso basta”
Gao Xingjian, La montaña del alma
Esta obra de Ma Yuan es una de las indiscutibles obras maestras del Arte chino sobre papel de todos los tiempos. Como en otras muchas de sus composiciones “en esquina”, Ma Yuan utiliza el vacío como elemento compositivo, resultando en un efecto sensacionalmente sugestivo. En actitud contemplativa, el monje contempla el paisaje que a nosotros se nos niega. Las ramas del sauce, coronadas por la presencia de un pequeño pájaro de gran realismo, abrazan la escena en un efecto de gran belleza e intensidad.
AUTOR/ES DESCONOCIDO
Ilustración del folio 51 del Códex Borgia I, c.1300-1400 pigmentos sobre piel de venado – Biblioteca Vaticana, Roma
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1300_1500_maya_codex_borgia.JPG
Junto con el códice Nutall (hoy en día en el British Museum) el códice Borgia está considerado como el más representativo de todos los códices mixtecas conservados hoy en día. Su importancia va más allá de lo meramente artística, ya que las numerosas ilustraciones que contienen son de vital importancia para conocer muchos aspectos de la vida y creencias de la cultura mixteca.
Maravillas de plasticidad y expresividad, los códices mixtecas muestran con crudeza y vigorosidad escenas de sacrificios, dioses e incluso juego de la pelota. El brillante colorido, la expresividad de las figuras y la disposición de las escenas acercan misteriosamente estas obras a algunos cómics de muchos siglos después. En cualquier caso, estos códices son de vital importancia porque nos hablan de los miedos y creencias de una civilización que jamás podremos conocer.
GIOTTO DI BONDONE
“La masacre de los inocentes”, 1302-1305 Fresco en paredl, 200- 185 cm. – Capilla Scrovegni, Padua.
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1302_05_giotto_innocents.jpg
Cuenta Vasari que cierto día, el pintor florentino Cimabue iba caminando por el campo cuando observó sorprendido a un joven pastor, apenas un niño, que pintaba con tiza blanca e inusual soltura unas ovejas sobre una roca. Al preguntar el maestro por su nombre, el chico respondió: me llamo Giotto, y mi padre se llama Bondone.
Sea cierta o no esta anécdota, lo cierto es que sirve para comenzar a resumir las principales características pictóricas que hicieron de Giotto di Bondone (1266-1337) el renovador de la pintura occidental, y una de las principales figuras de la historia del Arte. El arte como expresión de los sentimientos renace con obras como ésta frente a la hierática tradición tardobizantina. Basta con observar los desgarradores rostros de las madres frente a la inevitable muerte de sus hijos para comprender de lo que estamos hablando. Giotto es a la pintura trecentista italiana un fenómeno al cual todos intentan seguir pero nadie consigue alcanzar, ni mucho menos superar, hasta la aparición de Fra Angelico y los primitivos flamencos de comienzos del siglo XV
JAN VAN EYCK
“El matrimonio Arnolfini”, 1434
óleo sobre lienzo, 81.8- 59.7 cm. – Londres, National Gallery
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1431_van_eyck_arnolfini.jpg
Que en pleno quattrocento un mercader italiano, país de artistas excepcionales, llamado Giovanni Arnolfini, encargase a un pintor flamenco –Jan van Eyck- un retrato matrimonial no era algo tan excepcional como pudiera parecer, ya que los contactos comerciales entre ambos países propiciaron estos contactos. En cualquier caso, lo que sí fue excepcional fue el resultado del encargo.
Aún siendo uno de los retratos más famosos e importantes de la historia de la pintura, el retrato de los esposos Arnolfini es una obra llena de misterios y elementos alegóricos. Para empezar, no está claro de que se trate de un retrato de Giovanni Arnolfini o de su hermano Michele y su esposa Elisabeth. El estado de aparente embarazo de la dama también ha provocado debate, ya que muchos expertos creen que tal embarazo no existe, y que su figura no es más que un reflejo de los cánones de belleza de la época. El espejo curvo del fondo –magistral dominio de la perspectiva por parte de van Eyck- deja entrever que, además de los retratados, hay dos personas más en la habitación, de las cuales una se supone que es el pintor. Incluso la inscripción – firma de la pared del fondo, "Johannes de Eyck fuit hic. 1434". (Jan van Eyck estuvo aquí. 1434.) hizo pensar a algunos expertos que la figura masculina es un autorretrato del pintor, opción descartada por casi todos los estudiosos modernos. En definitiva, una de las pinturas más importantes de todo el Renacimiento europeo.
PAOLO UCCELLO
"La batalla de San Romano (avance de las tropas florentinas)", 1451 óleo sobre tabla, 182- 323 cm. - Florencia, Uffizzi
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1451_uccello_uffizi.JPG
“Oh che dolce cosa è questa prospettiva!” - Paolo Uccello
“Solo, excéntrico, melancólico y pobre”. Así describió Giorgio Vasari a uno de los más audaces genios del temprano Renacimiento florentino. Paolo Uccello es en efecto el solitario amante de la perspectiva, que muestra en esta obra de madurez –pintada con casi sesenta años- su interés por las nuevas ciencias de la perspectiva, la ordenación de la composición mediante los estandartes y lanzas, y su interés personal por la figura del caballo. Uccello pintó tres tablas sobre esta batalla, que debieron constituir una impresionante composición en el palacio de los Médicis. La tabla aquí presente era la situada en el centro.
PIERO DELLA FRANCESCA
“El sueño de Constantino”, c.1455 fresco en la Iglesia de San Francisco de Arezzo – 329 – 190 cm.
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1455_piero_della_francesca_dream.jpg
Siendo una de las figuras claves del quattrocento, el Arte de Piero della Francesca ha sido descrito como “frío”, “hierático” o incluso “impersonal”. Tuvo que aparecer Berenson y los grandes historiadores de su época como Michel Hérubel –quién defendió la “dimensión metafísica” de la pintura de Piero- para que su Arte preciso y contenido ocupara el lugar que merece en la historia del Arte
Tendríamos que adelantarnos casi dos siglos para encontrar una escena nocturna de semejante intensidad. Piero della Francesca representa el momento previo al despertar de Constantino, que será visitado por el ángel que aparece en la esquina superior izquierda en un espectacular efecto de contraluz. Esta luz es en definitiva la verdadera protagonista de la pintura, una luz que crea un sobresaliente efecto volumétrico en la tienda cónica bajo la que descansa el Rey, una luz que esconde el rostro de los sirvientes, a excepción de aquel que, con el codo inusualmente apoyado en la cama del emperador, mira directamente hacia nosotros.
“Paseo por el sendero de una montaña en primavera”, 1127 – 1279 tinta sobre papel. Taipei, Museo del Palacio Nacional.
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1180_ma_yuan_walking_on_path_in_spring.jpg
“Fuera, se ha levantado la niebla, las oscuras montañas se han difuminado, el murmullo del raudo río resuena en ti y eso basta”
Gao Xingjian, La montaña del alma
Esta obra de Ma Yuan es una de las indiscutibles obras maestras del Arte chino sobre papel de todos los tiempos. Como en otras muchas de sus composiciones “en esquina”, Ma Yuan utiliza el vacío como elemento compositivo, resultando en un efecto sensacionalmente sugestivo. En actitud contemplativa, el monje contempla el paisaje que a nosotros se nos niega. Las ramas del sauce, coronadas por la presencia de un pequeño pájaro de gran realismo, abrazan la escena en un efecto de gran belleza e intensidad.
AUTOR/ES DESCONOCIDO
Ilustración del folio 51 del Códex Borgia I, c.1300-1400 pigmentos sobre piel de venado – Biblioteca Vaticana, Roma
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1300_1500_maya_codex_borgia.JPG
Junto con el códice Nutall (hoy en día en el British Museum) el códice Borgia está considerado como el más representativo de todos los códices mixtecas conservados hoy en día. Su importancia va más allá de lo meramente artística, ya que las numerosas ilustraciones que contienen son de vital importancia para conocer muchos aspectos de la vida y creencias de la cultura mixteca.
Maravillas de plasticidad y expresividad, los códices mixtecas muestran con crudeza y vigorosidad escenas de sacrificios, dioses e incluso juego de la pelota. El brillante colorido, la expresividad de las figuras y la disposición de las escenas acercan misteriosamente estas obras a algunos cómics de muchos siglos después. En cualquier caso, estos códices son de vital importancia porque nos hablan de los miedos y creencias de una civilización que jamás podremos conocer.
GIOTTO DI BONDONE
“La masacre de los inocentes”, 1302-1305 Fresco en paredl, 200- 185 cm. – Capilla Scrovegni, Padua.
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1302_05_giotto_innocents.jpg
Cuenta Vasari que cierto día, el pintor florentino Cimabue iba caminando por el campo cuando observó sorprendido a un joven pastor, apenas un niño, que pintaba con tiza blanca e inusual soltura unas ovejas sobre una roca. Al preguntar el maestro por su nombre, el chico respondió: me llamo Giotto, y mi padre se llama Bondone.
Sea cierta o no esta anécdota, lo cierto es que sirve para comenzar a resumir las principales características pictóricas que hicieron de Giotto di Bondone (1266-1337) el renovador de la pintura occidental, y una de las principales figuras de la historia del Arte. El arte como expresión de los sentimientos renace con obras como ésta frente a la hierática tradición tardobizantina. Basta con observar los desgarradores rostros de las madres frente a la inevitable muerte de sus hijos para comprender de lo que estamos hablando. Giotto es a la pintura trecentista italiana un fenómeno al cual todos intentan seguir pero nadie consigue alcanzar, ni mucho menos superar, hasta la aparición de Fra Angelico y los primitivos flamencos de comienzos del siglo XV
JAN VAN EYCK
“El matrimonio Arnolfini”, 1434
óleo sobre lienzo, 81.8- 59.7 cm. – Londres, National Gallery
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1431_van_eyck_arnolfini.jpg
Que en pleno quattrocento un mercader italiano, país de artistas excepcionales, llamado Giovanni Arnolfini, encargase a un pintor flamenco –Jan van Eyck- un retrato matrimonial no era algo tan excepcional como pudiera parecer, ya que los contactos comerciales entre ambos países propiciaron estos contactos. En cualquier caso, lo que sí fue excepcional fue el resultado del encargo.
Aún siendo uno de los retratos más famosos e importantes de la historia de la pintura, el retrato de los esposos Arnolfini es una obra llena de misterios y elementos alegóricos. Para empezar, no está claro de que se trate de un retrato de Giovanni Arnolfini o de su hermano Michele y su esposa Elisabeth. El estado de aparente embarazo de la dama también ha provocado debate, ya que muchos expertos creen que tal embarazo no existe, y que su figura no es más que un reflejo de los cánones de belleza de la época. El espejo curvo del fondo –magistral dominio de la perspectiva por parte de van Eyck- deja entrever que, además de los retratados, hay dos personas más en la habitación, de las cuales una se supone que es el pintor. Incluso la inscripción – firma de la pared del fondo, "Johannes de Eyck fuit hic. 1434". (Jan van Eyck estuvo aquí. 1434.) hizo pensar a algunos expertos que la figura masculina es un autorretrato del pintor, opción descartada por casi todos los estudiosos modernos. En definitiva, una de las pinturas más importantes de todo el Renacimiento europeo.
PAOLO UCCELLO
"La batalla de San Romano (avance de las tropas florentinas)", 1451 óleo sobre tabla, 182- 323 cm. - Florencia, Uffizzi
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1451_uccello_uffizi.JPG
“Oh che dolce cosa è questa prospettiva!” - Paolo Uccello
“Solo, excéntrico, melancólico y pobre”. Así describió Giorgio Vasari a uno de los más audaces genios del temprano Renacimiento florentino. Paolo Uccello es en efecto el solitario amante de la perspectiva, que muestra en esta obra de madurez –pintada con casi sesenta años- su interés por las nuevas ciencias de la perspectiva, la ordenación de la composición mediante los estandartes y lanzas, y su interés personal por la figura del caballo. Uccello pintó tres tablas sobre esta batalla, que debieron constituir una impresionante composición en el palacio de los Médicis. La tabla aquí presente era la situada en el centro.
PIERO DELLA FRANCESCA
“El sueño de Constantino”, c.1455 fresco en la Iglesia de San Francisco de Arezzo – 329 – 190 cm.
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1455_piero_della_francesca_dream.jpg
Siendo una de las figuras claves del quattrocento, el Arte de Piero della Francesca ha sido descrito como “frío”, “hierático” o incluso “impersonal”. Tuvo que aparecer Berenson y los grandes historiadores de su época como Michel Hérubel –quién defendió la “dimensión metafísica” de la pintura de Piero- para que su Arte preciso y contenido ocupara el lugar que merece en la historia del Arte
Tendríamos que adelantarnos casi dos siglos para encontrar una escena nocturna de semejante intensidad. Piero della Francesca representa el momento previo al despertar de Constantino, que será visitado por el ángel que aparece en la esquina superior izquierda en un espectacular efecto de contraluz. Esta luz es en definitiva la verdadera protagonista de la pintura, una luz que crea un sobresaliente efecto volumétrico en la tienda cónica bajo la que descansa el Rey, una luz que esconde el rostro de los sirvientes, a excepción de aquel que, con el codo inusualmente apoyado en la cama del emperador, mira directamente hacia nosotros.
Flébil
01-12-2009, 17:25:51
SHEN ZHOU
“Alta montaña”, c.1480 tinta sobre papel
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1480_shen_zhou_lofty_mountain.jpg
Shen Zhou fue uno de los artistas chinos más importantes durante la esplendorosa dinastía Ming (1368-1644), fundador de la escuela de Wu. El centrarse en obras de muy pequeño formato permitió a Zhou llevar al máximo su interés por las texturas y el equilibrio de las composiciones. “Alta montaña” es un claro ejemplo de todo ello. Sin embargo, al contrario que en otras muchas obras del artista, la figura humana no está presente de forma explícita en la composición, que el artista ha preferido dedicar en exclusiva al formidable paisaje natural. Lo que sí es característico de la obra de Zhou, es el pequeño poema que completa la obra, además de una lista de los coleccionistas por cuyas manos ha pasado.
ALBERTO DURERO
“Vista de Arco”, 1495 acuarela sobre papel, 22.1- 22.1 cm. – Paris, Louvre.
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1495_durer_castel_arco.JPG
Alberto Durero es el indiscutible genio de la pintura alemana y uno de los artistas más brillantes de toda la historia del Arte. Inquieto y valiente, su estilo aúna la sensibilidad del Arte italiano –que tuvo oportunidad de ver durante sus viajes a Venecia- con la fuerza de la tradición germana. Pero por encima de todo destaca su interés y amor por la naturaleza, comparable al de Leonardo da Vinci, que se plasmaría en acuarelas de impresionante naturalismo como "Liebre" y "Hierbas" (ambas de 1503, conservadas en el Museo Albertina de Viena) La “Vista de Arco”, pese a ser una obra de juventud (Durero tenía 24 años cuando la pintó) es uno de los paisajes más importantes de la historia del Arte occidental. Por primera vez el artista se enfrenta al paisaje real, representado sin ningún tipo de artificio, ni –al tratarse de un genio como Durero- de limitación técnica. El uso de una luz uniforme, y la representación también uniforme del cielo, carente de cualquier elemento atmosférico, ayudan a destacar la contundente montaña. Resulta interesante comparar este paisaje con el ejemplo anterior de Shen Zhou: el paisaje entendido como un elemento real, sin artificios del primero, y el sentido claramente poético en la obra del oriental.
EL BOSCO (HYERONIMUS BOSCH)
“Tríptico del jardín de las delicias”, c.1500 óleo sobre tabla, 220- 389 cm . – Madrid, Museo del Prado.
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/bosch_garden_left.jpghttp://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1500_bosch_garden_center.jpg http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/bosch_garden_right.jpg
Una de las pinturas más famosas y comentadas de toda la pintura occidental, pero también una de las más complejas y malinterpretadas. Un análisis en profundidad de la obra llevaría páginas y páginas de interpretaciones y –en muchos casos- meras conjeturas.
En pocas palabras, la obra de El Bosco es básicamente moralizante, didáctica. El Bosco ve en la sociedad de su época el triunfo del pecado, de la carne, de todas las cosas que han arrebatado al ser humano su carácter angelical, y quiere advertir a sus contemporáneos de las terribles consecuencias de sus actos impuros. El panel de la izquierda representa el paraíso, Adán y Eva viviendo libres de pecado en medio de un formidable edén lleno de animales fantásticos y exuberante vegetación, con la fuente de la vida dominando la escena. El panel de la derecha representa los terribles tormentos a los que se ven sometidos los pecadores en el infierno, incluyendo el ser devorados (y posteriormente defecados) por una extraña figura con un caldero en la cabeza. La escena es sensacional por la fantasía y el colorido, destacando el abrumador uso de la iluminación en los edificios que arden en la parte superior de la imagen. La tabla central es complejísima tanto por su composición como por su significado. El centro de la composición lo ocupa un estanque lleno de mujeres, alrededor del cual cabalgan un grupo de hombres en lo que se interpreta como una alegoría del deseo sexual. Varias referencias al pecado original –mujeres y pájaros que dan manzanas a los hombres- completan la escena. Pese a que este ímpetu moralizante resulta ridículo para cualquier persona medianamente razonable hoy en día, la obra de El Bosco no deja de ser una de las grandes pinturas de la historia de la pintura occidental.
PETER BRUEGHEL EL VIEJO
“El triunfo de la muerte”, 1560 óleo sobre tabla, 117- 162 cm. – Madrid, Museo del Prado
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1560_brueghel_death.jpg
Comúnmente se establecen paralelismos entre la obra de El Bosco y la de Bruegel, pero lo cierto es que las diferencias entre ambos son abismales. Mientras que las fantasías de El Bosco nacen de una profunda decepción y preocupación por el ser humano, con un mensaje claramente moralizante, las obras de Bruegel (tanto esta como “Los proverbios holandeses” o “Juegos de niños”) están cargadas de ironía y de un amor por la vida rural que parece anticipar el paisajismo holandés del siglo posterior. Incluso en una obra tan trágica como esta, la ironía de Brueghel es fácilmente advertible. La muerte avanza imparable, y no hace distinción entre hombres y mujeres, ricos o pobres, o justos o pecadores. Un rico caballero observa impotente como las hordas esqueléticas le roban todas sus monedas, mientras uno de los demonios le muestra un reloj de arena en actitud burlona. Otro de estos demonios ofrece en bandeja una calavera a una de las mujeres comensales, mientras una pareja de enamorados, ajenos a la apocalíptica escena, continúan con sus canciones de amor
LEONARDO DA VINCI
“Retrato de dama (Gioconda, Monna Lisa)” – 1503-05 óleo sobre tabla, 77- 53 cm. – Paris, Louvre.
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1505_leonardo_mona_lisa.jpg
Poco o nada se puede decir de esta obra que no se haya repetido ya hasta la saciedad. Es la pintura más conocida del arte occidental, y, probablemente, la obra de arte más famosa del mundo. Ha inspirado libros y películas, ha protagonizado el robo más famoso de la historia del arte, ha sido estudiada mediante todo tipo de métodos, artísticos o científicos, para descubrir posibles dibujos ocultos, grietas, determinar que porcentaje de la pintura corresponde al rostro (4.9%), cuantos al paisaje (20.3%) o a otros elementos. Se han hecho miles de copias, réplicas, interpretaciones y caricaturas, incluyendo la "Gioconda bigotuda" de Dalí o la "Gioconda agredida" de Duchamp, y, recientemente, se ha tratado de averiguar, basándose en el análisis de la pintura, cómo sonaría la voz de la dama retratada. En un plano puramente artístico, se trata de una obra extraordinaria, el la que el sfumetto leonardesco alcanza su máxima expresión. No observamos pinceladas, tan sólo veladuras que dan a la pintura un aspecto casi irreal, como se observa en su celebérrima sonrisa y en el paisaje del fondo. Sigue habiendo debates en cuanto a la identidad de la retratada, aunque tradicionalmente se piensa que se trata de la esposa de Francesco del Giocondo. Esta indecisión ha dado pie a numerosos visionarios para proponer nuevas y “auténticas” giocondas, pese a la multitud de evidencias que señalan a esta como obra única y verdadera.
GIORGIONE
“La tempestad”, 1508 óleo sobre lienzo, 83- 73 cm. – Venecia, Galería de la Academia.
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1508_giorgione_tempest.jpg
Como tantos otros pintores malogrados –murió a los 32 años- Giorgione nos dejará para siempre la duda de hasta donde podría haber llegado su exquisita pintura de haber gozado de una larga existencia, y de qué lugar ocuparía ésta en la historia del Arte, aunque viendo la prodigiosa evolución de su directo heredero artístico –Tiziano- es fácil hacerse una idea. “La tempestad” es una verdadera poesía pictórica. Terriblemente sugestivo, el significado del cuadro está todavía abierto a multitud de interpretaciones. Destaca, sobre todas las cosas, un amenazante relámpago sobre las torres y tejados de una extraña ciudad fluvial. En primer plano, la frágil figura de una joven mujer amamantando a su hijo contrasta con la poderosa tormenta. En el extremo inferior izquierdo aparece la figura de un joven con una lanza, quizás un soldado a servicio de la dama. Todos estos elementos parecen estar situados sin sentido alguno ni relación lógica entre ellos. Tal vez el pintor ha querido pintar una metáfora de la fragilidad e indefensión del ser humano ante la poderosa naturaleza, o tal vez “La tempestad” no sea más que una pintura cuya belleza ilógica e incontestable esté más cerca de una melodía musical que de una clásica pintura renacentista
“Alta montaña”, c.1480 tinta sobre papel
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1480_shen_zhou_lofty_mountain.jpg
Shen Zhou fue uno de los artistas chinos más importantes durante la esplendorosa dinastía Ming (1368-1644), fundador de la escuela de Wu. El centrarse en obras de muy pequeño formato permitió a Zhou llevar al máximo su interés por las texturas y el equilibrio de las composiciones. “Alta montaña” es un claro ejemplo de todo ello. Sin embargo, al contrario que en otras muchas obras del artista, la figura humana no está presente de forma explícita en la composición, que el artista ha preferido dedicar en exclusiva al formidable paisaje natural. Lo que sí es característico de la obra de Zhou, es el pequeño poema que completa la obra, además de una lista de los coleccionistas por cuyas manos ha pasado.
ALBERTO DURERO
“Vista de Arco”, 1495 acuarela sobre papel, 22.1- 22.1 cm. – Paris, Louvre.
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1495_durer_castel_arco.JPG
Alberto Durero es el indiscutible genio de la pintura alemana y uno de los artistas más brillantes de toda la historia del Arte. Inquieto y valiente, su estilo aúna la sensibilidad del Arte italiano –que tuvo oportunidad de ver durante sus viajes a Venecia- con la fuerza de la tradición germana. Pero por encima de todo destaca su interés y amor por la naturaleza, comparable al de Leonardo da Vinci, que se plasmaría en acuarelas de impresionante naturalismo como "Liebre" y "Hierbas" (ambas de 1503, conservadas en el Museo Albertina de Viena) La “Vista de Arco”, pese a ser una obra de juventud (Durero tenía 24 años cuando la pintó) es uno de los paisajes más importantes de la historia del Arte occidental. Por primera vez el artista se enfrenta al paisaje real, representado sin ningún tipo de artificio, ni –al tratarse de un genio como Durero- de limitación técnica. El uso de una luz uniforme, y la representación también uniforme del cielo, carente de cualquier elemento atmosférico, ayudan a destacar la contundente montaña. Resulta interesante comparar este paisaje con el ejemplo anterior de Shen Zhou: el paisaje entendido como un elemento real, sin artificios del primero, y el sentido claramente poético en la obra del oriental.
EL BOSCO (HYERONIMUS BOSCH)
“Tríptico del jardín de las delicias”, c.1500 óleo sobre tabla, 220- 389 cm . – Madrid, Museo del Prado.
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/bosch_garden_left.jpghttp://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1500_bosch_garden_center.jpg http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/bosch_garden_right.jpg
Una de las pinturas más famosas y comentadas de toda la pintura occidental, pero también una de las más complejas y malinterpretadas. Un análisis en profundidad de la obra llevaría páginas y páginas de interpretaciones y –en muchos casos- meras conjeturas.
En pocas palabras, la obra de El Bosco es básicamente moralizante, didáctica. El Bosco ve en la sociedad de su época el triunfo del pecado, de la carne, de todas las cosas que han arrebatado al ser humano su carácter angelical, y quiere advertir a sus contemporáneos de las terribles consecuencias de sus actos impuros. El panel de la izquierda representa el paraíso, Adán y Eva viviendo libres de pecado en medio de un formidable edén lleno de animales fantásticos y exuberante vegetación, con la fuente de la vida dominando la escena. El panel de la derecha representa los terribles tormentos a los que se ven sometidos los pecadores en el infierno, incluyendo el ser devorados (y posteriormente defecados) por una extraña figura con un caldero en la cabeza. La escena es sensacional por la fantasía y el colorido, destacando el abrumador uso de la iluminación en los edificios que arden en la parte superior de la imagen. La tabla central es complejísima tanto por su composición como por su significado. El centro de la composición lo ocupa un estanque lleno de mujeres, alrededor del cual cabalgan un grupo de hombres en lo que se interpreta como una alegoría del deseo sexual. Varias referencias al pecado original –mujeres y pájaros que dan manzanas a los hombres- completan la escena. Pese a que este ímpetu moralizante resulta ridículo para cualquier persona medianamente razonable hoy en día, la obra de El Bosco no deja de ser una de las grandes pinturas de la historia de la pintura occidental.
PETER BRUEGHEL EL VIEJO
“El triunfo de la muerte”, 1560 óleo sobre tabla, 117- 162 cm. – Madrid, Museo del Prado
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1560_brueghel_death.jpg
Comúnmente se establecen paralelismos entre la obra de El Bosco y la de Bruegel, pero lo cierto es que las diferencias entre ambos son abismales. Mientras que las fantasías de El Bosco nacen de una profunda decepción y preocupación por el ser humano, con un mensaje claramente moralizante, las obras de Bruegel (tanto esta como “Los proverbios holandeses” o “Juegos de niños”) están cargadas de ironía y de un amor por la vida rural que parece anticipar el paisajismo holandés del siglo posterior. Incluso en una obra tan trágica como esta, la ironía de Brueghel es fácilmente advertible. La muerte avanza imparable, y no hace distinción entre hombres y mujeres, ricos o pobres, o justos o pecadores. Un rico caballero observa impotente como las hordas esqueléticas le roban todas sus monedas, mientras uno de los demonios le muestra un reloj de arena en actitud burlona. Otro de estos demonios ofrece en bandeja una calavera a una de las mujeres comensales, mientras una pareja de enamorados, ajenos a la apocalíptica escena, continúan con sus canciones de amor
LEONARDO DA VINCI
“Retrato de dama (Gioconda, Monna Lisa)” – 1503-05 óleo sobre tabla, 77- 53 cm. – Paris, Louvre.
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1505_leonardo_mona_lisa.jpg
Poco o nada se puede decir de esta obra que no se haya repetido ya hasta la saciedad. Es la pintura más conocida del arte occidental, y, probablemente, la obra de arte más famosa del mundo. Ha inspirado libros y películas, ha protagonizado el robo más famoso de la historia del arte, ha sido estudiada mediante todo tipo de métodos, artísticos o científicos, para descubrir posibles dibujos ocultos, grietas, determinar que porcentaje de la pintura corresponde al rostro (4.9%), cuantos al paisaje (20.3%) o a otros elementos. Se han hecho miles de copias, réplicas, interpretaciones y caricaturas, incluyendo la "Gioconda bigotuda" de Dalí o la "Gioconda agredida" de Duchamp, y, recientemente, se ha tratado de averiguar, basándose en el análisis de la pintura, cómo sonaría la voz de la dama retratada. En un plano puramente artístico, se trata de una obra extraordinaria, el la que el sfumetto leonardesco alcanza su máxima expresión. No observamos pinceladas, tan sólo veladuras que dan a la pintura un aspecto casi irreal, como se observa en su celebérrima sonrisa y en el paisaje del fondo. Sigue habiendo debates en cuanto a la identidad de la retratada, aunque tradicionalmente se piensa que se trata de la esposa de Francesco del Giocondo. Esta indecisión ha dado pie a numerosos visionarios para proponer nuevas y “auténticas” giocondas, pese a la multitud de evidencias que señalan a esta como obra única y verdadera.
GIORGIONE
“La tempestad”, 1508 óleo sobre lienzo, 83- 73 cm. – Venecia, Galería de la Academia.
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1508_giorgione_tempest.jpg
Como tantos otros pintores malogrados –murió a los 32 años- Giorgione nos dejará para siempre la duda de hasta donde podría haber llegado su exquisita pintura de haber gozado de una larga existencia, y de qué lugar ocuparía ésta en la historia del Arte, aunque viendo la prodigiosa evolución de su directo heredero artístico –Tiziano- es fácil hacerse una idea. “La tempestad” es una verdadera poesía pictórica. Terriblemente sugestivo, el significado del cuadro está todavía abierto a multitud de interpretaciones. Destaca, sobre todas las cosas, un amenazante relámpago sobre las torres y tejados de una extraña ciudad fluvial. En primer plano, la frágil figura de una joven mujer amamantando a su hijo contrasta con la poderosa tormenta. En el extremo inferior izquierdo aparece la figura de un joven con una lanza, quizás un soldado a servicio de la dama. Todos estos elementos parecen estar situados sin sentido alguno ni relación lógica entre ellos. Tal vez el pintor ha querido pintar una metáfora de la fragilidad e indefensión del ser humano ante la poderosa naturaleza, o tal vez “La tempestad” no sea más que una pintura cuya belleza ilógica e incontestable esté más cerca de una melodía musical que de una clásica pintura renacentista
Flébil
01-12-2009, 17:38:04
RAFAEL
“Retrato de cardenal”, 1510 óleo sobre lienzo, 79- 61 cm. - Madrid, Museo del Prado
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1510_rafaello_cardinale.jpg
Retrato duro y descarnado, consecuente con la siniestra reputación del retratado, el cardenal Francesco Alidosi, figura temida y despiadada que acabaría asesinado el mismo año en que este retrato fue concluido. En un perfil de tres cuartos, la figura del joven cardenal se destaca sobremanera sobre el fondo oscuro merced a una intensa iluminación. El rostro adquiere así una importancia y una preponderancia excepcional a pesar del pequeño tamaño en relación al lienzo. La intensidad del conjunto, y la ausencia de artificios a la hora de retratar a una figura de tal importancia hacen de esta pintura uno de los grandes retratos de la historia del Arte.
MIGUEL ANGEL
“El juicio final”, 1537-41 1370- 1220 cm. - fresco en la Capilla Sixtina
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1537_41_michelangelo_judgement.jpg
Aunque tal título puede ser altamente disputado, es posible que Michelangelo Buonarroti sea el artista más importante de todos los tiempos. Prototipo de genio renacentista, vigoroso e incluso iracundo, abordó proyectos colosales en pintura, escultura y arquitectura, creando obras maestras en todos esos campos. Los frescos que Miguel Ángel realizó en la Capilla Sixtina constituyen una de las obras cumbre del Arte universal. El conjunto de “El juicio final”, en el que trabajó durante cuatro años, es una composición colosal en la que Michelangelo crea un universo de titanes vigorosos, formados por volúmenes casi escultóricos, que nos ayudan a comprender porqué el artista firmaba sus obras con un “Miguel Ángel, escultor”
BASAWAN
“Batalla de los ascéticos en Akbar" (miniatura del Akbar Nama), c.1570 miniatura sobre papel – Londres, Victoria & Albert Museum
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1570_basawan.JPG
Aunque no se conocen demasiados datos de su biografía, Basawan fue el principal renovador de las miniaturas mogolas durante el reinado de Akbar (1556-1605). Su obra cumbre son las miniaturas realizadas para la crónica del emperador –el "Akbar Nama" - de las que la “Batalla de los ascéticos” es el ejemplo más sobresaliente. "Leída" de arriba abajo, la composición es un crescendo dramático que comienza con un tranquilo paisaje de la arquitectura y los alrededores de Akbar, sigue con la representación de un personaje de importancia –quizás el emperador- acompañado de sus sirvientes y un par de elefantes, y empieza la representación de la batalla en la mitad inferior de la obra, alcanzando cotas terribles en las escenas en la que varios hombres son literalmente atravesados por las espadas enemigas.
REMBRANDT VAN RIJN
“La ronda de noche ( la ronda nocturna)” – 1641/42 óleo sobre lienzo, 359 – 438 cm. Ámsterdam, Rijksmuseum
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1642_rembrandt_nightwatch.jpg
“La ronda de noche” es una de las pinturas más importantes de la historia del Arte, y sin duda una de las más complejas. El análisis en profundidad de esta sensacional escena es una tarea que ha ocupado a cientos de estudiosos durante siglos, que han identificado a la casi totalidad de los 28 personajes (30 antes de un desafortunado recorte, además de tres niños y un perro), entre ellos el capitán Purmerlandt y su alférez von Vlaerdingen; rescatado copias del original cuando éste aún no había sido mutilado, y –sobre todo- intentar explicar los casi indescriptibles efectos de movimiento que hacen de esta pintura la culminación del Arte de Rembrandt. ¿Cómo se explica este efecto dinámico? Según parece, Rembrandt ha representado el momento exacto en el que el capitán de la compañía ha dado orden de avanzar, pero esta orden parece no haber llegado aún a sus subordinados. Esta tensión movimiento – estatismo otorga al cuadro un magnetismo irresistible. Uno casi espera que, si miramos la pintura durante unos minutos, el capitán y su alférez comenzarán la marcha, sus subordinados les seguirán en discutible orden, y el tambor de la derecha comenzará un rápido redoble acompañado por los ladridos del pequeño perro situado a su lado.
Y hay más, mucho más. Los geniales efectos de claroscuro, con una luz casi mística que destaca sobremanera la figura de la niña que porta una gallina y semioculta la arquitectura del fondo de la pintura. La manera en la que las lanzas y estandartes cierran la escena en el extremo superior (lo que sería más apreciable antes de que la pintura fuese cortada). El trazo rápido y espontáneo con el que se han representado los rostros… En definitiva, una obra imprescindible para la historia de la pintura occidental.
DIEGO DE VELÁZQUEZ
“La familia de Felipe IV (Las Meninas)” – 1656 óleo sobre lienzo, 321- 281 cm. Museo del Prado, Madrid.
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1656_velazquez_meninas.jpg
“La teología de la pintura”. Así se conoce a esta pintura ya desde el siglo XIX. Théopile Gautier fue más allá, y en frente de la misma se preguntó ¿pero dónde está el cuadro? Y es que Gautier estaba frente a la que es –junto a la obra precedente- una de las dos cumbres de la pintura barroca. La obra es un complejísimo juego de planos y líneas de composición. Velázquez se autorretrata pintando el retrato de los Reyes Felipe IV y Mariana de Austria, cuando la aparición de la Infanta Margarita obliga a interrumpir la sesión. De esta manera, los Reyes, que aparecen reflejados en un espejo en el fondo de la estancia, estarían situados en el mismo plano y situación que el espectador, estableciendo una magistral trama de dentro-fuera en el que el observador siente el impulso de avanzar hacia dentro del cuadro. Cuenta la leyenda –probablemente más falsa que cierta- que cuando Velázquez presentó la pintura al Rey, este le dijo: “le falta un último detalle”. Y tomando el pincel, pintó sobre el pecho de la figura de Velázquez la cruz de la orden de Santiago. Leyendas aparte, ésta es una de las mejores pinturas de la historia de la humanidad.
JOHANNES VERMEER
“Vista de Delft”, 1661 óleo sobre lienzo, 98- 117.5 cm. – La Haya, Mauritshuis
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1660_61_vermeer_delft.jpg
De esta pintura se ha dicho que es la primera obra impresionista de la historia de la pintura. Marcel Proust llegó incluso a asegurar que era “el más bello cuadro del mundo”. Elogios al margen, la pintura es la cumbre del paisajismo holandés del siglo XVII y, por consiguiente, uno de los grandes paisajes de todos los tiempos.
La composición aparentemente sencilla encierra algunos elementos excepcionalmente interesantes: en primer lugar, destaca la claridad, casi pureza, con la que Vermeer representa los edificios de la ciudad, para lo cual ha tenido sin duda que eliminar varias embarcaciones que sin duda vararían en el puerto de la ciudad. Esto permite resaltar la visión de la arquitectura de Delft, que a su vez constituye una barrera visual que impide la visión más allá de la profundidad decidida por el pintor. Esto divide la composición claramente en tres planos: el superior, que ocupa aproximadamente tres quintas partes de la pintura, representando el cielo; un intermedio que corresponde a la muralla visual arquitectónica, y un inferior, en el que, junto al agua –que actúa como espejo del plano anterior- aparece un pequeño grupo de figuras, pintadas –a diferencia de en otros muchos paisajes de la época- por el mismo pintor. La pintura, increíblemente precisa, hizo suponer a muchos críticos el uso de una cámara oscura, aunque dicho extremo no ha sido confirmado.
“Retrato de cardenal”, 1510 óleo sobre lienzo, 79- 61 cm. - Madrid, Museo del Prado
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1510_rafaello_cardinale.jpg
Retrato duro y descarnado, consecuente con la siniestra reputación del retratado, el cardenal Francesco Alidosi, figura temida y despiadada que acabaría asesinado el mismo año en que este retrato fue concluido. En un perfil de tres cuartos, la figura del joven cardenal se destaca sobremanera sobre el fondo oscuro merced a una intensa iluminación. El rostro adquiere así una importancia y una preponderancia excepcional a pesar del pequeño tamaño en relación al lienzo. La intensidad del conjunto, y la ausencia de artificios a la hora de retratar a una figura de tal importancia hacen de esta pintura uno de los grandes retratos de la historia del Arte.
MIGUEL ANGEL
“El juicio final”, 1537-41 1370- 1220 cm. - fresco en la Capilla Sixtina
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1537_41_michelangelo_judgement.jpg
Aunque tal título puede ser altamente disputado, es posible que Michelangelo Buonarroti sea el artista más importante de todos los tiempos. Prototipo de genio renacentista, vigoroso e incluso iracundo, abordó proyectos colosales en pintura, escultura y arquitectura, creando obras maestras en todos esos campos. Los frescos que Miguel Ángel realizó en la Capilla Sixtina constituyen una de las obras cumbre del Arte universal. El conjunto de “El juicio final”, en el que trabajó durante cuatro años, es una composición colosal en la que Michelangelo crea un universo de titanes vigorosos, formados por volúmenes casi escultóricos, que nos ayudan a comprender porqué el artista firmaba sus obras con un “Miguel Ángel, escultor”
BASAWAN
“Batalla de los ascéticos en Akbar" (miniatura del Akbar Nama), c.1570 miniatura sobre papel – Londres, Victoria & Albert Museum
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1570_basawan.JPG
Aunque no se conocen demasiados datos de su biografía, Basawan fue el principal renovador de las miniaturas mogolas durante el reinado de Akbar (1556-1605). Su obra cumbre son las miniaturas realizadas para la crónica del emperador –el "Akbar Nama" - de las que la “Batalla de los ascéticos” es el ejemplo más sobresaliente. "Leída" de arriba abajo, la composición es un crescendo dramático que comienza con un tranquilo paisaje de la arquitectura y los alrededores de Akbar, sigue con la representación de un personaje de importancia –quizás el emperador- acompañado de sus sirvientes y un par de elefantes, y empieza la representación de la batalla en la mitad inferior de la obra, alcanzando cotas terribles en las escenas en la que varios hombres son literalmente atravesados por las espadas enemigas.
REMBRANDT VAN RIJN
“La ronda de noche ( la ronda nocturna)” – 1641/42 óleo sobre lienzo, 359 – 438 cm. Ámsterdam, Rijksmuseum
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1642_rembrandt_nightwatch.jpg
“La ronda de noche” es una de las pinturas más importantes de la historia del Arte, y sin duda una de las más complejas. El análisis en profundidad de esta sensacional escena es una tarea que ha ocupado a cientos de estudiosos durante siglos, que han identificado a la casi totalidad de los 28 personajes (30 antes de un desafortunado recorte, además de tres niños y un perro), entre ellos el capitán Purmerlandt y su alférez von Vlaerdingen; rescatado copias del original cuando éste aún no había sido mutilado, y –sobre todo- intentar explicar los casi indescriptibles efectos de movimiento que hacen de esta pintura la culminación del Arte de Rembrandt. ¿Cómo se explica este efecto dinámico? Según parece, Rembrandt ha representado el momento exacto en el que el capitán de la compañía ha dado orden de avanzar, pero esta orden parece no haber llegado aún a sus subordinados. Esta tensión movimiento – estatismo otorga al cuadro un magnetismo irresistible. Uno casi espera que, si miramos la pintura durante unos minutos, el capitán y su alférez comenzarán la marcha, sus subordinados les seguirán en discutible orden, y el tambor de la derecha comenzará un rápido redoble acompañado por los ladridos del pequeño perro situado a su lado.
Y hay más, mucho más. Los geniales efectos de claroscuro, con una luz casi mística que destaca sobremanera la figura de la niña que porta una gallina y semioculta la arquitectura del fondo de la pintura. La manera en la que las lanzas y estandartes cierran la escena en el extremo superior (lo que sería más apreciable antes de que la pintura fuese cortada). El trazo rápido y espontáneo con el que se han representado los rostros… En definitiva, una obra imprescindible para la historia de la pintura occidental.
DIEGO DE VELÁZQUEZ
“La familia de Felipe IV (Las Meninas)” – 1656 óleo sobre lienzo, 321- 281 cm. Museo del Prado, Madrid.
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1656_velazquez_meninas.jpg
“La teología de la pintura”. Así se conoce a esta pintura ya desde el siglo XIX. Théopile Gautier fue más allá, y en frente de la misma se preguntó ¿pero dónde está el cuadro? Y es que Gautier estaba frente a la que es –junto a la obra precedente- una de las dos cumbres de la pintura barroca. La obra es un complejísimo juego de planos y líneas de composición. Velázquez se autorretrata pintando el retrato de los Reyes Felipe IV y Mariana de Austria, cuando la aparición de la Infanta Margarita obliga a interrumpir la sesión. De esta manera, los Reyes, que aparecen reflejados en un espejo en el fondo de la estancia, estarían situados en el mismo plano y situación que el espectador, estableciendo una magistral trama de dentro-fuera en el que el observador siente el impulso de avanzar hacia dentro del cuadro. Cuenta la leyenda –probablemente más falsa que cierta- que cuando Velázquez presentó la pintura al Rey, este le dijo: “le falta un último detalle”. Y tomando el pincel, pintó sobre el pecho de la figura de Velázquez la cruz de la orden de Santiago. Leyendas aparte, ésta es una de las mejores pinturas de la historia de la humanidad.
JOHANNES VERMEER
“Vista de Delft”, 1661 óleo sobre lienzo, 98- 117.5 cm. – La Haya, Mauritshuis
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1660_61_vermeer_delft.jpg
De esta pintura se ha dicho que es la primera obra impresionista de la historia de la pintura. Marcel Proust llegó incluso a asegurar que era “el más bello cuadro del mundo”. Elogios al margen, la pintura es la cumbre del paisajismo holandés del siglo XVII y, por consiguiente, uno de los grandes paisajes de todos los tiempos.
La composición aparentemente sencilla encierra algunos elementos excepcionalmente interesantes: en primer lugar, destaca la claridad, casi pureza, con la que Vermeer representa los edificios de la ciudad, para lo cual ha tenido sin duda que eliminar varias embarcaciones que sin duda vararían en el puerto de la ciudad. Esto permite resaltar la visión de la arquitectura de Delft, que a su vez constituye una barrera visual que impide la visión más allá de la profundidad decidida por el pintor. Esto divide la composición claramente en tres planos: el superior, que ocupa aproximadamente tres quintas partes de la pintura, representando el cielo; un intermedio que corresponde a la muralla visual arquitectónica, y un inferior, en el que, junto al agua –que actúa como espejo del plano anterior- aparece un pequeño grupo de figuras, pintadas –a diferencia de en otros muchos paisajes de la época- por el mismo pintor. La pintura, increíblemente precisa, hizo suponer a muchos críticos el uso de una cámara oscura, aunque dicho extremo no ha sido confirmado.
DosSantosAveiro
01-12-2009, 17:46:10
sebero muy tezas esas obras men
Flébil
01-12-2009, 17:53:17
CASPAR DAVID FRIEDRICH
“Rocas cretáceas en Rügen” – 1818-19
óleo sobre lienzo, 90.5- 71 cm. – Winterthur, Oskar Reinhart Foundation
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1818_19_friedrich_chalk_cliffs_ruegen.JPG
“Tan grande es la fuerza del espacio infinito, que su vacío adquiere el espesor de lo corpóreo”, escribió el crítico Werner Hofmann sobre esta pintura de Caspar David Friedrich, el romántico alemán por excelencia, que representa –de una manera más ensoñada que realista- el viaje que el pintor, su esposa Carolina y su hermano Christian realizaron a la isla de Rügen en 1818. La representación de la figura humana enfrentada al espacio profundo e inabarcable es propio de la obra de Friedrich, que empleó este mismo efecto en obras tan famosas como “El monje frente al mar” (1808-10), “El mar de niebla” (1818 ) o “El coracero en el bosque” (1813-14), pero en el caso de esta pintura este contraste adquiere un significado distinto, de mayor complejidad pero menor dramatismo. Ya no se trata, como en las pinturas anteriores, de un espacio envolvente e incluso amenazante que subyugaba a las figuras presentes. En esta obra, Friedrich ha concedido a los protagonistas del cuadro el dominio sobre el poderoso paisaje, nada extraño si tenemos en cuenta que los representados son el propio pintor y su familia más allegada. Para ello ha usado un punto de vista muy elevado, y ha delimitado la visión de este espacio mediante las copas de dos árboles en la parte superior del cuadro. Pese a ello, y como bien ha señalado Hofmann, este espacio no pierde fuerza ni presencia, y se convierte en indiscutible protagonista de la composición, por encima incluso de los tres personajes y de las fantásticas formaciones calizas de los acantilados.
JOHN CONSTABLE
“El caballo blanco”, 1819
óleo sobre lienzo, 131.4- 188.3 cm. – Nueva York, Frick Collection.
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1819_constable_ferry.jpg
John Constable (1776-1837) es, tras Joseph Mallord William Turner, la gran figura del romanticismo inglés. Al contrario que su coetáneo, nunca salió de Inglaterra, dedicándose a retratar con maestría la vida y paisajes de la Inglaterra rural. Esta autoimpuesta limitación no le impidió desarrollar un estilo personalísimo, que tendría gran influencia en los pintores de la Escuela de Barbizon
“Una serena mañana gris de verano”: así describió el propio John Constable “El caballo blanco”, sensacional crónica de la vida de la Inglaterra rural y sus elementos particulares. Aunque para la mayoría de críticos “El carro del heno” es la obra maestra del artista, no hay duda de que “El caballo blanco” fue la obra más apreciada por el pintor inglés. El propio Constable afirmó que “hay en la vida una, tal vez dos o incluso tres pinturas en la que uno pone un interés especial: ésta es la mía”. Esta pintura supuso el primer gran éxito de John Constable, y su ingreso en la Real Academia del Arte.
FRANCISCO DE GOYA
"Un perro", 1820-22
Fresco trasladado a lienzo, 134- 80 cm. – Madrid, Museo del Prado
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1820_22_goya_the_dog.jpg
En 1819, Goya se traslada a la una finca en las afueras de Madrid –posteriormente conocida como la “Quinta del Sordo”- y comienza a decorarla con una serie de pinturas espeluznantes de aquelarres, brujas y escenas terribles como el infame "Saturno devorando a su hijo". En medio de tal panorama, al lado de una puerta, solo y desamparado, encontramos "Un perro". Esta es quizás la pintura más enigmática de toda la Quinta. En ella se nos muestra a un perro, totalmente oculto a excepción de su cabeza, en medio de un fondo ocre. Nada más se nos dice o se nos aclara sobre el protagonista o el significado del fresco. ¿Dónde está ese perro? ¿A dónde o a qué está mirando? ¿Se hunde, o por el contrario asoma su cabeza con cautela, temeroso de algo que no somos capaces de intuir? De esta pintura se han hecho infinidad de interpretaciones, asociando al perro tanto a la figura infernal que guía a los muertos como a un símbolo del abandono y el desamparo.
EUGÈNE DELACROIX
“La Libertad guiando al pueblo”, 1830
óleo sobre lienzo, 260- 325 cm. – París, Louvre.
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1830_delacroix_liberty.jpg
Eugène Delacroix es el pintor por excelencia del romanticismo francés y una de las figuras claves de la pintura europea de la primera mitad del siglo XIX. Pese a que sus fuentes de inspiración son claramente barrocas, Delacroix evolucionó su pintura hacia un antirrealismo que lo sitúa en las puertas mismas de la modernidad, y lo convirtió en un pintor admirado por muchos de los impresionistas medio siglo después.
“La Libertad guiando al pueblo” es una obra cargada de simbolismo. La Libertad, figura femenina con pechos descubiertos, bandera en alto y gorro frigio, encabeza la acometida popular, en la que se identifican rostros conocidos como Gavroche o Fréderic Villot, director del Louvre y amigo personal de Delacroix. Técnicamente es también una obra extraordinaria, en la que el recuerdo de la impresionante “La balsa de la medusa” de Gericault está presente en la composición, pero acabada con la pincelada suelta y ágil propia de Delacroix. Imagen indisolublemente asociada a la Revolución Francesa, “La Libertad” demuestra la capacidad de la pintura no sólo para impresionar y emocionar, sino también para convertirse en el símbolo de una época.
KATSUSHIKA HOKUSAI
"La ola", c.1830
Grabado, 25.4- 38 cm.
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1830_hokusai_wave.jpg
La pintura y el grabado japonés, de la que Hokusai es uno de los máximos exponentes, siempre nos han ofrecido una visión diferente, casi mística, de los fenómenos naturales. La ola es aquí mucho más que una mera circunstancia oceánica: es un monstruo, un gigantesco leviatán que amenaza con sus colmillos a las ágiles y audaces barcas que cruzan, flexibles, el mar. La terrible garra del océano es tan poderosa que parece ir a devorar incluso al sagrado monte Fuji, que se nos presenta al fondo como una víctima más de la demoníaca ola.
ANDO HIROSHIGE
“Súbita lluvia sobre el Puente Atake”, 1856 grabado sobre madera, 36.8- 25 cm. – Tokio, Museo de Arte Fuji
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1856_hiroshige_atake.jpg
Ando Hiroshige está considerado como el último gran maestro de la estampa japonesa, interesado, al igual que Hokusai, por el paisaje y los elementos naturales. Su indiscutible obra maestra es la serie de “Cien paisajes famosos de Edo", de la cual esta escena es quizás la composición más conocida. Este grabado es, a su manera, una auténtica obra impresionista. Hiroshige ha captado el momento preciso en el que la fina y fuerte lluvia de verano –que él mismo denominó “lluvia blanca” - rompe sobre el puente de Atake. La sensación de dinamismo que provocan las múltiples gotas de lluvia, las figuras cobijándose bajo los paraguas, y la embarcación que busca rauda un lugar en el que guarecerse es sencillamente fabuloso. La obra fue muy admirada por Vincent van Gogh, quien afirmó que admiraba a los pintores japoneses por “su estilo tan sencillo como respirar” y que en 1887 realizó una copia de la obra, conservada hoy en el Museo van Gogh de Ámsterdam.
JOSEPH MALLOR WILLIAM TURNER
“Lluvia, vapor y velocidad”, 1844 óleo sobre lienzo, 91- 112 cm. - Londres, National Gallery
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1844_turner_rain_steam_speed.jpg
Probablemente el mejor paisajista de todos los tiempos, Turner consigue aquí su máximo logro en lo que constituye una obra casi impresionista. La pintura es una sensacional conclusión a las investigaciones de Turner sobre la luz y la atmósfera, llevadas a cabo durante su época de profesor en la Royal Academy. Durante esta época, Turner tomó contacto con las teorías de la luz y el color de Newton y Goethe. En la pintura de la National Gallery , el auténtico protagonista, por encima incluso de la dinámica locomotora, es la cambiante atmósfera inglesa, acrecentada por el vapor que desprende la poderosa maquinaria. La crítica –y posteriormente los pintores impresionistas- quedaron impactados por esta veloz locomotora. Un crítico escribió, durante su exposición en 1844: “un tren se te echa encima, un tren que avanza realmente a 50 millas por hora y que el lector haría bien en ir a ver antes de que salga del cuadro”
“Rocas cretáceas en Rügen” – 1818-19
óleo sobre lienzo, 90.5- 71 cm. – Winterthur, Oskar Reinhart Foundation
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1818_19_friedrich_chalk_cliffs_ruegen.JPG
“Tan grande es la fuerza del espacio infinito, que su vacío adquiere el espesor de lo corpóreo”, escribió el crítico Werner Hofmann sobre esta pintura de Caspar David Friedrich, el romántico alemán por excelencia, que representa –de una manera más ensoñada que realista- el viaje que el pintor, su esposa Carolina y su hermano Christian realizaron a la isla de Rügen en 1818. La representación de la figura humana enfrentada al espacio profundo e inabarcable es propio de la obra de Friedrich, que empleó este mismo efecto en obras tan famosas como “El monje frente al mar” (1808-10), “El mar de niebla” (1818 ) o “El coracero en el bosque” (1813-14), pero en el caso de esta pintura este contraste adquiere un significado distinto, de mayor complejidad pero menor dramatismo. Ya no se trata, como en las pinturas anteriores, de un espacio envolvente e incluso amenazante que subyugaba a las figuras presentes. En esta obra, Friedrich ha concedido a los protagonistas del cuadro el dominio sobre el poderoso paisaje, nada extraño si tenemos en cuenta que los representados son el propio pintor y su familia más allegada. Para ello ha usado un punto de vista muy elevado, y ha delimitado la visión de este espacio mediante las copas de dos árboles en la parte superior del cuadro. Pese a ello, y como bien ha señalado Hofmann, este espacio no pierde fuerza ni presencia, y se convierte en indiscutible protagonista de la composición, por encima incluso de los tres personajes y de las fantásticas formaciones calizas de los acantilados.
JOHN CONSTABLE
“El caballo blanco”, 1819
óleo sobre lienzo, 131.4- 188.3 cm. – Nueva York, Frick Collection.
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1819_constable_ferry.jpg
John Constable (1776-1837) es, tras Joseph Mallord William Turner, la gran figura del romanticismo inglés. Al contrario que su coetáneo, nunca salió de Inglaterra, dedicándose a retratar con maestría la vida y paisajes de la Inglaterra rural. Esta autoimpuesta limitación no le impidió desarrollar un estilo personalísimo, que tendría gran influencia en los pintores de la Escuela de Barbizon
“Una serena mañana gris de verano”: así describió el propio John Constable “El caballo blanco”, sensacional crónica de la vida de la Inglaterra rural y sus elementos particulares. Aunque para la mayoría de críticos “El carro del heno” es la obra maestra del artista, no hay duda de que “El caballo blanco” fue la obra más apreciada por el pintor inglés. El propio Constable afirmó que “hay en la vida una, tal vez dos o incluso tres pinturas en la que uno pone un interés especial: ésta es la mía”. Esta pintura supuso el primer gran éxito de John Constable, y su ingreso en la Real Academia del Arte.
FRANCISCO DE GOYA
"Un perro", 1820-22
Fresco trasladado a lienzo, 134- 80 cm. – Madrid, Museo del Prado
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1820_22_goya_the_dog.jpg
En 1819, Goya se traslada a la una finca en las afueras de Madrid –posteriormente conocida como la “Quinta del Sordo”- y comienza a decorarla con una serie de pinturas espeluznantes de aquelarres, brujas y escenas terribles como el infame "Saturno devorando a su hijo". En medio de tal panorama, al lado de una puerta, solo y desamparado, encontramos "Un perro". Esta es quizás la pintura más enigmática de toda la Quinta. En ella se nos muestra a un perro, totalmente oculto a excepción de su cabeza, en medio de un fondo ocre. Nada más se nos dice o se nos aclara sobre el protagonista o el significado del fresco. ¿Dónde está ese perro? ¿A dónde o a qué está mirando? ¿Se hunde, o por el contrario asoma su cabeza con cautela, temeroso de algo que no somos capaces de intuir? De esta pintura se han hecho infinidad de interpretaciones, asociando al perro tanto a la figura infernal que guía a los muertos como a un símbolo del abandono y el desamparo.
EUGÈNE DELACROIX
“La Libertad guiando al pueblo”, 1830
óleo sobre lienzo, 260- 325 cm. – París, Louvre.
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1830_delacroix_liberty.jpg
Eugène Delacroix es el pintor por excelencia del romanticismo francés y una de las figuras claves de la pintura europea de la primera mitad del siglo XIX. Pese a que sus fuentes de inspiración son claramente barrocas, Delacroix evolucionó su pintura hacia un antirrealismo que lo sitúa en las puertas mismas de la modernidad, y lo convirtió en un pintor admirado por muchos de los impresionistas medio siglo después.
“La Libertad guiando al pueblo” es una obra cargada de simbolismo. La Libertad, figura femenina con pechos descubiertos, bandera en alto y gorro frigio, encabeza la acometida popular, en la que se identifican rostros conocidos como Gavroche o Fréderic Villot, director del Louvre y amigo personal de Delacroix. Técnicamente es también una obra extraordinaria, en la que el recuerdo de la impresionante “La balsa de la medusa” de Gericault está presente en la composición, pero acabada con la pincelada suelta y ágil propia de Delacroix. Imagen indisolublemente asociada a la Revolución Francesa, “La Libertad” demuestra la capacidad de la pintura no sólo para impresionar y emocionar, sino también para convertirse en el símbolo de una época.
KATSUSHIKA HOKUSAI
"La ola", c.1830
Grabado, 25.4- 38 cm.
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1830_hokusai_wave.jpg
La pintura y el grabado japonés, de la que Hokusai es uno de los máximos exponentes, siempre nos han ofrecido una visión diferente, casi mística, de los fenómenos naturales. La ola es aquí mucho más que una mera circunstancia oceánica: es un monstruo, un gigantesco leviatán que amenaza con sus colmillos a las ágiles y audaces barcas que cruzan, flexibles, el mar. La terrible garra del océano es tan poderosa que parece ir a devorar incluso al sagrado monte Fuji, que se nos presenta al fondo como una víctima más de la demoníaca ola.
ANDO HIROSHIGE
“Súbita lluvia sobre el Puente Atake”, 1856 grabado sobre madera, 36.8- 25 cm. – Tokio, Museo de Arte Fuji
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1856_hiroshige_atake.jpg
Ando Hiroshige está considerado como el último gran maestro de la estampa japonesa, interesado, al igual que Hokusai, por el paisaje y los elementos naturales. Su indiscutible obra maestra es la serie de “Cien paisajes famosos de Edo", de la cual esta escena es quizás la composición más conocida. Este grabado es, a su manera, una auténtica obra impresionista. Hiroshige ha captado el momento preciso en el que la fina y fuerte lluvia de verano –que él mismo denominó “lluvia blanca” - rompe sobre el puente de Atake. La sensación de dinamismo que provocan las múltiples gotas de lluvia, las figuras cobijándose bajo los paraguas, y la embarcación que busca rauda un lugar en el que guarecerse es sencillamente fabuloso. La obra fue muy admirada por Vincent van Gogh, quien afirmó que admiraba a los pintores japoneses por “su estilo tan sencillo como respirar” y que en 1887 realizó una copia de la obra, conservada hoy en el Museo van Gogh de Ámsterdam.
JOSEPH MALLOR WILLIAM TURNER
“Lluvia, vapor y velocidad”, 1844 óleo sobre lienzo, 91- 112 cm. - Londres, National Gallery
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1844_turner_rain_steam_speed.jpg
Probablemente el mejor paisajista de todos los tiempos, Turner consigue aquí su máximo logro en lo que constituye una obra casi impresionista. La pintura es una sensacional conclusión a las investigaciones de Turner sobre la luz y la atmósfera, llevadas a cabo durante su época de profesor en la Royal Academy. Durante esta época, Turner tomó contacto con las teorías de la luz y el color de Newton y Goethe. En la pintura de la National Gallery , el auténtico protagonista, por encima incluso de la dinámica locomotora, es la cambiante atmósfera inglesa, acrecentada por el vapor que desprende la poderosa maquinaria. La crítica –y posteriormente los pintores impresionistas- quedaron impactados por esta veloz locomotora. Un crítico escribió, durante su exposición en 1844: “un tren se te echa encima, un tren que avanza realmente a 50 millas por hora y que el lector haría bien en ir a ver antes de que salga del cuadro”
Flébil
01-12-2009, 17:55:36
sebero muy tezas esas obras men
Así es... excelentes! en todo caso sería woman :laughing9: :roll:.
Así es... excelentes! en todo caso sería woman :laughing9: :roll:.
Flébil
01-12-2009, 18:09:04
ASHER BROWN DURAND
“Kindred spirits ("espíritus afines" o "afinidad de espíritu"), 1849 óleo sobre lienzo, 116.5- 91.4 c. – Colección privada
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1849_durand_kindred.jpg
Asher Brown Durand es uno de los pintores más importantes de la llamada Escuela del Río Hudson. Aunque mayor que Cole –el pionero del paisaje americano- se introduce en el paisajismo tras conocer las obras de éste. Más romántico y menos fiel a la realidad que su Cole, sus obras son no obstante más bellas y poéticas, con claras influencias de maestros como Meindert Hobbema o Claudio de Lorena. Es creador de obras tan célebres como "Las hayas" o el "Kindred Spirits" (espíritus afines), una de las obras más famosas y representativas de toda la pintura americana.
La escena, aparentemente sencilla, encierra numerosos elementos alegóricos cargados de simbolismo. Vemos dos hombres en lo alto de unas rocas, contemplando un fantástico valle fluvial salpicado de rocas, arbustos y saltos de agua. En primer plano, un majestuoso árbol abraza la escena, como dando cobijo a los dos hombres que dominan el paisaje. Al fondo, dos elementos claramente simbólicos –la cascada y el águila- remarcan una vertical imaginaria que divide y organiza la composición. Todo está en paz, todo es perfecto dentro de la grandiosidad de la Naturalez.
FREDERICK EDWIN CHURCH
“Above the clouds at sunrise (Por encima de las nubes al amanecer)”, 1849 óleo sobre lienzo, 69.2- 102.2 cm. – The Warner Collection
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1849_church_above_the_clouds.jpg
Frederick Edwin Church es discípulo y admirador de Thomas Cole, pionero del paisaje americano, a quien dedica muchos de sus obras. Church representa la culminación de la Escuela del río Hudson: posee el amor por el paisaje de Cole, el lirismo romántico de Durand y la grandilocuencia de Bierstadt, siendo más valiente y técnicamente más dotado que cualquiera de ellos. Se trata sin duda de uno de los mejores paisajistas de todos los tiempos, tal vez sólo superado por Turner y algunos impresionistas y postimpresionistas de primera linea como Monet o Cézanne. Poco a poco el paisaje americano se le queda corto a Church, y pinta obras maestras exóticas como "Cotopaxi", "Heart of the Andes" o el "Above the clouds at sunrise" aquí mostrado.
Un paisaje sin tierra. O mejor aún, un paisaje aéreo. "Above the clouds at sunrise" es uno de los paisajes más originales y valientes de la historia de la pintura. Church ha representado el amanecer en lo alto de una montaña, “por encima de las nubes”, de tal manera que todo el paisaje situado a una cierta distancia queda sustituido por un mar de nubes. Los elementos naturales situados cerca del observador, además de la rosada niebla del amanecer, enmarcan la vista del horizonte, mientras que uno de los árboles, situado exactamente delante del sol, matiza la potencia de éste sobre la pintura. Church no parece haber optado por representar un paisaje en concreto, sino más bien la luz onírica e increíble del amanecer.
PIERRE AUGUSTE RENOIR
“Baile en el Moulin de la Galette”, 1876 óleo sobre lienzo, 131- 175 cm. – Paris, Musée d'Orsay
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1876_renoir_gallette.jpg
Esta pintura ha sido descrita en ocasiones como “la pintura más bella del siglo XIX”. La escena describe uno de los numerosos bailes que se celebraban en el Molino de la Galette , uno de los locales de diversión más frecuentados del Montmartre de la época y punto de encuentro para bohemios y artistas como Toulouse-Lautrec, van Gogh o el propio Renoir.
Aposentado detrás de su caballete, el pintor ejecutó una obra maestra en la que retrata a muchos de sus amigos –el pintor cubano Pedro Vidal y su pareja, otros pintores franceses como Lamy, Gervex o Codey- pasando una divertida tarde de domingo en el jardín del Moulin. No todos los protagonistas de la pintura son rostros conocidos. El propio Renoir afirmó que varias de las modelos eran damas “de la calle”: “yo tenía miedo de que sus amantes prohibieran a sus “mujeres” la asistencia a mi estudio, pero también ellos eran buenos chicos. Algunos de ellos incluso posaron para mi como modelos” . Artistas, bohemios, prostitutas… todos ellos formando un auténtico “zoo humano” que nos traslada al instante a las tardes de bohemia en el Paris del XIX.
VINCENT VAN GOGH
“La noche estrellada”, 1889 óleo sobre lienzo, 73.7 – 92.1 cm. – Nueva York, Museum of Modern Art (MOMA)
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1889_van_gogh_starry.jpg
Una de las obras más famosas y reproducidas de van Gogh, comúnmente asociada a su creciente locura, y que en realidad es resultado de la preocupación del artista por las investigaciones astronómicas del momento. De hecho, en la pintura conviven elementos reales y fantásticos. Por un lado, un estudio realizado por el Griffith Park Observatory demostró que van Gogh representó la Luna , Venus, y varias estrellas en la posición exacta en la que se encontraban aquella noche despejada. Por otro lado, la llamativa espiral que ocupa gran parte de la obra es un elemento claramente fantástico, que bien puede ser una interpretación del artista de las corrientes invisibles que se producen en el firmamento, y que los avances en la astronomía comenzaban a publicar.
Kodera (1990) hace notar el contraste entre la torre de la iglesia y los espectaculares efectos del cielo como una crítica hacia la institución religiosa, que queda empequeñecida cuando se compara con la naturaleza. Más evidente resulta el contraste entre dicha torre y el enorme ciprés –que para van Gogh era símbolo de muerte- del primer plano.
WINSLOW HOMER
“Summer night (noche de verano)”, 1890 óleo sobre lienzo, 76.7- 102 cm. – Paris, Museo d'Orsay
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1890_winslow_homer_summer_night.jpg
A menudo se comete el error de considerar el impresionismo como un movimiento exclusivamente francés, cuando algunos pintores norteamericanos merecen figurar al lado de los Monet, Degas, Pisarro… De todos ellos, el más importante es sin duda Winslow Homer, artista original e innovador con un especial talento para la representación del mar ("The Gulf Stream", 1899, Metropolitan Museum of Art) En sus últimos años, Homer se traslada a un pequeño pueblo costero de Nueva Inglaterra, donde comienza a trasladar al lienzo la vida sencilla de los marineros de la región. La espontaneidad con la que el artista representa la magia de una noche de verano hacen de esta pintura una de las cumbres de la pintura norteamericana.
CLAUDE MONET
"Álamos al borde del Epte, vista de la marisma", 1891óleo sobre lienzo, 88- 93 cm. - colección privada, Estados Unidos
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1891_monet_poplars_epte.jpg
Claude Monet es el pintor impresionista por antonomasia, un genio autor de la célebre serie de La catedral de Rouen –la cumbre del impresionismo- y los Nenúfares, descritos como “la capilla sixtina del impresionismo”, aunque en realidad van más allá, esbozando ya la abstracción. Sin embargo, su mayor cota lírica la alcanza en este cuadro extrañamente irresistible. La composición posee la extraña belleza de un haiku japonés, asimétrica y conmovedora, mientras las hojas de los álamos se desdoblan en una gama de rojos y púrpuras, concluyendo en un azul que haría enrojecer de envidia a Yves Klein. Es, en definitiva, Monet en su máximo esplendor, aquel artista que “quisiera pintar como el pájaro canta”, y que, en obras como esta, lo consigue.
EDVARD MUNCH
“El grito”, 1895 óleo sobre lienzo, 89- 73.5 cm. – Oslo, Galería Nacional.
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1893_munch_scream.jpg
La obra más famosa de Edgard Munch y una de las pinturas más reconocibles de todo el arte moderno. Su fama se ha visto aumentada en los últimos tiempos al protagonizar, junto con la “Madonna” del mismo autor, uno de los robos de Arte más sonados de los últimos tiempos, felizmente ya resuelto. El robo de ambas obras produjo un escándalo de dimensiones inauditas en el país escandinavo, tanto por la facilidad con la que fueron robadas (arrancadas de las paredes a plena luz del día e introducidas en un coche con el motor en marcha) como por el hecho de que no estuvieran aseguradas
Más allá de polémicas, la pintura es hoy en día un símbolo de la angustia del mundo contemporáneo. La terrible figura cadavérica y los chillones colores del paisaje de fondo, además de la perspectiva forzada, causan una sensación de angustia y ansiedad en el observador. El propio pintor describió esta pintura con estas palabras: “paseando durante un ocaso sentí como un grito en la naturaleza. Me pareció oir un grito. Pinté este cuadro, pinté las nubes como sangre verdadera, los colores gritaban...”
“Kindred spirits ("espíritus afines" o "afinidad de espíritu"), 1849 óleo sobre lienzo, 116.5- 91.4 c. – Colección privada
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1849_durand_kindred.jpg
Asher Brown Durand es uno de los pintores más importantes de la llamada Escuela del Río Hudson. Aunque mayor que Cole –el pionero del paisaje americano- se introduce en el paisajismo tras conocer las obras de éste. Más romántico y menos fiel a la realidad que su Cole, sus obras son no obstante más bellas y poéticas, con claras influencias de maestros como Meindert Hobbema o Claudio de Lorena. Es creador de obras tan célebres como "Las hayas" o el "Kindred Spirits" (espíritus afines), una de las obras más famosas y representativas de toda la pintura americana.
La escena, aparentemente sencilla, encierra numerosos elementos alegóricos cargados de simbolismo. Vemos dos hombres en lo alto de unas rocas, contemplando un fantástico valle fluvial salpicado de rocas, arbustos y saltos de agua. En primer plano, un majestuoso árbol abraza la escena, como dando cobijo a los dos hombres que dominan el paisaje. Al fondo, dos elementos claramente simbólicos –la cascada y el águila- remarcan una vertical imaginaria que divide y organiza la composición. Todo está en paz, todo es perfecto dentro de la grandiosidad de la Naturalez.
FREDERICK EDWIN CHURCH
“Above the clouds at sunrise (Por encima de las nubes al amanecer)”, 1849 óleo sobre lienzo, 69.2- 102.2 cm. – The Warner Collection
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1849_church_above_the_clouds.jpg
Frederick Edwin Church es discípulo y admirador de Thomas Cole, pionero del paisaje americano, a quien dedica muchos de sus obras. Church representa la culminación de la Escuela del río Hudson: posee el amor por el paisaje de Cole, el lirismo romántico de Durand y la grandilocuencia de Bierstadt, siendo más valiente y técnicamente más dotado que cualquiera de ellos. Se trata sin duda de uno de los mejores paisajistas de todos los tiempos, tal vez sólo superado por Turner y algunos impresionistas y postimpresionistas de primera linea como Monet o Cézanne. Poco a poco el paisaje americano se le queda corto a Church, y pinta obras maestras exóticas como "Cotopaxi", "Heart of the Andes" o el "Above the clouds at sunrise" aquí mostrado.
Un paisaje sin tierra. O mejor aún, un paisaje aéreo. "Above the clouds at sunrise" es uno de los paisajes más originales y valientes de la historia de la pintura. Church ha representado el amanecer en lo alto de una montaña, “por encima de las nubes”, de tal manera que todo el paisaje situado a una cierta distancia queda sustituido por un mar de nubes. Los elementos naturales situados cerca del observador, además de la rosada niebla del amanecer, enmarcan la vista del horizonte, mientras que uno de los árboles, situado exactamente delante del sol, matiza la potencia de éste sobre la pintura. Church no parece haber optado por representar un paisaje en concreto, sino más bien la luz onírica e increíble del amanecer.
PIERRE AUGUSTE RENOIR
“Baile en el Moulin de la Galette”, 1876 óleo sobre lienzo, 131- 175 cm. – Paris, Musée d'Orsay
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1876_renoir_gallette.jpg
Esta pintura ha sido descrita en ocasiones como “la pintura más bella del siglo XIX”. La escena describe uno de los numerosos bailes que se celebraban en el Molino de la Galette , uno de los locales de diversión más frecuentados del Montmartre de la época y punto de encuentro para bohemios y artistas como Toulouse-Lautrec, van Gogh o el propio Renoir.
Aposentado detrás de su caballete, el pintor ejecutó una obra maestra en la que retrata a muchos de sus amigos –el pintor cubano Pedro Vidal y su pareja, otros pintores franceses como Lamy, Gervex o Codey- pasando una divertida tarde de domingo en el jardín del Moulin. No todos los protagonistas de la pintura son rostros conocidos. El propio Renoir afirmó que varias de las modelos eran damas “de la calle”: “yo tenía miedo de que sus amantes prohibieran a sus “mujeres” la asistencia a mi estudio, pero también ellos eran buenos chicos. Algunos de ellos incluso posaron para mi como modelos” . Artistas, bohemios, prostitutas… todos ellos formando un auténtico “zoo humano” que nos traslada al instante a las tardes de bohemia en el Paris del XIX.
VINCENT VAN GOGH
“La noche estrellada”, 1889 óleo sobre lienzo, 73.7 – 92.1 cm. – Nueva York, Museum of Modern Art (MOMA)
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1889_van_gogh_starry.jpg
Una de las obras más famosas y reproducidas de van Gogh, comúnmente asociada a su creciente locura, y que en realidad es resultado de la preocupación del artista por las investigaciones astronómicas del momento. De hecho, en la pintura conviven elementos reales y fantásticos. Por un lado, un estudio realizado por el Griffith Park Observatory demostró que van Gogh representó la Luna , Venus, y varias estrellas en la posición exacta en la que se encontraban aquella noche despejada. Por otro lado, la llamativa espiral que ocupa gran parte de la obra es un elemento claramente fantástico, que bien puede ser una interpretación del artista de las corrientes invisibles que se producen en el firmamento, y que los avances en la astronomía comenzaban a publicar.
Kodera (1990) hace notar el contraste entre la torre de la iglesia y los espectaculares efectos del cielo como una crítica hacia la institución religiosa, que queda empequeñecida cuando se compara con la naturaleza. Más evidente resulta el contraste entre dicha torre y el enorme ciprés –que para van Gogh era símbolo de muerte- del primer plano.
WINSLOW HOMER
“Summer night (noche de verano)”, 1890 óleo sobre lienzo, 76.7- 102 cm. – Paris, Museo d'Orsay
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1890_winslow_homer_summer_night.jpg
A menudo se comete el error de considerar el impresionismo como un movimiento exclusivamente francés, cuando algunos pintores norteamericanos merecen figurar al lado de los Monet, Degas, Pisarro… De todos ellos, el más importante es sin duda Winslow Homer, artista original e innovador con un especial talento para la representación del mar ("The Gulf Stream", 1899, Metropolitan Museum of Art) En sus últimos años, Homer se traslada a un pequeño pueblo costero de Nueva Inglaterra, donde comienza a trasladar al lienzo la vida sencilla de los marineros de la región. La espontaneidad con la que el artista representa la magia de una noche de verano hacen de esta pintura una de las cumbres de la pintura norteamericana.
CLAUDE MONET
"Álamos al borde del Epte, vista de la marisma", 1891óleo sobre lienzo, 88- 93 cm. - colección privada, Estados Unidos
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1891_monet_poplars_epte.jpg
Claude Monet es el pintor impresionista por antonomasia, un genio autor de la célebre serie de La catedral de Rouen –la cumbre del impresionismo- y los Nenúfares, descritos como “la capilla sixtina del impresionismo”, aunque en realidad van más allá, esbozando ya la abstracción. Sin embargo, su mayor cota lírica la alcanza en este cuadro extrañamente irresistible. La composición posee la extraña belleza de un haiku japonés, asimétrica y conmovedora, mientras las hojas de los álamos se desdoblan en una gama de rojos y púrpuras, concluyendo en un azul que haría enrojecer de envidia a Yves Klein. Es, en definitiva, Monet en su máximo esplendor, aquel artista que “quisiera pintar como el pájaro canta”, y que, en obras como esta, lo consigue.
EDVARD MUNCH
“El grito”, 1895 óleo sobre lienzo, 89- 73.5 cm. – Oslo, Galería Nacional.
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1893_munch_scream.jpg
La obra más famosa de Edgard Munch y una de las pinturas más reconocibles de todo el arte moderno. Su fama se ha visto aumentada en los últimos tiempos al protagonizar, junto con la “Madonna” del mismo autor, uno de los robos de Arte más sonados de los últimos tiempos, felizmente ya resuelto. El robo de ambas obras produjo un escándalo de dimensiones inauditas en el país escandinavo, tanto por la facilidad con la que fueron robadas (arrancadas de las paredes a plena luz del día e introducidas en un coche con el motor en marcha) como por el hecho de que no estuvieran aseguradas
Más allá de polémicas, la pintura es hoy en día un símbolo de la angustia del mundo contemporáneo. La terrible figura cadavérica y los chillones colores del paisaje de fondo, además de la perspectiva forzada, causan una sensación de angustia y ansiedad en el observador. El propio pintor describió esta pintura con estas palabras: “paseando durante un ocaso sentí como un grito en la naturaleza. Me pareció oir un grito. Pinté este cuadro, pinté las nubes como sangre verdadera, los colores gritaban...”
!IRONMAN!
01-12-2009, 18:11:29
epa interesante..... habian muchas pinturas que no conocia.....
exelente aporte preciosa
exelente aporte preciosa
Flébil
01-12-2009, 18:25:03
PAUL GAUGUIN
“¿De donde venimos? ¿Quienes somos? ¿A dónde vamos?”, 1897 oleo sobre lienzo, 139- 375 cm. - Boston, Museum of Fine Arts
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1897_gauguin_where.jpg
El mismo Gauguin afirmó que tras pintar el “¿De donde venimos? ¿Quienes somos? ¿A dónde vamos?” había intentado suicidarse. Sea esto cierto o no, lo cierto es que meses antes de pintar su obra maestra, las cosas se torcieron de tal manera que todo hacía presagiar un trágico final que sin embargo tardaría un lustro en llegar: su situación económica se vuelve prácticamente insostenible –lo cual no le impediría, sin embargo, rechazar una asignación del Ministerio francés por considerarlo una “limosna”- y la sífilis y el alcoholismo convierten su estado físico en una tortura. No obstante, el más duro golpe le llegó literalmente por correo: en la primavera de 1897, una carta le informaba de la muerte, con apenas 21 años, de su hija Aline. Esta muerte supuso no sólo la ruptura del artista con su esposa, a la que acusó irracionalmente de la pérdida de su hija, sino con la Fe que aún podía conservar. En una devastadora carta fechada ese mismo año, Gauguin afirma: “Mi hija ha muerto. Ya no quiero a Dios.” En este estado mental Gauguin emprende la titánica tarea de pintar su testamento artístico, la obra que reúne en si misma todas las demás obras del artista: “¿Quienes somos? ¿De donde venimos? ¿A dónde vamos?” no es simplemente la obra más colosal que Gauguin pintó vida (139- 375 cm.) sino que desarrolla por completo la doctrina filosófica y pictórica del artista. Con un formato llamativamente horizontal, el lienzo sigue una evolución cronológica inversa, comenzando en su extremo izquierdo con la desoladora figura de una momia que, en posición fetal, tapa sus oídos como intentando mantenerse ajena a toda la escena; mientras que en el extremo izquierdo, un bebé, símbolo de la inocencia y la vida, es cuidado por tres jóvenes tahitianas. En el centro, la figura del hombre que coge un fruto simboliza la tentación y caída del hombre. Estructurando el cuadro en un sentido cronológico inverso, Gauguin parece señalar lo primitivo, lo inocente, como único camino a seguir por el artista
WASSILY KANDINSKY
“Der Blaue Reiter (el jinete azul)”, 1903 óleo sobre lienzo, 55- 65 cm. – Zurich, colección particular
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1903_kandinsky_reiter.jpg
Kandinsky es uno de los nombres propios de la pintura del siglo XX, ya que tradicionalmente se le considera el creador de la abstracción. No obstante, sus primeras obras, como la aquí comentada, son tremendamente interesantes por constituir un puente entre el postimpresionismo y el expresionismo. De hecho, Kandinsky siempre se sintió impresionado por la obra de Claude Monet. Contemplando uno de sus "almiares" en una exposición en Moscú, comentaría: "Y de pronto, por primera vez, vi un cuadro. Leí en el catálogo que se trataba de un montón de heno, pero yo no podía reconocerlo (…) Me di cuenta de que faltaba el objeto del cuadro (…) Lo que tenía perfectamente presente era la insospechada y hasta entonces oculta fuerza de la paleta” “El jinete azul” es, además de una obra extraordinaria por el manejo de la luz y el color, y la simpleza con la que se consigue el contraste entre el movimiento del jinete y el estático paisaje de fondo, el nombre de una editorial que agrupaba a alguno de los principales pintores expresionistas como Franz Marc o el propio Kandinsky. “El jinete azul” no era ni un movimiento ni una escuela. Más bien se trataba del punto de encuentro de varios artistas descontentos con el devenir del movimiento “Die Bruke” (El Puente). “El Jinete Azul… La suerte está echada”, escribiría Franz Marc. Una suerte que concluiría cuando la Primera Guerra Mundial dispersaría a sus protagonistas.
PAUL CÉZANNE
“La Montaña Sainte-Victoire vista desde Lauves”, 1904-1906 óleo sobre lienzo, 60- 72 cm. – Basilea, Kunstmuseum
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1904_06_cezanne_victoire.jpg
“Cezanne fue mi solo y único maestro (…) Él fue la madre de todos nosotros”, afirmó Picasso refiriéndose a Paul Cézanne, uno de los artistas más innovadores de la historia del Arte, y por derecho propio uno de los creadores de la pintura moderna. Aunque a menudo su nombre se asocia con el impresionismo, y a menudo expuso con éstos, su obra va mucho más allá de los logros impresionistas, y entronca de manera evidente con muchas de las vanguardias pictóricas de comienzos del siglo XX. Esta es una de las versiones más desarrolladas de las numerosas vistas que Paul Cézanne pintó de la Montaña Sainte-Victoire en las cercanías de Aix-en-Provence. Es una obra que podríamos denominar cubista antes del cubismo: la montaña triangular y los elementos de la pradera –tanto geográficos como edificatorios- adquieren volumen no gracias a la perspectiva, sino a la superposición de planos cromáticos. A diferencia de otras pinturas de la misma montaña, Cézanne ha introducido elementos vegetales en primer plano, delimitando y enfatizando la vista de la montaña y la pradera.
PABLO PICASSO
“Les demoiselles d'Avignon”, 1907 óleo sobre tela, 243.9 – 233.7 cm. – Nueva York, Museo de Arte Moderno (MOMA)
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1907_picasso_demoiselles.jpg
Estamos ante la que es posiblemente la pintura más importante del siglo XX, por ser considerada la pintura que inició el cubismo propiamente dicho –ya hemos visto el antecedente Cezánne- y a su vez considerarse éste como la base de toda la pintura moderna y contemporánea. Esta pintura impresionó profundamente a Georges Braque e inició la amistad entre ambos. Como ocurre con casi todas las pinturas capitales de la historia del Arte, “Las señoritas de Avignon” ha tenido infinidad de interpretaciones, algunas de ellas contradictorias. En cualquier caso, muchos críticos han coincidido en señalar esta pintura como una réplica a “La alegría de vivir” de Henri Matisse, en la que Picasso sustituye el paisaje exterior por el oscuro interior de un burdel, a las alegres figuras femeninas de Matisse por prostitutas, y, en general, la alegría de vivir por una sensación oscura y perturbadora. La paleta de colores es heredera del periodo rosa de Picasso, a la que añade algunos trazos oscuros, por lo que muchos críticos hablan de un periodo negro de la obra picassiana. Sea como sea, es una de las obras claves del Arte universal.
HENRI ROUSSEAU
“El sueño”, 1910 óleo sobre lienzo, 204.5- 298.5 cm. - Nueva York, Museum of Modern Art (MOMA)
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1910_rousseau_dream.jpg
Atemporal e increíblemente sugestiva, “El sueño ” es una pintura sensacional que reúne en si misma toda la magia y fantasía del arte del Aduanero Rousseau, pintor descrito como naif, primitivista, salvaje... En definitiva, un artista inclasificable, quizás el más personal y desinhibido de todos los artistas surgidos inmediatamente después del ocaso del impresionismo, que explicaría la obra con este sugerente discurso: “La mujer en el sofá sueña que ha sido trasladada a este bosque y escucha el sonido de la encantadora de serpientes...” Las fuentes de las que beben estas obras fantásticamente exóticas son tan complejas que nos obligarían a un viaje imposible dentro de la mente del Aduanero Rousseau, habitada por la admiración por “Las flores del mal” de Baudelaire, las poesías de su amigo Apollinaire, y la fascinación por la naturaleza salvaje tan típica de los artistas bohemios de finales del siglo XIX.
MARC CHAGALL
“Paris a través de la ventana”, 1913 óleo sobre lienzo, 135.8- 141.4 cm. – Nueva York, Guggenheim Museum.
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1913_chagall_paris.jpg
Criado en una humilde familia judía en Rusia, Marc Chagall siempre se sintió en Paris como un extraño, un extranjero “impresionado por la luz”. Pese a coincidir con los principales artistas de la época, con quienes expuso en el “Salón de los Independientes”, Chagall siempre se mantuvo fiel a su peculiar estilo, un estilo, según sus propias palabras, “poético sin poetización, místico sin misticismo”. Quizás por esta obstinación, durante sus últimos años su producción es bastante irregular, pero en sus primeros años en Paris pintó auténticas obras maestras llenas de misterio como ésta. Con sus brillantes colores, extrañas figuras e inusual composición, esta obra de Marc Chagall nos habla de un Paris misterioso e indescifrable en la que nada –ni nadie- es realmente lo que creemos que es.
“¿De donde venimos? ¿Quienes somos? ¿A dónde vamos?”, 1897 oleo sobre lienzo, 139- 375 cm. - Boston, Museum of Fine Arts
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1897_gauguin_where.jpg
El mismo Gauguin afirmó que tras pintar el “¿De donde venimos? ¿Quienes somos? ¿A dónde vamos?” había intentado suicidarse. Sea esto cierto o no, lo cierto es que meses antes de pintar su obra maestra, las cosas se torcieron de tal manera que todo hacía presagiar un trágico final que sin embargo tardaría un lustro en llegar: su situación económica se vuelve prácticamente insostenible –lo cual no le impediría, sin embargo, rechazar una asignación del Ministerio francés por considerarlo una “limosna”- y la sífilis y el alcoholismo convierten su estado físico en una tortura. No obstante, el más duro golpe le llegó literalmente por correo: en la primavera de 1897, una carta le informaba de la muerte, con apenas 21 años, de su hija Aline. Esta muerte supuso no sólo la ruptura del artista con su esposa, a la que acusó irracionalmente de la pérdida de su hija, sino con la Fe que aún podía conservar. En una devastadora carta fechada ese mismo año, Gauguin afirma: “Mi hija ha muerto. Ya no quiero a Dios.” En este estado mental Gauguin emprende la titánica tarea de pintar su testamento artístico, la obra que reúne en si misma todas las demás obras del artista: “¿Quienes somos? ¿De donde venimos? ¿A dónde vamos?” no es simplemente la obra más colosal que Gauguin pintó vida (139- 375 cm.) sino que desarrolla por completo la doctrina filosófica y pictórica del artista. Con un formato llamativamente horizontal, el lienzo sigue una evolución cronológica inversa, comenzando en su extremo izquierdo con la desoladora figura de una momia que, en posición fetal, tapa sus oídos como intentando mantenerse ajena a toda la escena; mientras que en el extremo izquierdo, un bebé, símbolo de la inocencia y la vida, es cuidado por tres jóvenes tahitianas. En el centro, la figura del hombre que coge un fruto simboliza la tentación y caída del hombre. Estructurando el cuadro en un sentido cronológico inverso, Gauguin parece señalar lo primitivo, lo inocente, como único camino a seguir por el artista
WASSILY KANDINSKY
“Der Blaue Reiter (el jinete azul)”, 1903 óleo sobre lienzo, 55- 65 cm. – Zurich, colección particular
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1903_kandinsky_reiter.jpg
Kandinsky es uno de los nombres propios de la pintura del siglo XX, ya que tradicionalmente se le considera el creador de la abstracción. No obstante, sus primeras obras, como la aquí comentada, son tremendamente interesantes por constituir un puente entre el postimpresionismo y el expresionismo. De hecho, Kandinsky siempre se sintió impresionado por la obra de Claude Monet. Contemplando uno de sus "almiares" en una exposición en Moscú, comentaría: "Y de pronto, por primera vez, vi un cuadro. Leí en el catálogo que se trataba de un montón de heno, pero yo no podía reconocerlo (…) Me di cuenta de que faltaba el objeto del cuadro (…) Lo que tenía perfectamente presente era la insospechada y hasta entonces oculta fuerza de la paleta” “El jinete azul” es, además de una obra extraordinaria por el manejo de la luz y el color, y la simpleza con la que se consigue el contraste entre el movimiento del jinete y el estático paisaje de fondo, el nombre de una editorial que agrupaba a alguno de los principales pintores expresionistas como Franz Marc o el propio Kandinsky. “El jinete azul” no era ni un movimiento ni una escuela. Más bien se trataba del punto de encuentro de varios artistas descontentos con el devenir del movimiento “Die Bruke” (El Puente). “El Jinete Azul… La suerte está echada”, escribiría Franz Marc. Una suerte que concluiría cuando la Primera Guerra Mundial dispersaría a sus protagonistas.
PAUL CÉZANNE
“La Montaña Sainte-Victoire vista desde Lauves”, 1904-1906 óleo sobre lienzo, 60- 72 cm. – Basilea, Kunstmuseum
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1904_06_cezanne_victoire.jpg
“Cezanne fue mi solo y único maestro (…) Él fue la madre de todos nosotros”, afirmó Picasso refiriéndose a Paul Cézanne, uno de los artistas más innovadores de la historia del Arte, y por derecho propio uno de los creadores de la pintura moderna. Aunque a menudo su nombre se asocia con el impresionismo, y a menudo expuso con éstos, su obra va mucho más allá de los logros impresionistas, y entronca de manera evidente con muchas de las vanguardias pictóricas de comienzos del siglo XX. Esta es una de las versiones más desarrolladas de las numerosas vistas que Paul Cézanne pintó de la Montaña Sainte-Victoire en las cercanías de Aix-en-Provence. Es una obra que podríamos denominar cubista antes del cubismo: la montaña triangular y los elementos de la pradera –tanto geográficos como edificatorios- adquieren volumen no gracias a la perspectiva, sino a la superposición de planos cromáticos. A diferencia de otras pinturas de la misma montaña, Cézanne ha introducido elementos vegetales en primer plano, delimitando y enfatizando la vista de la montaña y la pradera.
PABLO PICASSO
“Les demoiselles d'Avignon”, 1907 óleo sobre tela, 243.9 – 233.7 cm. – Nueva York, Museo de Arte Moderno (MOMA)
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1907_picasso_demoiselles.jpg
Estamos ante la que es posiblemente la pintura más importante del siglo XX, por ser considerada la pintura que inició el cubismo propiamente dicho –ya hemos visto el antecedente Cezánne- y a su vez considerarse éste como la base de toda la pintura moderna y contemporánea. Esta pintura impresionó profundamente a Georges Braque e inició la amistad entre ambos. Como ocurre con casi todas las pinturas capitales de la historia del Arte, “Las señoritas de Avignon” ha tenido infinidad de interpretaciones, algunas de ellas contradictorias. En cualquier caso, muchos críticos han coincidido en señalar esta pintura como una réplica a “La alegría de vivir” de Henri Matisse, en la que Picasso sustituye el paisaje exterior por el oscuro interior de un burdel, a las alegres figuras femeninas de Matisse por prostitutas, y, en general, la alegría de vivir por una sensación oscura y perturbadora. La paleta de colores es heredera del periodo rosa de Picasso, a la que añade algunos trazos oscuros, por lo que muchos críticos hablan de un periodo negro de la obra picassiana. Sea como sea, es una de las obras claves del Arte universal.
HENRI ROUSSEAU
“El sueño”, 1910 óleo sobre lienzo, 204.5- 298.5 cm. - Nueva York, Museum of Modern Art (MOMA)
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1910_rousseau_dream.jpg
Atemporal e increíblemente sugestiva, “El sueño ” es una pintura sensacional que reúne en si misma toda la magia y fantasía del arte del Aduanero Rousseau, pintor descrito como naif, primitivista, salvaje... En definitiva, un artista inclasificable, quizás el más personal y desinhibido de todos los artistas surgidos inmediatamente después del ocaso del impresionismo, que explicaría la obra con este sugerente discurso: “La mujer en el sofá sueña que ha sido trasladada a este bosque y escucha el sonido de la encantadora de serpientes...” Las fuentes de las que beben estas obras fantásticamente exóticas son tan complejas que nos obligarían a un viaje imposible dentro de la mente del Aduanero Rousseau, habitada por la admiración por “Las flores del mal” de Baudelaire, las poesías de su amigo Apollinaire, y la fascinación por la naturaleza salvaje tan típica de los artistas bohemios de finales del siglo XIX.
MARC CHAGALL
“Paris a través de la ventana”, 1913 óleo sobre lienzo, 135.8- 141.4 cm. – Nueva York, Guggenheim Museum.
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1913_chagall_paris.jpg
Criado en una humilde familia judía en Rusia, Marc Chagall siempre se sintió en Paris como un extraño, un extranjero “impresionado por la luz”. Pese a coincidir con los principales artistas de la época, con quienes expuso en el “Salón de los Independientes”, Chagall siempre se mantuvo fiel a su peculiar estilo, un estilo, según sus propias palabras, “poético sin poetización, místico sin misticismo”. Quizás por esta obstinación, durante sus últimos años su producción es bastante irregular, pero en sus primeros años en Paris pintó auténticas obras maestras llenas de misterio como ésta. Con sus brillantes colores, extrañas figuras e inusual composición, esta obra de Marc Chagall nos habla de un Paris misterioso e indescifrable en la que nada –ni nadie- es realmente lo que creemos que es.
-Damphir-
01-12-2009, 18:26:57
todo un viaje a través de la historia de la humanidad,
desde pintar con las manos, hasta aplicar grandes técnicas
nacidas del ingenio para retratarse a si mismo
excelente aporte
desde pintar con las manos, hasta aplicar grandes técnicas
nacidas del ingenio para retratarse a si mismo
excelente aporte
Flébil
01-12-2009, 18:29:56
MARCEL DUCHAMP
“Desnudo bajando una escalera nº2”, 1912 óleo sobre lienzo, 146- 89 cm . – Philadelphia Museum of Art
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1912_duchamp_escalier_philadelphia.jpg
Una de las pinturas más audaces e inteligentes del siglo XX. Los desnudos bajando una escalera de Duchamp son iconos a medio camino entre el cubismo, el futurismo y el dada, en los que la multiplicación de puntos de vista sugiere una sensación de movimiento nunca vista hasta entonces. La interpretación del cuerpo humano como una máquina en movimiento es una idea puramente futurista en la que el desarrollo de la cronofotografía y los comienzos de la cinematografía tuvieron mucho que ver. Poco después de estas composiciones, Duchamp comenzaría su periodo más dada, con sus ready-made y sus icónicas fuentes-orinales.
PIET MONDRIAN
“Broadway boogie-woogie”, 1942-43 óleo sobre lienzo, 50- 50 cm. - Nueva York, Museum of Modern Art (MOMA)
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1943_mondrian_broadway.jpg
“Mondrian ha dejado su paraíso blanco para entrar en el mundo real” escribió Robert Motherwell refiriéndose a esta pintura, con lo que quería expresar que el artista holandés había, por fin, incorporado la emoción a su obra.
Así es. Pese a que las obras de Mondrian están lejos de ser la imagen de lo que denominaríamos una pintura “emocional” convencional, es cierto que su llegada a Nueva York en 1939 produjo a Mondrian una serie de emociones que convertirían esta etapa de su obra (hasta su muerte en 1944) el la más intensa e interesante de su carrera. "Broadway Boogie-woogie" es, además de la culminación de la pintura de "de Stijl", un homenaje a la música jazz y a la cultura americana, realizado mediante la creación de líneas mediante múltiples rectángulos de colores.
EDWARD HOPPER
“Nighthawks”, 1942 óleo sobre lienzo, 84.1- 152.4 cm. – Chicago, Art Institute
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1942_hopper_nighthawks.jpg
“Probablemente de forma inconsciente, estaba pintando la soledad de una gran ciudad”, dijo el propio Hopper de esta obra. Efectivamente, “Nighthawks” no es sólo la obra más famosa y reproducida del artista, sino que se ha convertido, por derecho propio, en el símbolo de la soledad de la metrópolis contemporánea y en uno de los iconos del Arte del siglo XX.
De esta pintura se han hecho multitud de interpretaciones y consideraciones subjetivas, demostrando así la terrible emoción que ésta provoca en el observador. La visión de estas cuatro figuras anónimas (misteriosamente, Hopper llamó a esta obra una pintura “de tres personajes”) en el interior de un sobreiluminado bar en la noche de una oscura jungla de asfalto consigue producir una sensación de soledad inevitable. A destacar que, al no representar la puerta de acceso al local, Hopper ha convertido el establecimiento en una prisión de vidrio en la que nadie puede entrar –ni salir.
JACKSON POLLOCK
“Number 9a – Summertime”, 1948 – oleo sobre lienzo, 84.8- 555 cm.
Londres, Tate Gallery © Jackson Pollock Foundation
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1948_pollock_9a_summertime.jpg
Pollock es la figura clave del expresionismo abstracto Americano, y recientemente se le ha considerado como la figura artística que limita las dos mitades en las que tradicionalmente se divide el siglo XX: la moderna y la contemporánea.
“Summertime” es una de las obras más brillantes de la época de esplendor de Pollock, que podríamos situar entre 1946 y 1950. Con un formato marcadamente horizontal, Pollock imprime a la composición un ritmo y un movimiento sensacional, que muchos críticos han identificado con una serie de figuras danzantes. Al igual que en varias de sus obras maestras, Pollock ha intercalado el drip –la aplicación directa del esmalte sobre el lienzo, formando trazos nerviosos, con las manchas de color puro. Y aunque fuera de esta etapa de madurez Pollock mantuvo una producción irregular, retrocediendo a veces hasta una figuración bastante decepcionante, en obras como “Summertime”, al igual que en el “Lavender Mist” (Washington, National Gallery), el “Out of the web” o el “Lucifer”, por citar algunas de sus obras maestras, Pollock se nos revela como el genio dinámico y colosal que, por medio del drip y el over-all, consigue canalizar la tremenda energía de su psique y plasmarla en gesto
WILLEM DE KOONING
“Woman I (Mujer I)”, 1950-52
oleo sobre lienzo, 192.7- 147.3 cm. - Nueva York, Museum of Modern Art (MOMA) © Willem de Kooning
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1950_52_kooning_woman.jpg
En medio del esplendor del expresionismo abstracto, surge la figura de Willem de Kooning, pintor de origen holandés afincado en Estados Unidos, expresionista pero no siempre abstracto. Su serie de mujeres, de la cual este ejemplar del MOMA es el más representativo, fueron la cumbre de su carrera. “Este cuadro hizo algo por mi: eliminó la composición, el orden, las relaciones, la luz, toda esa charla absurda sobre la línea, el color y la forma…” En efecto, más allá de la fuerza terrible y despiadada que exhiben estas mujeres –de “diosas negras” las calificó T. Hess- es un regreso relativo y momentáneo al lenguaje figurativo tras la eclosión del expresionismo abstracto.
DAVID HOCKNEY
“A bigger splash”, 1967
óleo sobre lienzo, 242- 243 cm. – Londres, Tate Gallery © David Hockney
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1967_hockney_bigger_splash_242_243_tate-2.jpg
David Hockney es uno de los mitos vivos de la pintura pop. Británico de nacimiento, se traslada pronto a California, donde enseguida se siente identificado con la luz, la cultura y el paisaje urbano de la región. A bigger splash es posiblemente su obra más conocida, y –aunque la sencillez de la composición pudiese hacer creer lo contrario- más valientes en cuanto a la dificultad de plasmar en una composición de tal tamaño un evento de vida tan corta como un zambullido. El propio Hockney lo explicó así: “Me llevó dos semanas pintar un evento que dura dos segundos”.
"A bigger splash" nos traslada a un tranquilo día soleado en California, con un soberbio manejo de la luz que parece hacer recomendable ver la pintura con unas buenas gafas de sol. Hockney nos sitúa al borde de una piscina, en medio de una serena composición conseguida mediante líneas únicamente horizontales y verticales, a excepción de la diagonal formada por el trampolín. El artista ha captado el momento exacto en el que un personaje al que no podemos ver se lanza al agua, formando un gran splash que rompe momentáneamente la calma casi sagrada de la escena. Casi podemos escuchar el exuberante sonido del chapuzón mientras la suave y fresca brisa marina corre por nuestra espalda.
tomado de: theartwolf
“Desnudo bajando una escalera nº2”, 1912 óleo sobre lienzo, 146- 89 cm . – Philadelphia Museum of Art
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1912_duchamp_escalier_philadelphia.jpg
Una de las pinturas más audaces e inteligentes del siglo XX. Los desnudos bajando una escalera de Duchamp son iconos a medio camino entre el cubismo, el futurismo y el dada, en los que la multiplicación de puntos de vista sugiere una sensación de movimiento nunca vista hasta entonces. La interpretación del cuerpo humano como una máquina en movimiento es una idea puramente futurista en la que el desarrollo de la cronofotografía y los comienzos de la cinematografía tuvieron mucho que ver. Poco después de estas composiciones, Duchamp comenzaría su periodo más dada, con sus ready-made y sus icónicas fuentes-orinales.
PIET MONDRIAN
“Broadway boogie-woogie”, 1942-43 óleo sobre lienzo, 50- 50 cm. - Nueva York, Museum of Modern Art (MOMA)
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1943_mondrian_broadway.jpg
“Mondrian ha dejado su paraíso blanco para entrar en el mundo real” escribió Robert Motherwell refiriéndose a esta pintura, con lo que quería expresar que el artista holandés había, por fin, incorporado la emoción a su obra.
Así es. Pese a que las obras de Mondrian están lejos de ser la imagen de lo que denominaríamos una pintura “emocional” convencional, es cierto que su llegada a Nueva York en 1939 produjo a Mondrian una serie de emociones que convertirían esta etapa de su obra (hasta su muerte en 1944) el la más intensa e interesante de su carrera. "Broadway Boogie-woogie" es, además de la culminación de la pintura de "de Stijl", un homenaje a la música jazz y a la cultura americana, realizado mediante la creación de líneas mediante múltiples rectángulos de colores.
EDWARD HOPPER
“Nighthawks”, 1942 óleo sobre lienzo, 84.1- 152.4 cm. – Chicago, Art Institute
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1942_hopper_nighthawks.jpg
“Probablemente de forma inconsciente, estaba pintando la soledad de una gran ciudad”, dijo el propio Hopper de esta obra. Efectivamente, “Nighthawks” no es sólo la obra más famosa y reproducida del artista, sino que se ha convertido, por derecho propio, en el símbolo de la soledad de la metrópolis contemporánea y en uno de los iconos del Arte del siglo XX.
De esta pintura se han hecho multitud de interpretaciones y consideraciones subjetivas, demostrando así la terrible emoción que ésta provoca en el observador. La visión de estas cuatro figuras anónimas (misteriosamente, Hopper llamó a esta obra una pintura “de tres personajes”) en el interior de un sobreiluminado bar en la noche de una oscura jungla de asfalto consigue producir una sensación de soledad inevitable. A destacar que, al no representar la puerta de acceso al local, Hopper ha convertido el establecimiento en una prisión de vidrio en la que nadie puede entrar –ni salir.
JACKSON POLLOCK
“Number 9a – Summertime”, 1948 – oleo sobre lienzo, 84.8- 555 cm.
Londres, Tate Gallery © Jackson Pollock Foundation
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1948_pollock_9a_summertime.jpg
Pollock es la figura clave del expresionismo abstracto Americano, y recientemente se le ha considerado como la figura artística que limita las dos mitades en las que tradicionalmente se divide el siglo XX: la moderna y la contemporánea.
“Summertime” es una de las obras más brillantes de la época de esplendor de Pollock, que podríamos situar entre 1946 y 1950. Con un formato marcadamente horizontal, Pollock imprime a la composición un ritmo y un movimiento sensacional, que muchos críticos han identificado con una serie de figuras danzantes. Al igual que en varias de sus obras maestras, Pollock ha intercalado el drip –la aplicación directa del esmalte sobre el lienzo, formando trazos nerviosos, con las manchas de color puro. Y aunque fuera de esta etapa de madurez Pollock mantuvo una producción irregular, retrocediendo a veces hasta una figuración bastante decepcionante, en obras como “Summertime”, al igual que en el “Lavender Mist” (Washington, National Gallery), el “Out of the web” o el “Lucifer”, por citar algunas de sus obras maestras, Pollock se nos revela como el genio dinámico y colosal que, por medio del drip y el over-all, consigue canalizar la tremenda energía de su psique y plasmarla en gesto
WILLEM DE KOONING
“Woman I (Mujer I)”, 1950-52
oleo sobre lienzo, 192.7- 147.3 cm. - Nueva York, Museum of Modern Art (MOMA) © Willem de Kooning
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1950_52_kooning_woman.jpg
En medio del esplendor del expresionismo abstracto, surge la figura de Willem de Kooning, pintor de origen holandés afincado en Estados Unidos, expresionista pero no siempre abstracto. Su serie de mujeres, de la cual este ejemplar del MOMA es el más representativo, fueron la cumbre de su carrera. “Este cuadro hizo algo por mi: eliminó la composición, el orden, las relaciones, la luz, toda esa charla absurda sobre la línea, el color y la forma…” En efecto, más allá de la fuerza terrible y despiadada que exhiben estas mujeres –de “diosas negras” las calificó T. Hess- es un regreso relativo y momentáneo al lenguaje figurativo tras la eclosión del expresionismo abstracto.
DAVID HOCKNEY
“A bigger splash”, 1967
óleo sobre lienzo, 242- 243 cm. – Londres, Tate Gallery © David Hockney
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1967_hockney_bigger_splash_242_243_tate-2.jpg
David Hockney es uno de los mitos vivos de la pintura pop. Británico de nacimiento, se traslada pronto a California, donde enseguida se siente identificado con la luz, la cultura y el paisaje urbano de la región. A bigger splash es posiblemente su obra más conocida, y –aunque la sencillez de la composición pudiese hacer creer lo contrario- más valientes en cuanto a la dificultad de plasmar en una composición de tal tamaño un evento de vida tan corta como un zambullido. El propio Hockney lo explicó así: “Me llevó dos semanas pintar un evento que dura dos segundos”.
"A bigger splash" nos traslada a un tranquilo día soleado en California, con un soberbio manejo de la luz que parece hacer recomendable ver la pintura con unas buenas gafas de sol. Hockney nos sitúa al borde de una piscina, en medio de una serena composición conseguida mediante líneas únicamente horizontales y verticales, a excepción de la diagonal formada por el trampolín. El artista ha captado el momento exacto en el que un personaje al que no podemos ver se lanza al agua, formando un gran splash que rompe momentáneamente la calma casi sagrada de la escena. Casi podemos escuchar el exuberante sonido del chapuzón mientras la suave y fresca brisa marina corre por nuestra espalda.
tomado de: theartwolf
Flébil
01-12-2009, 18:31:49
Ironman y Damphir, muchas gracias por sus apreciaciones. :)
Por fin la lista de 50 completa :jijoju:.
Por fin la lista de 50 completa :jijoju:.
piraquibe
01-12-2009, 20:58:12
me gusto de PHILOXENOS DE ERETRIA la batalla de issos demuestra fuerza esta pintura
EricCartman
01-12-2009, 21:12:23
Excelente aporte Flébil... de todos los que mostraste mi favorito es La Ola.
Aunque creo que faltaron algunos por mencionar... yo agregaría entre otros a Fouijita con ésta:
http://www.kuchizuke.net/Kuchizuke_Articulos/foujita.jpeg
Aunque creo que faltaron algunos por mencionar... yo agregaría entre otros a Fouijita con ésta:
http://www.kuchizuke.net/Kuchizuke_Articulos/foujita.jpeg
Flébil
01-12-2009, 21:19:16
Eric... sí bueno esta es una selección particularmente hecha por una revista de arte online, como homenaje a la pintura de distintas épocas y culturas, a mi parecer también faltan algunas.
Gracias por comentar y por el aporte de Foujita, es preciosa la delicadeza que refleja.
Gracias por comentar y por el aporte de Foujita, es preciosa la delicadeza que refleja.
-WesHiena-
01-12-2009, 21:27:06
EL BOSCO (HYERONIMUS BOSCH)
“Tríptico del jardín de las delicias”, c.1500 óleo sobre tabla, 220- 389 cm . – Madrid, Museo del Prado.
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/bosch_garden_left.jpghttp://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1500_bosch_garden_center.jpg http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/bosch_garden_right.jpg
Una de las pinturas más famosas y comentadas de toda la pintura occidental, pero también una de las más complejas y malinterpretadas. Un análisis en profundidad de la obra llevaría páginas y páginas de interpretaciones y –en muchos casos- meras conjeturas.
En pocas palabras, la obra de El Bosco es básicamente moralizante, didáctica. El Bosco ve en la sociedad de su época el triunfo del pecado, de la carne, de todas las cosas que han arrebatado al ser humano su carácter angelical, y quiere advertir a sus contemporáneos de las terribles consecuencias de sus actos impuros. El panel de la izquierda representa el paraíso, Adán y Eva viviendo libres de pecado en medio de un formidable edén lleno de animales fantásticos y exuberante vegetación, con la fuente de la vida dominando la escena. El panel de la derecha representa los terribles tormentos a los que se ven sometidos los pecadores en el infierno, incluyendo el ser devorados (y posteriormente defecados) por una extraña figura con un caldero en la cabeza. La escena es sensacional por la fantasía y el colorido, destacando el abrumador uso de la iluminación en los edificios que arden en la parte superior de la imagen. La tabla central es complejísima tanto por su composición como por su significado. El centro de la composición lo ocupa un estanque lleno de mujeres, alrededor del cual cabalgan un grupo de hombres en lo que se interpreta como una alegoría del deseo sexual. Varias referencias al pecado original –mujeres y pájaros que dan manzanas a los hombres- completan la escena. Pese a que este ímpetu moralizante resulta ridículo para cualquier persona medianamente razonable hoy en día, la obra de El Bosco no deja de ser una de las grandes pinturas de la historia de la pintura occidental.
este men fue un teso en su epoca, su preocupacion de ver ala humanidad a finales del medioevo lo llenaron de mucha creatividad y crear un mundo casi tan real como el tema del infierno y de ahi muchos surrealistas lo vieron a el como un ejemplo de lo que harian despues en sus pinturas, un mundo imaginario casi real! excelente tema flébil ;)
“Tríptico del jardín de las delicias”, c.1500 óleo sobre tabla, 220- 389 cm . – Madrid, Museo del Prado.
http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/bosch_garden_left.jpghttp://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/1500_bosch_garden_center.jpg http://www.theartwolf.com/masterworks/masterworks/bosch_garden_right.jpg
Una de las pinturas más famosas y comentadas de toda la pintura occidental, pero también una de las más complejas y malinterpretadas. Un análisis en profundidad de la obra llevaría páginas y páginas de interpretaciones y –en muchos casos- meras conjeturas.
En pocas palabras, la obra de El Bosco es básicamente moralizante, didáctica. El Bosco ve en la sociedad de su época el triunfo del pecado, de la carne, de todas las cosas que han arrebatado al ser humano su carácter angelical, y quiere advertir a sus contemporáneos de las terribles consecuencias de sus actos impuros. El panel de la izquierda representa el paraíso, Adán y Eva viviendo libres de pecado en medio de un formidable edén lleno de animales fantásticos y exuberante vegetación, con la fuente de la vida dominando la escena. El panel de la derecha representa los terribles tormentos a los que se ven sometidos los pecadores en el infierno, incluyendo el ser devorados (y posteriormente defecados) por una extraña figura con un caldero en la cabeza. La escena es sensacional por la fantasía y el colorido, destacando el abrumador uso de la iluminación en los edificios que arden en la parte superior de la imagen. La tabla central es complejísima tanto por su composición como por su significado. El centro de la composición lo ocupa un estanque lleno de mujeres, alrededor del cual cabalgan un grupo de hombres en lo que se interpreta como una alegoría del deseo sexual. Varias referencias al pecado original –mujeres y pájaros que dan manzanas a los hombres- completan la escena. Pese a que este ímpetu moralizante resulta ridículo para cualquier persona medianamente razonable hoy en día, la obra de El Bosco no deja de ser una de las grandes pinturas de la historia de la pintura occidental.
este men fue un teso en su epoca, su preocupacion de ver ala humanidad a finales del medioevo lo llenaron de mucha creatividad y crear un mundo casi tan real como el tema del infierno y de ahi muchos surrealistas lo vieron a el como un ejemplo de lo que harian despues en sus pinturas, un mundo imaginario casi real! excelente tema flébil ;)
Don Alcapone
01-12-2009, 22:21:28
parce la monalisa y la masacre de los inocentes esas son muy baknas!
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